电影还是可以的，剧情，特效，演技都还说的过去，不要总是抱着批判的眼光，不是所有人都有那么高的造诣的。每个人拍的都有自己的想法，虽然不排除有摆烂的地方，但是克拉拉是真的好看啊，哈哈哈，还有片子中的转折不比那些大导演，大制作来的差，甚至比那些只会宣传，拍的稀烂的片子好多了！（这里说的都是克我自己想说的一些剧情，我不粉她的哦，但是不得不说杨府的那一段拍的克拉拉真的绝了好嘛。还有就是洛，也是很好看的，和我认识的一个朋友很像，而且她也是导演哦，哈哈哈。有朝一日，我也想要拍一部属于自己的片子，不管其他人的评价，无愧于心。）

每个人或许都成为过灵物，我们都曾有过执念。

天兵的职责是杀死灵物，灵物医生的职责是治疗灵物。天兵为何执意杀死它们，是因为他们根本不了解灵物是什么。

灵物的一大特点就是心中有执念，并且这个执念很深，如果无法放下的话，灵物会被执念所侵蚀，丧失理智，成为恶灵。

天兵只看到了灵物变成恶灵杀人的一面，却不曾注意到“执念”，灵物本身不是罪人，它们的执念才是纵使作恶的元凶。白起作为灵物医生帮助灵物放下执念，恢复成人。

抽离出剧情，不禁发问，我们是否也是灵物。

作为一个有血有肉的人类，每个人心中都有执念。执念到底是什么？我想它是我们心中最牵挂的人，最难忘的事，或者是一段最后悔的记忆…它们让我们牵挂，让我们惦念，让我们无法忘怀，甚至无法自拔。

执念让我们产生情绪与情感，驱使我们的身体，去做一些事，这些事或许有利或许伤人。当执念过深，无法忘怀时，就会丧失理智，做一些违法，害人的事。

白起和黒起就是一个人，当白起执念过深时，他的能力就会变弱，黑起绝地而起，侵占整个身躯。但是黑起一定是“反派”吗？他也是为了他的执念，也就是小舟的救命之恩，对于黑起和小舟的情感来说，白起反而应该是“反派”。

分歧产生冲突。如果白起没有爱上林夏，那黑起或许不会崛起。故事的开始白起和黑起的目标是一致的，都是找回小舟，所以二人当然可以和平相处。但是白起爱上了林夏，他对她动心动情，局面也就变得一发不可收拾。

不管怎样，事实告诉我们，执念有害，它就像一个结，解开了海阔天空，解不开将会成为一个人心中永远的诟病。

所以，趁早放下执念，找回真正的自我。

神作，深夜看完后让我感动不已。

相比“自我追寻”式的典型公路片，这部片子更多地再现了一种跨国资本主义时代交叉性之下弱势者的集体经验——它们不乏温情脉脉与欢笑的瞬间，但更充满着被侮辱与被损害的时刻。尽管故事开始于所谓的第一世界，但这里也并不是没有交叉性的不平等——换言之，在第一世界也有庶民，女主就是其中之一。片头，全球化离岸外包使在法国的工厂倒闭，在自己的工作中找到了认同感的女主阿格蕾雅不愿意“寻找新的机会”或“改变自己”，而是出人意料地答应了企业的留任条件：前往印度分厂继续干碰撞实验的活儿。因为阿格蕾雅被自己所厌恶的脱衣舞娘+性工作者妈妈抚养长大，也不擅长办公室工作，伊对这个工作的强烈认同就不难理解：正是碰撞实验的工作让伊得以肯定自己自食其力的劳动者身份并摆脱母亲的阴影。买不起机票的窘境让阿格蕾雅的旅途成为百衲衣式的：伊和工友一起开过破车，被工友甩开后自己搭过便车、偷过自行车、骑过哈萨克士兵p友的摩托甚至在最后一段路上徒步前行。在这些经历中，伊见识了一位工友的同性情欲，看到了另一位工友在母职、情感与逃离之间的徘徊，并与吉卜赛人、哈萨克士兵，喜马拉雅山下的平民以及印度海吉拉（mtf）医生和伊的伴侣这样的庶民相处。（可谓buff叠满hhh）与此同时，伊在法国国内激发了媒体关注，甚至成为了工人阶级与另类全球化的英雄。从感知“身边社区的不平等”开始的印度之行，却以一场德勒兹所说的感知并介入整个世界的左派运动结束——这是因为就像这部电影一样，阿格蕾雅的旅途成为了庶民经验得以被言说和再现的媒介。这些被表征的经验不乏弱势者的生活技艺与善意，也不乏弱势者的欲望、情感与能动性，但同时也充斥着苦难和不公。

“You can hang back or fight your best on the front line，and sing a bit of this subaltern’s blues.”

槽点太多…说说我印象深刻的。

1.一上来谭峰包蓓蕾撞上了，然后包蓓蕾后面脱口而出，“你个大男人blahblahblah”这是一个职业女性该有的职业素养吗？导演编剧是不是没碰见过正经上班儿女的什么样啊？你这样除了加重对女人刻板印象无理取闹以外，有什么意义？

2.梅姨怒怼拜金女，她这样多管闲事真的好吗？她就没想过这一个愿打一个愿挨的事儿？都是成年人了，他们老太太能辨别出来假药打假，成年男人连这都辨别不了吗…？表达她路见不平拔刀相助的方式有很多，不致于这样子吧？ 更何况在现实生活中有多少女生不顾对方穷甚至欠债都要结婚的？

3.那个秘书以性骚扰来抹黑谭峰，且不说现在社会真实情况怎样…造假性骚扰的有几个？这种电视剧一出简直就是在背刺那些真正被性骚扰而且敢于发声的女人们，本来发出来就会面对一大堆“钱没谈拢？”“仙人跳？”“x哥好惨被这种女人缠上”这种莫须有的质疑声，现在倒好，真敢把这东西拿出来告诉大家“她根本没有被性骚扰，她只是想让主角难受”我可真的谢谢导演拍这个情节了…

4.在后面全家人劝黄家姐姐跟老公复婚，面对更好的工作机会更好改变生活的机会完全不在意。忽略前面丈夫的种种不称职，只是因为他现在突然变好了一点点然后就集体一致战线让她牺牲自己复婚为家庭…

真的太扯了，能不能让女导演拍女人戏？

两星给为大龄女演员提供工作机会以及她们之间的情谊值得赞扬。

全剧围绕着Daniel的死和去California两个主题展开，Daniel的死在一定程度上催生了去California的目标。四个小孩，坚定地说着，我要去California，如此地执着，成为剧集一开头的迷思。他们不断地吐槽着当地的生活，他们认为去了California，就可以摆脱这样的生活。剧集的主线就是这群团体名为保留地之犬的孩子通过偷盗等不良行为打算离开这个地方去California，但是他们中的一些人却发现他们是留恋这个地方的，这个地方能够容忍他们的不良行为，这个地方充满了爱与自由而不是追逐金钱。

通过Daniel的死在剧集中不断插叙倒叙，成为剧集的一大疑点。让人深究Daniel的死因和身后的含义。其实我看到最后好像还是没有非常明白Daniel的死，我觉得他的死是一种文学上的死亡，是为了创作所需的，他的死唤醒了这群孩子，让他们逃离这个地方。

但是这些孩子其实内心还是很迷茫，我们要去远方，可是远方真的有你想要的一切吗？未必，就像《大象席地而坐》里所启迪的一样：远方最好的时候，就是未曾抵达，而一直在去的路上的状态。满洲里真的有大象吗？有自由吗？有桃花源吗？它不是说我们不应该期待生活的改变和远方，它只是给了一些让我们安于现状的原因和给我们一个契机去思索远方到底能给我们什么。剧集展示了一些印第安人的现状和印第安文化，也让人开始了解印度安人的生存现状。

- 美国政府对印第安土著犯下的滔天罪行，犯了种族屠杀罪和反人类罪，美国政府对于这一点并不像日本政府对南京大屠杀那样死不承认，美国各大媒体对于以前的美国人屠杀印第安人进行了大肆报道，美国民众对于这一点是很清楚的。毕竟印第安人由原来美国境内的3,000万人被屠杀只剩了38万人，这点人数根本难以兴风作浪，美国大肆报道也不会煽动其民族仇恨来，印第安人实在太少了。难道美国那么大的一块领土，就容不下几块印第安族的保留地吗？美国人对印第安人屠杀殆尽政策其实是一种报复，因为在美国独立战争的时候，印第安人加入了英国阵营，共同对抗美国人，阻挠美国人的独立。印第安人不断袭扰美国人的后方，也是采用残酷的三光政策的。

人物塑造的很好，一个善良的小胖子，在医院遇见了一个叫他孙子的老人，突然发现了人生的乐趣，他真的成为了老人的孙子，每天陪着老人。

团队中最为理性最为老成的女孩，她见证了Daniel的死，决心要不顾一切地攒钱离开这个印第安人聚集地。

一个渴望着父亲的爱的男孩，他想去California也许只是因为想去找自己的父亲。

一个只有父亲的单亲女孩，她会打猎，她的父亲说不管她选择了什么，做了什么，都是对的，他永远在这里等着她。但她最后明白：父母不能陪我们一辈子 所以我要留下来。

感觉只是第一季吧，故事线没有，充满了青春里的迷思和彷徨。

看之前沐浴更衣，洗净眼镜和双手。如果按客观角度，三星；按温子仁粉角度，四星；按B级片角度，五星。

对于室内环境的色调，还是沿用一贯的温氏暗黑风格，高长调的灯光，复古的色彩，但在保持惊悚的连贯上牺牲了部分统一的灯光，营造红蓝混合的形式感极强的氛围。

剧本前半段有部分硬伤，但不影响铺垫逐渐推向高潮。很多恐怖技法源于生活，但又并非温子仁独创，无生命的物体自动，镜子里出现别人的脸，还有双面人的设定，都无太大新意。

摄影撑住了场面，移镜制造的惊悚力度很大，曼迪逊逃回婴儿房的垂直俯拍长镜，还有警察屠杀的动作摄影，都保持较高水平。但是温子仁对配乐似乎有点滥用了。

主题还是关注弃婴领养问题，对于被强奸、乱伦、未婚先孕的女性着实是个难题。最后胜利的力量还是来源于《招魂》的亲情，听到加百利是杀死六个子女的凶手时，曼迪逊作为一名母亲的觉醒，也能看出温子仁对于家庭、亲情的重要性。

总体没有太大的创新，但最近看的血浆片太多，有一部能看的确实养眼，况且这位年轻的导演还在保持出新作的速度，比起对某些北电教授的无尽期望，还是小满足了一波。

节奏好，确实是此片的优点,所有事件的推动力都是女主，一个小女孩担起了撬动这台大戏的主轴。 也关联起了能力与人脉的问题。刚入职场的女主还不知道职场潜规则的可性，事事要强的她，抢了上司的风头，导致被开除，气不能平的她与是加入了原单位的竞争公司，在某一个神秘人物的指起下，一步一步的，越走越远，如果她靠内幕消息和动用关系成功了，她便可能是另一个银行精英，如果她失败了，她便会一钱不值，被整个银行界扫地出门，女主确实有些能力也很拼命，她能从市长的手的情况判断出对方的病情，能从一个客户的一个眼神判断说他是不是直男，野心和判断力可以使女主越走越远，最初她是抵制这些内幕交易的，也从未想过当间谍

看完整部剧真的很羡慕陈嘉玲啊，小时候天真可爱，身边都是爱她的人，还有青梅竹马的暖男蔡永森。长大后亲戚关系还是很好，40岁父母健在，弟弟懂事，青梅竹马还在。最令我羡慕的就是最疼爱她的爸爸了，她爸爸真的是很好很好的爸爸，令我想到我自己的爸爸，我的爸爸也很好，可惜他陪伴我的时间不够长。那我就好好珍惜我还拥有的吧，一切都还来得及。

40岁的陈嘉玲在前男友的婚礼上出糗，和谈了四年多的未婚夫分手，拒绝了中意自己的年轻多金帅哥，辞掉了一直心有怨念的工作。40岁的陈嘉玲很勇敢，生命总有自己的出路，陈嘉玲最终也在40岁找到属于自己的出路。时间很长，总有重新来过的机会。不知道我何时找到属于我的出路。

我很同意很多人的看法就是，导演没必要让莫文蔚最后把故事讲一遍，觉得有点生搬硬套的感觉，与影片的风格不一致。我们首先来看一开始的车祸，镜头一转，一辆车翻入江里。然后是小青与小川，小青是爱着小川的，这从她后来去北京之前与小川的告别可以看出来，她说了，与那个家伙好，只是为了那手术的钱。然后是小易，不觉得很突兀吗？萍水相逢，给了人家两万块钱，然后被一群家伙带走了，奇怪的是，那群家伙貌似是来要钱的，为什么听凭小易将两万块钱拿出去，由都是零钱，这与小易的形象不符啊，那么他又是从哪弄来的钱呢？为什么莫文蔚看到大桥的时候很惊讶，镜头拉的很长？。。。。。。影片有很多很多的谜团，导演不去解决，而在最后将原因讲了一下，实在不知道为什么，而且原因真的是很难接受的那种。而且用生活来描述本片，又是不行的，没有生活的性质，太多的不可思议与意外。出租车司机为什么帮助苏丹？从一开始就知道，其实他没有要逃生的念头，那么他妻儿呢？可是从开头老子叫儿子回家的镜头，老子是关心儿子的呀，不可能说变就变。一连串的疑问。。。但是我还是推荐本片，风格很棒，莫文蔚的演出很出彩。

作者：Owen Gleiberman (Variety)

译者：csh

译文首发于《虹膜》

现在，那些碎片终于被拼成了一个整体。那么，它看起来怎么样？

《风的另一边》讲述了一个传奇好莱坞导演的故事，他的名字是杰克·汉纳福德（约翰·休斯顿饰），他正努力要完成自己最新的作品。既然我们花了四十年的时间，才把奥逊·威尔斯遗作的碎片，拼成一部可以说是完整的「电影」，我们要问的第一个问题就是：在观众眼中，它看起来像是一部连贯的影片吗？

答案（基本上）是肯定的。勤勉的档案员与技术人员费尽辛劳，才让《风的另一边》重归完整。修复团队由曾获奥斯卡奖的剪辑师鲍勃·穆拉夫斯基（《拆弹部队》）带领，处理了威尔斯留下的一百个小时的影片（包括他现存的笔记）。

这一切如同一场神圣的电影考古发掘计划。他们完成的作品，是一部怪异的、相当跌宕起伏的、赏心悦目的影片，我们很容易就能察觉到奥逊·威尔斯的风格。从那浮华而晦暗的氛围中，你可以感受到高浓度的「威尔斯基因」。所以它是一部好电影，还是一部烂片？一场迷人的混乱，还是一则严肃的故事？一部艺术作品，还是一件古董？可以说，它跟上述的每一项都沾点边。

《风的另一边》有着许多角色（即使许多人只是突然呆滞地出现在摄影机前，脱口说出一两句台词）。它有着松散的结构，但却按部就班，逐步滑入黑暗。它也营造了一种圆熟的、慵懒的气氛，描摹出好莱坞那朽烂的核心。

它也呈现出一系列混乱的、令人困惑的碎片，运用了各种不同的胶片（包括35毫米和16毫米的胶片、黑白与彩色胶片）。这部影片是威尔斯在1970到1976年间零零碎碎地拍成的，而且他并没有能够在去世之前将它完成。但是，这并不能完全解释这部电影概括性、私密性、梦幻性的特征。某些迹象表明，就算威尔斯把这部影片完成，它仍是高度概括、极其私密、如梦似幻的。

当威尔斯从欧洲归来，开始这项拍摄计划的时候，他已经五十五岁了。他最开始把这部影片设想成一部「回归之作」，他的意思显然是要拍摄一部杰作——威尔斯的一番伟大宣言，涉及好莱坞、媒体、新的青少年文化和扭曲的电影政治学。

不过，这项计划仍然是在威尔斯职业生涯晚期的那种拍摄风格中进行的。那是一种梦想家式的、低预算的拍摄方式，口号是「我在家拍电影，和在马路上拍电影一样快」（代表作有《赝品》和《堂吉诃德》）。这种「自给自足」的美学建立在一种愿景，或者说一种偏执的幻象之上：威尔斯，一个被好莱坞制片厂体系残害的导演，自己在系统之外拍摄最终的影片。

但是，在观看那些最后的影片时，我们心中骚动的念头是这样的：如果没有充足的预算与工作人员，如果他的身后没有一个制片公司，他是否能够在拍电影的时候发挥自己那种纯熟的技艺——镜头角度、尖锐的台词、视点镜头？换句话说，他能让我们目睹一部魔术般的、奥逊·威尔斯式的电影吗？

那样一部电影，确实是一场迷人的梦境。但是，我们很难不去怀疑，奥逊·威尔斯不完成《风的另一边》的一个很重要的原因，是他根本就不想那么做。对他来说，制作电影的那种「点金术」般的过程，比电影成品本身更为神圣。「永不完成影片」，是一种自命不凡的、自毁的、威尔斯式的举动。

他告诉我们，好莱坞制作电影产品，而他制作电影的热情远胜于此。纯粹的过程就是一切。《风的另一边》是一部高度独立、为艺术而生、「我即摄影机」式的影片。把它那破碎的影像组合到一起，就是一个荒谬的故事，用喜剧的手法描摹好莱坞的奢靡，成为诊断好莱坞重症的迷人案例。对威尔斯来说，好莱坞是一个不让你说真话的梦工厂。《风的另一边》是在不为人知处，一场反转的噩梦，将现实化成一座飘摇的海市蜃楼。

影片刚开始的时候，我们感觉自己像是在看电影的草图，而不是真正的「电影」。最初的二十分钟焦躁不安、令人困惑；影片持续不断地抛出新的角色和新的台词，我们看不到可以被称作是「事件」的东西。就好像威尔斯从来没学过怎么拍镜头——这可能是一种风格化的选择，也可能只是匆忙拍就的结果。不过，即便如此，《风的另一边》可不仅仅只是记录下它那迷人而古怪的拍摄过程。

影片之初，几个演员突然出现在你的面前。彼得·博格丹诺维奇尤为突出，他扮演布鲁克斯·奥特莱克，一名世故的电影「高手」，因为他的油腔滑调，深受汉纳福德的宠爱。在这部影片中，一部关于汉纳福德的纪录片正在拍摄，而你到的每一个地方都有人拿着摄影机。这正是威尔斯提及的「七十年代的传媒时代」的萌芽——不过现在看起来，他就像是在预示苹果手机的时代。

在很长一段时间里，《风的另一边》都不像是在讲故事，直到那个荒漠中的农庄场景。所有人都聚集在一起，庆祝杰克的七十岁生日。他的密友、仰慕者与奉迎者在场，甚至连他的一些敌人也不例外，比如一个总是和他过不去的影评人（苏珊·斯塔丝伯格饰）。

我们还看到了一些威尔斯年轻时的导演伙伴，像是保罗·马祖斯基和亨利·雅格洛，他们闲坐着，争论着阶级斗争的话题。过了一会，约翰·休斯顿狡猾地斜视四周（让我们想起他在《唐人街》中令人难忘的表演），踏进戏剧式的聚光灯中。

休斯顿是在扮演威尔斯自己的肖像吗？是，也不是。汉纳福德与电影本身一样年迈，来自好莱坞的默片时代，知晓所有它肮脏的秘密——有些是他自己的秘密。作为导演，他是一个「男人中的男人」，一个海明威/霍克斯式的顶天立地的人物，他能够吼出这样的话：「我觉得拍部好电影很容易。我不是说要拍一部伟大的电影——那是另一种东西」或是「互相借鉴没什么问题，只要我们不借鉴自己就行」。

从某种程度上来说，汉纳福德是好莱坞的权力精英。威尔斯从《公民凯恩》之后就从未体验过这种特权。但是，汉纳福德同样是一具已逝年代的残骸。让汉纳福德创造他的传说的制片厂体系已经不复存在，而新的好莱坞——或许是最后的好莱坞——仍悬而未决。

威尔斯也是如此，他刚结束在欧洲的流放而归来，但他试图完成的影片，仍旧必须是威尔斯式的。这是一瓶矫揉造作的迷幻剂，这是一部逃避现实的「装嫩」电影，这是《风的另一边》。我们看到了太多这样的场景——最开始是在放映厅内，汉纳福德那脸型瘦削的伙伴，比利·博伊尔（诺曼·福斯特饰）试图把电影卖给潜在的投资人（杰弗里·兰姆饰），但那位投资人在放映中途就离场了。

我们很难去责怪他。威尔斯是要用这部「电影中的电影」，来讽刺安东尼奥尼式的青年电影。它的开头就像是《扎布里斯基角》的续集：约翰·戴尔（鲍勃·兰登），吉姆·莫里森式的主角，慵懒地站在一片贫瘠之地，正对着女主角（由威尔斯的情妇扮演），那是一位撩人的、奥雅·柯达般的女人，正处于一种半裸的状态。

到了后来，当杰克在派对上放映这部影片时，我们看到了更多的片段，那时它成了一部放荡不羁、无比邪恶的惊悚片。不过，我们很难揣测威尔斯在这里的用意。我们可以因一部分场景而发笑，但是大多数场景都是忧郁、迟缓的。

如果这是威尔斯对新好莱坞影片的预言，那么它看起来既时髦又（在我们的后见之明看来）落伍。更吸引人的是杰克的派对本身，它看起来是一场酗酒的狂欢与含沙射影的讽喻。《风的另一边》中的对话像是一阵阵恶毒的寒潮。

「杰克前行的过程，不过是一次次的和解。」「这个家伙被他的信徒们寄生了。」「汉纳福德先生喜欢装作无知的样子。」「他可以把一个仅仅是糟糕的主意，变成真正穷凶极恶的东西。」「如果你想跟他打一架的话，请邀请我。」如果说言语中伤是在文字上做文章的话，那么这部影片的视听风格也另有蹊跷。它发扬了威尔斯曾在《赝品》中运用的高速拍摄技巧，抢在奥利佛·斯通的《天生杀人狂》之前营造出一种催眠般的多媒体镜头效果。

我们不禁想象，如果斯通看一下这部威尔斯「装配」的四十二分钟的段落，会有什么样的想法。从黑白到彩色的跃迁，不仅仅是给我们一种不平衡感。它邀请我们观察片中的角色，就像是在观察笼中的爬虫。观看《风的另一边》带来的至高的喜悦，主要是因为这部影片实在是太「威尔斯」了。这部影片感觉上最像是《历劫佳人》（对我来说，这是威尔斯除《公民凯恩》之外最伟大的影片）。

它甚至还有一点「玫瑰花蕾」的意思——我们可以从他与约翰·戴尔那捉摸不清的关系中察觉到，汉纳福德有着隐蔽的同性恋情结（「当杰克发现他的时候，他还在卖吸尘器」）。在这部影片中，这一同性恋情结不仅仅是作为「流言蜚语」呈现的，它是威尔斯对好莱坞之虚伪的隐喻——这个极具男子气概的导演，塑造了他自己的形象，创造了他的影片，然而这一切都建立在他的自我欺骗之上。从精神分析学的层面上来说，这也是他没有完成这部影片的根本原因。

不过，平心而论：《历劫佳人》与《公民凯恩》与这部影片绝不是同一种艺术。《风的另一边》是如此连贯、如此令人叹服。而修复团队的成果，还原了这部拼贴式的影片，让我们再也不必推测它的模样。你可能会好奇，如果威尔斯从职业生涯之初就开始筹备这部影片，并给予它应得的大规模制作，《风的另一边》将会变成什么样子。但是，从某种层面上来说，你再也不必担心这部电影会永远锁在他的大脑中了。

是部模仿其他电影内容和片面的伪大片，歇了吧。是部模仿其他电影内容和片面的伪大片，歇了吧。是部模仿其他电影内容和片面的伪大片，歇了吧。是部模仿其他电影内容和片面的伪大片，歇了吧。是部模仿其他电影内容和片面的伪大片，歇了吧。是部模仿其他电影内容和片面的伪大片，歇了吧。是部模仿其他电影内容和片面的伪大片，歇了吧。是部模仿其他电影内容和片面的伪大片，歇了吧。

身边好友是痴凯粉，所以王凯的电影我都免费看。

我算是第一次在电影院看了手撕鬼子的戏码。我本对战争一类的题材就不太感兴趣。铁道飞虎算是典型的成龙式喜剧。

关于房祖名的出演大多的感觉是被骗了，但他本来也不可参与任何宣传，而我对吸毒艺人的容纳度远大于一些港独台独艺人。而房祖名在戏中尚算出彩。

而王大陆饰演的八路军无疑增添了此戏的败笔，但心中却是暗喜，台湾演员要想挣钱就得让你演什么就演什么，成龙的戏你不演有大把的演员争着演。

最后电影中最出彩的还是王凯，无论是戏中人设还是个人演技都是如此。直截了当的体现了专业演员的素养。

这其实是一部以常规故事中“女配”角度所述说的故事。

这个电影也告诉观众，错过了的终究不可挽回，不论你如何费尽心思，结果依旧不会如你所愿。

在电影里，女主几乎做尽了女配会做任何挑拨男主与其未婚妻的事，或者是想尽办法去引诱男主，这一过程所造就的结果显得啼笑皆非，最后也差点就成功了。但男主对未婚妻坚定的爱，以及女主仍存有的良知与对男主的歉疚，再加上女主gay蜜（gay蜜超级绅士超级nice超级好的）的善意提点，终于让女主放弃自己所做的错事，积极去挽回男主与其未婚妻的婚礼。

如果在看这部电影时，你是站在女主去思考故事，会觉得三观有些不正。但你若是脱离出来用你上帝视角去看待这个故事，你会觉得这一切也都是合乎常理的。最后的结局也是非常圆满的：男主与其未婚妻成功完婚、女主也终究释怀这段她错过的爱情、以及对观众的告诫“错过的则是无法挽回，请珍惜当下”……

总体来说，这部电影还是不错的，感受一下年轻的茱莉亚罗伯茨与卡梅隆，体会一下当时美国的时尚（放之现在也是不过时）～

另外，安利一下这部电影的配乐，真的非常棒！！！很契合每个场景的发生，蛮能拨动心弦的～【PS：发现配乐是获得过奥斯卡奖的，果然！】