“我81岁了。我有9个子女,42个孙辈,近10亿臣民。我有风湿,子宫下垂,我过度臃肿,还有一只耳失聪。我见过11任首相,签署了2347条法案,执政62年234天。我是在位时间最长的君主,对5个皇室家庭和超过3000名雇员负责。我脾气不好,乏味,贪吃肥胖,暴躁又自私短视,表里都是如此。我专权得令人厌恶,百无一是,但我没有精神失常!如果整个王室家庭想忤逆我那么就来吧,当面来。我可以马上在觐见室等
“我81岁了。我有9个子女,42个孙辈,近10亿臣民。我有风湿,子宫下垂,我过度臃肿,还有一只耳失聪。我见过11任首相,签署了2347条法案,执政62年234天。我是在位时间最长的君主,对5个皇室家庭和超过3000名雇员负责。我脾气不好,乏味,贪吃肥胖,暴躁又自私短视,表里都是如此。我专权得令人厌恶,百无一是,但我没有精神失常!如果整个王室家庭想忤逆我那么就来吧,当面来。我可以马上在觐见室等你们。”
《维多利亚与阿卜杜勒》由一名女记者挖掘的王室轶闻改编,讲述维多利亚女王执政末期与一名印度男仆的私人情谊,那是印度正式成为女王王冠上的宝石的第29个年头,亦是大英帝国强盛的顶峰。抛去多少是史实多少是戏说不讲,除了英国人骨子里的自嘲幽默和难掩的对昔日荣光的留恋叹息与思索,动人之处在于把女王还原为一个普通的迟暮老者,为万众瞩目,却无人愿意真正聆听与理解其内心的孤寂,这个困局,是我们人人都迟早要陷入的。而阿卜杜勒的出现,成为女王私人情感的避风港,她对漫长人世的厌倦,她的脆弱无力和任性,她在职责上的麻木失落和对阿尔伯特与约翰布朗的哀思,终于得以以“一个人”的方式纾解。
除了这条主线,让我感慨的是阿卜杜勒的印度同伴,这个冷幽默的角色从一开始就不情愿于这趟从印度到英国的“为殖民者献媚”的羞耻之旅,在他眼中领导世界的英帝国不过是“吃猪血”的“不文明之地”,他不想被“冻死”在罪恶异乡,他直言相告一个帝国站在最巅峰,意味着此去可见的也只有下坡路了。而他的死亦把全片基调从承载女王美好记忆的怀特岛的阳光,带向一片漫天飞雪下的无尽悲凉。片尾留给观众的伤感,在于我们看到的不止是一个女王的谢幕,和一个大国奏起的挽歌,而是两个普普通通惺惺相惜的灵魂的辞别。
本片从电影角度看不算是特别好的作品,对女王人格的过度美化如能克制些会更显真实客观,阿卜杜勒这一人物的平板也让故事失去厚度,但电影让我们看到“老去”这一无法避免的过程,我们都该为这注定的一种“凄凉”做好准备。
2022年冲着片名好奇看的第一部韩剧《只一人》,真的很值得安利。全剧演员演技在线,两位主角非常让人心疼,又虐又甜,这应该是一部注定悲剧的甜剧吧。剧中的铺垫也很细腻,有灰暗压抑的画面,也有明亮治愈的画面,有悲伤现实,也有欢喜心动。
2022年冲着片名好奇看的第一部韩剧《只一人》,真的很值得安利。全剧演员演技在线,两位主角非常让人心疼,又虐又甜,这应该是一部注定悲剧的甜剧吧。剧中的铺垫也很细腻,有灰暗压抑的画面,也有明亮治愈的画面,有悲伤现实,也有欢喜心动。
刚开始看的时候,觉得前几集真的超吓人,慢慢看着看着就没感觉了,就觉得好好看啊。一直很喜欢孔孝真演的戏,不只是演技还有剧本,男主是霸道总裁,很可爱,傲娇!
女主改变了男主唯利是图的商人性格,不再用金钱去计算一切,记得那个奇怪的高女士说太阳为你付出了所有,你算算值多少钱的时候好感人。最感人的是他以为自己已经死了和太阳说的我爱你,眼神很到位!太阳为了救男主要进行ghosttrainin
刚开始看的时候,觉得前几集真的超吓人,慢慢看着看着就没感觉了,就觉得好好看啊。一直很喜欢孔孝真演的戏,不只是演技还有剧本,男主是霸道总裁,很可爱,傲娇!
女主改变了男主唯利是图的商人性格,不再用金钱去计算一切,记得那个奇怪的高女士说太阳为你付出了所有,你算算值多少钱的时候好感人。最感人的是他以为自己已经死了和太阳说的我爱你,眼神很到位!太阳为了救男主要进行ghosttraining太变态了,去找鬼。。
幸好是喜剧收尾而且整部剧都是挺搞笑的,一些人注定了会改变你,一些人注定了会成为你的防空洞。每个童话故事都有一个完美的结局,虽然还没看完,但也能预想得到甜美的画面。太阳放弃尊严的守护着中元,中元也会在太阳最需要的时候成为他的防空洞。开始互相利用,最后却谁也离不开谁……
其实我本不相信一个人离开了谁就活不下去,但~韩剧不就是这样吗,给这现实的冰冷开一个小的火炉取暖,虽然我们活在现实中,但心中总要憧憬着美好的事情……
制作延续了第一季的精美流畅与恢弘大气,用24集的篇幅比第一季更丰满地讲述了一个故事,一个杂揉了不同种族傲慢、盲目、淳朴等特征相互碰撞的经典又 制作延续了第一季的精美流畅与恢弘大气,用24集的篇幅比第一季更丰满地讲述了一个故事,一个杂揉了不同种族傲慢、盲目、淳朴等特征相互碰撞的经典又稍有点老套的灰姑娘故事,起初攻神殿、役恶魔极具文艺复兴的人文主义精神更颠覆了第一季的世界观。 意外的是,久违地体验到些许鲁鲁修之悲。 愚蠢的纨绔子弟自承因果、避世求安的前圣女终逃不脱披坚执锐、愿舍生取义的反抗者竟自屈于本能、被王讽“竟能活到现在”充满人性主义的正直锤子头终与世长辞…… 爆炸头即便是从10集以后才出场终究还是第一季的第一主角,我喜欢锤子头的耿直真实不通世故,但也更希望交爆炸头这位吊儿郎当洒脱不羁的朋友。 不过夏利欧斯王最后直接洗白为为了对抗巴哈姆特的说服力稍弱,这巴哈姆特到头来就是为了团结各族人民摒弃对立、万众一心的有形社会目标啊! 最终王云淡风轻地搞起对象,活力过头的女主失去声音反倒像是恬静成熟了…… 话说过了10年凯撒、贞德、法瓦罗你们都不变老一点的吗? 回顾了一下第一季发现,10年变化还是挺到位的,特别是法瓦罗。
7.8
这样短篇的似故事又非故事的散文状的形态
是我喜欢的 虽然有的不明白 在我看来也算是一种练习吧 小林女士特别出彩 在人物的把控上无论内外都很自然
我可曾想过 我所住的城市 哪边和哪边的气氛的区别 什么地方和
7.8
这样短篇的似故事又非故事的散文状的形态
是我喜欢的 虽然有的不明白 在我看来也算是一种练习吧 小林女士特别出彩 在人物的把控上无论内外都很自然
我可曾想过 我所住的城市 哪边和哪边的气氛的区别 什么地方和什么地方人的差别 这个就本地人而言 相差其实不大 我想说的应该只是现在的这个地方吧 对自己身边最熟悉的土地我的思考应该也是借由这电视剧里人物的对话才得以产生的呢 有趣 可以作为一个课题来开启
像这样的夏夜 夜归的人 住在附近的人 可以有这样的夜的食堂坐下喝一杯 应该是美事吧 而且不会贵
小林女士的这身被风衣包裹的红裙实在太美了
开着红色的车踏上悲伤的旅途 我也要!
看到第五集才明白她和她在每一集的角色是不一样的 也可能之前一样 就从这里开始变亦未可知
有点像短篇漫画 不是短篇小说 小说一般不会那样随意即使再短 会不明所以 也可能一击即中 可贵的是可以跟着他悠闲渡过这看似重要其实也就那么回事儿的时光
女孩的懵懂和男孩的完全不同 后者还是浑浑沌沌的 前者早已一片澄明 在什么样的年纪才能作出那样的画来的概念于我应该早就有了 对于不愿去上学的想法即便有过也是不会再往下想的 麻烦对我来说一直是个大恶魔 就算放弃掉再优厚的待遇也宁愿逃开的我应该是错过了今生不会再有的诸多好机会吧
冒险题材的动画片看了不少,当然,都是欧美制作,国内的罕有佳品。这和爱不爱国没有丝毫关系,就如你开了日本车并不代表你生了异心一样。有些差距我们不得不承认,但是有差距才有追赶的动力,才有超越的渴望,才有彼此借鉴互相融合不断发展的可能。这个世界很小,小到牵一发而动全身,蝴蝶扇扇翅膀都能引发海啸;这个世界也很大,大到百里不同风,千里不同俗,各种肤色人种信仰语言文化
冒险题材的动画片看了不少,当然,都是欧美制作,国内的罕有佳品。这和爱不爱国没有丝毫关系,就如你开了日本车并不代表你生了异心一样。有些差距我们不得不承认,但是有差距才有追赶的动力,才有超越的渴望,才有彼此借鉴互相融合不断发展的可能。这个世界很小,小到牵一发而动全身,蝴蝶扇扇翅膀都能引发海啸;这个世界也很大,大到百里不同风,千里不同俗,各种肤色人种信仰语言文化千差万别。只有正视各种差异和差距,我们才能正视自己,才能不被一些虚妄的东西蒙蔽双眼和心智,才能沉静下来磨砺自己,在时间的走向里不断提升和丰厚。
也许是我们的历史太过悠久,层层时空堆叠下来,我们的血液里沉淀的都是厚重和端凝,是求稳不求险、求安不求新的生活理念,是按部就班泯然众矣的群体面目。和欧美国家短暂的历史比起来,我们的年岁太大了,一代又一代枝丫繁密的家族树上一脉传承的底色,从出生就抹在了生命画纸上,消退不去。所以,我们的生活中极少出现“冒险”这样的词汇和故事,那些年轻身体里蠢蠢欲动的探险欲望,都会被狠狠地磨灭在萌芽状态。而在地球的另一端,那些用快速的工业文明掩盖了短暂的文化历史的族群,像丛林里肆意生长的草木,有着不管不顾四处蔓延的内在,血液里永远燃烧着不作不死的热望,没有什么可以阻挡的力量。所以,他们的文化宣传里,“冒险”是一个常新的主题。
故事里的主角是只雨燕,被海鸥抚养长大,在另一个迥然不同的族群里,他努力想让自己和大家一样。获得群体认同是每一个个体的认知本能,因为只有从众,才能找到生存的安全感。异类,永远都需要一颗无比强大的心脏。马努渴望在海鸥家庭里和谐生活下去,可惜,生命物种都有排他的劣性,“非我族类,其心必异”似乎是很多人根深蒂固的观念。无比努力的马努即使异常优秀,依然要被海鸥族群驱逐,有时候,一个小小的标签就能否定你的一切。这个世界,岁月静好从来不是生活的常态。时刻准备迎接磨折,才是我们生存的必要心态。
幸运的是马努的优秀让他很快融入了他原来的族群---雨燕群体,还找到了伴侣和朋友,“敢和老鼠搏斗”是他被欢迎的主要原因。无论哪种生命体,勇敢者从来都是受人崇敬的,怯懦且卑微的生命,很难被人尊重和接纳。这很残忍,却很现实!你的能力决定你的状态,如果没有一双强劲有力的翅膀,即使能被放在高高在上的崖顶,凌风的时候是直上云霄还是跌落尘埃,还是取决你自己的实力。
马努在海鸥、雨燕两个群体里都有一个“强者”的定位,所以,即使两个群体难以相融,有他努力联合,一切就都有了可能。让别人抛下成见接受你的意见,除了事实证明你的意见确实不错,还有一个重要原因就是你的话和行动要有打动或说服别人的力量,你要有引领的能耐!马努做到了,因为他不仅是海鸥群里的佼佼者,也是雨燕群里的守护者,有其个人的魅力,也有他人相助的原因。优秀者如果只是个孤独的优秀者,也成为不了领袖人物,能凝聚人心和力量在自己的周围,更是比单打独斗的能力更强大的依仗,如那个刘皇叔。
故事的高潮自然是要在无比险恶的环境里成就,平平静静的生活只会滋生出无数长短是非,永远不会诞生神奇和伟大。海鸥群体遇到了雷暴雨,固执己见的海鸥首领失去了保护族群的能力,马努带着雨燕群体的出现,拯救了这个已经在绝望边缘的族群。雪中送炭永远比锦上添花更让人感激和尊重,共同经历了风雨才有情意相通的基础。明知道前方是危险,依然勇敢冲进未知救助他人,这份冒险不是个人英雄主义的逞能,而是义无反顾的执着和不离不弃的坚定。这样的冒险是充满感情温暖人心的,是可以打破无数藩篱让坚冰消融的。所以,故事的最后,海鸥和雨燕两个群体和谐共生,在洒满阳光的海边崖壁上,各自经营着普通又幸福的生活。
在自然面前,一切生命都是脆弱无比的,自诩强大的人类也每每要被自然严惩,那些更为弱小的生命更是在自然和人类的双重荼毒下遭受重创,倾巢之下岂有完卵,山水尚且相依,在时间磨洗里若是彼此对立,都会无声消逝,遑论肉身的无数生灵。只有意识到彼此都是共同的存在,各自为各自让出呼吸的空间,各自为各自守护伸展的世界,生命之间彼此紧密、彼此应和,才能结成无比坚实的网络,柔韧而有弹性,在诸多危险的冲击下可以拉伸却不会崩断,可以挪转却不会毁损,用力量消去力量,给世界一个平稳。
构建生命共同体,真的是个硬道理!
每一个8090后大概都看过叶念琛的爱情作品,曾经我也是一个被琛之爱情系列电影荼毒的一员,喜欢在片尾来个大反转,告诉你什么叫现实中的爱情,然后震碎我的爱情观;
总觉得自己跟阿宝有点相似之处,听到后可能会跟友人相视一笑,或者会在看完的午夜,找一知己企图拼接已震碎的心灵。
每一个8090后大概都看过叶念琛的爱情作品,曾经我也是一个被琛之爱情系列电影荼毒的一员,喜欢在片尾来个大反转,告诉你什么叫现实中的爱情,然后震碎我的爱情观;
总觉得自己跟阿宝有点相似之处,听到后可能会跟友人相视一笑,或者会在看完的午夜,找一知己企图拼接已震碎的心灵。
我其实挺很喜欢慕容离这个主角的设定
初看因为心机过重 加上毒杀公孙黔时的冷血淡然 一度看着像个坏人
慢慢看着他事事筹谋 算计人心 该利用时任何人他都在所不惜 看似无情
却又勤政爱民 心怀天下 恩怨分明 又似乎有情
看不出善恶 也看不出他到底想要什么
若你是他的敌人 那无疑他是非常可怕的
<我其实挺很喜欢慕容离这个主角的设定
初看因为心机过重 加上毒杀公孙黔时的冷血淡然 一度看着像个坏人
慢慢看着他事事筹谋 算计人心 该利用时任何人他都在所不惜 看似无情
却又勤政爱民 心怀天下 恩怨分明 又似乎有情
看不出善恶 也看不出他到底想要什么
若你是他的敌人 那无疑他是非常可怕的
他想的计 设的局 可能让你死都不知道是怎么死的
若你是他的朋友 也未必能落得什么好处
他算计你 利用你 估计你都看不出来
这样一个慕容离 或许只有你是瑶光臣民才能感受到这位主君的恩泽
毕竟他作为一国之君 对国家百姓还是很可以的
像慕容离这样的人 若是生活中 真的不想遇到
把你看的透透的 随时可以利用你算计你 这样的人太可怕
即使是如他一般还算正直善良的 也还是身边没有的好
可作为故事里的主角 我却觉得他这样的类型还不错
他很立体 无法一言蔽之 可看性高
同是善于计谋的仲坤仪 就没有他这般魅力 让人看着容易反感
可惜第二部结尾的剧情并没完结 也不会有下文了
一直觉得如果阿离不做国主 而是奉执明为主一统天下会是不错的结局
单亲家庭孩子寻找生身父(母)亲的老套故事,唯一的特别之处在于跨国,可导演没抓住这个爆点,要是弄点文化冲击的小笑话肯定能再加一星。看得出导演想打亲情牌,但逻辑混乱又能力不足,对中国式亲情的描摹,仅仅在两顿晚饭,却不知所云,浪费。一星给奶奶,老戏骨每场戏单拿出来都是情绪饱满,但刘松仁就完全被逻辑不通的故事坑了,情绪都找不到依托,仲裁那场戏我真是尴尬癌犯了,想让编剧狗带,毕竟他有一百种方法让这个剧
单亲家庭孩子寻找生身父(母)亲的老套故事,唯一的特别之处在于跨国,可导演没抓住这个爆点,要是弄点文化冲击的小笑话肯定能再加一星。看得出导演想打亲情牌,但逻辑混乱又能力不足,对中国式亲情的描摹,仅仅在两顿晚饭,却不知所云,浪费。一星给奶奶,老戏骨每场戏单拿出来都是情绪饱满,但刘松仁就完全被逻辑不通的故事坑了,情绪都找不到依托,仲裁那场戏我真是尴尬癌犯了,想让编剧狗带,毕竟他有一百种方法让这个剧不至于这么烂。至于另外两星,全给文梅森小朋友,高颜值还会扮可爱高智商还演哭戏,姨母真是心都化了。李治廷很帅,说英文最帅,求以后的导演放过,别让他说中文,实在不行也给个配音。善哉!综上所述,这是部地道的烂片,以后看剧还得先看豆瓣评分。我忏悔。
14年看的
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看完剧情,这和片名"色之恶鬼"有什么关系吗?
快结尾时 谁用什么方法通灵得知了旧事——民国时期,李逸峰和华月媚婚外情,然后华月媚十分嚣张地把男主的老婆做成了人彘……到了现代,怨灵寻到了和男主容貌一样的男主的
14年看的
·
看完剧情,这和片名"色之恶鬼"有什么关系吗?
快结尾时 谁用什么方法通灵得知了旧事——民国时期,李逸峰和华月媚婚外情,然后华月媚十分嚣张地把男主的老婆做成了人彘……到了现代,怨灵寻到了和男主容貌一样的男主的曾孙 以及和华月媚容貌一样的华月媚的曾孙女,结尾好像是被害的男主老婆为了情 带走了男主?
本片与日剧世界奇妙物语2020年特别篇《还能与你相见3次》创意非常雷同
片头的5分钟非常有欺骗性,创意的超能力、清新的画面、不错的段子顺便为接下来的剧情埋下伏笔,令人对接下来的剧情充满好奇。
然后,就是失望和无语的一小时。
本片与日剧世界奇妙物语2020年特别篇《还能与你相见3次》创意非常雷同
片头的5分钟非常有欺骗性,创意的超能力、清新的画面、不错的段子顺便为接下来的剧情埋下伏笔,令人对接下来的剧情充满好奇。
然后,就是失望和无语的一小时。
如果说片头是日韩电影水平,接下来的一小时只能算抖音水准。很好奇导演的审美,你可以接地气不找偶像,但是能别找这个一脸肾亏的男演员吗?至于女主,是从直播间抓来的壮丁?
两位主角的演技还没有片头两位小演员自然,抛玉引砖,可耻啊,朋友们!
作为一部超能力元素的恋爱题材电影,除了大剧情走向与超能力有关(因为和女主只有零面可见所以快乐分手),其他细节和超能力没有关系。导演去补过《内在美》、《与君相恋一百次》再来拍吧。
电影的剧情~曾经,有一份真挚的爱情……
最后竟然还cosplay大话西游告白,尴尬到脚趾扣地!
男主的人设更是奇葩,别的爱情故事都是因为不可抗力被分开然后打破命运,本剧的男主则是自己作死,反正我是接受不了这种男主。
青梅竹马二十多年一直装无知,你以为自己是柯南吗?(也有部分是男演员演技让人喜欢不起来)还不如分了算了。
至于本剧的高潮,男主不再认命决心追回女主,尴尬到让人脚趾扣地!
在热闹的公路上大喊大叫,编剧的脑子里是不是只剩下马景涛一个选项了?
初见“烟暖雨收”四字,觉得剧名挺美挺有意境的,再见剧情人物时,初觉男女主没有眼前一亮的感觉,没有男女主角的“好看”光环,且第一集里男主将“孤傲清冷绝尘”演得跟僵尸一般。闲来打发时间硬着头皮坚持看下去。再看,发觉,男女主不属于一眼就能让人眼前一亮,但属于耐看型,后面越看越觉得挺舒服
初见“烟暖雨收”四字,觉得剧名挺美挺有意境的,再见剧情人物时,初觉男女主没有眼前一亮的感觉,没有男女主角的“好看”光环,且第一集里男主将“孤傲清冷绝尘”演得跟僵尸一般。闲来打发时间硬着头皮坚持看下去。再看,发觉,男女主不属于一眼就能让人眼前一亮,但属于耐看型,后面越看越觉得挺舒服
1.女主萧薰儿建模真的丑爆了,那些导演和制作人给炎帝后面娶这种女主,良心不痛吗?23集后好像改建模改发型了,还是丑,上点心行不!实在不行,你把韩月的建模给萧薰儿吧,现在是个美女都比女主好看。2.萧炎在火能猎捕赛上准备面对白煞队时,乱发什么感言呀?他连斗宗都打过,斗王都打死了,会打个斗灵发感言?而且他原本就有实力,用火莲打败白煞队队长,非要等女友受伤了再用,
1.女主萧薰儿建模真的丑爆了,那些导演和制作人给炎帝后面娶这种女主,良心不痛吗?23集后好像改建模改发型了,还是丑,上点心行不!实在不行,你把韩月的建模给萧薰儿吧,现在是个美女都比女主好看。2.萧炎在火能猎捕赛上准备面对白煞队时,乱发什么感言呀?他连斗宗都打过,斗王都打死了,会打个斗灵发感言?而且他原本就有实力,用火莲打败白煞队队长,非要等女友受伤了再用,是想突出他是护妻狂魔吗?跟隔壁唐三那个畜生不就一样了?最后要不要喊喊“复活吧!我的爱人”? 就明明有实力却在那等护妻的机会,恶不恶心。 总结,就目前为止,这部剧撑死3星,但比隔壁辣鸡斗罗好。
2020年开年最惊喜的事,就是齐木楠雄居然更新了始动篇。2018年年末齐木楠雄完结篇完结时,还多少有些怅然若失,毕竟在我最爱的几部番剧中,一定有齐木楠雄系列的一席之地。没想到,2020伊始,这个男人就又重新杀回我们的世界,并且一口气连更六集,从更新到完结。直到现在,齐木楠雄依然霸占着B站最热门的番剧。
当然如果要合理的对始动篇进行评价的话,它远远没有前几个系列搞笑好看,甚至和男票
2020年开年最惊喜的事,就是齐木楠雄居然更新了始动篇。2018年年末齐木楠雄完结篇完结时,还多少有些怅然若失,毕竟在我最爱的几部番剧中,一定有齐木楠雄系列的一席之地。没想到,2020伊始,这个男人就又重新杀回我们的世界,并且一口气连更六集,从更新到完结。直到现在,齐木楠雄依然霸占着B站最热门的番剧。
当然如果要合理的对始动篇进行评价的话,它远远没有前几个系列搞笑好看,甚至和男票在看第一集时,有一种想要尽力找到笑点但又找不出笑点的无力感。总觉得有一种漫画家麻生周一炒回锅肉的感觉,虽然这种失落感在看完2-6集后消失了许多,但笑点和质量上总体确实不如前几个系列。
在此次始动篇中,新加了变态老师(井工口这个名字真的笑死我了)和无敌倒霉女铃宫阳一两个新角色,不得不说这两个角色的塑造感还是非常到位的,很有齐木楠雄自带的猎奇、夸张和幽默感。看到霉女和路人甲泽北甜甜的感情线时,我也是露出了老母亲慈祥的微笑。既然大家都争着要把齐神和高桥(误)抱走,那我选择把小奶狗路人甲泽北抱走。
比较可惜的一点是心美的出场真的很少,真就出现在切场动画里的人物,呀嘞呀嘞,一人血书希望什么时候能出一个齐神和心美的特别篇,老阿姨想看甜甜的爱情。
最后是,无论好不好看,搞笑不搞笑,都请一直把齐木楠雄出下去啊啊啊啊啊啊!
《夜魔侠》第三季的故事很梦境:夜魔侠刚逃出生天就被陷入牢笼,逃出牢笼又被打迷药针送进河中,逃出河水又差点被抓捕,溜走后又差点被邪恶版夜魔侠害得被抓,逃离后又被骗入给他做制服的铁笼……这个过程简直跟他妈的噩梦一样循环往复,夜魔侠就像进入了一个没法醒来的梦一样不断醒来和逃离。
编剧的思路也很精神分析,还没看到一半,我就感受到了编剧对精神分析治疗的狠狠讽刺,怎么讽刺呢?话分两头说,这个
《夜魔侠》第三季的故事很梦境:夜魔侠刚逃出生天就被陷入牢笼,逃出牢笼又被打迷药针送进河中,逃出河水又差点被抓捕,溜走后又差点被邪恶版夜魔侠害得被抓,逃离后又被骗入给他做制服的铁笼……这个过程简直跟他妈的噩梦一样循环往复,夜魔侠就像进入了一个没法醒来的梦一样不断醒来和逃离。
编剧的思路也很精神分析,还没看到一半,我就感受到了编剧对精神分析治疗的狠狠讽刺,怎么讽刺呢?话分两头说,这个剧其实就是西方版本的“真假孙悟空”,编剧通过“真假夜魔侠”的命运对比,讽刺了精神分析的短期成功与长期失败:
先说夜魔侠,他是在教会孤儿院长大的孩子,灾难让他获得超能力,他在教父启示下把这看作上帝给他的使命,让他做上帝除恶的战士,他一路除恶,每次遇到心理问题都会找主教聊聊,虽然经历了上一季和女友一起被埋葬,以及这一季开头对上帝失去信仰,但他最终没有走向邪路。
再说对体人物邪恶版夜魔侠,他也是孤儿,从小接受精神分析师的治疗,最终变成带着好人面具的FBI警探,但是却被撒旦化身大反派一步一步诱导为恶人,成为夜魔侠的反面,他就像真假美猴王中的坏猴子一样,最终走向了邪恶。
这组对立人物,背后其实是编剧对精神分析的系统化的嘲讽,在他们看来,只有上帝、教士、修女才可以真正只好精神病人的内心,而精神分析仅仅是让病人建立了一个新的移情关系而已。我仔细想来,或许编剧就是对的,因为精神分析确实只做到了这个层面,即“分析和改变观念-建立新的移情关系和生活方式”的层面,更重要的信仰、使命、意义和价值守护方面依然是空洞的。自体心理学意识到了这个问题,说现代人的问题是虽然可以建立关系,但是依然觉得一切没有意义,依然丧失了生活的热情。
其实这是后现代精神分析面临的困境:荣格曾经指出了无意义的问题,科胡特提出了重建自体的解决无意义感方式。然而,心理学真的解决这个问题了吗?或者说真的解决了人的信仰问题了吗?或许有的治疗室觉得解决了,但是现实是并没有,就算是当代还活在的存在主义治疗大师欧文·亚隆也只能做到这些,他依然没有办法解决信仰和最高意义的问题。实际上心理咨询也不会承诺解决信仰问题,而只会处理关系移情问题。
追根溯源,这还是资本主义的一个老问题,正如德勒兹所说,精神分析与资本主义是一个配套的系统。要我说,精神分析就是资本主义的自体分析,本质上则是基督教文化的自体分析,因为资本主义是基督教的变体。故而,精神分析的谈话疗法依然要学习它的原型:基督教的“告解谈话”。但是,从治疗方式来比较,宗教治疗系统更为重要的其实是宗教组织和生活方式——基督教是一个从信仰、组织、生活三个层次,以及观念、情绪和仪式三个方面都进行治疗的系统,这个体系才是资本主义社会更古老、更全面、更有效的“治疗系统”。甚至可以说,基督教文化治疗系统就是精神分析的原型。
也因此,推而广之,要做好中国的精神分析,不如回到佛教的治疗系统、儒教的治疗体系或者道教的治疗方式。因为每一种文化在发展中,会遇到各自的群体或个人的心理问题,而同时也会发展出他们各自的心理治疗体系。
现在是一个全球被资本主义席卷的时代,可以说不论哪个文化都被不同程度资本主义化了,故而都面临各种相似的心理问题,即资本主义文化内核基督教的弑父娶母的俄狄浦斯情结问题,以及上帝死了的虚无主义问题。所以,各民族的精神分析当然要学好传统的基础,但也要继承本民族自身文化系统的治疗体系,这样才能发展出有特点的、有针对性的心理治疗创新技术和差异化的治疗系统。
看得出导演很努力在八面玲珑,编剧很努力在重温旧梦,演员很努力在煞有介事,Tom和Jerry很努力在大动干戈。但问题是,它不好笑啊!其他说啥都白搭。其实大银幕版的T&J三十年前就拍过,评价也很差,大概这种无脑暴力互殴的风格很难让观众保持一个半小时的注意力。或许这也是为什么主创想到与真人结合的形式,在豪华酒店里闹鼠灾也很合情合理。可惜影片经历了长达十年的开发地
看得出导演很努力在八面玲珑,编剧很努力在重温旧梦,演员很努力在煞有介事,Tom和Jerry很努力在大动干戈。但问题是,它不好笑啊!其他说啥都白搭。其实大银幕版的T&J三十年前就拍过,评价也很差,大概这种无脑暴力互殴的风格很难让观众保持一个半小时的注意力。或许这也是为什么主创想到与真人结合的形式,在豪华酒店里闹鼠灾也很合情合理。可惜影片经历了长达十年的开发地狱,最后的答卷终究流于肤浅、喧宾夺主、矫揉造作、不伦不类。从特纳到华纳,还是未能重现80年前米高梅的荣光(7获奥斯卡最佳短片)。看来不是每个IP都能复兴的。
clit2014, jan 2, 晚交了20天,我再也不想上gender studies了我要吐了,写这篇paper不知道经历了多少mental breakdown
Women’s Experience Matters: Redefining Feminist Cinema through Claire’s Ca clit2014, jan 2, 晚交了20天,我再也不想上gender studies了我要吐了,写这篇paper不知道经历了多少mental breakdown Women’s Experience Matters: Redefining Feminist Cinema through Claire’s Camera As Laura Mulvey points out in “Visual Pleasure and Narrative Cinema”, traditional narrative cinema largely relies upon the practice of a gendered “gaze”, specifically, male’s unconscious objectification of female as erotic spectacle from which visual pleasure is derived. Her account draws attention to the prevailing feminist-unfriendly phenomena in contemporary cinema, one that resides in the language of patriarchy, privileging man’s experience while making woman the passive object deprived of autonomy. Many feminist filmmakers and theorists including Mulvey herself urge a radical strategy that dismantles patriarchal practice and frees woman from the state of being suppressed by the male-centered cinematic language.To conceptualize a mode of cinema that speakswoman’s language, or authentic feminist cinema, this essay interrogates the validity of Mulvey’s destruction approach in pursuing a feminist aesthetic. By making reference to Hong Sang-soo’s film, Claire’s Camera, I argue that feminist cinema needs to be redefined by neither the immediate rejection of gender hierarchy nor the postmodern notion of fluidity, but by perspectives that transcend the gendered metanarrative of subject vs. object, and that primarily represent and serve woman’s experience on both sides of the Camera. Earlier waves of feminism strived to call attention to, if not, eliminate the unbalanced power relation between men and women in the society, namely the dichotomy between domination and submission, superiority and inferiority, and self and other (Lauretis 115). Feminists such as Mary Wollstonecraft and Simone de Beauvoir radically interrogated women’s rights in the political arena as well as women’s relative position to men in the society at large. However, the approaches of the earlier waves cannot prove themselves sufficient in pursuit of a female autonomy, owing to the fact that they are constantly caught in the power-oriented metalanguage which inherently privileges one over another. While it is argued that the objectification of the “second sex” is oppressive in nature, for example, the assertion already marks the subject-object dynamics between men and women by default. It fails to propose non-power based gender narratives, while obliquely acknowledging that the language spoken in this context is inevitably characterized by phallocentric symbols, ones that prioritize self over other, subject over object, male over female. In thisregard, rather than rendering a perspective that exposes and dismantles patriarchy, the outcome of earlier feminist approaches inclines towards “replicating male ideology” (Mackinnon 59), reifying the omnipresence of the patriarchal language and reproducing the effects of patriarchy. A similar notion applies to defining feminist cinema. In terms of visual representation, feminist idealists encourage women to present their bodily spectacles, inviting interpretations free of erotic objectification. Despite the favorable receptions from the sex-positive side of the discourse, it is indiscernible as to whether these attempts truly free women from the dome of sex-negativism or reinforce the effect of the patriarchal language even more. This polarized debate, I believe, is due to the fact that the discourse is held captive by the language of patriarchy too powerful for one to extricate from, and that any rebellious gesture would appear to be an insufficient, passive rejection of the predominant ideology. To illustrate this point, Lauretis notes that Mulvey’s and other avant-garde filmmakers’ conceptualization of women’s cinema often associates with the prefix of “de-” with regards to “the destruction… of the very thing to be represented, …the deaestheticization of the female body, the desexualization of violence, the deoedipalization of narrative, and so forth” (175). The “de-” act does not necessarily configure a new set of attributes for feminist representation, but merely displays a negative reaction to a preexisting entity. It is important to be skeptical of its effectiveness in defining feminist cinema, as it implies certain extent of negotiation instead of spot-on confrontation with the previous value. A destructive feminist cinema can never provide a distinctive set of aesthetic attributes without having to seek to problematize and obscure the reality of a patriarchal cinema. In that regard, it is passive, dependent and depressed. More importantly, the question – how the destruction of visual and narrative pleasure immediately benefits women within the narrative and directly addresses female spectators – remains unanswered. TakingClaire’s Cameraas an example, the film destructs the notion of a gendered visual pleasure by presenting the camera as a reinvented gazing apparatus, one that differs from the gendered gaze, and instead brings novel perception into being. Normally, when characters are being photographed, mainstream filmmakers tend to introduce a viewpoint in alignment with the photographer’s position, enabling spectator’s identification; that is, the shot usually shifts to a first-person perspective so that spectators identify with the photographer gazing at the object who is in front of the camera. Claire’s Camera, however, abandons this first-person perspective while generating new meanings of the gaze. Claire ambiguously explains to So and Yanghye the abstract idea that taking photographs of people changes the photographer’s perception of the photographed object, and that the object is not the same person before their photograph was taken. The spectacle, although objectifiable in nature, is not so passive as being the object constructed upon, but rather constructs new signification upon the subject. The notion of the gaze is therefore re-presented with alternative insights. That being said, as I argued earlier, the destructive approach is not so sufficient an attempt at defining feminist cinema, because the way it functions nevertheless indulges feminist ideology in the role of passivity, deprived of autonomy and always a discourse dependent on and relative to the prepotency of patriarchy. In the conversation scene between So and Manhee, So, who is almost the age of Manhee’s father, criticizes her for wearing revealing shorts and heavy makeup. In a typically phallocentric manner, he insists that she has insulted her beautiful face and soul by self-sexualizing and turning into men’s erotic object. Despite the fact that the preceding scenes have no intention to eroticize the female body or sexualize her acts such that the visual pleasure is deliberately unfulfilled and almost completely excluded from the diegesis, So inevitably finds Manhee’s physical features provocative and without a second thought, naturally assumes that her bodily spectacle primarily serves man’s interest. This scene demonstrates that regardless of feminists’ radical destruction of visual pleasure, practitioners of patriarchal beliefs will not be affected at all; if any, the femininity enunciation only intensifies the social effects of patriarchy. The conversation between the two characters embodies the self-reflexive style of Hong Sang-soo’s filmmaking, in a sense that it fosters debates within the theoretical framework upon which it is constructed, and constantly counters itself in search of a deeper meaning, contemplating questions such as do we believe in what we practice, whether it is patriarchy or its opposite? And is anti-patriarchy feminism determined enough to prove itself a destructive force against patriarchy rather than a sub-deviant of a predominant ideology? The scene proves the drawback of a destructive strategy, that the way it operates nonetheless subscribes to a patriarchal manner, and that in order to escape the secondary position with respect to the phallocentric subject, more needs to be done other than problematizing the subject. To supplement the insufficiency of destruction, postmodern feminists such as Judith Butler proposes theoretical alternative to approach the discourse. Butler argues that gender is performative and fluid instead of a set of essential attributes. The notion of performativity indeed precludes the social effects of essentialism by introducing the idea of an identity continuum into gender politics, in ways that empower the socially perceived non-normative. On top of that, Butler believes that the categorization of sex “maintain[s] reproductive sexuality as a compulsory order”, and that the category of woman is an exclusive and oppressive “material violence” (17). Acknowledging the harms that essentialist perception of gender and sexuality entails, Butler bluntly negates the very categorization of woman. This radical negation, however, evades the reality that our whole understanding of the human race is based on gender categories, despite the corresponding inequalities generated from the instinctual categorization. In fact, it is when women as a collective community have come to the realization that the female gender is socially suppressed, that they start to strive for equality through the apparatus of feminism. Butler’s rejection of the gender categorization withdraws the sense of collectivism in the feminist community, which is “an important source of unity” for the marginalized (Digeser 668). Moreover, it deprives the feminist cinema of the necessity of delineating an authentic female representation, because within the notion of performativity there is no such thing as a fixed set of female representations but only distinctive individuals that conform to gender fluidity. Since identifying with a certain form of representation means to live up to a socially perceived norm from which one deviates, a performative cinema does not encourage spectator’s identification. The failed identification will not only drastically shift the spectator’s self-understanding but also cause more identity crises. Therefore, performativity is too ideal a theoretical concept to have actual real-life applications. Whether it is her body or her social function, woman has become the commodity of patriarchy. As Lauretis puts it, “she is the economic machine that reproduces the human species, and she is the Mother, an equivalent more universal than money, the most abstract measure ever invented by patriarchal ideology” (158). Woman’s experience has been portrayed in the cinematic realm nothing more than being the (m)other and the provocative body. Historical debates have proved that articulating the problematic tendencies within gender differences only results in skepticism rather than new solutions. Thus, in order to negotiate a feminist cinema, filmmakers need to abandon the patriarchal meta-language completely, and reconstruct new texts that represent and treasure woman’s experience more than just being the other, that “[address] its spectator as a woman, regardless of the gender of the viewers” (Lauretis 161). Similarly, what needs to be done in feminist cinema is more than just interrogating the gender difference between woman and man, but interpreting such difference in unconventional ways that liberate women from being compared to men and invite them to possibilities of having narratives dedicated to themselves. One of the ways, Lauretis suggests, is to regard woman as the site of differences (168). This signifies that the cinema needs to stop generalizing woman’s role based on her universal functions; rather, it needs to articulate her unique features, what makes her herself but not other women, from the way she looks to the trivial details of her daily life. In Claire’s Camera, the function of the camera conveniently transcends the diegetic space. In the narrative, it demarcatesthe “site of differences”, that is, how someone changes right after their photograph is taken, as well as how Manhee is presented differently each of the three times being photographed. The camera also magnifies her experience as a woman for spectator’s identification, mundane as it could be. In the last scene, the camera smoothly tracks Manhee organizing her belongings, packing box after box, casually talking to a colleague passing by, and so forth. Long takes like this fulfill what Lauretis would call “the ‘pre-aesthetic’ [that] isaestheticrather than aestheticized” in feminist cinema (159). Without commodifying or fetishizing woman and her acts, the film authentically represents a woman’s vision, her perception, her routines, and all the insignificant daily events which female spectators can immediately relate to. When a film no longer solely portrays woman as the “economic machine” that labors, entices men, and commits to social roles, it has confidently overwritten the patriarchal narrative with a female language. It fully addresses its spectator as a woman, appreciating and celebrating the female sex, not for what she does as a woman but for what she experiences. In conclusion, the essay first challenges the destructive approach in feminist cinema regarding its sufficiency in pursuit of woman’s autonomy and its indestructible destiny to fall back into patriarchy. The essay then argues that the rejection of gender categorization in performativity theory frustrates the mission of defining a female representation. Hong Sang-soo’s self-reflexive film, Claire’s Camera, offers an apparatus to delve into the drawbacks of destructive feminist cinema and simultaneously renders a new feminist code, abandoning the patriarchal metanarrative and constructing a new narrative that truly prioritizes woman’s experience. Works Cited Butler, Judith. “Contingent Foundations: Feminist and the Questions of ‘Postmodernism.’”Feminists Theorize the Political, edited by Judith Butler and Joan W. Scott, Routledge, 1992, pp. 3–21. Digeser, Peter. “Performativity Trouble: Postmodern Feminism and Essential Subjects.” Political Research Quarterly, vol. 47, no. 3, 1994, pp. 655-673. Lauretis, Teresa de. “Aesthetic and Feminist Theory: Rethinking Women's Cinema.”New German Critique, no. 34, 1985, pp. 154–175. Lauretis, Teresa de. “Eccentric Subjects: Feminist Theory and Historical Consciousness.”Feminist Studies, vol. 16, no. 1, 1990, pp. 115–150. Mackinnon, Catherine A. “Desire and Power.”Feminism Unmodified: Discourses on Life and Law, Harvard University Press, 1987, pp. 46–62. Mulvey, Laura. “Visual Pleasure and Narrative Cinema.”The Norton Anthology and Theory and Criticism, edited by Vincent B Leitch, W. W. Norton, 2001, pp. 2181–2192.
第五集心有戚戚。杀死一个人有很多种方式,放弃和离去是其中最伤心的一种,无论是被杀者还是杀人者。我认为剧中不过是一种影射,其实就是那个T最后放弃了她的GF,这很正常,别说抑郁症,其实感情本身也很容易被岁月消磨。但这一集中T还是很爱很爱GF的,一般的人,一般的爱,坚持不了那么久。
DEBATE也是一个隐喻吧。她们因此而相遇相爱,却因为DEBATE不过命运而分离。相聚或离开,都是缘聚缘
第五集心有戚戚。杀死一个人有很多种方式,放弃和离去是其中最伤心的一种,无论是被杀者还是杀人者。我认为剧中不过是一种影射,其实就是那个T最后放弃了她的GF,这很正常,别说抑郁症,其实感情本身也很容易被岁月消磨。但这一集中T还是很爱很爱GF的,一般的人,一般的爱,坚持不了那么久。
DEBATE也是一个隐喻吧。她们因此而相遇相爱,却因为DEBATE不过命运而分离。相聚或离开,都是缘聚缘灭。还是很值得的,毕竟曾真爱。世界上还有很多的离开,都是无谓的、本来就不是真的相爱,但分离却依然让人失望。
人生是一场盛大的旅途,但回忆往事里,其实,不过三五背影。现在好,才是真的好。
李连杰饰演的黄飞鸿系列是最经典的,后面换演员后我就看不下去了,总觉得那个有情有义骨子里爱国的大侠就该是李连杰演的那样。那个时候成龙大哥的功夫和李连杰的功夫相比我更喜欢李的,他的功夫看起来干脆利落收放自如,行云流水一气呵成。现在很少有这样的人了。不过我发现了一个人的武打动作也非常干脆利落非常好看,有点扯远了,拉回正题。这个电影里黄飞鸿和十三姨之间的爱情挺好看的,特别是十三姨教黄飞鸿英文我爱你还
李连杰饰演的黄飞鸿系列是最经典的,后面换演员后我就看不下去了,总觉得那个有情有义骨子里爱国的大侠就该是李连杰演的那样。那个时候成龙大哥的功夫和李连杰的功夫相比我更喜欢李的,他的功夫看起来干脆利落收放自如,行云流水一气呵成。现在很少有这样的人了。不过我发现了一个人的武打动作也非常干脆利落非常好看,有点扯远了,拉回正题。这个电影里黄飞鸿和十三姨之间的爱情挺好看的,特别是十三姨教黄飞鸿英文我爱你还骗他说是打招呼的意思,让黄飞鸿一遍一遍的对她说爱老虎油哈哈哈哈哈笑死我了。这个电影的歌听起来真振奋人心,歌词更好男儿就应该自强,国家也只有强大起来别人才不敢随便欺辱。