喜宝的书评下一路吐槽亦舒三观不正的朋友们，电影这次还你们一个感动中国的喜宝了！

这个喜宝洗尽了身上的颓败，虽然是一个图钱的开头，但却是一个真爱的结尾。哪里像小说，虽然也是玛丽苏，但处处都是计算，真没有多少看不见就相信的有福。要整这样一个主旋律喜宝，最重要的不是逻辑，而是小时代的气质，然而这部剧让原本想吐槽郭采洁神似顾里的心都软了，毕竟她是长得比勖家所有富二代都洋气的赤贫啊，毕竟她在乡村爱情故事中奋力杀出一条真爱血路啊，毕竟她最终还将财物双手奉还，三观正到原著里的喜宝都要去找宋家明忏悔的地步。

还有些许的平权也是时代的烙印。小说里勖先生怒儿子不争，但内心是记挂着要接班的。到了这，儿子神经病是板上钉钉的事情，开塑料跑车只为了成为被老爸扇巴掌的工具人。

全片还穿插着两个事业女性的对话，不停的转场PPT石锤，而且喜宝和聪慧两个人宣讲女性觉醒还不忘变化造型，怎么说？就都是上价值的一把好手，可惜谈及的女性觉醒却是那么古老、呆板的想象。喜宝完全忘了把的士开回去的眼泪，整日在大草坪上写信收礼物，一时纯情一时妖艳，但骨子里只有真爱至上，要钱就婊这八个字；聪慧就更迷了，杀马特宋家明被自己老爸杀了，以自己每天哭晕几次的深爱程度还能在日后对父亲的财富帝国歌功颂德！这都是什么样宽以待人，严以律己的女性啊。2020年了各位，在聊真爱的时候，女方还是不能染指金钱，这就很奇怪了有没有，片中喜宝没做任何背弃勖先生的事，是哪里燃起的自觉要在勖先生死后清清白白重启人生的？

所以该片最土的还不是演员，还不是在苏式园林里在一毛一样的红磨坊舞台上演出的外国乐队，还不是富二代们穿得像淘宝价格升序排列的模特，也不是那颗从头到尾都悬于指上的玻璃丑戒指和书架上的空心道具书，而是那种真正乡土味的女性联想，要美要忠贞也要随时愿意扛起生活的大旗。说亦舒的价值观恶臭的，我理解，但喜宝作为一本言情，喜宝作为一个个人，她是选择笼子还是天空都是私人视角，她挥霍自己还是保留自己都不足为奇，我原本以为小说里的喜宝已经算是善终，毕竟爱本来就稀少又珍贵，得到了很多很多钱也算求仁得仁，但电影里的顾里站上运气巅峰，真爱无敌。

槽多无口，简单概括就是别看，浪费时间也就算了，只是非把这些人说成普世价值里的人中龙凤会影响我们对世界的幻想。如果很多很多钱能看见的只是这些垃圾，那龙潭虎穴都还是要去找爱。

ps：我都忘记说了，原著里多次提及喜宝的白胸脯，电影非常叛逆的全然不顾，硬气！

电影《咱们结婚吧》里叶雯雯问老陈，一切真的是最好的安排吗？

老陈说，是的。

叶雯雯是不相信的。上一段感情中，她受了很大的情伤。我想，她也曾问过自己，为什么是我？她变得不敢相信爱情，甚至，当前男友回头求复合的时候，她有过犹豫，有过心动。

但她看到了老陈的手稿。老陈是一个婚纱设计师，手稿里设计的所有婚纱都是以她为灵感，里面还记录了老陈从遇到她到现在所有的心情。她没有想到，老陈暗恋了她两年，这一刻，她相信，一切就是最好的安排。

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　　从80后童年记忆《正大综艺》到娱乐性更强的《超级大赢家》、《快乐大本营》再到如今备受观众喜爱的真人秀，综艺节目一直是大众的解压利器。看综艺“下饭”、放松甚至寻找乐趣，已经成为现代人的精神粮食之一。 而提到综艺就不得不聊蔡康永与小S的《康熙来了》，这部曾经陪伴无数华人的综艺节目，是2000年后持续时间最长、覆盖观众面最广的热门综艺之一。2016年，《康熙》收官，也让无数观众感到遗憾，铁粉甚至直言失去了“吃饭乐趣”。

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w?rtlich杀马特，不是浪漫爱情，下头挺好的。

#有人来自土耳其客死德国，有人从汉堡到伊斯坦布尔去Urlaub#

可怜的太阳女孩，为了35欧的顾客，踏上了舍不得买船票的爱情追逐。因为圆肩厚背，意大利农民脸，vulgar的行止姿态，他当然看不到你；只听异域的歌声多明媚，能照亮故乡的海滩月夜，更通往远离象牙塔、驶向炽热暴躁南方的路。

他和你睡在单人床只想盖上一点被子，他急于????→????过境都不愿意娶你，→????渡多瑙责怪你是他赴正午桥下之约的拖累，一路上显然自明的拒绝。那么，日全食的荒野上醒来为什么想起了你呢，边境大巴餐厅里为什么期待蒙住他眼的是你呢，正午桥上为什么终于看到了你的脏辫倩影？不过是周遭无人讲德语的危险担忧，不过是失去了一个会偷车、会体贴支持的旅伴后短瞬的眩晕不适和落寞（事实上，待他重新踏上另一片土地，走入新的市集和人群，短暂的冲击须臾消散，马上迎来的是自由的新鲜滋味）。

漂亮的月光luna，异域的太阳美人才是浪漫邂逅，可以割舍，可以忘怀，曾经沧海却在心里留下了烙印。你于他是什么呢，是无钱无护照时随手抓起的一把浮萍稻草，是领他吸纸烟卷时打发无聊长夜的旅伴（而汉堡海滩歌声中飘过的销魂月夜根本不会无聊，哪怕仅仅在露台上数着她靠在肩头的呼吸，只嫌夏夜短），是偷车偷渡时并肩的战士——或许终于成为共渡一生的室友，他甚至对你承认爱与熟悉的依恋！但，这是女孩幻想中的骑士或王子吗，没有热烈激情的纠葛，也缺失步调同频的相互理解与契合。

当然了剧本原意并非如此，或许只是演员气场不合。

个人自用非影评 剧透勿看

2021-9-13匹诺曹爱奇艺

穷困潦倒的木匠到酒馆假装取暖对酒馆老板说椅子桌子大门都该修了老板给了他一碗汤一片面包让他不要说话了木匠看到木偶表演团木匠找到樱桃师傅要一块木头樱桃师傅正被一块能移动的木头惊吓把木头给了木匠

木匠做了木偶听见木偶心脏会跳木匠让木偶叫爸爸木偶叫了木匠到大街上宣布自己有孩子了蟋蟀告诫木偶要听木匠的话木偶不听木偶烤火脚被烧木匠做了新的木匠卖了自己的衣服换了课本木偶假装进入学校又逃出来去了木偶表演团

表演团里提前木偶看到木偶没有提线老板将木偶带走木匠很痛苦发誓找到天涯海角老板要烧了木偶取火老板一打喷嚏就会发善心老板放过木偶给了他五个金币让他回去找父亲

木偶碰到猫和狐狸被骗要去奇迹之地种金币猫狐狸骗吃骗喝离开客栈木偶结账一个金币树林里蟋蟀再次告诫木偶不听猫狐狸伪装成刺客将木偶吊起来木偶逃到古堡被小仙女和蜗牛管家收留木偶不愿意吃药怕苦小仙女招来抬棺材的怪物木偶吃药了木偶对小仙女撒谎鼻子变长窗外飞来小鸟把长鼻子啄断

木偶回家找木匠再次遇到要饭的狐狸和猫狐狸猫让木偶把金币埋起来让木偶去取水木偶回来金币没了木偶去找猫头鹰法官法官说谁不犯罪就抓谁木偶说自己犯罪了被释放

木偶回到家邻居说木匠去找他了木偶要渡海漂流到了小岛被小仙女救了小仙女长大了木偶说想成为真人小仙女说必须好好学习木偶去了学校木偶和同学逃学偷食物小仙女禁止木偶进门木偶睡在门口木偶继续上学不好好学习的跪豆子木偶数学变好了小仙女告诉木偶第二天可以变成男孩了木偶去邀请同学逃学同学告诉他要去一个不上学的乐园木偶被孩子们集体呼唤上了老头的驴车

古堡里孩子们愉快的玩了一天第二天都变成了驴老头贩卖驴木偶被马戏团老板买走跳火圈小仙女看了演出流泪木偶变的驴跳火圈腿瘸了被扔进大海淹死等待把驴皮做成鼓驴被鱼儿围住木偶恢复从海里游走

木偶被大怪鲨鱼吃掉结识人脸吞拿鱼鲨鱼肚子里看到木匠木匠生活在鲨鱼肚子里木匠不会游泳不愿逃离木偶带木匠从睡着的鲨鱼牙缝里逃离木偶支持不住吞拿鱼逃出来带木偶木匠游走木偶与吞拿鱼告别

木偶与木匠看到一处废弃小屋木偶转水车牧羊赚取生活费木偶遇到狐狸猫不再上当了羊圈里小仙女出现木偶醒来变成真正的男孩跑回去与木匠拥抱

最近，由翁子光监制、新晋导演何爵天执导的电影《正义回廊》成为了香港电影界的一大热话，上映至今票房已冲破千万港元，且呈现稳步上升的强劲势头。坊间好评不绝，对于一部有血腥暴力镜头的奇案三级片来说，如此成绩实属理想。

电影改编自2013年轰动一时的“大角咀弒亲凶杀案”，首被告周凯亮在大角咀海兴大厦一处单位内杀死父母，后联同次被告谢臻麒合力肢解尸体，两人同以谋杀罪名被起诉，结果陪审团以8：1的大比数裁定周凯亮罪名成立，判处终生监禁，谢臻麒谋杀罪名不成立，阻止合法埋葬尸体罪判囚一年，因判决前已被拘留两年覆盖刑期，故当庭释放。

《正义回廊》是何爵天的首部长片。与香港大多数新锐导演都会选择相对安全保险的家庭题材为出道作不同，何爵天更在意的是作品是否充满话题性，能否在短时间内引发观众的强烈好奇心和广泛讨论。

选择大角咀弒亲凶杀案，一方面因为案件发生时间距离现今不远，观众可以在网络上查阅有关两位被告的视频片段，而且凶手骇人听闻的犯案手法、对双亲痛下杀手的冷血残忍引人侧目，周凯亮甚至在杀害双亲后还若无其事地报警求助，又高调接受传媒采访，发出寻亲呼吁。

另一方面，当年法庭和陪审团一致认为谢臻麒因智力问题无法主动参与谋杀，只能受制于智商达126的周“操纵”和“诬陷”。案情和判决背后的种种疑点，并由此延伸出对何谓“真相”、“正义”之思辨，都是编导希望借一度销声匿迹的奇案类型带出的值得深思的主题内容。

何爵天在香港演艺学院电视电影学院主修导演，毕业后曾涉足不同类型制作，如电影、广告、MV等，其中较为知名的有林超贤的《激战》和《破风》。他在2016年拍摄香港电台剧集《狮子山下》时结识导演翁子光，之后便在后者的工作室担任副导演及编导等职位。由此可见，《正义回廊》深受翁子光《踏血寻梅》体察人物与环境之关系的社会派脉络影响。

《踏血寻梅》对香港奇案片的重大革新便在于创作者注入对社会低下层人物的深度关怀与信任。以往同类作品对事实及当事人毫不尊重、趾高气扬的猎奇剥削风气在《踏血寻梅》不复见，取而代之的是细细描绘“死者”王佳梅（春夏 饰）和“凶手”丁子聪（白只 饰）忧郁苦闷的日常，以及他们痛苦挣扎的心理活动，并从尝试重组案情的臧Sir（郭富城 饰）的连番发问牵扯出边缘人与现代社会格格不入的孤独悲歌。

翁子光在《踏血寻梅》之前已经摄制述说社会底层青年成长历程的《明媚时光》和《援交少女》，“阶级差距”、“房屋问题”在翁子光的作品序列里始终占据一席之地。

翁子光接受港媒专访时曾透露， 上世纪80年代，他的父母用40万港元买下位于新界荃湾祈德尊新邨的500多呎（约46.45平方米）的住房单位，一屋只有两间房，却要容纳5个人居住。翁导说他嫲嫲的房间能看到美丽的海景，随着时间流逝，“我们在对岸看着青衣的楼一直起，它变得像上海黄浦江一带，好多楼，一直起，一直起”，最后起到连海（峡）景也不见了。

这让翁子光心生感慨，在商业运作主导、寸金尺土的香港地，“家”的概念轻易便会被影响与破坏。《踏血寻梅》里王佳梅写在墙上的一组混杂英文与数字的密码，指的就是“看得见风景的房间”，一定程度也是他个人经历在其作品中的投射。翁子光电影中的底层人物大多住在狭窄逼仄的公屋和劏房，在他看来，香港公共屋邨的自给自足、秩序井然背后有种令人窒息的压迫感。

劏房是一个被极度压缩的公共空间，可以说几乎没有私隐，如此压抑不安的生长或居住环境会对一个人的人生观、价值观造成什么样的影响？这是翁子光在作品中借由呈现“连打飞机都没地方”，令人難以呼吸的局促环境，从而对缺乏流动性、阶级固化的社会体制发出激烈控诉。

进一步说，如果说过去奇案片对于凶手/受害者的诠释是强行剥离社会性的“性格决定命运”，那么翁子光作品里则强调孕育人物成长的这片土地，以及对其内部结构与运作法则的观察和批判，即“环境决定命运”。在《正义回廊》里，张显宗对父母心生恨意的原因之一亦在于房产纠纷，箇中原因是不少香港人均将“上车”（拥有属于自己的物业）视为短暂人生的唯一目标。

不久前，《正义回廊》票房逼近一千万，作为主要投资人和监制的翁子光旋即在脸书上发了一篇感谢文，简单回顾了替《正》寻找投资的辛酸历程。从文中我们可以大概得知如今仍愿意为香港电影投放资源的投资者，他们对《正》的顾虑首先便是影片的主角都有谁？怎么回本？其次就是对主角残杀自己亲生父母的奇案三级片“能否过审？能赚钱吗？”从《正》在初始集资阶段遭遇的困境，翁子光以知名导演和编剧的身份四处奔走尚且如此，我们已可想象当时《踏血寻梅》的前期准备有多困难。

或许对于大部分投资者来说，光是投资“香港电影”便已面临亏本的巨大风险，而且还是一部放弃内地市场，仅在香港本地上映，带有血腥残忍场面的三级片，难免会令不少追求商业利益的投资者却步。

可能有不少人认为，以翁子光如今在内地和香港电影圈的知名度，随便拿出几百万应该不是问题吧。实际上，翁子光在文中也说明了自己本来是想趁楼市低迷给首付买层“纳米楼”作为在港的栖身之所，好让自己不用再跟父母挤在一间狭小的居室里，结果最后还是把这笔钱用在了支持新导演上面。

“纳米楼”（nano-flats）意指面积非常细小的住宅单位，虽然香港坊间多用215呎（约19.97平方米）作为纳米楼指标，而实际区间大概在“200多呎”范围游走。但是低于200呎（约18.58平方米）的住宅单位（私楼最细的“龙床盘”面积只得11.15平方米）比比皆是。简单比对一下其他国家和地区的最低居住空间标准，中国台湾147呎（约13.66平方米）、英国398呎（约37平方米）、新加坡500呎（约46.45平方米）、日本269呎（约25平方米），香港可谓“细绝全球”。

言下之意，翁子光是押上置业首期（若按他在文中的话说，应该还有一部分是与编剧孙霏共同营运制作公司的积蓄）、美亚娱乐主席李国兴投资的部份费用（《踏血寻梅》也有美亚投资）、两位匿名贷款人、为人爽快的“K先生”（不少人猜是古天乐）的100万元，再加上香港电影发展基金的250万元资助，才有今天的《正义回廊》（制作总开支约1000万元）。

翁子光早在2018年就说过，面对香港居高不下的楼价，他也是没有买楼置业的条件。尽管在《踏血寻梅》的成功之前他已是两部卖座港片《僵尸》和《救火英雄》的编剧（但在香港编剧的待遇普遍不高），之后更自组工作室提携新导演新创作，北上发展，身兼编剧、制片人、监制多职。但是面对越发紧绷的创作氛围，连翁自己执导的新作，讲述港英时期四大探长叱咤一时的枭雄片《风再起时》何时能上映也还是个谜，谈何回本或赚钱？

再则翁导的作品风格本来就偏向奇情+写实主义的类型组合，多数投资者对该类题材无不报以万分谨慎的态度。往现实一点说，当年《踏血寻梅》虽然获奖无数，但在票房上是亏本的，也难怪翁导在文章开首就半开玩笑地说《正义回廊》上映两周的票房已经超过《踏血》的总票房（800万港元）。

疫情久未平息、电影业青黄不接、创作空间日益收窄等，这是如今香港电影（包括翁子光自己）正在面对的严峻现实与冲击。 但即便生存环境如此艰难，依旧还是有新导演愿意去尝试、开拓不同类型的电影制作，还是有不怕亏本的投资方愿意出钱出力。

我想强调的是，比起一再执着于港产片“死了没有”这种毫无意义的问题，创作者们该怎样在夹缝中求出路，将“消亡”的危机感和恐惧感转化为涅槃重生的机遇，理应更值得我们去思考与重视。

回到《正义回廊》，何爵天和三位编剧谭广源、叶伟平及梁永豪对弒亲案的审讯流程进行了戏剧层面的改写和虚构，如两位被告的姓名分别以张显宗（杨伟伦 饰）、唐文奇（麦沛东 饰）代替，真实事件中出现的相关人士、组织或团体名称均以假名或模糊化处理。尽管电影不乏对凶手杀人、肢解、弃尸过程有着血腥味极重的细致描述，但区别于过往奇案片穷尽煽情之能事，只顾贩卖色情暴力、宣泄官能快感，何爵天和编剧们显然拥有更大的野心。

他们试图在137分钟的影片时长里一并处理两名被告的家庭背景/人生经历/精神状态/犯案动机；检控官朱愛倫（周文健 饰）与两位被告的辩护律师吴冠峰（林海峰 饰）与游嘉莉（苏玉华 饰）在法庭之上的唇枪舌战、一般证人和专家证人的供词；警方的调查过程、取证手段；由9位成员组成的陪审团内部辩论过程；以及案件对三位不同领域的年轻人（记者、律师、警察）产生的影响。

可想而知，要求观众在两个多小时之内完全吸收并消化如此庞大的信息量堪比登天，而对于初出茅庐，雄心勃勃的导演和编剧来说，由于篇幅不足，以上题旨很多都只是开了个头，却没法深入。但是香港观众普遍就对此类“包罗万有”（每样都有一点，即意味着难以拍得深刻）的影视作品怀有好感，当遇到一些存在明显缺陷的叙事内容，他们总有办法以“刻意留白”、“不轻易判断”等理由为创作者辩护。

与此同时，导演为了提高庭审戏在视听层面的可看性，运用了很多剧场的表现手法（戏中几位主演，如杨伟伦、麦沛东、林海峰、苏玉华、朱柏谦等人都曾有出演香港舞台剧的资深经历，因而能够很快适应舞台式叙事手法），例如舞台剧中的“转台”技巧，让演员们突破单一固定的场景（法庭内部），随着被告/证人的供词穿梭于不同时空的情景，或旁观两名被告的行为和对话，或打破第四面墙直接与观众“交流”。

导演在聆讯过程还会利用一些光影、声效的特殊手法来表现隐藏在庭上问答互动背后的戏剧冲突，如剧情进行到张显宗表姐邵佩琼作供时，法庭内的灯光黯淡得像在教堂内告解，观众只能看到被告与证人的双瞳，画面更不时回溯到张在餐厅向邵坦白杀人罪行的瞬间。唐文奇自辩时，往往配上闪电及雷暴的音效，是否隐喻唐不可告人的内心挣扎？又如，当呈现主犯张显宗复杂的心理肖像时，导演让张显宗幻想“成为”偶像希特勒，他的家人、唐文奇则“化身”纳粹军官和士兵，用一口流利德语交谈的超现实片段为核心内容。

诚然，对于一些平时不太常看法庭戏的观众来说，上述为求达到特定叙事效果的戏剧手法的确值得他们赞不绝口，也有助于他们理解熟悉香港司法系统的运作逻辑。然而只要我们稍微回顾一下电影史，就会发现那批最为出色的法庭电影的共同特点均在于精彩绝伦的台词和对白。《正》在“陪审团商议”和“法庭辩论”部分参考的正是其中两位佼佼者：《十二怒汉》和《桃色血案》。

我敬佩新导演想要有所突破的创作激情，但是《正》在叙事手法上的所谓“创新”某程度而言只是为了掩饰对白的苍白肤浅。兴许导演太想借一件过去之事讽刺、影射近几年的种种荒谬（大部分香港新导演的通病），趁机表达港人积压已久的不满情绪，哪怕被指“抽水”（指桑骂槐）也在所不惜。于是人物不时会说出一些影射当下现实的“金句”，不仅明显与该人物在戏中所属的身份、身处的社会环境相悖，更是在间接削弱、甚至摧毁一部法律电影理应具备的严肃姿态。

若以此为出发点，《正》言语之间隐含的讥讽语气实际指向一种“代际矛盾”，而这也是控辩双方在法庭之上围绕着“法律诠释权”而制定的控罪/辩护策略、由此展开的激烈论争，道德和真相变得模糊，工具理性成为主导之外，引发观众通过持续的辩论思考“何谓公义”的陪审团内部构成隐含的深层意义。

导演将9名成员逐一划分为中老年大叔、师奶/青年、保守/激进、既得利益者/不相信制度、政治冷淡/主动参与公共事务等四个类别。这种塑造人物群像的方法确实有助导演言简意赅地向观众传递“陪审团”之于香港法治的重要意义，透过学识渊博的年青一代如哲学系毕业生高思钧在质疑体制（能否彰显公义）、认真讨论案情之余，又不忘向在场其他成员（和观众）解释陪审团制度的由来，以及一些基本的法律原则。“代际矛盾”因而在陪审团成员们对案情的一致专注中得到暂时性的和解。

话虽如此，陪审团的成员形象最后还是不免落入脸谱化的桎梏，光是从成员整体构成便能看出导演为了营造新老世代之间的戏剧冲突（及短暂和解），从而牺牲了个体自身的复杂性。这种情况还出现在滥用职权的便衣警、害怕承担责任的上司/怀有良知的年轻警员；不讲道德操守的报社总编/良心发现的网媒记者；视法律为上位游戏的知名大状/替弱势群体发声的新人律师。

就连第一被告张显宗也抵受不住陈腔滥调的“侵袭”。影片对张显宗的戏剧化处理实际上是放大了外界对他的各种猎奇窥视和想象：极度崇拜希特勒、对于性有着无限意淫，参加三级片试镜，却在性感美女的挑逗下窘态尽显，甚至连在法庭上与倒叙和闪回披露的弑亲原因：张的父母偏心、留学外国时多次遭黑人欺凌及歧视、张的物业被迫转交兄长以偿还债务，导演处理起来亦无非是突出其冷血猥琐的一面（不过片中提出的几种假设均无法充分解释张杀人的动机，这点我倒是欣赏的）。

至于讲述他进入职场面试碰壁（初识唐文奇）的部分，更加可以见到导演为了影射中港矛盾而忽视了人物的实际情况（张面试时的表现如何？能否胜任这份工作？）。要到影片最后一幕，被判决终生监禁的张显宗与兄长在监狱探访室的隔窗对话，这个角色的矛盾心理才真正凸显出来，可惜为时已晚。

英文片名“The Sparring Partner”，中文有拳击训练时的陪练员，证据确凿的张显宗显然就是那位上场比赛（杀人弃尸）的“拳手”，言下之意，故事的真正主角便落在了跟在他身旁的唐文奇身上：智商只有84的唐究竟只是一名人畜无害、整天挨揍的“陪练员”，定还是有份参与谋杀罪行的“搭档/同谋”？

这也是影片后半部分法庭和陪审团的辩论重心，导演和编剧们似乎倾向于认为唐文奇在庭审期间其实是装傻博取陪审团同情，然而除了张显宗的口供，并无更多直接证据能够证明唐确实有参与谋杀，同时警方不恰当的取证方式、唐的姐姐声泪俱下的“感人”供词，令整场审讯逐渐偏向有利于唐文奇脱罪的言论立场。

如果说《十二怒汉》是陪审团通过深入分析讨论案情为无辜人脱罪，极力避免冤狱的发生，当中隐含对司法制度的高度信任及其存在的必要性，那么《正义回廊》则走向与之相反的另一面：高思钧说出“冤狱比放过有罪的人更不公义”，更像是一句自我安慰、安慰观众的妥协话语（香港观众映后讨论的焦点还是在唐有没有参与谋杀），实际上是（创作者认为）本应接受惩罚的罪人无罪释放，一切只是因应“无罪推定”、“疑点利益归于被告”及“精神障碍辩护”而采取的辩护策略。

所以《正》也包含如何“演场好戏”的后设元素，法庭之上真相与否并不重要，公义得不到彰显，唯一的“真实”或许只剩下历历在目的行凶过程，以及众人的“演技”。我想导演和编剧们应该更认同《桃色血案》传达的法律理念（两面性），不过限于篇幅，电影亦只能浅尝即止。

尽管《正义回廊》并不完美，充满导演和编剧为讨好观众不慎流露的机心，但面对创作空间越发收窄、影视作品同质化情况渐趋严重，香港电影更需要多元化，更需要这样一部摆脱偶像崇拜、个人主义包袱的精彩群像戏。今年下半年港产片集体经历了一次久违的口碑与票房双爆发，我衷心希望势头正猛的《正义回廊》也能百尺竿头，更进一步。

本文首发于「虹膜」

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最近真的被《凭栏一片风云起》所打动，这部民国时期飞行员和女学生的爱情讲出了淡淡的悲凉感。

首先在抗日战争年代，装备本身就是不如人的；更紧缺的就是具有经验的飞行员，这也就有了张启在开始为了招飞而奔走相告那一幕。

剧中的张启是一个家境殷实成绩不错的民国富二代，但个性十足弃学从军，幸好父亲也是十分支持自己。而与他定了娃娃亲的孟海棠是复华大学秘书长的女儿，也同样是个个性十足的民国女生。沉迷研究甲骨文，且全心全意支持张启的飞行事业。

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星星都给陈展鹏！！！正在看天命，陈展鹏的演技还是挺厉害??就想找以前的剧看看整条剧的主线还是挺好看的，之前看前面几集最终没有看下去，开头真的难熬，两兄弟都眼里只有女人??可气人了，大哥性子倨傲弟弟那是没脑子！为了陈耐着性子看，越看越气，这什么弟弟，哥一死就想着泡大嫂？？？哥哥没死回来了又一直针对？？？？窝艹曾经的兄弟情都被??吃了吧，啊DEE真的气死我了剧的重心大多数在情感上，我想看的是组织的事??把组织构架打的很厉害但是具体的事件真的看得出剧组穷??俩女人挺厉害的

爱情电影，题材很小众，不流俗。将一部哲理性很强的电影《白光》讲解词交给一位阅历不深、心事还很重的年轻女子尾崎美佐子来撰写，类似于“我的思念没有尽头”、“你太美了，美得像是随时会从我身边消失。”这样晦涩难懂的台词，画面背景应该如何解说，确实是难为美佐子小姐。因此在评审会上，“责难”大于“肯定”，也是在所难免的。电影中展现评审会开会的细节，导演真的让我们这些观影人也置身其中，每个盲人评论员都富有个性，并没有因为是配角，就简单的脸谱化。有的听察细腻，有的则是好好先生、有的表达委婉、有的总结直白，但都言语凝练，有修养，应该是专心挑选出来的。石田女士欲言又止地说：“讲解词表达得太多，就像从窗户口一下子涌出很多东西。”中森先生更是严词：“都是你的主观意识，这些话除了碍事，没有别的东西。”“委屈”是满满地写在了美佐子的脸上。会休期间，既是扮演时江的演员又是主审员的智子女士劝美佐子的话让人感触良多：电影，不就是与某个人的人生连系在一起吗？美佐子的工作确实是太难了，她既要去体会电影中人物的内心世界，还要去感受听影盲人的丰富想象力，更有把自己内心固存的东西扔掉。在采访过《白光》电影导演兼主演的北林先生以后，美佐子似乎找到了方向，修改后的解说词，表达不再肤浅。可谁曾想，第二次评审会居然让美佐子掉下了眼泪。美佐子自认为电影《白光》是导演北林先生自己人生的映射。于是她将解说词大量删减和修改，留白是充分的，但主观性很强，反而把电影能够孕育出的广阔世界给弄窄了。戴眼镜的评论员就觉得美佐子把这部作品的沉重感、厚重感给破坏了，作品想表达的是：“那些逐渐走向消亡的东西的美和悲伤”。中森先生则指出：“最后一幕中，夕阳背后的东西你没有说，你这不是留白，是逃避。”美佐子反唇相讥：“是你没有想象力，我从头就观察您，别人都随着故事情节的起伏而表情丰富，只有您表情从来不变。”事后，智子女士批评气走了中森先生的美佐子自己没有想象力，智子的批评是有理由的。《白光》这部电影拍摄的时间很长，因为在中森先生眼睛还是正常的时候，他就是为这部电影拍剧照和宣传画的，重山一次又一次从山丘上跌滚下来，就是在为中森跌出最佳镜头。智子让美佐子给中森送阅读放大器，这都没能唤起美佐子的想象力：剧组和中森雅哉究竟是什么关系？中森先生对剧本可以说早已烂熟于心，否则，像他这样的大师如何搞创作？他才是解说词最需要的主审官。《光》这部电影，人物丰满，每一句台词每一个动作，都是在将角色的个性、爱好进行修饰、打磨。中森雅哉，即便他的视力在逐渐丧失中，他的生活态度也是积极的，自己买菜做饭。他会在街边小公园用眼角仅剩的视力给小朋友拍照。他还会参加前同事的聚会，喝酒聊天。他倔强地不使用盲人手杖，用数步子、摸墙定位等方法，安排自己的生活。一部绿莱相机让他机不离身，那是将他的事业送上巅峰的伴侣，是他的心脏。中森雅哉还是一位胶片照相的发烧友。从他使用的手机来看，已是一部智能手机，那相机也应该早就进入数码时代，喷墨打印、激光打印技术成熟。可是，他和他的同事们却沉醉于暗室感光照片的质感中。尾崎美佐子是一位音轨制作师，她那种张口即来，随时播报眼前景物的职业“毛病”，在片中也是有多处展示的。但是，美佐子太爱强加于人。她在中森家的垃圾桶里捡到一张未过期的请柬，就坚持让中森去赴宴，理由竟然是该酒店有残疾人无障碍设施。她还强给中森使用的盐瓶贴上小鸡的标签，中森需要吗？美佐子重情。她的家里有一台老旧的吱吱作响的传真机，那是为患了阿尔兹海默症的母亲保留的，患病前的母亲一定是用这台机器和她保持着联系，现在，她继续用它倾听母亲的呼唤。父亲的失踪，给美佐子心灵留下极大的阴影。父亲遗留下来的背包，里面的钥匙、手绢、钱包、身份证、照片、剧场票、超市小票被美佐子无数次取出、摩挲、再放回。父亲为什么要以这种方式离开？中森雅哉和尾崎美佐子的爱情火花，是在一次次冲突中摩擦出来的。第一次评审会，中森的发言就让美佐子难堪，但这才让她接触到了中森的画册，听到了他的故事，她的心灵更是被一张中森拍摄的夕阳西下的照片所触动，一瞬间。送阅读放大器到中森家，美佐子再一次听到不中听的话，中森说：“你果然不适合干这一行。”美佐子气不过，她伸出左右拳在空气中向中森杵过去。然后嘴里叨咕着：“舒服多了”。这一顿小拳还是被眼角视力仅存的中森捕捉到了，他忍不住笑出声来。喜爱，也是在那一瞬间，否则，寡言少语的中森不会向美佐子述说自己的前妻，更不会在美佐子走后，对着镜子难过。第二次评审会，中森雅哉和尾崎美佐子之间的龃龉居然让评审会直接散了场。明了事理以后的美佐子急着要找中森道歉，可巧找到了，并且是在中森最脆弱的时候。当时中森虽然找回了被同事大西偷抢去的相机，但急火攻心，在地铁上他那仅存的眼角视力也彻底消失，眼前只剩白茫茫一片。中森第一次流泪，泪珠在眼眶里打转，他的手抖索着抓住了美佐子的手。中森和美佐子开车去山顶看夕阳这一段，我是没怎么看懂的。在夕阳下，中森说：“我时常能听到心灵碎裂的声音，是尾崎你的心灵碎裂的声音。”接着中森继续说：“我也曾因为看到了不想看的东西而觉得火很大。”难道中森的眼睛是因为看到妻子环琴出轨而上火患疾的吗？这个理解是不是太狭隘？最喜欢的画面是在夕阳下两位主人公激吻后，中森推开美佐子的逆光画面：橘红色的侧面剪影，太震撼。可惜镜头色彩有点闪。最喜欢的台词是美佐子在中森家外等待时，中森从转角走过来的对话。美佐子要去接他，只听中森说：“等等，你不用再来追我、找我了，我会、我会去你那里的，所以在那等着我。”掷地有声的一段话，掷地有声。这部电影，我认为是一部生命的交响曲。导演北林先生，垂垂老矣，他已经把生死看得没有界限，活得洒脱。他向美佐子传达的是：“人生就是这么身不由己。”就像我们常爱说的：明天和意外,你永远不知道哪个先来。电影《白光》中的重山，他用丝巾亲自将患有精神疾病的妻子勒死。他把人生过得如此沉重，如此悲伤，当他站在沙丘顶上，他望向的最远处会是什么？而中森雅哉却把人生过成了明确的样子。他的人生上半场有成就、有辉煌，是行业中的翘楚。而当眼睛有视觉障碍后，他有泪、有伤，但从没有屈服过。让我们回看那几个镜头。当他用仅剩的眼角视力去看牙膏说明时，模糊一片，他说的是：“太好了”。当他和同事喝酒聊天时，同事小金说：“如果是我，早崩溃了。”中森说：“崩溃，不至于。”当他的最后一点视力在地铁上完全丧失时，他说的是：“未来”。当他把好不容易找回来的相机，投进山谷里时，他的心意已决。当他把胶片、感光纸一把火烧掉时，他表情坚毅。他拿起了盲人手杖，大声对美佐子说：“我来找你”。他的第二次流泪是在盲人专场的首映式，这次他的泪是为别人而流。美佐子的人生应该是去掉了阴影。每个人都有选择人生的自由，她的父亲也有寻找归处的自由。不是吗？这部电影有几处硬伤。美佐子在街头小公园遇到中森，太巧，不符合逻辑；美佐子在地铁站里轻易见到中森的背影并跟踪，太巧，不符合逻辑；中森的相机被同事大西偷抢，太巧，不符合逻辑。尤其还给大西的红鞋一个特写；中森站在天桥上，回忆起当年给《白光》电影拍剧照的场景，插入得太突兀，完全没有逻辑；第一次评审会和第二次评审会，所有与会人员的服装都没有变，很奇怪。电影就是靠服装变换来表现不同时间、不同场景的。

戏中戏的女导演，不能爱

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片中除了叶丽嘉 几乎都是非职业演员

主角丽娜的名字

也取自演员名字中“丽嘉”的粤语近音

本片的取材在香港电影中是比较小众的

片中一些演员确实是这样的取向

所以特殊的两性关系还原得比较真实

银幕之外 他们也伴随着种种纠结和挣扎

比如婚姻和对于家庭的交代

都是一个很难的选择

在香港 这个特殊的群体面临着不小的压力

影片的花絮中

阿威的扮演者说

家人朋友都很期待他和叶丽嘉的那场吻戏

仿佛吻一个女孩是作为一个男性的标配和使命

是对身边质疑的人一个合理的交代

遗憾的是这只是电影中的一幕

而电影结束以后

这种质疑还将继续下去

也许他们只能寄望看过本片的观众

能够理解片尾那句话

一个人的感情有时也可以超越性别