终于等到城城和东莞仔的新片断网了！城城说自己是东莞石龙人的时候，东莞仔林家栋说他是翻版，自己才是真的东莞人的时候笑死我了！电影拍的很好看，剧情紧凑连贯全程无尿点，两个影帝的对手戏很有冲击力，让人看的很紧张很投入！电影用新颖的手法和特效生动地表现了新互联网时代it行业无声的咨询战争！让人觉得平时枯燥无味的键盘手对决变得无比吸引，暗网买卖等等网络操作利用演员的表演来变得栩栩如生！希望以后更多的电影能像断网这样突破自己，更多优秀的电影展现在观众眼前！

主题曲永远的经典，中间插播这首歌的时候，配上美景和美人，真是绝了~可能小时候没有看全，重温一次，好多以前的芥蒂都得到了释怀。小时候，不太喜欢男主，觉得他总是考虑自己，现在发现他对女主的感情是一个递进升华的过程。小时候觉得女主爱得卑微，陪伴男主甚至都给出了身体，却还目送他进京城医治公主当驸马，但第二次看，带着“含香就是公主”的认知，反而觉得挺有意思，含香在答复沈梦溪“昨晚我们...”，先是说“没关系”，下一句则是“但是你要是医不好公主，我永远都不会原谅你”。所以她觉得没关系的前提是，沈梦溪是自己的夫婿。这次真正理解了这句话的意思，也终于欣慰这片的女主还是自尊自爱的女主啊。也会想，如果含香真的只是个普通的姑娘呢，但看到沈梦溪带着改进后的冷香丸，回头找他心目中的普通姑娘后，这里的回头才可算真正地打动人心，不由地说编剧真的通透。如果等他医好公主当上驸马后，再回头找那个“含香”送冷香丸，这样的感情对一人两角的公主也可，只是终究没那么纯粹。配上沈梦溪的表白，即使这药治不好你，也宁愿和你一起遗臭万年。传达的意志不止是相较于公主选择了含香，还包括，我愿意与你一起克服你的缺点，即使克服不了，也愿意接受这个原原本本的你。其实也是可以和太医做对比的，片中可以看出太医深爱妻子，可能真的是为了和妻子长相厮守，废了自己的嗅觉，但是这算不算一种逃避呢，闭目塞耳，不代表不存在，况且做丈夫的，通过某种手段，可以感受不到，可是做妻子的，仍然会为自己的缺点而羞愧难堪。相比较，沈梦溪公主那一对，一起勇敢地努力去克服，克服了两方皆大欢喜，想来是更有成长性和积极性的。也许编剧，是借此表现两种爱情的模式。这部片里“臭”被着重地多次提到，早就有了象征的意味。可以是自己都无法接受的难以弥补的缺陷，也是情人间击碎浪漫的那份真实，也可大而化为群体间阶级间的隔阂。做不了沈梦溪和公主，做太医夫妇也是好的，君不见许多夫妇碍于种种无法分开，却又相看两相厌，难得糊涂不是吗？甚至于做臭臭的鱼贩也是好的，有臭味相投的好友一起胡天侃地。有种较高层次的玄学的说法是，美与丑本就无差，有了美，才有丑。他们是由比较中来，可我们偏被设计为对“美”感到愉悦，而对“丑”萌生不快。其实一个人待着时也不会对自己的缺陷认识地那么明显吧。就好比公主被关在湖心居时，不知道自己原来是“臭”的，有了与外界人的接触，有了比较，才有了这样的认知。大鱼小鱼和鱼们，也不觉得自己“臭”，还会与买鱼妇据理力争，因为他们一直待的环境里，并没有将自己界定为“臭”的。对自己来说，我也想离群索居，不想理会红尘万丈，但仍避不了要投入人与人的交往中。也许这就是原因之一，要成长，要看到自身不足，但一个人无法全知全能。与外界的接触，好比得到一面镜子，也许镜子没那么明净，看镜子的心也时有不同。但起码，有了一面镜子。回到正题，这部片的立意和美学我都十分欣赏，小时候觉得男女主都一般，再看时，杨千嬅的皮肤好好啊，镜头怼着拍的五官好优秀啊，圆圆的脸型好可爱啊。任贤齐则是，知道主题曲是他作的好感度加满。迎香阁的姑娘也是如花朵般千娇百媚，大鱼小鱼和鱼也都是锦上添花的存在。治愈呀~~~

这部剧很好看阿 还没看完 待填坑

我最喜欢这种尔虞我诈勾心斗角弱肉强食人性黑暗面的剧了（误）

忘了是第几集，老爷子病重刚好，起来拄着拐杖走路复健，一路骂骂咧咧，Marcia说，如果你不行，我就和这个帅气的小伙子去晚会了。老头子继续抱怨该死的音乐太吵了，Marcia直接拿凳子放他面前（需要走好多步），说不喜欢你就自己关。

“只有愿望不强烈或者感觉自己做不到的人才需要自制力来约束自己。真正的强者根本不需要自制力，他们想到什么就去做了。”

“制定你能完成的计划。专注。有比没有好，一开始不要要求完美。快速行动并坚持下去。”

其实他的这几个子女都不笨也不算真蠢。我觉得作为教育者，父亲是失败的。

“每个人对自己受到轻视都很敏感，被看矮一截会丧失干劲儿。这样的领导者只会使下属变得无能。”——洛克菲勒

一句话总结大儿子的悲剧：“我的所有努力，不过是为了得到不可能得到的父亲的肯定”。其实这一切，在第一集就可以看出端倪。给穷人孩子一笔钱，让他做他不可能做的事，在子女们眼里，自己就是父亲游戏里的穷人孩子，棋局的棋子。

整一部剧无疑是悲剧的，大儿子想要把我踢出去我亲手建立的帝国，（我感觉我是不是该回去看看中国史了），三个子女都不成器，女儿还为我的对手服务。可能是因为他很少真正的与子女进行沟通，却一直觉得他们都不行。

二儿子很聪明，表现在，在酒吧游说xx网负责人的时候，他先是具体的说了一个例子，然后点明了，xx网（即互联网，碎片化信息etc）才是新闻业的未来，收购local news，并不是。而且，他不招人恨。

很多人都表示，他很懦弱，但是他是他们家最会说不痛不痒的真话的人，其实投票的时候，他并不蠢，他知道不能伤了父亲的心，父亲身体刚好，而且如果投哥哥，我还是得为哥哥打下手；投爸爸，爸爸走了也没有哥哥和我竞争。

“Marcia is up to sth. Of course everybody is up to sth”

I personally comment on Kendal , "All his life, he has been crying to say, 'Father, look at me. Father, please praise me.' " the very essence of the reason of his failure.

他们不知道父亲的爱，父亲也不会表达爱。隔阂，越来越深。

https://www.zhihu.com/question/25523892/answer/83898272

“ 领导者最大的挑战在于，要如何创造出一个能让人们觉得开诚布公比隐藏实情来得舒适的环境。主动邀请其他人陈述他们的想法，用一些诸如“再多说一点儿”或是“我真的想听听你的意见”的话语来鼓励他们说出自己的真实想法。和一般人所相信的刚好相反，在对话中，聆听者才是拥有权力的人，而非陈述者。 你要知道，你的下属可挑剔的地方不胜枚举，但是你要专注于发掘每个人潜在的优点，注意他们在每个细节上的杰出表现，以及他们为了将事情做得出色，而对完美主义近乎苛求的坚持。这是你领导力的优势所在。 ”——洛克菲勒

起初看《回光奏鸣曲》的原因，仅仅是陈湘琪在2014年的金马奖凭借此片击败了《归来》里的巩俐。所以不带任何预期地看了这个片子，虽不完美，但它带来的惊喜却足以让我期待钱翔导演（《蓝色大门》摄影师，导演作品目前只有两部长片一部短片）的下一部。《回光奏鸣曲》并不是一部歌舞片，它的所有内容几乎都可以对位到许鞍华的《女人四十》，两部电影集中展现中年一个女性所面对的人生困境，而后者采用了类型片形式和戏剧化的手法演绎了人生的温存和悲凉；《回光奏鸣曲》则截然相反，这也正是它的迷人之处，高度专注的人物状态和极度私人的作者表达让它显得缓慢但是不闷，所谓专注，通俗来说就是视角的统一性，具体体现为每一场戏都保证了主角阿玲视角的存在。这种统一性必然会带来其它人物的信息交代不完整:女儿和阿玲的矛盾、阿玲的丈夫在上海的经历、受眼伤的男病人发生的意外以及他为什么没有亲人看护？这些问题虽然没有明确交代，但它们存在的本身都是合理的，就像现实中我们也未必能弄清每件事的缘由，并且它们也达到了丰富主角阿玲的效果。假设诸多旁枝末节都得以一一呈现，观众对于主人公的情感则会产生断裂，再加上这么慢的节奏，如果不能沉浸，一定会感到沉闷无比，看不进去。而关于视角，全片采取了三种视角:客观视角、主观视角和偷窥视角，一般类型片都以客观视角为主体，而本片很少的客观视角仅仅用于必要的服务叙事，而大量的主观镜头使观众与角色共情并且和镜头的晃动形成风格上的互动。偷窥视角基本集中在室内，而室内场景表现阿玲和自己独处的状态，这是非常个人和私密的，所以这个时候导演强调了摄影机的存在和观众作为窥视者的存在。阿玲的所有困境在前30分钟全部交代给了观众:和女儿的隔阂、在上海的丈夫永远打不通的电话、住院的婆婆、下岗面临失业（这场戏是唯一有点拔高主题的地方）等等，这些困境被外化成了一个具有象征性的意象:家里的门，这个表意非常明显，但它对于主题十分重要所以不能不提。门一共出现过三次，第一次是女儿离家，这一场铺垫了门容易卡住打不开的客观设定，阿玲无法打开门正在打电话叫人时，女儿连推带踢地还是打开了，接着镜头切到门外远处一栋相对的楼（偷窥视角），远景拍阿玲疑惑地关上门。第二次出现是阿玲化了妆，穿上了花哨的裙子，踩上了高跟鞋出门（心态好转），这个时候视角跟门第一次出现是同一个机位，不同的是门顺利地打开了，由此可知，门确实是阿玲内心状态的隐喻。然而这场戏之后出现了本片的一大问题:阿玲看到快餐店里的女儿和其男友，这里的过分巧合和戏剧感是跟全片现实主义基调不相符的，如果出现在其他地方还只能算是小瑕疵，但是这场戏是直接推动剧情的重要转折的，以这样一种草率的方式强行扭转是有点难以接受的。回到第三次门的出现，也是全片的高潮，这里构图是比较对称的，门边上的墙角处于视觉中心，以一个稍高的角度拍阿玲拼命想打开门，但就是无法突破，这个构图强调了无力和弱势，一阵努力之后阿玲跪倒在地开始哭泣，镜头开始晃动，强调不安和失衡，并和整体技法达到统一。当门最终被打开，暗示阿玲走出心灵危机，镜头又切到门外远景，影片结束。当然片中符号叙事也不止此一处，同样有之前毛巾和口罩的隐喻。戛然而止的结局虽然在情绪连贯上恰到好处，但却暴露了和先前文本的一处断裂，即舞蹈的大量铺垫，阿玲无意看到同事跳舞、受到影响对舞蹈产生兴趣、在家独自练习以及打扮好自己出门（应该是要跳舞），只是这里由于意外看到女儿，这条线顺势就断掉了，这么多的铺垫观众必然会对结局产生关于舞蹈情节的期待，况且还有时不时响起的那段主旋律（有时是剧情内声音，有时是配乐），然而这个期待到最后并没有得到满足。导演有意识地减少对白，重点想要表现阿玲的内心戏，这就要非常仰赖视听语言。像有一场医院的戏，阿玲缺乏自信面对眼疾康复的男人，她从靠窗的病床走向门口，背向窗户有一段纠结和挣扎，这时前景没有任何光源，而背景只有窗外的自然光，仅映出阿玲的轮廓而看不到她的表情，突出她的抵触情绪和不自信。但导演对视听的掌控在某些方面还不够娴熟，尤其是音效，很明显他很想突出声音表现人物的内心状态，但却忽略了空间逻辑，比如说明明是一个远景，但阿玲咽水的声音被刻意放到很大，这就让人非常容易出戏。总的来说，钱翔导演是不够老练，但是可见诚意，没有给人一种浮躁之感，这也是台湾电影一直以来优于大陆电影的一点，所以在充满快节奏的21世纪，如此私人和舒缓的电影真的不多了。

总共八集，每集四分钟，一口气总共看下来只需要大概30多分钟，非常紧凑、节奏明快的一部剧，不看到最后一集，你绝对不会猜到，这是一部有着犯罪和略微“报复”心里以及甚至变态的剧，你可能还以为这只是一部关于爱情的剧，并且你还会被男主奋不顾身多次穿越要去挽救女友的故事。

首先，这部剧的设定就比较有意思。很有创意，一开始先是情侣间有了误会，女主要分手，结果当天晚上女主出车祸死了，男主就想要去救他的女朋友，让她能够免于车祸的死亡，他发现了钻马桶就能够穿越回以前，一次一次的尝试去挽救，但是都没能成功。这个穿越救人的“小伎俩”，我在看的时候就感觉似曾相识，刚刚突然想起来了，这不就是《忌日快乐》里面用过的嘛？

【详细】

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作为洪常秀（以下简称洪）两年以来的第三部黑白片，《江边旅馆》显得格外不同。洪在这部电影中创造性地打破了他之前作品结构、视听上的稳定性，也开始通过电影寻求同生命中的人和解，对于人到暮年的洪来说，这无疑是一次整装再上路。

洪的电影结构向来追求“工整”，《生活的发现》、《在异国》的分段式结构尤为典型，无论是前者的两段式还是后者的三段式，叙事上都采取了一种元素重复式的技巧。“Turning gate”、“烧酒瓶”等看似不起眼的小元素通过在影片的不同段落重复出现，使各独立的段落得以呼应，而相同场景的不同情境则又使得各段落之间巧妙对仗，甚至颇有圆一般的循环感。

而在《江边旅馆》中这一技巧俨然暗淡不少，电影本身没有直接分段，而出现的元素除了那辆旅馆外的汽车，其他诸如：娃娃，猫，签名、写汉字等元素都显得较为单一，它们更多的是在当下的场景发挥时效性的作用，并且这次在展现这些元素的时候也花费了更长的时间，进一步强调了了它们的时效性而非结构上的延展性。这种转变体现出洪电影技法的创新以外，也让我感觉他的创作心态似乎发生了一些改变。现在的他，是否相比于玩精巧的结构游戏，更加重视那一帧帧画面流露出来的真情实感呢？

在视听语言上，《江边旅馆》的“不稳定性”似乎更加醒目，手持摄影、穿插其他画面打断完整人物对话，它们的出现似乎完全颠覆了洪长久以来惯用的那一套视听手法，而这些视听上的创新似乎也赋予了画面多义性：老诗人在旅馆外用着洪惯用的那一套赞美之词夸赞两个女人，花言巧语之下却是曝光过度的雪白江畔以及略微晃动的手持摄影。又一次尬笑的同时，我也感受到了一丝凄凉，对于美的事物，老诗人喜爱、赞叹，却也无法真正进入她们的世界，心有余而力不足。这也是我第一次觉得洪的情话除了戏谑，还有那么些苍白无力。

近些年，评论界对洪电影的自传性颇感兴趣，洪在各种采访中对这个问题也都半推半就。而在我看来，《江边旅馆》则是一部“摊牌”作品，这部电影的片头是在以前的洪电影中从来没有过的：电影正式开始前，权海骁的画外音响起，介绍了这部电影拍摄时间、拍摄地点等。这就像是组团去参观博物馆，进入展馆前导游总要嘱咐各种规矩或者介绍场馆，这意味着，你是“客”，而你即将要进入的这个地方是属于别人的。洪这种做法在我看来就像是宣誓对这部电影的主权，“这部电影就是我的，接下来你们将进入我的电影世界，甚至可以说我的人生缩影，但你们只是旁观者罢了。”这一理念，在《克莱尔的相机》中或许也略有体现，《克莱尔的相机》一直在强调镜头的概念，桥洞与那只大狗都很像是镜头的象征，它们默默记录着一切（又可以说见证了这场闹剧），却不对其加以评判，克莱尔知晓一切但却走入桥洞（镜头），或许洪想说：“我只拍我的电影就好了，评价感受什么的那是你们旁观者的事。”

《江边旅馆》的人物设置则进一步让我确信了这个观点，老诗人以及他的两个儿子，像是洪自己的一分为三，刘俊相饰演的导演是洪的身份象征，权海骁角色的对外貌的自卑像是洪的内心独白，老诗人则像是按洪自己的脸打造出来的，其暮年的境遇也正贴合了当下现实中的洪。想要同别人和解，先要同过去的自己和解，而这对男性三角关系正是洪自我道德的一场辩论会：餐厅一段，三个男人言语激烈，儿子们谴责父亲抛妻弃子的行为，老诗人则极力用“不爱了就再无意义”为自己辩解，也批评儿子们的虚伪。然而不止于此，在同自己和解的过程中，洪也将生命中的其他人代入到这些角色中，让他们与“自己”展开对话；此刻，似乎洪把自己的儿子也代入到了权海骁和刘俊相的角色中，对于无辜的儿子他显然满是忏悔，借老诗人之口，他也给糟糠之妻写了一封信；“没有爱情的关系他不愿再维持下去，离开是他最后的温情。” 而这部电影中的两个主要女角色似乎都指向一个人：金敏喜（以下简称金），就像洪把自己一分为三一样，洪也把金一分为二；金自己是她作为女性柔弱多情的一面，宋宣美则是金知性坚强的一面，作为一个在爱情中被伤害的女人（现实与电影都是如此）金知性的一面不断抚慰着柔软的一面。同样是在餐馆里，两个女人坐在三个男人的旁边一桌，男人们喝酒、争吵、流泪、忏悔，而女人们则不断在自己这一桌挖苦讽刺着男人们情感表达的浮夸，这传达出类似《之后》中人与人之间无法交流的困境，人的情感似乎难以相通，一桌之隔即是两个世界、两种思考表达的方式，或许只有共同畏惧的死亡才能让人类产生共感。黑白的影像本就预示着非黑即白的结果，在沟通的困境之中，洪逆流而上寻求和解，这需要勇气，亦需要柔情。

洪也没有忘记和金和解，即使爱情还存在，也需要对过往的错误致歉。老诗人写给两个女人的那首诗，也就是写给金的情书；表达歉意、赞叹美丽、感慨人生、表露真心。 和解归和解，洪却依然保持自我，人生苦短，他要为真爱而死，而不是被IKA（诗中提到的东西，翻译问题并不清楚代指何物）逼死，他将在自己认定的这条道路上继续前进。