不可否认,电影界藏匿着各种各样的“艺术家”,及一批被称为“电影艺术”的作品,然而,仅仅有少量的作品被冠以“艺术电影”的称号。早在上世纪之初,商界就迅速掌握了“艺术”这个词的宣传潜力,用它来区分虚构的、戏剧化的作品和迎合潜在观众感官刺激与好奇心的作品。例如,法国“艺术电影”公司就期望那些品味高雅的观众慕名前去观看它所制作的影片,那些影片均由戏剧杰作改编,由那个时代的知名悲剧演
不可否认,电影界藏匿着各种各样的“艺术家”,及一批被称为“电影艺术”的作品,然而,仅仅有少量的作品被冠以“艺术电影”的称号。早在上世纪之初,商界就迅速掌握了“艺术”这个词的宣传潜力,用它来区分虚构的、戏剧化的作品和迎合潜在观众感官刺激与好奇心的作品。例如,法国“艺术电影”公司就期望那些品味高雅的观众慕名前去观看它所制作的影片,那些影片均由戏剧杰作改编,由那个时代的知名悲剧演员出演。
然而,电影产生的前二十五年,“艺术”并不是指电影化的手段,而是一部电影中的组成部分——著名的演员及严肃认真的故事情节。而格里菲斯于1916年创作的《党同伐异》(Intolerance)仅仅使这种情况在表面上有了肤浅的改观,尽管他凭借这部电影的构图以及其艺术性的建构获得了人们的关注,但是这部电影真正的艺术之处被认为是在严肃认真的道德片里生硬地“键入了”修辞手法,意欲加强电影的情节和提升其艺术高度,而导演本人也希望藉此获得更多美誉。
运用艺术来“强化和提升” 高尚的道德主题,这种观念长久以来在西方大有市场,至少从贺拉斯(Horace)和普卢塔克(Plutarch)开始,一直到中世纪以及文艺复兴。但它是浪漫主义者明确放弃的一个观点,他们将它应用于电影的前提是电影不卷入那套在当代被视为“高雅艺术”的价值体系。
当然,早期的电影也有自己的美学家,他们将一部电影中生动的元素称为“艺术”。于果·明斯特伯格(Hugo Munsterberg)和维切尔·林赛(Vachel Lindsay)就是如此。而直到1919年法国的印象派运动爆发,一个庞大的亚文化群体才开始习惯(不仅仅是理论上)将电影当作高雅艺术对待。各种俱乐部、出版物、宣言、小电影、讲座以及展览均开始对一些特权电影趋之若鹜,更重要的是,它们认为这些新电影必须基于当时时代对绘画、音乐和小说的品味标准。作为时代的精英群体,这些印象派吸引着当时社会的精英观众,为他们培养电影理念。
1919年,一种更精致、更具有自我意识的电影艺术观念被引入美国。如大家所料,这是由格里菲斯领军,而且仅仅由他的一部电影《凋谢的花朵》表达。诚然,这也许暗示着,正是格里菲斯在1916年成名以后的自我膨胀让美国观众接触到了这个更易于接受的艺术理念。在美国,法国印象派的子文化也许永远不会存在,而且电影体制的每一个改变都必须通过在美国占支配地位的好莱坞文化的批准。极少有制片厂老板能够理解这种电影理念,支持这种理念的更是凤毛麟角,唯有具备格里菲斯的声望和愚钝的人才能将某一种电影理念发扬光大。
毫无疑问,在格里菲斯早期的众多电影中,这部电影在资金方面所受到的压力使其显得与众不同,阿瑟·莱尼格(Arthur Lennig)和万斯·凯普莱(Vance Kepley)在相关论著中对此有详细的描述。《凋谢的花朵》片长仅85分钟,在这么短的时间内,它很难具备《一个国家的诞生》(Birth of a Nation,1915)和《党同伐异》中史诗般的风格。此外,此片还缺少那些影片中波澜壮阔的节奏。诚然,从制作的角度看,这部影片是小成本投资(7万美元),17天完成拍摄,仅仅几个场景,成本只是早期巨作的一小部分。
然而,格里菲斯决定将自己的金钱和名誉押在这部电影的宣传上。也许正是在宣传过程中受到的冷落和怠慢使他放弃了好莱坞的传统宣传渠道,而是亲自上阵,主管其影片——对他来说是心头之爱——的发行。这种与体制的冲突必然导致他自以为是的态度,而另一方面,这种态度也导致了一个观念的产生:即艺术可作为确定电影的价值和吸引力的标准,并将其划分为不同的类型。在如火如荼的市场争夺战中,如果观众认可“艺术”,“艺术”会成为一样新型武器。格里菲斯认定艺术是有市场的,因为他认为观众信赖他,相信他的才智,将继续追随他,他深信观众会在他的指引下达到一个更新、更好的体验境界。
对于放弃通往成功的捷径——叙事以及壮观的场景,格里菲斯感到非常满意。他要求《凋谢的花朵》拥有一批新的观众,这批新的观众能够对一种新的叙事风格给予关注、做出反应,他觉得这一做法使他将电影这种媒介推向了极致。对格里菲斯而言,这种风格的新意在于整部影片中精致的情调,且在影片结尾的悲情自杀中达到高潮。在这部影片之后,格里菲斯草拟了一份与观众的契约,“艺术电影”此后都是按此约定如此运作的:通过延缓和压制带来廉价快感的壮观场面和故事,而遵从于一种更高的感觉,这种感觉是诗歌、戏剧、绘画或音乐带给我们的灵感和触动。自杀作为不快乐的标志,确保了影片的严肃性;而平缓细腻的叙事作为敏感的标志,继续体现了作者不刻意迎合观众的高尚情操,即不去满足观众粗俗的感情和期望。
请勿将格里菲斯渎神的态度撇在一边,让我们客观地审视他的感知,理解《凋谢的花朵》风格的发展以及它如何影响了我们的体验。在格里菲斯绝对的二元世界里,艺术总是与安静、崇高、道德、精致以及女性特质(当然是他眼中的女性特质)联系在一起。他利用标题为影片的开场打下铺垫,这个标题指出了影片崇高的地位与宝贵的主题:这是一个关于泪水的故事。如万斯·凯普莱所记载,格里菲斯将大量的时间和金钱花在对影片的装饰上,以此吸引首批观众。他过多地在影片的音乐、色彩、灯光效果上大做文章,以至于影片首映时,整个屏幕都充斥着各种色彩。此外,为了填充影片单薄的内容,同时唤起电影所崇尚的高雅艺术的传统,他还安排了“生死之舞”作为现场影片放映的序曲。这支舞蹈总的哲学主题是为了吸引“那几百名收到首映式邀请的严肃艺术赞助人”。
格里菲斯认为他应该在戏院的气氛上做些文章,来强调艺术价值,使其高于娱乐。但其实他没有必要那么做。《凋谢的花朵》并未改变电影的本质结构,只是改变了一些格里菲斯在比沃格拉夫公司(Biograph)时就开始使用的传统情节剧词汇。一开始,电影就摆出相反的价值观,让观众认同于其中一方,然后朝着一个戏剧冲突方向发展,经历一些情节的曲折和延误之后,正确的一方和观众会得到回报。《凋谢的花朵》就是建立在以下这些冲突之上:黄种人和巴特林·巴罗斯之间,中英价值观之间,以及冥想、被动的方式与进攻、暴力的方式之间的冲突。为了宣传需要,格里菲斯可能会说,在这些冲突达到顶点后,观众便会感受到艺术和壮观的场景之间的冲突。这样,对他来说,电影成了对当时所处文化中艺术的脆弱(也是艺术家的脆弱)的情节剧式展现,而当时的社会文化正被一些粗鲁庸俗的人所操控。影片中的暴力情节本身,而非影片中的那些“装饰物”,就足以吸引一些对这个情节变化感到熟悉的观众。然而,格里菲斯和他犹豫不决的追随者们对影片中的暴力情节并没有足够的信心,担心观众所不熟悉的实现认同的所在(东方价值观、艺术)以及光怪陆离的情节变化(自杀的结局)会遭致观众的冷遇。但他们错了。随着情节的发展,艺术已经在冲突中胜出。但这是一种奇怪的艺术,也是一种奇怪的胜利方式。
影片一开始就将这种冲突置于一组人物缩影之中:一位安静的黄种人刚刚从寺庙诵经归来,而与之形成冲突的是易怒的美国水手们。水手们除了摔跤这种粗鲁的乐趣之外,并不懂什么生活中的规则,他们只遵循生理本能的需求,不喜思考。而这位黄种人则被描述为一种高深莫测的文化传统的产物。影片中,在他出场前,三个已至婚龄的中国女人——士兵们潜在的追求对象——出现在镜头中,她们和往常一样,正在街道上向算命者询问自己的命运。在女人们青春靓丽的身形的映衬下,这位黄种年轻人出场了,伴随着他的则是沉思的、柔和的光线和镜头浅浅的聚焦。他以及那三位中国女人要依靠他手指的那本书来判断他们的生活。此时,格里菲斯给了这本书一个特写镜头。同样,在一个既定的、安全的社会秩序中,这位黄种年轻人就会显得英俊潇洒、光芒四射。寺庙中,对称的剪纸装饰显示了他的内心力量以及这种力量的源泉。这个场景的中心是念珠的特写镜头,接着插入一个僧侣敲锣的镜头,以及另外几个在至尊佛像前的僧侣。这位年轻人的师父诵读着经文,格里菲斯随之切回了一个远景镜头,这个远景镜头带有结束功能。格里菲斯用剪辑的策略将场面调度双重化,让黄种人永远处于永恒价值的世界。正是他静止的状态证明了他们所属世界的正直、他本人正直的品性以及其值得尊敬的后代。
这一段落的静态画面由一些精致而安静的构图以及朦胧的摄影风格(这些稍后对这部影片非常关键)展现出来。更重要的是,它们作为静态画面而存在,即这一段落的剧情力量存在于这些静态的画面之中,而不是存在于一系列事件之间的纠葛之中。
此时,导演明确地将静物与佛的永恒以及古老经文的永恒联系起来——这一切统治着所有的臣民,特别是这位年轻黄种人。他们的这种生活方式及相关记忆会通过电影的方式(表演、灯光和摄影技巧)呈现于伦敦街头。亚洲人的温吞与影片稍后呈现的水手们言语手势间的咄咄逼人形成了强烈的对比。后来,这种行为法则发展成了这位黄种人和巴特林·巴罗斯之间近乎荒唐的对立:东方人似水般的委婉体现在其优雅的姿势和神态上剧情的能量似乎存在于其体格之内。而这些魁梧的“拳击手们”则是吆喝着、比划着,毫无优雅可言,把我们的注意力从其体格转移到了其动作的对象上。
巴特林·巴罗斯同样也与表现东方价值观的灯光和构图显得格格不入。跟随他的镜头始终是强光,而且他经常被置于有其他物体存在的长镜头之中。拍摄这个黄种人的镜头都是萨多夫式的景深镜头,或是弯曲的遮挡、浑暗的光线或黑色的背景。所有这些技术在某些关键场景中一齐出现,使得这位年轻人与镜头中的物质背景相分离,使他以及他所代表的生活显得超凡脱俗。
影片开场片段给了我们时间去适应这套新的价值体系,从而使我们能够情愿接受平静甚至停滞的画面,虽然我们更热爱和习惯于暴力和动态。这样,我们就可以成功地对构图的画面价值进行思考,从而获得愉悦。通过拍丽莲·吉许(Lillian Gish)的长焦距特写镜头,最后给我们传递了叙事快感,据说,这些镜头改变了特写的本质、明星的本质,或许还改变了电影快感的本质。
格里菲斯将观众对故事本身的兴趣转移到了对丽莲·吉许静止肖像的兴趣上。这种手法包括两个方面:一是她挣扎于两种截然相反的、对她具有压迫感的凝视中;二是在自我思考中,她投向二者的目光也变得越来越黯淡。这样,所有的视觉力量和剧情力量都聚集在她的身上,积聚于她的自恋感知之中。在残酷的世界中,她不敢抬眼去行动、去自卫,只是紧紧抓住脆弱不堪的自己,直到观众和剧中人物的利比多都倾注到吉许的形象上,使其充满生命力,并以萤火虫般的亮光照亮了整部电影。
从叙事到画面的转换始于对女主角活动范围的固定。首次出现在镜头中时,她正处于两难的境地:坐在莱姆豪斯区的茅屋外的碎石堆上,她正思考着,是继续受那些瘦骨嶙峋的淘气鬼的欺负呢,还是在大街上把自己卖掉。她当时的生活际遇就是一则悲惨的故事,别无选择:如果待在家里,就得忍受巴特林·巴罗斯的咆哮和毒打;如果离开家在附近转转,去当地的东方人居住区,则有可能遭遇危险。只有在找到一些类似于花朵和锡纸的美丽碎片时,她才会欣慰,她暗淡低垂的眼神才会变得明亮起来。
影片中一个片段极佳地表现了这种情况[1—8]。徘徊在年轻黄种人商店的橱窗边,露西并没有留意到有人正盯着她看,那两道凝视的目光足足可以将她钉在窗户上。年轻黄种人从窗户里向外凝视她,街对面邪恶的目光也正盯着她,他们的目光在露西身体上较量着。片刻之后,露西走到街对面站在邪恶的目光旁边,用她的锡纸换取花朵。而这时,年轻黄种人也跟着她走了过来,这样,两道扫视她的目光就处在了水平的位置。两人接连横穿马路使得这个场景紧张的气氛变得白热化,而对这两位凝视者来说,露西的位置也更加暴露无遗。巴特林·巴罗斯在当地一个酒吧里面安插了两个眼线,这也说明露西根本没有机会逃出魔掌。她挣扎在父亲和东方人居住区之间,现在来到东方人居住区的她只是换了个位置罢了。
幸运的是,露西并没有注意到那些密集而咄咄逼人的目光,她正沉浸于那些精致怀旧的小玩意:她从地板下挖出的皱巴巴的锡纸、这家商店橱窗里的一排小布娃娃(稍后,她会将其中一个娃娃紧紧抱在胸前),当然还有那些花朵——这与影片名相呼应。如果在电影传统中,目光的斜视打破叙事运动的序曲,并赋予角色和物体些许的价值,以及将银幕空间变为力量的线条,从一个地方穿越到另一个地方的话,那么,我们必须说,对露西而言,仅仅通过凝视她自己,以及通过那些最后浓缩到她手里的镜子中的、那些吸收了她的欲望的、那些自我指涉的物体的共同作用,她就已经内化了自我欲望。这种对外部世界的彻底的被动使她逆来顺受,面对外部的凝视,她会变得脆弱不堪——她会垂下眼帘。我们也必须承认,这使她成为我们激烈观点的牺牲品,我们赞同这激烈观点,就如赞同特写。
总之,作为大家凝视的对象,露西身上有着整部电影赋予她的叙事压力,她则将这些压力转移至一系列物体之上。这些物体和她极为神似,而最后将成为她自己的写照。这样就把欲望更明显地展现出来:露西身上聚集着众人的目光,她投向一个物体上的目光也可以反射到她自己的身上,从而看到她自己。电影画面的构图如此密封,又有镜头掩饰,再加上柔焦的着重庇护,我们可以肆无忌惮地凝视她。这部影片的结构促使我们对这种简单的、静态的表现方法心存敬畏,并将丽莲··吉许置于圣坛之上,在那儿,她为我们以及那位年轻黄种人展示了最终的价值。影片并没有在我们凝视的目光中平静地结束叙事,而是将我们的驱动能量变为了谵妄的、自淫般的崇高感。艺术——这部影片中永恒的、自恋的绘画价值,使用了叙事这一“道具”并超越了叙事,目的在于获得崇高这一“更高的”价值。
此处,格里菲斯本能地依附于艺术概念,意在规避好莱坞粗糙的、自娱自乐的运营模式。确实,弗洛伊德认为崇高,特别是艺术的崇高,可能是超我在对肉体欲望审查时做出的反应。弗洛伊德暗示,这是最为健康的方式,并将之与那些变态的行为相对立,比如虐待和受虐。当然,格里菲斯认为他给了好莱坞的情色主题一个健康的回应,而且在他的电影里,露西高雅精致而娇贵易碎的美被瑕疵所掩盖(她在片中寒酸而仓促)。露西被迫与好莱坞电影推出的肌肉男一起出现,等待着一批有能力欣赏她的纯洁的观众。一方面,被迫浸淫在这个充满欲望的娱乐业中,另一方面,观众那“邪恶的眼睛”也虎视眈眈,影片只能“垂下眼帘”,安心打造自己的美丽:它瞪着自己,瞪着处于其中心的吉许,以及上文提到的那个核心比喻。
吉许这个角色及其气质使我们想起其他影片已研究过的那些纯洁无辜的童妓——维多利亚风格的经典角色。二战后这种角色仍挑逗着观众的性幻想,低垂的眼帘仍吸引着淫荡的目光。主人公自我意识的缺乏使得性变得纯洁。而我们对此的反应,就像那位年轻黄种人一样,就是去保护她,使她远离那些她尚未发觉的贪婪眼神,使她无法获得对自己的了解。她的性,就像她的美一样,似乎被刻意地“隐藏”在一个她无法发现的地方,而只有艺术的敏感性才能使其旁若无人地显现并焕发出光芒。
格里菲斯精心呵护着他的《凋谢的花朵》,使其免受好莱坞风格的侵袭,他起初一定会为自己感到骄傲,而稍后对此心存怀疑——这是因为,尽管大众承认这部电影与众不同,但这部影片的竞争对手是好莱坞模式下的所有电影。尽管它被视为一部纯洁的影片,但只有从那些期望从电影中得到快感的赞助商那里拉来赞助资金时,它才算一部成功的影片;只有能从那些赞助商那儿拉来比那些好莱坞模式的电影——那些更为华而不实、更为直白的“拉客”电影——更多的赞助时,才算胜利。
当《凋谢的花朵》中精心设置的冲突解体,并分解为两股势均力敌的力量时,这种怀疑的迹象就曾出现。伦敦的迷雾里有着东方寺庙神圣的熏香的对应物。莱姆豪斯区那个长相俊美的淘气鬼令观众想起了影片开场时的三位东方少女。寺庙的高僧以及他正向黄种年轻人诵读的那本经书激发出年轻人对传教的狂热,而这种狂热却遭到即将前往中国的不列颠传教士们的嘲讽,他们随身携带的一本关于“地狱”的书。“监视物”只能是英国“邪恶的眼睛”,鸦片窟,堕落的东方圣殿。当然,最后,巴特林·巴罗斯咄咄逼人的淫欲退出了镜头,被那位年轻黄种人采取的行动所取代:他保护露西使其远离其父乱伦的淫欲,而这些行动则出于他自己的种族乱交的欲望。
这位年轻黄种人和格里菲斯不能够理解这种对等值,也没能够理解其实人类普遍存在着性欲,于是,在这种反身受虐的经典结构中,马上将这种欲望转移到自己身上。在佛祖的旨意之下,陶醉在来自东方的熏香中,这位年轻黄种人、格里菲斯以及我们观众通过一个自杀的结局消除了我们更低级的欲望。而这种自毁性结局的效果是诱人而令人满意的,因为喜爱的东西在遥不可及的远方。而在圣坛上的露西就是一个被人凝视的物体,是完全禁止触摸的。
继承了《特里斯坦与伊索尔德》以及《罗密欧与朱丽叶》的悲剧传统,格里菲斯意欲探索死亡和自杀那不可获得的境界。信仰万事万物转世轮回,雌雄同体的佛意味着永恒,而这一切正是那位年轻黄种人柔弱内心的追求方向,他的追求在切腹自杀时达到了高潮:他认为在刀锋之上终结了生命,灵魂便能得以升华。自杀的行为体现了东方和西方之间的不同,也保护了这种差异性。而同时,通过灵与肉最后的强制对立,自杀区分了黄种男人和他的动机。
这部影片,如同黄种人最后的自杀行为一样,从自我造成的“堵塞”中得到快感,同时为西方咄咄逼人的叙事风格以及直接展现壮观场景的方式画上了句号。影片期望通过自恋和受虐之间的相互作用达到崇高,同时提供了另外一种更为变态的方式,对其影像进行解读。弗洛伊德认为,自我被超我的残酷力量所降服,甚至最后残忍的自杀,这些都暗示了男主人公的一种欲望——期望在咄咄逼人的父亲面前取得一种女性顺从的姿态。自杀是影片本身最后的自恋,使露西的死亡具有双重意义,寻找一种在肉体与东西方差异之外的更高对应物(equivalence),它被动,而且属于灵魂。然而,正如弗洛伊德在上文提到的那篇文章结尾处写道:“如果不是性欲上的受挫,主人公的自我毁灭的行为兴许就不会发生。”《凋谢的花朵》力图通过一种幽回的方式达到这种“性欲”的满足。
然后,轮船驶入大雾弥漫的港口时的彼此呼应的镜头显得不知所云,却以柔和的语调叙述着:这位黄种人回到了真正的精神家园,影片也将观众带到一个陌生而古老的国度。中国是一方永恒的土地,一方没有冲突、不存在差异、有着母性关怀的土地。这部影片反过来讲述了一则主人公最后返回祖国的故事,因为这个黄种人最初离开了安宁的精神家园,开始一种分裂的生活,仅仅是为了最后返回佛的全能统治之中。
影片主体部分以时间为线索,记载了他从寺庙跌落到了鸦片窟里的自我快感,在那里,他获得了精神滋补的第二次快感,正如断奶的孩子从吮吸拇指中获得快乐一样。而后,在对自恋的重新简述中,这位黄种人突破自己选择了爱的对象,纯洁的露西——而对他而言,露西只是过去的他的重现。他给自己盖上包裹露西的长袍(这种长袍只在仪式上穿)走向死亡,就像我们给露西脸部一个特写镜头来结束这部影片一样。这是对纯洁的追求,为了一种更纯洁的电影或伦理,为了超越那种本质上是性欲的脚本的所有叙事。
此处,东方和西方各方面的对应物,肉体与灵魂之间的对应物揭示了影片的意图。因为,此片确实是一部故事片,其展现的内容也确实是为了迎合观众喜好。挣扎在各种冲突之中,年轻黄种人和格里菲斯在熏香的氛围中掏空了自己的内心,将自我扩展到整个宇宙。这就是反身受虐,即对“崇高”这一问题情节剧式的解决方式。然而,这种方法很简单,甚至是可预测的,与德米尔(Cecil B. De Mill)的宗教史诗片中对“神秘主义”粗俗的探索方式相似。而对美国电影“艺术”的探索,则需要冯·斯特劳亨(Von Stroheim)和茂瑙(Murnau)来开启另外一种更为健康的途径。
采访丨北岛淳子
整理丨北岛淳子
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Q:我们了解到《强尼·凯克》这部电影由郭采洁 采访丨北岛淳子 整理丨北岛淳子 文章未经允许不得转发。 Q:我们了解到《强尼·凯克》这部电影由郭采洁参与出品,可以聊一下是什么契机会让她想要投资这部电影吗? A:郭采洁其实是在一个偶然的机会参与到的。因为之前我完全不认识她,当初我们前制的时候有一个小的导演组,郭采洁是当时的副导引荐来的。那时候这部电影还在企划案的阶段,我们要去创投,要去募资,就在我们讨论企划案的时候我看到有一个女孩子坐在那边,一看是郭采洁,她说她来看一下电影的制作,当时我也很意外。那场会议结束之后,工作人员才告诉我郭采洁非常喜欢这个故事,可能会想要投资,后来她也有参与更进一步的探讨,并说明自己会投资《强尼·凯克》。 Q:那郭采洁对剧本有参与吗? A:完全没有。她只是与工作人员讨论,会用什么方式来投资这部电影。我知道的时候她已经正式成为投资方。 Q:因为我们在此之前并没有看过您的其他作品,包括短片、纪录片,很多人第一次看到这部电影都是在电影节,例如之前的上海电影节、台北电影节,还有这次金马影展,所以您算是空降在台湾影坛。那么请问导演,您是如何构想出《强尼·凯克》这个故事,又是怎么完成它的呢? A:《强尼·凯克》的剧本之前是另外一个比较类型的片,但由于一些执行的问题,拍摄会涉及到台北的捷运站,在实际操作方面拍摄起来会比较困难,但电影还是想拍,所以我就把那个故事中的人物拉出来,重新写了一个剧本,把那个故事中可以用到的部分引入到《强尼·凯克》,还有感觉的部分也重新抓出来,放到新的故事里。我的故事设定还是放在台北,写剧本的时候就会坐在咖啡厅,看看周围发生的,和自己身边的事,像散文杂记一样写成一段故事。写着写着就有了片中三个人物,三个人物其实也是很复杂的,而瑞玛席丹演的角色就是我朋友的朋友的原型。其实故事里很多角色都是这样被组装出来的,可能有原型,可能没有,可能完全虚构。有了人物之后再去想他们会在台北发生什么事。《强尼·凯克》没有三幕剧式的戏剧冲突,就是很日常的城市人的生活状态。 Q:《强尼·凯克》中三个主要人物确定之后,是怎么找到瑞玛席丹、黄远还有柯宇纶来出演这三个角色的呢? A:柯宇纶的部分在写的时候其实投射的就是他,首先他符合那个年龄层,其次那个角色的生活感要很够,需要帅又能太帅,然后看起来要跟大家没有太大的距离感,太偶像就真的没办法,所以很快就决定是柯宇纶了。黄远也是蛮快就决定的,很快就约他喝咖啡聊一聊,看着这个男孩子就决定是他了。瑞玛是最难确定的。 Q:那黄熙导演是不是有看过黄远之前的作品,《强尼·凯克》中的角色与他之前演的角色其实差别很大。 A:有看过,其实每一个演员我都会去看他们之前演的作品。但是瑞玛席丹就没有影视作品可以看,只能看她主持节目和她自己在脸书上讲话的样子。黄远我就有看他的戏,比如王小棣的《酷马》,他演一个鬼魂,还有《不能说的夏天》,都有看。 Q:瑞玛席丹没有之前的作品可以参考,那导演是怎么想到她可以来演徐子淇这个角色? A:我就看她讲话,后来就约她喝咖啡,我们不聊戏也不聊剧本,就像朋友一样聊天,她可能会聊到一些比较私人的话题,还有个人的经历。慢慢地再跟她聊这个角色,看她对角色有没有什么想法。就是从聊天过程中觉得她适合徐子淇这个角色。 Q:片中演员的表演都很自然,想知道导演在现场是如何指导演员,或给他们做了哪些功课? A:每个演员他们都会对自己的角色进行一些了解,比如黄远就需要了解亚斯伯格症。台湾有一个小可乐剧团,他们的孩子会有这样的疾病,所以我们就会陪他们一起排练,黄远也会和这些孩子相处。然后瑞玛就是做比较多日常的东西,主要是和那只鸟培养感情。本来她不喜欢鸟,但是后来她与鸟就相处得非常自然。 Q:那只鸟和瑞玛已经有了很深的感情,那电影拍完之后她有带回去养吗? A:她其实很想养,但是那是摄影师养的鸟,所以后来就没有带回去养。 Q:我们知道这部电影是侯孝贤导演监制的,当时你也有两个剧本给他挑选,那侯导是为什么会选择《强尼·凯克》这个剧本? A:这个我不知道,也没有问。他选完我拿了本子就走,因为我很怕他改变主意或是又想到其他什么,所以也一直没有问为什么会选择这个剧本。 Q:我们在这部电影中看到非常多关于交通工具的部分,比如捷运,还有结尾的塞车,可以谈一下你为什么你会在电影中设置这些交通工具吗? A:因为我觉得人每天都是从A点到B点,从B点到C点,每天都是这样移动来移动去,要么就是走路,要么是公车捷运,或者是自己开车,所以我觉得移动就是一个每天必须要做的事情。城市人每天都太忙,只有在移动的片刻,在走路、搭捷运或是在车子上的时候才有可能发呆一下,那一刻人就可以稍微感性一点。移动在我的构思里就是一个很有趣的部分,最主要的也是绑回《强尼·凯克》最哲学的问题,也可以联系到凯克那只鸟要不要飞的那个情节。 Q:我们了解到导演曾经在国外待了很久,在美国生活了很久,现在又回到台北,那么对于导演你来说,在纽约的移动和在台北的移动又有什么不一样的地方呢?两个城市又了你什么不同的感受呢? A:我自己本身的移动方式是不一样的,在纽约我很常走路,但是在台北我很少走路,我会骑车或开车。台北就是一个很奇怪的地方,当你在这里的时候你就会很讨厌它,觉得它很挤很臭,可是一出去之后又会觉得好想回家。就像一个在一起很久的情人,没有它的时候会想念它,可是在一起的时候又会觉得腻,台北对我来讲就像是这样。 Q:听说导演在拍摄之前没有画分镜,那到现场拍摄的时候会不会有比较茫然,不知道会出现什么样的镜头的状况吗? A:一开始剧组因为这个问题有些摩擦,但到后来就会磨出一个方法。我和姚哥的沟通也比较顺利,他是一个非常有经验的导演和摄影师,他又是拍纪录片出身的,所以跟他说分镜头是一个蛮可笑的事情,我相信他会捕捉到一个演员最自然的状态。就像黄远下雨骑车那场戏,其实就是临时加出来的,当时正好下雨,剧组处于停滞状态下,姚哥就说:“快想一下他在干嘛”,后来就有了那场戏。 Q:《强尼·凯克》哪一场戏拍最多次,最难拍呢? A:瑞玛坐在那边发呆的那场戏,其实只有几秒的镜头,就是她拿着一个水杯坐在那里。那时候拍摄室内温度有40多度,瑞玛又是一个非常躁的人,她静不下来就会很急,加上又很热,所以那场戏就拍了很久。 Q:结尾塞车那场戏有拍很久吗? A:我记得是两三个take,但是他们说没有那么少,大概是五六个take。 Q:所以那场戏车坏掉,瑞玛席丹和柯宇纶在车上的对话是即兴的吗? A:其实有给他们一个基本的台词,但是他们有自己加一些东西进去,因为制片组吓他们说这场戏只有一次机会,不然警察就会过来,那我们就没有机会拍了,这一天就完蛋了,所以后来瑞玛就很慌张,呈现出歇斯底里的状态,她吓到台词都讲错,把高架桥讲成高速公路。其实那一个take就已经可以了,但是警察没来,我们就继续拍了。 Q:那场戏是一开始在写剧本的时候就已经设定好的还是后来才想到的? A:一开始写的时候就已经有这个想法了,就是想表现出一种台北很繁忙的样子。后来在勘景的时候也会有一些状况发生,刚开始制片组的评估是不可行,但我和姚哥沟通以后还是觉得可以硬拍。 Q:导演实际拍摄的素材有多少? A:有人告诉我好像是5000多分钟。 Q:那剪辑的时候不会很困难吗?因为很多都是即兴的东西,在剪辑的时候会不会很为难? A:有,剪辑是一个很痛苦很痛苦的过程。我和另一个剪辑师一起剪,我剪得很毛躁的时候就给他剪,他也是这样。最后我们再把剪完的东西给侯导看。其实我们有剪两个版本,一个是短版一个是长版,短的是90多分钟,现在的是一个长版。短版比较年轻一点,节奏再快一点,很多的选择性再煽情一点。长版就是现在大家看到的。 Q:《强尼·凯克》中的角色都刻意地省略了他们过去的部分,是导演本来就没有想要拍还是篇幅的关系? A:本来就没有想要拍,如果放进去就会显得太啰嗦。 Q:这部电影从监制到音乐都是侯孝贤的班底,也有人会觉得和侯孝贤的电影有相似之处,你自己有这种感觉吗? A:目前为止还没有,其实我也蛮讶异有人这么认为。我年轻的时候不是特别看得了侯导的电影,当然现在慢慢可以接受了。《强尼·凯克》在创作中也完全没有参考任何华语电影,当别人问起我这部电影是一个什么类型的作品的时候,我也完全不知道。所以当听到别人说像新浪潮,像侯孝贤的时候,我会觉得很奇妙,因为我并不是一个粉丝,也完全不是那一挂的。有人提到《一一》的时候,我就赶快把《一一》拿出来看一看,因为有人觉得像,那我就会看一看到底像在哪里,但是内心还是蛮虚的。所以,到底哪里像?(笑) Q:导演是如何与林强沟通这部电影的音乐的呢? A:最早打算用爵士乐,但是当角色状态出来的时候发现爵士乐放在片子里很怪,不适合,后来我才想到应该是电音。电音的话强哥应该是不二人选了,所以也是后来才找到强哥,并不是一开始,但是强哥也很帮忙做了音乐的部分。 Q:侯导对《强尼·凯克》最大的影响是什么呢? A:我觉得是他对演员的方法,他会让演员去熟悉必须熟悉的地方,会建立起人与环境的关系,在这一点上我是参考侯导的方式。
一年一度的520一直以来就是爱情片的主战场,千篇一律的都是各种各样的爱情,时间长了,毫无新意总是会让人腻歪,在看到《请别相信她》的简介时,感觉会有点不同,果不其然剧情不是仅仅只有爱情,还有亲情。(我进场的时候左右两边都坐满了,中间就剩一个我买的中线位置,520看电影就这点让人有一点点的不适)
当开头章若楠饰演
一年一度的520一直以来就是爱情片的主战场,千篇一律的都是各种各样的爱情,时间长了,毫无新意总是会让人腻歪,在看到《请别相信她》的简介时,感觉会有点不同,果不其然剧情不是仅仅只有爱情,还有亲情。(我进场的时候左右两边都坐满了,中间就剩一个我买的中线位置,520看电影就这点让人有一点点的不适)
当开头章若楠饰演的白娜,进行了正宫和“小三”之间的剧情交锋,到最后的大获全胜,奠定了女主演技高超的基调,当然,女主到小镇上时,并没有故意欺骗,但是巧合总是那么猝不及防,一句话两个意思,事情就变得越来越乌龙,不过当男主刚回来然后说她是骗子时,她开始自己的演技以后,真的让我感觉,中国话的博大精深,有的话稍微变了变了口气或者语序,就完全是另外一个意思了,让人浮想联翩,完美的让男主有嘴说不出哈哈哈!影片中穿插了一些搞笑的小点让我很开心,我感觉这真的和开心麻花的演员们脱不开关系,不知道为什么,就是感觉常远和马丽出来的时候,我居然就已经做好准备笑了??,这该死的熟练哈哈哈!
剧情整体都还挺温暖的,每个人心里都是带着善的,虽然可能有点悬浮,但是作为喜剧,它只要让我开心了快乐了,笑着走出电影院,对我来说,它就是一部不错的影片。尤其影片中,小镇的景色真的好漂亮,美丽的场景总是能让人身心愉悦,真的很想保存成壁纸做屏保!
还有不得不说!章若楠!太好看了!大荧幕放大的美貌真的心脏狙击!男主也是只要不做一些大幅度的表情还是帅的哈哈??,让我这种颜狗看的还是比较舒服的,章若楠氧气美女真的让我感觉到了,真的好适配影片中的环境,无论是海还是船又或者是长长的裙子加上一件针织外套,姿态慵懒,好清新,好氧气!
所有研究应该都是麦洛支持的,并且不是一两年,而是二十多年,毫无保留的支持,虽然有成果,但并没有什么用。然后博士来拉最后一次投资,就几个模糊的说法,就毫不犹豫的给了所有的要求,公海上的科研船,实验室,一队安保等等。作为好基友来说,无可挑剔了吧?
而博士是怎么回报最好的兄弟?唯一的投资人?在麦洛随时生活在痛苦中,随时可能死去,你什么都不说,就替他做决定,认为不适合,不道德,是错误的,
所有研究应该都是麦洛支持的,并且不是一两年,而是二十多年,毫无保留的支持,虽然有成果,但并没有什么用。然后博士来拉最后一次投资,就几个模糊的说法,就毫不犹豫的给了所有的要求,公海上的科研船,实验室,一队安保等等。作为好基友来说,无可挑剔了吧?
而博士是怎么回报最好的兄弟?唯一的投资人?在麦洛随时生活在痛苦中,随时可能死去,你什么都不说,就替他做决定,认为不适合,不道德,是错误的,如果真这么认为,你应该回来就销毁所有资料,然后自杀啊。你还不是兴奋得要死,千方百计想活下来,明知道最后人造血会失效。
在实验室麦洛听到你要血,没有任何疑问,马上给你,算救了你一命吧。这种时候你不应该把所有情况给你投资人说清楚吗?因为按理来说他至少有一半的所有权吧?但偏不,明知道健康对他来说是怎样的诱惑,就一口拒绝,还一副全是为你好,其他情况你不用知道,回去等死吧。
然后知道麦洛杀人了,他也说了第一次变身有点控制不住,你不也一样。这种情况下,你们好好商量,计划一下,引导一下,可能真能有办法,谁也不会死。但你偏不,女主一受伤,马上暴走,啥兄弟情,啥投资人,都忘了,反正就是要干死麦洛。
最后结果,一直吸活人血的麦洛竟然干不过你,按理来说,除了感染时间差个一两天,其他能力应该是一模一样,甚至麦洛还要强壮很多。但就是在全程被虐的情况下,靠主角光环,大招秒杀。
呸,恶心
首先在这里我要感叹一下吴磊弟弟的演技,导演说他整个表演非常生动,把郑宇星带得比剧本更精彩,就是更有魅力。我真的想说要不是他把这种文艺范复杂程度高的男主演出来了,我也不会扰心抓肺的几天睡不好还三刷去看细节了。
1。关于MING,影片中没有露脸过,出现在众人场面只有电音节上一瞬间。然后可男可女的争论一直没停下,我自己看了演员表
首先在这里我要感叹一下吴磊弟弟的演技,导演说他整个表演非常生动,把郑宇星带得比剧本更精彩,就是更有魅力。我真的想说要不是他把这种文艺范复杂程度高的男主演出来了,我也不会扰心抓肺的几天睡不好还三刷去看细节了。
1。关于MING,影片中没有露脸过,出现在众人场面只有电音节上一瞬间。然后可男可女的争论一直没停下,我自己看了演员表,演员是两个,一个张颖,一个倪爽。导演在首映会提到过,MING是一个符号,一种象征,是少年的向往和未来。来自主题曲青空未来中明天的“明”,英文名字用MING,请注意没用TING,NING,YING,就用的MING。再来想一下,为什么演员表名字是两个,这应该只有一个演员上台演MING,可是出现了两个名字,因为只写一个演员,这个演员必定有性别,不是男就是女,观众会认定演员的性别就是MING的性别,而导演并不想要MING具体化,他要的是抽象化,MING不是一个实际上的人(电影抽象化手法),甚至可以说,MING就是郑宇星想要成为的人,这个仅仅是向往的符号,那么就应该是没有性别,所以演员表出现了两个名字,大概率还是一男一女,让你永远猜不到上台的是男还是女,性别不重要,MING是个代号,这就是导演真正想表达的。所以别说导演想要观众认为MING是男的,实际导演想要观众认为的是MING既不是男也不是女的。
2。关于吻戏,有疑惑为什么这里郑宇星要吻的,我看到一段分析,结合导演说的,如下
郑宇星非常真诚的,想毫无保留的去尝试一次。他承受了爱而不得的苦,所以不想陈辰也被困其中,他想给陈辰爱情,即使不能,他也想给陈辰两年的暗恋划上句号。郑宇星的吻,给了陈辰这段暗恋结果,让她不再受困其中,能重新开始自己的生活。而所有人都忘记了,谁来给他的感情划上一个句号?郑宇星依然受困其中,不得挣脱,可即使是这样,他想帮陈辰从困境中出来,所以送上了这个吻。 以吻谢爱,也是辰辰期待的,爱与不爱,给她交代。
电影二刷我仔细看了,的确是陈辰抬头看着他,眼神有期待,他才低头送上一吻,他自己应该也是想努力的试着去爱,尽管他自己身处地狱毫无阳光,可是他想给辰辰阳光,他想给辰辰他的爱。
这一吻我觉得很美也没有遗憾。
如果我暗恋几年的人,愿意鼓起勇气真诚的尝试来爱我,哪怕给我的结果是失败,我也绝不后悔。他勇敢面对自己,我也能诚实面对未来。
3。关于那句台词——要是我也能喜欢你就好了。
很多人说这是渣男语录,为什么你们的理解不能在这句话里有个定语——要是(现在)我也能喜欢你就好了。
郑宇星才决定放下MING,所以现在做不到马上喜欢上辰辰,这一点能理解吧,可是现在能代表未来吗?
此时,是现在,三年后,才是未来,当郑宇星在舞台上闪闪发亮,成为了自己心中的MING,他一定真正放下了,和辰辰会不会有未来,我们不知道,但是我知道,辰辰会去找他,一定是辰辰想再次尝试,现在会不会成为未来。
假如我喜欢的人,也喜欢我,那么此刻就是未来
4。假设MING是男的(我的假设)
吴磊弟弟太可爱了,他首映会上一句话让我走出迷惑,哈哈哈哈
他对郑宇星的评价——郑宇星从未得到过正确的爱,也不懂的什么是正确的爱。
这句话太重要了,为什么都忽视了!!!
从未得到过正确的爱,指的是他的父亲,郑宇星没有母亲,父亲冷暴力,偶尔还家暴殴打他。
可以看到郑宇星被打得左耳失聪后,父亲有去给他递一瓶矿泉水,郑宇星往后退缩了一下的动作,父亲应该经常打他,所以他才有这样的应激反应(表扬吴磊弟弟一下,让我看到这个动作)
可是父亲不能说是不在意他,不然也不会去递水给他,所以是父亲从没有给过他正确的爱。
再看另外一句,不懂的什么是正确的爱。
郑宇星根本就不懂正确的爱是什么,MING是什么重要吗?
我突然想到一段电影里是有过提示的,郑宇星的台词——她对我很好,我以为我们这就是在一起了。
在郑宇星家里弹吉他的时候对辰辰说的,郑宇星对MING的感觉就是因为对他好,所以他以为这就是在一起了,以为这就是爱情。这不是也表明了郑宇星根本不懂得真正的爱情吗?
他根本就不爱MING,只是误以为那是爱情,是不是和导演的MING只是个符号,是少年的向往和未来对上了。
郑宇星对MING从来都就不是爱情,哪里来的说法说他就是GAY就是同性,小时候以为自己喜欢谁,其实只是仰慕,希望成为他,请问这是爱情吗?
既然根本不是爱情,郑宇星的性取向为什么就成了同?他迷惑,他不懂爱,误以为自己喜欢的,其实是自己向往的,为什么就被认为是真的爱上谁,还去讨论这个谁到底是男是女?是不是走到误区里去了,这个是男是女不重要,因为郑宇星从来没有爱过。一个不懂的正确的爱的少年,你能说他是GAY有鬼吧。
同样的,他拒绝辰辰的时候,到底爱不爱辰辰,他自己也不知道,或者是他那时候认为他还爱的是MING,但是三年后呢,当郑宇星实现了自己的向往,他一定就懂得了什么是正确的爱。
三年后那一幕,才是郑宇星真正的成长,他懂得了什么是正确的爱,看看他的眼神吧!!辰辰去找他,这才是开放式结局,也是为什么会有一个三年后的情节。
郑宇星这条线探讨的是因为家庭原因没有得到过正确的爱,所以孩子也不懂得什么是正确的爱,但是他会成长,等到他明白了那是向往,站在了舞台上,他就明白这不是爱情,才会懂得正确的爱。三年后出现的是成长的郑宇星,所以这是导演必须要拍的一幕!!!
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这么有深意的故事,被带歪到不知道哪里去了,我太难过了。
对MING的设置,导演应该本来是想探讨少年如何从不懂正确的爱,成长到懂得爱。
这样的郑宇星,你们还认为他是GAY,还争论很久,其实他没爱过MING啊。
PS:三刷再次肯定 吴磊的在舞台下看往MING的眼神是憧憬是向往,不信大家可以仔细看看,怪就怪导演镜头不给怼脸特写还切得快。
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最后再次强烈感叹,吴磊弟弟我谢谢你,麻烦你速度下一部剧播出,让我把郑宇星从我脑海里赶走,我不想每天心疼这个脆弱孤独却像小太阳一样温暖辰辰的男孩子,总感觉他在另一个时空,没人关心没人在意,却还在努力挣脱束缚向往自由。
演到这样深入人心,塑造角色的能力也直接带到了电影里,短短115分钟里给郑宇星的时间也不多,他却超越剧本塑造出郑宇星,今年上半年被他惊艳一次,下半年再来一次。
致敬北电,吴磊的台词现在完全合格了,甚至还是很出色的,你不知道这对我一个声优控多重要,听他台词现在对我来说简直是快乐。
最后说一句,转载随意,不用问我
特效有院线电影大片的气势,制作团队真的很用心,给观众带来饕餮盛宴,非常值得观看,场景非常宏大,每个演员都很用心,演技精湛,尤其是反派角色扮演者更是用心,演出了为报复师父不择手段,心狠手辣,面目狰狞,内心阴暗,将自己化妆成小丑,不敢以真面貌示人,演员少帅本人是很帅气的,演出小丑的真实感受,大赞
特效有院线电影大片的气势,制作团队真的很用心,给观众带来饕餮盛宴,非常值得观看,场景非常宏大,每个演员都很用心,演技精湛,尤其是反派角色扮演者更是用心,演出了为报复师父不择手段,心狠手辣,面目狰狞,内心阴暗,将自己化妆成小丑,不敢以真面貌示人,演员少帅本人是很帅气的,演出小丑的真实感受,大赞
浏览了下评论,大多从文本聊,我从导演角度聊聊。
纵观全片,观众应该有个最直观的感受,正反打对话镜头非常少,除了利用镜子或类镜子避免正反打突出情绪外,父女大部分对话场景主要两种方式,通过DV(增加观众代入感)和二人同框,为什么用二人同框的方式?谁在“看”?作为观众的我们和电影结尾处已
浏览了下评论,大多从文本聊,我从导演角度聊聊。
纵观全片,观众应该有个最直观的感受,正反打对话镜头非常少,除了利用镜子或类镜子避免正反打突出情绪外,父女大部分对话场景主要两种方式,通过DV(增加观众代入感)和二人同框,为什么用二人同框的方式?谁在“看”?作为观众的我们和电影结尾处已经长大拿着DV的女儿,如果开场半马赛克的DV画面和结尾女儿拿着DV首尾呼应,是文学和电影的通用手法,那么二人同框是只属于电影的表达方式,即什么也没说也没解释,就给人一种关系的亲近感。另外,小女孩的演技为电影大大增色。
一小成本的电影成了当时一匹黑马,成就了几个当时没有什么名气的演员,没有过多关注,没有过多重视,完全依靠口口相传的一场精彩逆袭大戏,当初的好评如潮记忆犹新!没有名导演,没有大咖演员助阵,没有大制作大场面,完全是一部小成本的娱乐片,谁也不会想到,它爆了!究其原因,三个字,接地气!那些大制作的豪华场面又如何,气势恢宏,但与老百姓又有什么关系,剧情再精彩,那些背景巨制都在时刻提醒着我们那都是假的,这
一小成本的电影成了当时一匹黑马,成就了几个当时没有什么名气的演员,没有过多关注,没有过多重视,完全依靠口口相传的一场精彩逆袭大戏,当初的好评如潮记忆犹新!没有名导演,没有大咖演员助阵,没有大制作大场面,完全是一部小成本的娱乐片,谁也不会想到,它爆了!究其原因,三个字,接地气!那些大制作的豪华场面又如何,气势恢宏,但与老百姓又有什么关系,剧情再精彩,那些背景巨制都在时刻提醒着我们那都是假的,这又如何让我们入戏呢?而疯狂的石头围绕着一块宝石展开,一群抄写方言,吃着泡面的老百姓开始了你争我夺,中间啼笑皆非,哭笑不得,但细细品味一下,这不就是人生吗?为了生存去争去抢,为了生活去努力维持,贪婪的本性谁都有,但人性的光辉却随时在,以老百姓的视角去做的电影才最真实,最能引起共鸣!
近几年接地气的片子依然不多,但希望电影人都要知道能够引起观众共鸣的才会被称赞,毕竟我们都是凡人!
最近无聊,找了几部国产剧看了,最后坚持看完的只有这部,一开始没抱什么希望,但越看越惊喜,喜剧加探案,虽然曾小贤还是曾小贤,探案剧情也很多经不起推敲,但是还是有很多笑点的,有些爱情公寓的影子,看这种喜剧我一般喜欢开弹幕的,但是一到张子萱出场弹幕全是“小三”,“去死”之类的,后来就关了弹幕,先不说剧怎么样这些骂别人的人我真是不理解,看剧就看剧,能多关心演员的演技,剧情,台词吗?如果是烂片,你可以
最近无聊,找了几部国产剧看了,最后坚持看完的只有这部,一开始没抱什么希望,但越看越惊喜,喜剧加探案,虽然曾小贤还是曾小贤,探案剧情也很多经不起推敲,但是还是有很多笑点的,有些爱情公寓的影子,看这种喜剧我一般喜欢开弹幕的,但是一到张子萱出场弹幕全是“小三”,“去死”之类的,后来就关了弹幕,先不说剧怎么样这些骂别人的人我真是不理解,看剧就看剧,能多关心演员的演技,剧情,台词吗?如果是烂片,你可以骂导演编剧没水平骂演员没演技,毕竟这是他们的职业,本来就是需要观众检验的,但这群人一直逮着别人私生活不放有意思吗?人家离婚出轨管你什么事?难道演员还要负责国民的道德教育?这不是应该是你爹妈和学校教你的吗?演员是你爹妈?真tm闲的无聊!
请大家记住每个人都有他自己的生活和遭遇,你不了解就没有资格说三道四!
在这部剧里挨骂最多的张子萱其实太无辜了,一些人先入为主说她没演技,只会瞎吼,只会添乱等等。拜托这是这个角色的性格设定好吗!这个角色在剧中的地位是很重要的,甚至说是不可缺少的,如果没有这么个毛毛躁躁,天真可爱,有时还有点无理取闹的角色很多剧情根本无法推进。那些因为剧外事情骂人的人请你们不要秀下限好吗!难道是被太多国产烂片拉低了智商?
这部剧另一个亮点就是妍神了!在这个看脸的时代我也不能免俗~哈哈,那脸蛋,那身材,那腿,砸砸~不过看了第二季虽然妍神留下了,但造型没有第一季惊艳了,人物性格也没有第一季那么突出,完全沦为了花瓶,所以看了两集还是弃了。
喜剧效果还是很不错的,探案剧情虽然有些bug,但当喜剧看还是值得一看的。
最后:这部剧一口气看完的,结局有些仓促,满心期待的看了第二季结果很失望,中途换演员完全是大忌啊,而且人设也颠覆第一季,妍神对不起了。。。。。
这是我唯一不仅看过且觉得好看的缉毒题材电视剧。电影版和电视剧版都看过,相比电影版惊险刺激,以及警察以武装形式亲自参与收网行动这种偏向好莱坞商业动作大片的制作方式(虽然电影版的制作方式吸引了更多人观看主旋律电影版),个人觉得这部电视剧版比电影版更好看且偏向真实,虽然电视剧为了丰富剧情需要将简单的湄公河惨案增加了内涵,变为利用湄公河惨案引发了泰国、我国以及剧中的X国三大贩毒集团之间的贩毒案。但也
这是我唯一不仅看过且觉得好看的缉毒题材电视剧。电影版和电视剧版都看过,相比电影版惊险刺激,以及警察以武装形式亲自参与收网行动这种偏向好莱坞商业动作大片的制作方式(虽然电影版的制作方式吸引了更多人观看主旋律电影版),个人觉得这部电视剧版比电影版更好看且偏向真实,虽然电视剧为了丰富剧情需要将简单的湄公河惨案增加了内涵,变为利用湄公河惨案引发了泰国、我国以及剧中的X国三大贩毒集团之间的贩毒案。但也是因为涉及国外剧情,为了让中老年人听得懂,这部剧的“外国人”全部得说中文,于是电视剧就直接设计用我国(包括香港、台湾)的演员来饰演剧中的绝大部分外国人。剧中我国自己的警察也不能在国外直接执行武装任务,而是国外的警察,这一点更加真实。我是2014年跟着央视一套看的直播,收视高使得当年央一播完半个月后央八又上了二轮,而且这部剧更是根正苗红的“央视出品”,由旗下的剧中心公司独立承制,曾经做过经典四大名著的“国家队”公司显然要比爱奇艺这家网络公司更加靠谱。这部剧播出快5年了,依然坚挺8分以上,而同样是这部剧编剧的作品《破冰行动》,最终很多公司不做,却只有爱奇艺这家网络视频公司接下了,网络视频公司加入制作主旋律电视剧,加上黄景瑜的加盟使得《破冰行动》获得了大量年轻观众的期待,最终那部剧的评价人数超过11万说明了这一点,可面对年轻观众的高期待,爱奇艺是怎么做的?加了两名年轻的编剧,为了“网感”,以为年轻观众仍然喜欢感情戏,为刻意吸引年轻观众,以黄景瑜饰演的李飞为第一主角,并加入了与女主角陈珂的爱情故事,并作为资本方从30集注水到43/48集,结果两名演员的演技在众多老戏骨的表现下被吊打,李飞独闯且莽撞、无组织纪律的性格不讨喜,而女主角医生陈珂作为爱奇艺签约演员强加到剧组,不停为她加戏,演技更加尴尬,不仅剧中天天哭,面无表情,而且使用配音,被群嘲,最后彻底烂尾,多个线没有下文,并强行戏剧化、煽情,李飞父亲强行牺牲,最后来不及叫父亲,观众更喜爱的女警马雯身受重伤,生死未卜,爱奇艺版没有说下文,幸好央视播出版中说了没牺牲松了一口气。加上之前对男女主角的不满意,以及前期紧凑到中期平铺直叙且注水,最终评分从8.6分一路下滑,到大结局烂尾后更是出现更多中差评,从7.8分下滑到6.9分,个人感觉这是与去年韩剧《信号》9.1到7.3、今年美剧《权力的游戏第8季》9.7到6.2相并列的三大高期待电视剧烂尾事件。同一个编剧,编《湄公河大案》口碑好,怎么到了《破冰行动》却被吐槽?我感觉爱奇艺加的那两名年轻编剧才是破冰真正的编剧,她们在爱奇艺的资本运作下误判年轻观众,把原本编剧的内容改的乱七八糟,最终的结果当然吃力不讨好。相比破冰中的李飞,王千源在本剧饰演的类似角色高野虽然也有很多卧底的戏份,但他作为影帝级演员,演技明显要比年轻的黄景瑜要好,而且也不是那种无组织纪律的警察,一开始因为他的女儿被毒贩的货车撞死,因此一直希望加入联合专案组,但他终究还是一名警察,表现的克制而内敛。剧中高野警察夫妇之间的感情也是比较克制的,两人从一开始想离婚到之后案件深入到成功破案逐步找回感情,没有《破冰行动》中那么明显为加感情戏而加感情戏。《湄公河大案》只有34集,显然要比注水了的《破冰行动》43/48集要良心了,剧情围绕谁才是湄公河惨案中真正的凶手展开,剧情相对紧凑且跌宕起伏,没有太多的煽情,剧中牺牲的警察并不多,而且主角包括大多数演员都是老戏骨以及有演技的演员,因此在《破冰行动》中的大多数吐槽点在这部《湄公河大案》中并没有,这也是这部剧能够坚挺8分以上的一个重要原因。从豆瓣评分人数上看《湄公河大案》因为央视播出,输了网络热度却赢了口碑,而有爱奇艺和年轻演员的《破冰行动》赢了网络热度却在最后输了口碑,因此,如果是央视的剧中心公司或者正午阳光独立拍摄《破冰行动》,也许热度会低一点,但可能口碑会由一而终,一直保持较高的口碑水准,不会像现在爱奇艺作为互联网资本搞烂《破冰行动》的情况。所以,我建议看过了《破冰行动》且觉得失望的豆友们可以看看这部同一个编剧又是真实缉毒案件改编的电视剧,也许你们会对这部剧有不一样的看法,也可以顺便对比电视剧版与电影版的不同。最后,向缉毒警察致敬,现今的岁月静好是他们在为您负重前行。
看了几个镜头之后不得不说老赵没有导演的天赋,自己执导不如找没有名气的新手导演,场景布置简陋,龙套过于稀少,一个新闻发布会开到露天的山沟里去,太寒酸了,负责安保的人员只有十来个,只有火力点没有巡逻队,女记者身上没有一点在工作的姿态,拍照的样子像是来观光旅游,下属安保人员突然就把老赵打伤,并且污蔑他杀害重要人物,这套路要玩也可以,但是你玩得太生硬。摔不死技能和打不中光
看了几个镜头之后不得不说老赵没有导演的天赋,自己执导不如找没有名气的新手导演,场景布置简陋,龙套过于稀少,一个新闻发布会开到露天的山沟里去,太寒酸了,负责安保的人员只有十来个,只有火力点没有巡逻队,女记者身上没有一点在工作的姿态,拍照的样子像是来观光旅游,下属安保人员突然就把老赵打伤,并且污蔑他杀害重要人物,这套路要玩也可以,但是你玩得太生硬。摔不死技能和打不中光环不出意外的救了老赵一命,这必须得救,不然十五分钟这片子就结束。没死就得逃跑啊,顺路捡到女记者,智商情商都低,还是个圣母表,但是她会挖子弹,老赵术后一顿反杀,美国女杀手被活活打死。在一个被通缉的国家里两个人活得挺滋润,顺带教学武器使用,女记者成为狙击手,男女搭配回去寻仇顺带平反昭雪,反派府邸里士兵被惊动后冲了出来,士兵们被事先安装的土制汽油瓶通通炸死,好厉害哦,然后就跟最终boss决战了,从兄弟到仇人,反转得太生硬了,片中还多次上演回忆杀,喘气都经常失灵靠气雾剂缓解的人,还有心思算计老板,还能拳拳到肉和老赵打上好几分钟,难道你那口喷就是用来除口臭的么。总评一星0分,除了最后强行反转一波,前边的剧情老套到三十年前都已经用烂了,驾驶固定翼飞行器开头来一次,嫌不够尴尬,结尾又来一次,都不知道烧的什么燃料,有那钱真不如买张机票,安全舒适。咬着塑料鸡取子弹好尬,不忍直视。老赵被打伤被追杀,在晚上露营时跟女记者正常问答,既没有愤怒也没有恐惧更没有紧张,镇定过头了吧。