真的害怕这部剧亲情转强制爱的戏码被大众接受了，看到评分降了松了口气，太可怕了，编剧有毒吗？？？？

国产剧能不能少点这种扭曲的爱情观？？？不尊重人，控制，霸道，这就是爱？？？醒醒吧，编剧还活在油腻霸道总裁的梦里吗？？？

真想讲家庭、亲情就好好讲，别搞这些有的没的的，令人恶心。

还有，国产剧能不能不要固定在女主学渣男主学霸的模式，还有各种女配角，对女性的刻板印象还不够吗？还要在影视剧里宣传？

8.23

我前面对编剧的言论有些过激，改了点。

国内烂编剧一大把，三观不正，逻辑崩坏，思想浅薄，比之更甚的不在少数，我想跟他们本身的水平有关，但也不完全是他们写不出好的剧本，而是影视剧产业链本身就存在的问题导致编剧质量普遍较低，大家也不必针对这一个编剧喷，敦促大陆编剧进步，改变国产剧现状才是正道。

梅格雷上升为目前最欣赏的侦探了，憨豆先生演技真好啊！理智勇敢，从容绅士，虽然表情经常性凝重，可这个人还是太吸引了！

四部都值得看。这个系列吧犯罪手法没那么玄幻，破案也不是依靠主角的超IQ光环。主要从细节入手，分析追踪调查手段外加心理分析，一样很精彩过瘾！

整个节奏比较慢，每一幕都想看的很仔细，因为就像欣赏艺术品啊…很重要的部分，不仅仅是犯罪侦探，每一部都想感叹人性，可恨之人必有可怜之处，但是牵扯无辜的人就不对了是吧。还有很多温情的部分，正是因为爱、正义、希望、责任、信任、帮助……生活才明朗可爱，我们像勇士一样与黑暗刀剑对决。

这一部也是四部中感触最深的，尤其是Carl，太理想主义，所以悲剧了…自己最爱的一直过分保护的人最后想把自己闷死，最后侥幸活下来仍然念念不忘…哎，就知道是个大傻子了。不最后骂那个bitch真不解气。

真希望还会继续拍呢！也想看西默农的原著！莫名兴奋哈哈哈！

猎铠下。其实也没有多好。全剧。一共就只有四条线。一条全昊的那个复仇线。另一条是优人计划的线。另外一条是那个塔的那条线。还有一条线是那个狼帅和象帅的对决线。全剧总共就只有4到6和13到15这些剧情能看其他的都不行。中期其实也没有多好看，跟前期差不多。后期也没有到20集往后就开始烂。从25集开始，一直到大结局， 30集才开始烂。四到六集就是金昊完成第一次复仇。后面的这个复仇方式就非常草率了。13到15集，就是象帅和狼帅的对决。同理但后面的方式也很草率。复仇那条线草率的事就是看到人就想打但打不过

于是再打就打赢了。哦，对决线草率的是后面发生矛盾，接着用很快就马上就解决了，就没有一个很长的一段时间。剧情拉下来是从25集就开始了。前面说的一个就是优人计划的那条线，其实就是把原本变成怪物的人来到那个一个房间里来去问。但每次都没有问出来一句出来，还是推动那个塔的，全剧就只有这一个作用。这一个房间应该是可以推动很多的东西，但唯独就问出一个出来。就离谱。还有那个塔的那条线，其实其实从24集。以前其实他是这么推动剧情的。塔修建了多少。几分之几。就这两句话推动剧情，原片就这样两句话。说是特摄史上最草率推进剧情的都没问题。猎凯下真正难看出来的话是25集开始的。先有反派降智让女主知道了塔的更多信息来推剧情。再有刑天飞影回归。这件事情，我用一段话来说吧。特摄史上最垃圾的回归。别人的回归，最起码还能把怪砍出一点伤害出来，你这回归一刀都没有。就离谱。还有最后的那个boss没有塑造出来压迫感。总结一下。猎铠下也是个垃圾。和猎铠上一样垃。但猎铠下比猎铠上还垃圾是原因是什么很简单，猎铠上最起码还能把我弄快乐了。猎铠下属于严肃和喜剧都没有。

但在我心中，这两部比捕将好。不过好的非常有限。这三部比奥的四大名著和假面的四大名著还要烂。文戏，武戏都不行。尤其是那个CG和特效比东映做得还烂。

捕将3.8

猎铠上4.0

猎铠下3.9

很久没有遇到一部电影，看得我眼眶湿润，想要立刻提笔写点什么，却被太多想法充斥以至于无从下笔。

就在不远的150年前，女性还没有自己的名字；

在不远的100年前，她们还不能上学；

哪怕是在今天，在世界的很多角落，还有一些她们是工具，是商品，没有平等的法律权利。

这些事听上去很遥远，但在人类的历史长河中，我们能够平等的接受教育、[平等]的拥有工作机会也不过就是近30年的历史，是我们这一代人出生以后的事。

如果当成是理所当然，大约才是最大的天真了。

常常我会在工作和生活里听到充斥着刻板印象甚至是轻视的言论：

“反正女生差不多就行了吧” ／ “职场后续发力还是男生比较好” ／ “她反正到了一定时候就得回家结婚生孩子去了” ／ “她是女的，比较情绪化”（当然还有很多更过分的言论，避免指向性就不提了）

还不停的听到类似的歧视故事“xx公司直接表示今年只招男生”／“已婚未育／已婚一胎的一率不招”／一面试他就问你何时要孩子，生了孩子就问你何时要二胎。

在很多时候，出于他（她）们是我的同事或客户，我选择了沉默，也有忍无可忍的时候我选择说不同意，但是我很难在职场一对一的谈话中，选择对垒，指出对方的不对，做出一些改变。

总会有人说我们太敏感了：世界明明已经很好了，还要什么自行车？

但是敏感这件事，是一件难能可贵的好事。毕竟只有黑人可以上公车了，才开始介意他们要进同一所学校；只有女性可以工作了，才开始介意同工同酬；只有同性可以公开牵手而不再违法了，才开始介意他们要结婚，要享有一样的财产／继承／领养权。

世界是循序渐进的，敏感的这一种小小的感受，是“有点不对，但是又说不出”“好像大家也都是这样，为什么我觉得不对”的这种微妙的不舒服。然而在这100多年的民权发展历史里，这种不舒服恰恰是最大的推动力，是小部分人对世界提出的更高要求，它遵循着人类为自己权利奋斗的方向，并最终指向平等和自由的最高提纲。

就像影片里说的，我们无法阻止世界变动，我们能做的只是让这些法律与条例跟紧世界变动的脚步。而那些对你说“你太敏感了”的人，其实只是太老了罢了，世界一直以来都是这样，这样有什么不好？

难道要让女生全上战场／男生全回家带孩子才是你们想要的吗？

当然不是。生理上的特征是既定的，我们生下来就是这个性别，这种肤色，这种性向。而这些特征并没有任何倾向性，在这个世界上的绝大多数功能性的工作要求中，并没有显著的群体差别。可以有数学好的男生，也一样有数学差的，可以有情商高的女生，也一样有情商低的。

而所有敏感而勇敢的争取，也并不是在争取50%和50%，而是在争取一个平等的机会。也就是当有现代花木兰愿意戎马倥偬、保家卫国的时候，她可以不用女扮男装，她可以不必去到军营发现女厕所／女浴室都没有。当然也是男护士可以被正常对待，不必在打针的时候被病人说你还是让那个女护士来给我扎针她比较细致。

世界本该是一个游乐场，缘何要架起高墙画地为牢？

我从心底欣赏这些勇敢而敏感的人们，以及围绕在他们周围坚定支持他们的人们。

她全然可以欣然做她的教授，维护她的既得利益，告诉来者世界便是如此。但是世界就像一只巨大的蝴蝶一样，她们争取了投票权，受教育权，进而她们可以进哈佛，可以当陪审团，可以上法庭辩护，她们每扇动一次翅膀，就将这种坚持再传播的多一点，一点一点持续造就了今天的世界。她们每一个人，在他们的时代里，都太敏感了、要的太多了。这种勇敢是个性中的小小波动，碰巧比人群中的其他人更不甘、更不计后果、更大声，所以更勇敢。而她们身边的人，丈夫／孩子／同事／客户，选择站在她们的身边加强了波动的范围，让这种以卵击石的勇敢得以持续，最终在一群人的努力下水滴石穿。

愿你我都像她一样智慧和勇敢，保留着心中的敏感并大声做出改变。

再小的力量，也可以是一种改变。

若把这部电影里的大多数行为或装置物体单独提取出来，都是非常好的艺术品。例如男主狄龙的塑料布大衣可算是一件顶尖的时尚单品，纯色精巧的建筑模型架子被猛然砸碎是可算还好的行为艺术，尸体拖行在深夜的乡间小路上留下长远的血迹是有趣生动的环境艺术，当然最好的装置作品还是那冷藏尸体搭建的房子。我不确定是否这一切都是拉斯冯提尔自己创造的，估计不会，至少那件塑料布大衣应该是服装部门的功劳。在一个高度发达的北欧国家的精神力里面，一部电影中集结了如此之多之细密的艺术品也并不足以让我惊奇，这样的艺术成品量同样贯穿在不少北欧电影中比如《方形》。

下面的一切分析和体感都建立在，我首先认可这是一部好电影。但它的好，是仰仗着北欧的发达程度，也就是片中处处是艺术，举手投足都那么美，是因为人家日常就生活在一个高度美的环境中，耳濡墨染具备了全民高审美的素质。而对于导演艺术家这块来说，我并没觉得拉斯冯提尔有多高的天分，很重要的一个原因或许是因为这种表达表面上看起来挺极端，其实稍显过时了。

以前上学的时候，老师在课上放了一部短片，讲的是两夫妻相处久了互相对对方都缺乏激情，于是为了找回激情，他们找到一个方法，就是用刀片削对方身上的肉，是的，全片就是两人互相削，血肉模糊的直到把对方削死，这血腥的过程就是直面镜头大大方方的被拍摄下来。说这个主要是想证明我不是一个不能接受血腥和暴力的人，当时偶尔撇几下嘴瞪着眼看完了，老师还吐槽我和我们班另一个女生承受力还算可以。那个短片应该是至少5年前的。因此极度的血腥对于看电影比较多的人来说，在如今应该也算不上什么新鲜事。

所以首先就应该筛掉，很多人因为没看过这样的刺激电影而打高分是不理性的。独创性欠乏的艺术，总归不是什么顶尖的艺术。

其次，片中有不少拼接的影像，说实话我觉得挑选的素材不够好，不很精致，里面不少影像截取都是点到为止还挺随便的，就这个片来说，不太符合它严肃的题材。我把拉斯冯提尔一直当做一个风格非常严肃的电影导演对待，这点判断不知道是否准确，但我有我的理由，参见拉斯冯提尔之前的所有电影，暂时并没觉得他曾流露过轻松欢快的情绪。依此延续，他讨论的内容，以及传达给人的感受都应该在一个需要严肃面对的范畴，就好像你不应该在别人的葬礼上不合时宜的讲个笑话，不能穿红色衣服一样的感觉，前提是你和拉斯冯提尔一样属于严肃气质的人，其他类型的艺术家另论。因此在一个严肃的大艺术电影中，一切的导向都应该向着将这种严肃气质往更极端的方向去走，也就是需要这种统一集中的准确性才可以塑造出伟大的艺术。这里插一个片中细节，就是最后男主和老头Verge上的那艘油画船（模仿自但丁之舟）的画面出现时，我感觉有点尴尬，这画面难道不是更适合出现在丧片冷笑话之中吗？除非拉斯冯提尔这个地方想让观众发笑，总之这个画面破坏了我观影的感受，好似一个不和谐的音符。以上这一小段实质是想讨论艺术准确性的问题。

这样的电影估计会大体出现两拨观众的不同反应，一种会认为太牛X了，另一种会认为太恶心了。

如果看过《人体蜈蚣》和《困惑的浪漫》，你会觉得这片内容上好像还可以接受，但我得承认这片给我留下了一个阴影，就是那个小男孩死尸被摆弄出来的表情实在太诡异了，一直停在我脑海中漂浮无法抹去……不然我也不会想到来写写这个片……

我绝对是个寻常人，不想装逼的说这些东西我看了很平常呀，没有多恶心呀，事实是我也被恶心到了，看到鸭子腿儿被突然剪断的当下也很郁闷，只是有的人一点都不能看，我是可以坚持看完而已。

但我想聊的是，这电影真的不应该因为被拼贴了一堆内涵或是扔出一个奶子钱包而显得多先锋，反而我觉得拉斯冯提尔在这个宣扬土鳖断舍离的世界上已经开始走向落伍的方向了。

这里我想提两个艺术家，一个人是戴安·阿勃丝Diane Arbus，一位女摄影师，第一次接触是缘起于我爸买的一本进口摄影图册，那时候我还小，我不得不承认带着黑暗色彩的东西力量确实比光明的力量要强大的多，我这种拥有鱼的记忆力的人，至今还对她拍摄的畸形人、唐氏小孩和马戏团侏儒印象极深！这位摄影师拍摄的主要对象就是残缺非常态的人，后期她还跑到畸形人博物馆那种地方去拍摄。而她的生活家庭背景是比较优渥的中产阶级，挺符合规律，越高度发达的地方越会追求初始和本源，更容易打开心走进一些阴暗的角落，也就是吃饱了才能没事干，探索常人不会探索的感受。我挺喜欢她的摄影，但需要注意的是戴安·阿勃丝是1923年生人死于1971年，不意外的自杀，她属于当时美国新纪实摄影流派的旗手。

另一个人是达米恩·赫斯特Damien Steven Hirst，一位英国的装置艺术家，作品大约是把鲨鱼或母牛和小牛崽斑马这种横剖后放在甲醛里展示，时间久了会慢慢腐烂；把活体苍蝇和死牛头放在密封玻璃箱子里让他们循环滋长死亡……描述起来都觉得很恶心，有兴趣的可自己去找图看。他是1965年生人，在80年代就开始因这样“恶心”的艺术而名声大噪。有一个有关他的趣闻，就是此人年轻的时候最喜欢做的一个恶作剧就是通过口袋里的破洞把自己的包皮拉出来给别人看，然后假装惊呼道：“这是什么？”。我感觉这跟每个社区都有一个露阴癖的变态专门对女性或小孩下手的行为表面上看起来没啥区别吧。但对于艺术而言，依旧是值得被认可的。

这俩人和拉斯冯提尔一样，都是被观众谩骂过的，主要原因自然都是因为有人觉得太恶心，太阴暗，世间有那么多美好，为啥非要捕捉阴暗，告诉观众世界上都是垃圾。单纯论这点我是完全无法与圣母们苟同的，平庸的普通人是无法学会用艺术的眼光来看待和对待世界，如果你拥有艺术的眼光那么世界上真的也没什么不能接受的东西。再插播去年看到的一个英国的综艺节目，就是非诚勿扰那种类型的，不过人家是全裸，对方可以选择是看JB还是看胸，通过私处而不是看脸来挑选喜爱的伴侣，我觉得非常洋气，是真正的后现代，况且那只是人家的一个电视节目，我们的电影内容迄今多数已经倒退回50年代，还不少人看得兴奋激动热泪两行……

聊回拉斯冯提尔，他也是个1956年出生的人。我不是想说这些人因为年纪都大了，所以落伍了，他们跟那些常规意义上的老头相比那确实是先锋，甚至可以上升到变态的程度，不过确实，年纪也多少可以当做一个正常的衰退过程的证明吧。但我们探讨的是艺术本身，那作为艺术家来说，他们的这些东西，确实在这个时代依旧稍显落伍了。

是的，他们的艺术是明确有表达的，而且似乎不想只表达一种简单的浅薄的意义，而是想表达类似卷心菜一样一层又一层剥离不断的内涵，这种东西看起来很累，因为他会促使观者思考，思考生死、人类、恨不能宇宙中从大到小所有的道理。所以他会在一个有着强迫症的连环杀手的简单故事里加入独裁，钢琴家，动物，地狱使者，甚至Cosplay1822年的油画但丁之舟，最后还玩起了人尸装置艺术。这些堆砌是在干嘛，就是在试图增加多一些卷心菜的叶子而已，他们的艺术享受的是这种剥离不尽的快感。

回归到当下，勉强不落伍的艺术应该是什么。

人类从出现开始，先是为了存活仅仅是从事与吃喝拉撒有关的事务，然后进阶到文明社会，有了丰足的衣食便开始琢磨看星星写诗的精神世界，这精神世界和物质世界并驾齐驱不断向前发展壮大，形成多层的卷心菜，直到现在，这发展不堪重负，有些人开始发现一切都没啥意义，精神和物质在真正发达的处境中都得到了极大的满足或者是认识到永远都无法满足。于是开始出现了一种类似修仙的行为，就是啥也不做，无即是有，一切都回归到最原始的满足本能的愉快，这种表达内容短暂且不追求内涵，暂时我觉得这才是最先进的思想。

因此，如今先锋的那些艺术表达的是什么，是一种短暂的情绪，与故事无关因为故事早就玩烂了，与精神也无关，因为精神该装B的深度该煽情的情感也都玩烂了，按照这个标准来看，我前面提到的英国电视节目都比拉斯冯提尔的电影要先锋的多。

就好似一帮胡闹的人，他们全神贯注的认真胡闹了一把，捧腹大笑过后不再去思考任何东西，这样的艺术仅仅是为了欢愉，为了给漫长无聊无意义的人生中增加一些独特的趣味。这才是这个时代的最高级的艺术境界了吧。

请参照三和大神，Jackass系列电影……或者是那些画布上什么都没有的画……

by Richard Brody

机翻的 稍微校对了一下 水平有限 凑活读吧...当然，解读仅仅是解读而已，对影片的观看本身更重要

戈达尔新电影的标题《影像之书》是对一个基本危机的宣言，这种危机贯穿这位导演的生涯。他的整体作品处于文学和电影的张力之间。当他年轻时，他立志成为一名小说家，而如今他八十八岁了，在他提供的另一部电影中，书籍不仅仅是行动的一部分，毋宁说，书籍是电影的决定性理念。然而无论如何，《影像之书》都是一个充满巨大视觉创造力的作品；它几乎完全由影像组成，这些影像是如此的精致和私人化以至于似乎是手工制作的，就像电影画作。但是这些图像在屏幕上出现的如此之短暂，并且被如此大胆和令人惊讶的编辑在一起，以至于表明了这部电影是要被像书籍一样私人的、缓慢的、一点一点的使用、浏览和沉思。《影像之书》仔细的研究了故事是如何在电影中被讲述的、哪些故事在电影中得到了讲述、以及这些分离的问题的不可分离性，包括在戈达尔自己的作品中。这是一位电影人的作品，他回顾了自己的电影以及他那个时代的电影，并且展望了电影和世界中将要出现的巨大变化。

《影像之书》是一部散文电影——就是说，不是一部演义式的戏剧（not a drama of acted-out events but a collage），而是一部拼贴作品，主要的剪贴（clips）来自于其它电影（包括许多戈达尔自己的电影）和媒介，以及绘画、静止的照片、插图（intertitles）、图形等图像（graphics），还有为这部电影拍摄的一些纪录片片段（documentary footage）。戈达尔的联想蒙太奇（associative montage）包括大量画外音（大部分是他自己的声音）、音乐和其他电影的声音片段。它是以《电影史》（Histoire(s) du Cinéma）（1988-99）的方式创作的，也是其后记或续集的一种（a sort of epilogue or sequel），后者是他长期酝酿的、核心定义的四小时以上的视频散文系列。但在《影像书》（该电影借用了电影史系列的一些镜头）中，戈达尔对电影史以及他自己与电影的关系的分析集中在一个主题上：对他所谓的 "阿拉伯世界 "的描述不足，特别是缺乏来自中东的标志性电影影像——他将此视为电影本身以及整个世界的失败。

对于戈达尔来说，制作电影依赖于对电影的观看以及对电影本身的了解。他的电影既是私人的、也是历史的，是一种疯狂的自我电影式的精神分析，他把他的参考和联想领域带到前台去揭示他们可能是的东西——既是电影也是自我。在《影像之书》中，戈达尔展示了许多在中东制作的阿拉伯语电影的片段，并且按照他自己的“电影史”来描画这个地区电影的历史——不是文本性的、字面的、按时间顺序的历史，而是一个私人的、批判性的项目。从他选择的个别片段开始，他通过与效果、文本和其他图像的关联来改变它们，使它们不仅仅是历史性的，还是具有重大历史意义的——借助它们在他私人的电影神话和图像学中的位置。

在戈达尔制作电影的流程中有一种自豪的元素，或者说，是一种没有虚伪的谦虚的坦诚。《影像之书》中也有一些他自己的电影的片段（包括相对陌生的那些电影，比如“为了永远的莫扎特For Ever Mozart” “李尔王King Lear” and “弗拉基米尔和罗莎Vladimir and Rosa”）并且表明了这些电影是如何对那些启发他的经典电影进行了翻拍（remakes）和“押韵”。他也提到了他那些法国新浪潮的同行者，表明他们也共享了这种自我意识的历史主义的艺术手法（artistic approach of self-conscious historicism）。《影像之书》中包含的革命性的设计在于一种理想主义的阿拉伯新浪潮的愿景——它的历史将如何以一种艺术的形式改变自身，它将如何像现代电影那样进行自我更新（由戈达尔和他的同行者所率领的现代电影，基于它自己的再加工和再利用 reprocessings and repurposings被更新）。就像法国新浪潮是1968年5月事件的预兆，甚至是煽动者，在《影像之书》中，阿拉伯世界的电影复兴计划与激进的现实政治变革也是不可分割的。

《影像之书》像戈达尔其它的散文电影essay-films（以及就这一点而言，也与他的那些故事性的电影）一样，具有丰富而令人眼花缭乱的暗示性。从1960年上映的《精疲力尽》开始，他作为电影导演的职业生涯就在为他的新型电影寻找新的观众。起初，他向公众抛出采访，实际上是作为解读和连接电影的参考资料的密码。随着时间的推移，电影本身成为他们自己的解码器-——他的方法变得可识别，近年来，他的参考范围具体化，将某些图像、某些音乐、某些对话，甚至颜色和效果提升为个人的图标目录iconographic catalogue。就像《精疲力尽》的效果让所有其他新电影显得过时，戈达尔在《影像之书》中对影像档案片段的处理——色彩的诡异变化、对比度的戏剧性增强、分解性的重构；夸张的低保真和模拟制作的录像带效果，以及极端的、有节奏的、逐帧的慢动作——使其他人对档案片段的使用显得温顺、无个性、没有感情，甚至是寄生性。他的改造将录像从其来源中解放出来，使其从根本上成为他自己的，不是简单的引用或影射，而是他的创作和他的艺术身份的一个组成部分。

《影像之书》中的联想暗示（allude）了宏大的哲学性纬度的观点。戈达尔思考战争的图像和法律的电影形象——以及以法律的名义进行的苛求（exaction）和蹂躏。他将电影的历史集中在二战和冷战，并涉及到了原子弹爆炸和大屠杀（图像的挑衅性联想有时是滑稽的，比如当飞虎队的战斗机的图像与《大白鲨》中鲨鱼的镜头配对的时候）。通过自身形象和意识形态，以及它们所体现并拓展的俄罗斯文学史的力量，他将苏联电影视为好莱坞的制衡力量。

自从戈达尔在1969-70年访问被占领的西岸，拍摄一部关于巴勒斯坦独立斗争的电影以来，阿拉伯世界就成了他艺术关注的一个明确部分。那部电影的一个简短的片段，最终被命名为“这儿和其它地方”，出现在《影像之书》中；然而现在，戈达尔关于这场斗争的观点更远。在一个画外音中，他谈到了“形象的暴力”，他把巴勒斯坦的斗争归结为阿拉伯世界的影像斗争。他试图发现是什么使图像具有标志性，这使他穿越了电影，特别是整个文化的哲学史。《影像之书》表明了火车的影像与第二次世界大战期间欧洲犹太人被驱逐的观念之间的联系——他专门讨论阿拉伯电影的章节涉及到他自己和其他人为阿拉伯世界的现代历史创造类似的象征性图像的努力。(他还以一种令人不悦的方式表明，在创建以色列的过程中，犹太人的苦难被武器化了，在一系列快速的影像中，一个女人戴着强制性的战时大卫之星，与一个双手高举步枪的图像叠加，就像她自己在挥舞步枪一样）。

影片有将近一半的篇幅用于五个编号的第五部分，"la region centrale"（"中部地区"，借用了1971年迈克尔-斯诺的一部电影的名字），这里暗指中东地区。电影的这一部分是在阿拉伯世界拍摄和制作的电影图像（戈达尔与评论家和历史学家Nicole Brenez合作），以及戈达尔和他的伙伴Fabrice Aragno和Jean-Paul Battaggia在突尼斯为电影拍摄的纪录片（戈达尔说，他们自己完成了大部分的拍摄）。它还包括1984年小说《沙漠中的野心》（Une ambition dans le desert）的延伸段落，作者是出生在埃及居住在巴黎的作家Albert Cossery，这个小说讲述了一个虚构的酋长国的总理，他拼命地、暴力地进行着操纵，为了提高他的国家在国际外交领域的地位，而他的顾问则近距离的观察这危险的“游戏”。还有一个叙述者在背诵大段的内容，戈达尔时不时地加入进来，用他自己的声音添加一些段落。影片的这一段，持续了大约15分钟，标志着电影的叙事线索的概念性飞跃：在原声带上直白地背诵小说，同时在影像上暗示该故事的背景、地理和主题等方面。该部分还强调了戈达尔关于文字和影像之间的矛盾的概念。戈达尔在文本的神圣化的画外音中谈到了 "法律的表格、十诫、托拉的卷轴、圣经、可兰经等 "（ “the tables of the law, the Ten Commandments, the scrolls of the Torah, the Bible, the Koran, et cetera.”）。然后他隐晦地补充说，应该有别的东西来代替——影像，一个原始的影像而非一个原始的文字——如果有的话，它将改变历史的进程。

《影像之书》的标题本身就体现了他职业生涯的矛盾性。小说的复杂性一直是戈达尔的理想；原声带上叠加的声音，行动的密度，水银泻地般的表现力，色调和情绪的多样性和不连贯性，都使戈达尔的电影在复杂性和密度上比他的同行的任何电影更接近小说。对他人和自己而言，他的联想理论是一种将记忆带入现在时态的方式，从而使电影具有普鲁斯特式的力量。在戈达尔的电影中，包括《影像之书》，仿佛最简单的影射、引用和暗示都有可能打开痛苦、悲伤和悔恨的深渊；他的联想方法也是一种面具和面纱，既唤起他自己的经验，又隐藏它，甚至对它自己而言。

戈达尔在《影像之书》中对历史和政治的思考与他的自我思考和自我戏剧化是分不开的。当他指出电影和社会的激进变革时，他仿佛是作为一个冒着风险留在河的这一边的电影人“摩西”这样做的。他暴露了自己的脆弱，他的画外音被他令人痛心的咳嗽打碎了，他的画外音是马克斯-奥菲斯1952年的电影《Le Plaisir》中的一个片段，其中一个老人戴着面具掩盖了他的年龄，在舞池中像一个运动的年轻人一样嬉戏，最后累得倒下了。

当戈达尔还是一个年轻的电影制片人和评论家时，他去看了罗伯特-布列松的《扒手》（1959年上映）；他说，他把它分成10分钟一段一段地看，在不同的日子里重访影院，每次看不同的10分钟。实际上他把影院当成了当时还不存在的“家庭录像”的先驱。这或多或少是戈达尔的电影需要被观看的方式，尤其是对《影像之书》。非常值得在影院里，在大屏幕上，连续观看《影像之书》，因为暗室提供了孤立的集中，因为大屏幕是戈达尔所分析的历史性的电影影像的组成部分。不过，在影院观看《影像之书》是一种概览，是一种风景；而在家里，它已经为通过视频或流媒体观看，为每个观众自己的重复观看、定格、暂停和中断准备好了特写镜头。

豆瓣电影一向以严苛和高标准著称，作为电影废柴，我基本是在豆瓣大神的各类影评中成长。越来越多商家瞄准豆瓣，滥竽充数的水军遍地，那些难伺候的大爷，打一星的你们真的没收钱吗？!

开头营造气氛，如果是为太浪后来屌爆的驾车技巧铺垫有些过多，不太和主线。但为倒叙倒是开了一个很自然的突破口，“人死前眼前闪过一生”再跳跃到不同时空比较流畅。

上世纪90年代，绚丽又显俗气的歌舞厅、录像厅，一帮无所事事、占山为王的小混混，穿的是阔肩牛仔背心，花衬衫，喇叭裤，一溜的低矮平房，不动声色又蠢蠢欲动的“足浴店”。我想：哦! 不!韩寒又要开始PPT式地卖情怀了!

故事的开始，太浪阴差阳错看见他爹年轻模样。当然，他不出所料会庆幸他糟糕的老头会生出如此优秀的自己，他爹也会调侃太浪其实坑了自己。所以呢，这样顺理成章人人确实能猜到的剧情，想必给了那些一星大爷满满的成就感——“他妈什么剧本啊 老子都猜到了”。所以呢，这样自然的对话一定要加些21世纪元素来出您意料，炸得天雷滚滚，然后又反过来被骂不合时宜？这样您觉得好？ 告诉您个秘密：当年我一开始就猜到泰坦尼克要沉没，那它是不是应该最后反转，开上天啊？!

故事行进围绕这个正太帮热血斗 所谓的“黑帮”，无论是装模作样的正太帮，还是讲究素质的罗？，真正带有黑帮属性的黄志强，都能展现那个缺乏管理，深受港片古惑仔影响的荒诞年代，以及影厅里放映的周润发，张国荣，都合适的渲染了时代色彩。故事的暗线则是徐太浪对他父亲年轻时的探索和反思，在他成长中一无所知的母亲、脾气暴躁的父亲，缺席的父爱母爱重新以友情的方式给他弥补。冒失慌张，野心勃勃的正太，空有一身编程天赋，暂时无处施展的马化腾以及真的，没有什么优点的六一。他们妄想把正太帮发扬光大，妄想守护这个安稳的亭林镇，妄想通过囤BB机发财致富，妄想把录像厅开遍天下。让太浪以21世纪的视角对他们的进行无悬念的嘲笑，同时感叹自己出生坎坷还穷。

最后，他没有幡然醒悟的回归现实，后悔自己对老爸的误解，抱起他哭天喊地求原谅。故事就结束在他眼里。

我们究竟应该以什么姿态看文艺片？在电影制作技术并不发达的国产领域，非要拍气势恢宏的大片，成品是郭敬明真人游戏《爵迹》和张艺谋不伦不类的《长城》。相反，我们可以底气十足的自称文化底蕴浓厚，文艺片应该成为中国电影的主流之一，可怜如今的文艺电影市场也是乌烟瘴气，鱼龙混杂，连王家卫这样的大师也能拿《摆渡人》招摇撞骗。《乘风破浪》确实也没多了不起，但在剧情上它依旧完整，穿越回年轻固然俗套，但它也没有以满目刻意营造的时代场景博眼球，不靠段子充笑料，90年代气息基本从不同角度得意呈现。

究竟什么可以作为电影笑点？我一直觉得笑点不是从嘴里发出的段子拼凑，而是剧情到了，场面到了，演员的所有服装表情动作到位之后，引观众发笑。我想起同样题材的《夏洛特烦恼》，豆瓣评分一路飙升，人人吹捧这批黑马。但是，当时看电影我基本没笑，我没有故作高冷，只是觉得它把很多笑点完全寄托在主演夏洛啊，冬梅啊他们演员个人的表现力上，而不是和场景剧情有机的结合，这样显得演员孤立而被动，以及动不动就上的BGM，非但没有走顺无厘头的风格，反而显得突兀和尴尬。星爷的路线也不是想走就能走!

最后。我不相信广大观众都已经进化到了批判者的高度!充其量就是吐吐槽，毫无原则地讽刺挖苦辱骂，发泄情绪，彰显逼格!现在的网络键盘侠越来越多，动辄还打着维护公平正义的旗号，骂的越难听，越别出心裁越得人点赞!从《男子汉宣言》上映前风波可见一斑，放在电影里，婚礼上很合拍，不违和。这样还能激起关于女权主义的讨论？我也是呵呵呵→_→

虽然很难，还是希望豆瓣能坚持自身。不被盲目的大众和水军攻陷!

挺韩寒!

还想特别对短评里那位说“郭敬明甩韩寒一百个小时代的人” 说一句“滚你大爷!”

人物太多，主角戏份跟路人差不多，不，我应该说这部剧没有主角，也可以说这部剧全部人都是主角，连个路人都要特写，主角领工资，路人花钱上来演的吧，真的服了。 不是因为几个老演员撑腰，这一部有什么吸引力。

周柏豪没了，钉姐也没了，连不上前面剧情，这个第三部真的不如不出，烂的要死。出第三部主要为了捞钱，根本不考虑观众感受，评分7点多怎么来的，都是水军，就这剧情，不知道演的什么，配不上《使徒行者》这名字，老马不如自取名字拍一部吧，这部就是烂片，跟前两部毫无关系，也可以说强行凑合上两部。

开头的风格就很癫狂，浓浓的R级片风格，而且贯穿始末。

但很可惜没有将癫狂发挥纯粹，加入了一些没有意义的情节和人物，比如那个我有些搞不清关系突然TM就说自己怀孕的养女、明明属于理智阵营却影响力可有可无，连对阻碍都没给主角制造的上司，几乎对影片的整体剧情没有任何推动和扩展。

而这个现象在吴越扮演的那位好兄弟身上，体现就更加明显。

吴越在赌场赢了大钱，因此一开篇辞职显得很合理。为了兄弟之间的关系，即使已经不是警察还帮查案、出生入死也说得过去，但这样导致我几乎判定之后的剧情当中吴越会被余文乐挂掉，进一步激发张晋的兽性。

但……你能更白痴一点吗？被绑架之后立马查到他欠了千万高利贷，然后剧情就让他直接叛变，你要不要这样生硬？

就不能加一点点东西？比如张晋到他家去的时候，门上泼点红油漆，平时加个一起吃饭的剧情，偷偷摸摸接个电话表示尽快还钱什么的，你随便加一点我都觉得没啥问题，但电影里零铺垫！零预兆！生硬的让我无语。

张晋和余文乐两个主角也是，一个直来直往，一个有勇有谋，但这两方面表现的老是高开低走，明明很多剧情上可以让两人的风格加深到更高层次，偏偏关键时刻一下哑火，高潮部分还没完全极致，就TM过渡到下一段了！你烦不烦？

当然，如果你真心想走R级的癫狂风格，剧情方面其实真不需要加那么多人，一条直线走到头，一路高歌猛进就可以，比如《怒火攻心》，生怕你觉得他是个正常人。

总之也就三星，按照李子俊打磨了这么久的水平本来不至于这么差，尤其还是他比较拿手的暴力方面，也许有过审这方面删减我不清楚，反正有些失望。