看了前边五分钟，实在看不下去了，就是一大烂片，打一星0分，一个人物出场就暂停，字幕加旁白，把人设都直白的往观众脑子里塞，男猪脚那种稚嫩的样子能演得来一个杂志社老大？刚装完逼让手下统统翻工，进了办公室，立马又突然瞬移到餐厅当起美食家指点餐饮，还边吃边装逼打分，吃着吃着看见一美女走过来，就盯着人家的大咪咪看，三年没见过女人了还是咋滴，就屁颠屁颠追过去，本观后感中色豆瓣双发

这篇剧评可能有剧透 此前曾看过1955年版电影《茜茜公主》，也看了茜茜扮演者传记电影《罗密 ROMY》。甚至还亲赴奥地利茜茜公主夏宫美泉宫，体验穿越版的一亲芳泽[奸笑]这次看了剧版《茜茜皇后》，感觉逐渐把茜茜公主这位传奇人物拼图立体圆润丰富起来[胜利]尤其此片系今年新近出炉，趁着热乎劲儿，...  (展开)

这篇剧评可能有剧透 在女性话题被捧上热门的当下，b站出品了这部动画，只能说不愧是阿b，太会恰饭了。 近年来不难看到，随着女性意识的觉醒，网络上热议起了关于女性的话题。不论是电视剧还是电影，只要带上了“女性问题”就可以打高分赢口碑，动画自然也要来分一杯流量。 《谎颜》目前只播了八集...  (展开)

《夜孔雀》，这部片的票房和中国现代工业的发展是有联系的，其思路比较像王家卫和老舍，王家卫善用背景，老舍善于象征。用背景来引导剧情走向，用象征来逐步道明新时代女性“敢做”的独立担当和“敢爱”的思想解放。
        片中马林的表现是病态的，他对艾尔莎(刘亦菲饰^_^之前四大名捕里的小圆脸，又瘦了一点)的关注更多停留在表面上，而没有像另外两位男主考虑到艾尔莎的精神诉求(如马荣教学尺八和马建民为枯蚕唱祈祷诗)。而马林川剧的两个特写，缠足小鞋和“旦角只能演，不能开口唱”，都点明了封建社会女性地位的低下。这一切都决定了他与代表独立人格和善良美丽的艾尔莎不能走到一起。
         马荣则算是一种改良主义，他用自己极重视的尺八和艾尔莎的dj同台演出，既是改良主义对女性的尊重，也是在交流与融合的过程中对西方文化的一种认可，而西方文化中有两点很明显的特征，工业高度发展与尊重女性。但是马荣身上还残留了一定程度的保守，考虑到儿子的感受而不敢光明正大的爱，和海报宣传“敢做敢爱”的主题是不一致的。因此他被剧情否定也在情理之中。
        而马建林(这个小哥挺有范的)则是一个有精神追求，又愿意把仅剩下的两小时留给艾尔莎的人，这和把最后时光留给儿子的马荣便有了区别——马建林才是那个敢做敢爱的人。并且在此也能看出，马荣骨子里苟延残喘的保守——传宗接代是高于女性诉求的。
        片中法国塞纳河畔，好几次都把镜头给了远处驶过的火车。法国两个世纪前就已开始工业革命，女性生产力得到解放，不再依赖曾经作为主要生产力的男性，人格更加独立，因此便能看到片中艾尔莎为了新生命做出的勇敢决定和要嫁给马建民留下他的道义担当；而与隆隆火车形成对比的，则是成都背景下，艾尔莎在落后的山路上中伤了小腿。
        这些看似不相关的镜头桥段，其实都在一定程度上指向了女性地位的问题。现在国内男生的思想该考虑转型了，中国的工业化进程解放了国内女性的生产力。男生需要重新去思考和提高女性地位，承认女性独立的人格，重视女性的诉求，才能更好地适应工业化进程。

PS：我相信导演没有批评川剧的意思。在过去男性确实是主要生产力，用今天的道德去评判先人显然是不合理的。时代在改变，我们也需要改变，更重要的是正视眼下的问题。

刚刷完1982年版的，整体回味非常奇妙。好电影就是贩售梦幻的嘛。虽然特效有限，但剧情、笑点真的很用心，有很多梗一看就有会心一笑的感觉，忍不住鼓掌，真是认真又可爱的剧组呢。就像一篇影评里提到的，看82年版的，更加像放空身心去享受经典志怪小说的乐趣，质朴却有古趣。 hm...  (展开)

一、被关进牢笼的恐惧

　　翻看古今中外的文学书籍就会发现，牛鬼蛇神，妖魔鬼怪，兄弟相残，父子相食等等，诸如此类令人背脊发冷的恐怖故事几乎随处可见。这些夹杂带着血腥、画面残忍的景象都被写进故事，编进神话，被人们争相传颂。先秦古籍《山海经?海外西经》中有被十个太阳炙烤而死的女丑（“女丑之尸，生而十日炙杀之”），也有被天帝砍了头还要“以乳为目，以脐为口”挥舞着斧头盾牌的刑天。古希腊神话中，有违伦理道德的惨事更有不少，那些神明总是善妒、报复心强、心狠手辣。克洛诺斯为了报复罪恶的父亲天神乌兰诺斯，在母亲的指导下，用一把带有锯齿的镰刀“飞快地割下了父亲的生殖器，把它往身后一丢，让它掉在他的后面”。作为宙斯的父亲，克洛诺斯又怕自己的后代成为众神之王，便在他们一出生后就吞吃到肚子里。后来取代其地位的宙斯也因为同样的原因，生吃了自己的伴侣墨提斯。薄伽丘根据真实事件、中世纪传说、民间故事编纂的《十日谈》，其中莎丽贝塔把情人的头颅埋在萝艻花下，日夜哭泣；坦克雷迪杀死了女儿的情人，并把他的心脏装在金杯中；罗西廖内把妻子情人的心脏做成菜肴，骗妻子吃下去。

　　大人们在孩子的面前讲的睡前故事，比如大灰狼如何把小红帽的奶奶吃得骨头都不剩，王子是如何为了莴苣姑娘从高塔上纵身跃下刺瞎了双眼，睡美人又是如何被一个巨大的纺锤戳破了手指从此一睡不醒。大人们成功借助这些故事吓唬住了不听话的小孩，也让孩子们幼小的心灵初尝了恐惧带来的刺激。自此，恐惧就像被关在笼子里的猛兽，童年远远在外面站着，伸着小手，想和它拉近些距离。随着年龄的增长，阅历的增加，恐惧也在不断变换着模样。但是有几样东西，无论何时都是笼罩在人们心中的巨大阴影，只要稍一靠近就会颤抖不已。即强大的力量、未知的事物和死亡。

　　希区柯克设置悬念的方式就是把炸弹安放在列车上，给死亡下了订单，却不告知你死神何时会来收尸。这种悬念充分发挥了恐惧的能量，炸弹的强大力量，致人于死地的恐怖和对于爆炸事件未知的焦虑，都使人们在恐惧的魔爪下在劫难逃。他从不用鲜血渲染暴力，因为那是再笨拙不过的手法，只是用视觉刺激引起观影人生理上的恶心和短暂的惧怕，并非心理上真正的恐惧。希区柯克一直没有对“群鸟”（The Birds 1963）中发狂攻击人类的海鸥给予明确的解释，却成功地赋予了那些平日里看起来柔弱无害的动物一种无名且强大的摧毁力，让人们很长一段时间内看到天空中翱翔的小鸟，在心中都会微微一颤，徒生一股莫名的畏惧。

　　继七十年代中期斯皮尔伯格的“大白鲨”让游客远离海滩后，七十年代末期雷德利?斯科特凭借“异形”（Alien）让这个外星生物统治了几乎整个八十年代期间观影人的噩梦。似乎是第一次，这种完全虚构的生物就这样活生生的窜上了恐怖名单的头号通缉犯宝座。之后的十八年，这个形象被三度搬上大银幕，随着导演、时代和环境的变迁，异形的形象也发生着巨大的变化。

　　二、异形系列

　　1、“异形”，冷战的产物

　　于1946年3月5日，丘吉尔的“铁幕演说”拉开了美国和苏联之间长达近半个世纪的冷战。虽然双方并未开战，但是持续不断的经济封锁、军备竞赛、支持第三世界打热战，成为了几十年间两国明争暗斗的作战方式。剑拔弩张的局势让两国居民承受着巨大的精神压力，不可预知的政治局势让他们的生活蒙上了巨大的阴影。“核战争”是否会在明天来临成为了人们最大的梦魇，对人类来说，核武器是一种毁灭性极强，让人没有防御能力的强大能量。“全面核战争”是所有人都不可想象可怕的场景。

　　“异形”诞生的年代正好处于冷战末期，人们已经承受了几十年冷战带来的巨大生存压力，不论是日常生活中还是精神层面上的压力都让他们疲惫不堪，找不到任何宣泄的出口。“异形”以1100万的制作成本横空出世，却掏走了观众口袋中将近1.83亿美元，如此巨大的收益仿佛宣告着人们压抑已久的情绪终于找到了宣泄的途径。

　　电影开始的前六分钟内，没有一个人物出场，也没有一句台词，导演从影片伊始就着力渲染一种极度孤寂、无助、压抑的气氛。一切正如那句著名的影片宣传词一样：“在太空中，没有人能听到你的尖叫”。镜头在浩瀚的太空中缓缓移动，满载2000万吨矿石的诺斯都罗莫号飞船在回航地球的途中孤独航行。画面带着观众冷冷地巡视着狭长空旷的船舱，金属结构的飞船内壁在幽暗的灯光下透露着寒光，偶尔有风吹着纸张“扑啦啦”地响，或者突然有几声电脑启动运行的“嘀嘀”声，微小的动静在死寂一般的环境中被放大成一阵心悸。七名船员就在这样的环境中苏醒过来。影片营造的这种孤立无援、寂寞无助、压抑冰冷的感觉恰好迎合了冷战在人们心中的形象。这种情绪一直弥漫在整部电影中，并且像一块不断加重的石头压在每个观影人的胸口。

　　飞船中的船员在旅途中间被提前唤醒，接到主控计算机“母亲”的新指令，改变航线向一个生态体系不明的小行星飞去。迈向这次“临时”行动的每一步都充满了未知，船员们大部分时间都处在一个黝暗、庞大的类似躯壳的洞穴中。没有人知道下一秒会见到什么生物，面临什么样的挑战。当130个半人高的“异形”蛋出现在视野中时，这种全新的生物并未显示出它的攻击性，而是带给船员和观众们一种疑惑。随着它的幼体破壳而出吸附在一个船员的脸上，疑惑开始掺杂着焦虑与恐惧。“异形”的幼体并没有立刻置人于死地，只是紧紧包裹着人脸，随着人们的动作显示出威力，像一只慢慢苏醒的野兽，一点点展示着强大而不可限量的力量，也一点点吞噬着其他船员脆弱的神经。每个船员都在这种巨大的压力下开始流露出人性的弱点，自私、怯懦、猜疑。当他们飞离那颗不明星球，而“异形”的幼体又脱离凯恩面部的时候，紧张的气氛看似稍微松懈了下来，但是谁都能感觉到还有一种不知名的、更加可怕的东西潜伏在暗处，等待时机破茧而出。这个情节的设置方式完美的演绎了希区柯克式的悬念手法。

　　接下来就是众人皆知的“异形”破膛而出的画面了，它不像一般形式上的怪兽一般高大狰狞，更像一个新生的婴儿，只不过它的新生开始于人类的惨死。这种残忍的寄生手段只不过是它带来的巨大威胁的冰山一角。它血液的强酸性让它变得不可摧毁，这种与敌人同归于尽的生理结构不禁让人联想到冷战中互相牵制的核武器，仿佛一旦出手攻击敌人就会给自己带来毁灭性的后果，但是守株待兔又会被无尽的恐惧销毁殆尽。

　　在第一部“异形”中，这种外星生物在其骇人的外表下，实际上具有一种纯净完美的特质，雷德利?斯科特设定的异形，流下的“口水”并不是后来恐怖片中经常出现的恶心的粘液，而是纯净水。这从它们身体中流出的纯净水和不可抵御的特性中可以一窥究竟，它们攻击人并非出于什么邪恶的想法，只是单纯的想要生存下去。在这里面，最丑陋、可怕的形象其实是影片中代表军方的船员艾什。军方从一开始就设下了圈套，利用几个船员作诱饵，此次航行的真正目的实际上是去未知星球寻找强大的生化武器。艾什从中起到了推波助澜的作用，几次关键时刻都是他决定了“异形”被带到飞船上来，受到观察和保护。他面无表情地企图杀害瑞普利未果的镜头被无情的揭露出来，此刻，导演试图告诉观众人类的贪婪和欲望才是最可怕的怪物。也许凭借着智慧和勇气，我们可以战胜那种外来生物，但是我们却对人类自身的贪欲防不胜防。

　　影片的这种故事走势和人物设置，可以看出导演对于军方所代表政府的不满，这点也成了观众对于现实中政府发起的这场无谓冷战表示愤怒抗议的绝好代言。“异形”在电影中的出场并不多，这也延续了“大白鲨”的特点。真正的恐惧来自于内心，来自于孤独境地中的无助，来自于面对未知强大力量的无力，来自于面对同类相残的齿冷和绝望。

　　2、“异形”续集，詹姆斯?卡梅隆打造的好莱坞经典

　　詹姆斯?卡梅隆在当导演前是一个普通的卡车司机，于大学里主修的物理学也和之后从事的影视行业没多大干系。他和雷德利?斯科特一样，都是深深迷恋乔治?卢卡斯的“星战”系列的忠实影迷，不过他们不仅像普通观众般看过电影后心潮澎湃、热血沸腾，而是立下了更远大的志向——做一名电影导演，也能拍出如此恢宏撼人的大制作影片。难得的是，两位当年的“星战”影迷之后都成为了优秀的导演，都以执导商业大片闻名。不过两位导演对于大片都有自己的演绎方式，从两部风格迥异的“异形”已经能看出端倪。雷德利?斯科特在之后的几部名作如“银翼杀手”、“黑鹰降落”和“角斗士”中，再次贯彻了他对人性的思考，将人文关怀融入影片，引发了一系列反思。卡梅隆则是凭借他的“终结者”系列、“真实的谎言”还有那部印钞机似的“泰坦尼克号”奠定了他票房冠军的位置，缔造了难以逾越的巅峰。

　　比起第一部影片饱含政治寓意的压抑感，“异形”的续集在情节上更加跌宕起伏，气势磅礴。詹姆斯?卡梅隆在1984年成功打造“终结者”这一经典形象后，信心倍增，于1986年顶着“异形”1所获得的空前成功的压力，展示了他对动作大片游刃有余的掌控能力（这也为1997年电影公司敢砸下2亿美元的天价制作费，让他来拍一艘沉船奠定了坚实的基础）。卡梅隆没有机械重复第一部电影的拍摄手法和情节设置，而是描绘出了卡梅隆式大片的蓝图。这一次，导演把矛头从政府身上转移到了唯利是图的公司，更确切的说是为了钱泯灭人性的那些败类。

　　在上一次战胜那个可怕的生物后，诺斯都罗莫号在太空中漂流了57年，终于停靠获救。可是，瑞普利却无法摆脱“异形”带来的噩梦缠身，而公司对其船员的遇难也抱有模棱两可的态度，并且不肯承认有如此强大威力的生物存在。为了消除心魔，阻止“异形”对人类的入侵，瑞普利和一队训练有素的陆战队员飞往已经有人类居住的“异形”星球。

　　陆战队员的加入无疑增强了影片动作场面的可视性，他们谁将第一个丧生，又将如何抵抗强大的“异形”成为了看点之一。在已是空城的殖民星球，幸存小女孩纽特的现身给残酷、血腥的影片带来一丝嫩叶般的柔情，也分散了队员们的战斗力。在第一部里担当大反派机器人在这一部里以主教的身份再次出现。不仅瑞普利对他抱有成见，观众从头至尾也对他的“忠诚度”持怀疑态度，导演巧妙的把主教真实的立场掩藏起来，还经常制造些对话混淆视听，直到最后一刻才揭开谜底。心中大石终于落定的观众不会感到轻松，反而备觉震撼——连机器人都知道要保护人类，人类自己却为了钱财丧尽天良。这一观点在卡梅隆的“终结者2”中得到了延续，施瓦辛格饰演的终结者一直恪守保护人类的职责。

　　虽然瑞普利一行人拥有了更先进的武器和装备，但是面对“异形”仍旧经常陷入束手无策的境地。他们此次拥有了可以探测“异形”的仪器，但是这个探测器并未起到多大的作用，我们可以听到“哔哔、哔哔”的声音由弱渐强，得知“异形”的接近却无从可见、无法逃脱，只能看着同伴一个个从银幕上消失成一片雪花。其中一场“异形”从通风管四面八方聚集过来的场面，成为了恐怖片的经典。队员们只能干瞪着手中的仪器，眼睁睁地看着小红点越聚越多，那些不停加剧的“哔哔”声简直就像死神迫近的脚步，响彻在无数人半夜惊醒的睡梦中。瑞普利和小女孩被导演关进藏有“异形”的密室里的那场打斗戏，极其惊心动魄，被后来类似“生化危机”这样的恐怖片多次直接搬用。而最后“异形”之母乘坐电梯追逐瑞普利的那场戏，同样在“哥斯拉”里再次似曾相识地出现，便一点也不奇怪了。

　　可以说商业大片的优势被卡梅隆发挥到了极致，如何控制节奏，如何利用层层推进的情节让观众喘不过气，他都熟稔于心。好莱坞一直推崇的个人英雄主义，也被瑞普利这个角色完美胜任了。从此，银幕上又多了一位铁娘子。

　　3、大卫?芬奇悒郁世界的缩影——“异形”3

　　如果说第一部“异形”是时代和环境缔造的不可复制的神话，那么其续集就是以是教科书式的好莱坞经典形象永载史册。这就给第三部的导演摆下了一道难题：接下来该怎么拍？

　　如果放在今天，观众可能会对大卫?芬奇的这部电影处女作给予更多的理解和宽容。放在当时，难免会引得很多非议和诟病。毕竟，从芬奇之后拍戏形成的风格来看，他是一名个人风格极其浓烈的导演，也就是说他更像一个“表现主义者”，把对事物的感觉和看法放在拍摄的首要目的，再用具有个人表现特点的画面传达出来。对于意在吸引更多观众的商业片，他这样的风格难免有些格格不入。面对前两部已成为经典的“异形”，再来尴尬接手，既然无法重复也不可复制，不如干脆烙上自己的大名来得轻松。虽然不见得分外精彩，但对于一个新人来说是一种勇气。

　　在大卫?芬奇的“七宗罪”和“搏击俱乐部”里，都能看到他悒郁、阴暗的内心世界。不论前者中那个惨绝人寰的杀人凶手，还是后者故事由空虚走向暴力自虐的诺顿，都体现了芬奇压抑、狂放的一面。那些残忍的凶手都放荡地躲藏在黑暗中呻吟、肆虐，纠结着一群恶魔，“仿佛数不清的蛔虫，糜集在我们的脑子里大吃大喝”。

　　这一次，瑞普利随着残破的飞船在菲奥里纳星球迫降。她得应付一群荷尔蒙分泌过剩的杀人犯的垂涎，还得和寄生在自己体内的“异形”争分夺秒。比起外形变成狗的“异形”，性格各异的犯人倒成了影片探讨的中心，他们原本就不是什么善男信女，那么在面对危机时，又将处于怎么样的情感挣扎中？他们能否真的像他们宣誓的那样从宗教信仰中寻得平静，还是放纵自己的本性继续作恶。这一次，与前几部一脉相承的是，仍旧有人为了利益背叛，有人为了信念牺牲。由于重点从情节的引人入胜转移到了人性的挣扎上，作为一部商业大片，影片不够吸引人，变成狗的“异形”更像是推动情节发展的道具，而非主角，在恐怖程度上又打了折扣。

　　不能说“异形”3失败，起码有了这部影片，才有了3年后让大卫?芬奇堵住天下影评人幽幽之口的“七宗罪”。更有了让无数影迷顶礼膜拜的电影“搏击俱乐部”。

　　4、“异形”复活：黑色幽默中的法国情调

　　作为“异形”系列的超级影迷，也作为拍摄系列影片时资历最深的导演，第四部“异形”带着一股热爱劲儿，含着点恋恋不舍，轻哼着一曲法式小调，就这么晃晃悠悠地出现在了银幕上。说实在的，电影是有那么一点吓人，但是导演非得在你培养恐怖情绪时挠你的痒痒肉，仿佛在告诉你“别害怕，别害怕，我会给他们一个好玩的归宿”。所以，看着他在电影中把“异形”当宠物养，还让它生出一双水汪汪、亮晶晶的大眼睛，就别太当回事儿，为此吐血绝倒了。放心大胆地跟着热内叔叔笑吧。

　　让-皮埃尔?热内长了一副法国邻家硬汉的面容，却有一颗细腻柔软、多愁善感的心。他在拍照的时候就没有一刻空闲，非得在宽大的脸庞上摆弄出一个逗趣地表情才肯罢休。他的电影黑色是黑色了点，但是绝对给你一个浪漫圆满的结局，还得穿插着古怪温暖的爱情。吕克?贝松让玛蒂尔达和杀手莱昂天人永隔，估计是嫌弃他们俩人年龄、身份差距太大，到了热内的“童梦失魂夜”里，相似的人物关系就有一个致命的罗曼蒂克结局。爱情至上，其他乱七八糟的言论都要乖乖让路。想来想去，估计也只有热内这种人能大大咧咧地把自己的御用搞笑演员“私带”到“异形”4中去，都不带掩饰的。搞笑的同志请在恐怖片里继续搞笑，热内叔叔到哪里都是亲切可爱的面孔。

　　邪恶偏执的科学家，傲慢固执的将军，几个为了钱出卖良心的船员，还有一个居心叵测的机器人。听着还真是“异形”的招牌卖点，可是到了热内的手中就怎么看怎么“别扭”。首先，邪恶科学家的作品都挺童真，比如那个用嘴里的哈气通过电脑身份核对的方法，就让人当场笑喷，其次他试图隔着玻璃亲吻“异形”的时候，让我脑海中顿时挤满了人们抱着小狗亲昵的场面，还有那个傲慢将军的死法似乎有点有损形象，再者说，为什么机器人小美女会和瑞普利之间产生了暧昧的情愫呢？不能怪我只记得这些让人忍俊不禁的细节，实在是过于深入人心了。

　　不过，话说回来，我也确实跟着剧情黯然神伤了几次。一次是瑞普利举枪亲手杀死被复制失败的“自己”，怎么就觉得鼻头酸酸的，使劲谴责那些没道德的坏蛋科学家；一次是“异形”宝宝被吸在窗口，变成碎末飘向太空的时候，我竟然第一次因为“异形”的死跟着妈妈瑞普利眼泪婆娑起来了；还有一次是影片结尾，瑞普利经过4部电影、前后一百多年的折腾终于来到了地球上（感叹终于落地了），和漂亮小姑娘维诺娜?赖德坐在岩石上看着陆地表面的断壁残垣，红色的云朵布满了金色的天空，画面美得在眼中直晃悠。

　　唔，看完之后忍不住想说一句话：热内叔叔再来一个！（虽然他真的很对不住“异形”辛辛苦苦创造的恐怖形象呢，哎，被死忠影迷丢丢西红柿就好好装进篮子回家做菜吧。）

　　三、流着口水的死神

　　从第一部形象完美、淌着纯净水的恐怖生物，到最后一部和人类基因结合产生的“异形”。这个系列和“异形”在故事中的境遇一样，跨越了时间和国界，历经波折，也饱受非议。不过，它确实也让几位优秀的导演破茧而出，自此扬名。我喜欢雷德利?斯科特制造的纯净猛兽，也接受让-皮埃尔?热内善意、温情的改造。在我心中，那个流着口水的死神地位始终超凡。借用莱纳?玛?里尔克的诗歌《结尾》作为收场：

　　“死神的权力无限，
　　即使在幸福的时刻，
　　他也守在我们身边。
　　
       在临终的瞬间，
　　他在我们身上叹息；
　　他在等待着我们，垂涎欲滴；
　　他还在我们身上哭泣。”


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从前我住的弄堂的“小店”——作为弄堂里唯一的烟纸店，它并不需要别的名字——虽然没有解放前就传下来的柜台、算盘、排门板，乃至固定的老板，但是和秦关路十号的这家“万源酱酒烟杂商店”一样，有吃的、有喝的、有零拷的豆油酱油洗洁精，还有邻居们的家长里短嘎不尽的山湖，和化不开的人情味。

有人说看了片子后会主要关注老板一家的生活轨迹（至今倒仍旧没有改变），我却是觉得这更是一个对群像的描绘。从完全上海方言的对话中显露出来的是这个年纪这个阶层的一群人对生活的认知和某种幽默睿智。我想但凡看过片子的人都对“四十岁还要不要爱”的那段印象深刻。

三个月的纪录，剪辑成为42分钟的影片，居然还有人觉得其冗长。生活本就是一而再再而三的重复，影片长度所形成的节奏感我倒是觉得刚刚好。最后的长镜头给了影片一个悠远的结尾，像音乐。

而影片一开始和结束时的居委会摇铃声，又一次加深了遥远记忆的存在感。或者，只有我们这些从类似环境中长大的孩子才能相视一笑，共同回忆这或许再也不会重来的温暖与感动。

 《最佳嫌疑人》这个名字一听就很山寨，很容易让人联想到好莱坞的《非常嫌疑犯》，再看了一下主演是苏有朋，顿时让我心又凉了半截。说实话，要不是优酷首页上陈乔恩和苏有朋共浴的画面，我是不会点开这部电影的，对不起，我邪恶了。

  也许是实在找不到电影看了，我看这部电影时居然没快进，不然我想我肯定会将它划为烂片里。不得不说，这是一部被埋没的好片。埋没它的，可能是我们对于国产电影的偏见。按我的理解，这部片子应该能打到7.5分，如果主演不是苏有朋的话，我想冲一下8分也是有可能的，而这7.5分里面，有6分是要给编剧的。

  这部电影第一遍看完的时候，大家很可能跟我一样心里都会留有几个疑惑，究竟谁是S，哪部分是梦，哪些又是现实，这个故事究竟是怎样的。其实，只要你记性好，或是你回头翻看几个关键节点，一切就都很明了了。导演知道国内观众对这类题材的电影还不太适应，所以已经设置了很多呼应的地方了。

  下面我们一起来梳理一下这部电影吧。
  要把这个故事讲清楚，梦这个最大的元素就不得不拎出来重点分析了。整部影片是用医生助眠和苏有朋饰演的林以泰醒来为梦境与现实的分割节点的。

  1、长梦
  影片中第一次见医生，也就是影片的前十二分钟，均为现实。然后在电扇的旋转和镜头切换间，林以泰做了第一个梦，梦见跟老婆孩子在摩天轮下游玩，之后他醒了过来来，但这并不是真的醒，然后做了片中最长的一个梦，直到影片88分钟，他第二次去诊所。
  证据就是在医生给他做头部按摩时，之前很多疑团都解开了，甚至跟前面有冲突。

  证据一：照片
  之前交代林以泰在阮大志电脑里发现他和日本女人亲密合影的照片是林在自拍时无意中拍到的，而88分钟后，交代是他偷拍的。

  证据二：台历
  注意对比一下林前后两次偷进入阮的办公室时，桌上的台历，上面写的备忘是不一样的，前面的写到周六要去超市购物开会等等，后面却只写到周五。

  证据三：配方
  就在长梦快结束的时候，阮大志在厨房底下发现了手套，用以深夜潜入他办公室的手电还有配方等，一切都暗示是他老婆偷了配方。但在88分钟后，林以泰却意识到是他自己偷了配方。

  证据四：安琪儿
  其实这个线索最能说明问题了。在前面影片一直暗示或者将观众引向安琪儿是阮大志的情妇这条线索上，而林以泰跟她只是单纯的同事关系，从林以泰在安琪儿家那段可看出。那些放在安琪儿车上的钱也一直没有下文。但在88分钟后的这部分，我们终于知道安琪儿其实是林以泰的情妇，而他才是真正的S，并利用不知情的安琪儿将钱成功地拿到了手。

  证据五：寄存柜的打印纸
  影片开头的十二分钟，也就是现实部分，林以泰在超市买东西，并借笔在寄存柜的打印纸上记了一些东西，然后出了超市他却忘了拿买的东西，也没有去开寄存柜。那张纸在长梦中，被他用来替换阮大志的那张了，详见63分钟那段，但所有人都不知道那张纸存了什么东西，或者是不是有效。在88分钟后，影片填了这个坑，那张纸对应的柜子里，存的是林以泰偷出来的配方。
  有人要说这怎么能证明前面是梦呢，也可能是他忘了啊，毕竟他神经衰弱，而且健忘。但我们别忘了，在长梦里已经明确交代了是阮大志的老婆偷出了配方，所以在长梦那段里，林以泰手中的那张纸，不可能是存有配方的那张。这样就前后矛盾了，再次证明12分钟到88分钟间是一个超长的梦境。

  2、现实或接近现实的浅层梦
  当长梦结束，88分钟到94分钟这段可理解为林以泰的记忆回归，是对现实的补充，即理解为真实。也可理解为林以泰浅层睡眠的梦，不过是接近现实的梦。

  3、又一个梦
  94分钟后，林以泰醒来，发现睡了一整天，错过了取出配方的时间（影片开头有特别交代过，寄存不能超过二十四小时，林以泰醒来后站在寄存柜前，手里的钱包里有寄存纸的特写），而他也错过了约定交易的时间。然后他去看了离婚后重组家庭的妻子和女儿。并回到诊所给日本人发短信取消了交易。不过，这部分仍然是梦，注意94分钟，林以泰醒来时，医生的衣服，是黑色的，跟前面所有出现时都不一样，当然也可以认为已经到了第二天，医生换过衣服了。但最重要的依据，是医生的那句话：你现在是睡着还是醒着，你是真的睡不着还是醒不了。以及最后林以泰睁开了又闭上的眼睛。

  4、梦的解析
  关于这部电影，我觉得有解析价值的，是关于安琪儿的梦。
  安琪儿毫无疑问是林以泰的情妇或是女朋友，这在长梦结束后的现实或者称为浅层梦里，还有最后一个梦里都有交代，他们正在告别的画面。
  安琪儿究竟是情妇还是女朋友，取决于林以泰有没有离婚。而林以泰离婚这件事我们在最后一个梦里才看到，既然是梦，我们就不能判定其真假了。
  而我个人认为，林以泰并没有离婚，但很可能夫妻两人已经分居。如果他离婚了，安琪儿自然不是小三情妇，而是名正言顺的女朋友，他们就没有外在条件限制他们在一起。当然通过两个车上告别的对话，我们只能判断安琪儿是不想再等了。究竟是林以泰有家室的外在条件还是离婚后对婚姻恐惧的内在因素，这我们无从判断。
  我的依据是，在长梦里，林以泰的潜意识将安琪儿设定为自己上司阮大志的情妇。
  弗洛伊德在《梦的解析》中说：梦的内容是在于愿望的达成，其动机在于某种愿望。在这一理论下，我们可以这么理解林以泰梦的动机，一旦安琪儿是阮大志的情妇，他自然不必去对她负责。
  有意思的是，即使在梦里，安琪儿是阮大志的情妇，他还是对她动心了。一是在安琪儿的房间，安琪儿让他留下，他慌了神，好不容易叫出了我要回家；二是在泡澡时，梦中梦里，梦到了跟安琪儿的春梦；三是在长梦即将结束时，林以泰拉着安琪儿想让她留下来陪他，安琪儿却说：我又不是你老婆。这句话里有现实的影子，透着醋劲儿。这三个片段，都在阐述在梦中即使已经将她设定成别人的情妇了，安琪儿对林以泰的还是有着致命的吸引力，林以泰深爱着安琪儿。而在最后一个梦里，梦到自己离婚，只是林以泰潜意识里的一个愿望而已。正是没有离婚，所以他才不能拥有安琪儿。
  在我的理解中，林以泰没有离婚，安琪儿是他情妇，等不到名分所以离开。

  5、编剧
  这部电影由于根本没听过宣传或是冲着演员或是导演而来，前期什么也没了解就看完了。看完后觉得编剧非常有诚意，虽然这类题材，之前已经在好莱坞的电影看了很多了，但在现今国产电影题材少而烂的市场前提下，看到国人的努力，已经很感动了。
  查了下，本片的编剧兼导演是张承，也许很多人不熟悉这个名字，但提到《疯狂的石头》，估计很少有人没听过的。没错，张承是《疯狂的石头》这部电影的编剧。为国产电影有这么努力的编剧，鼓掌！

  6、同志仍需努力
  作为编剧，张承是合格的，但作为导演，还有一些路要走。演员的挑选还有情节的取舍，需要更加注意。
  这是一部好片，但绝对不是佳作，同志仍需努力。

  PS：道哥刘桦绝对是演技派，在里面对角色的驾驭游刃有余。
  PPS:我是冲着激情戏去的，但没找到激情，再也不相信优酷了。
  
  

晚上和piggy去看纪录片 —— 《罪与罚》 导演是赵亮 放映的地方是南方都市报的顶楼会议室

最开始我们2个都小小紧张 因为周围的人看上去都很文化 piggy同学今天还特意穿了背背裙扎了2傻缺的辫子 = = 我是圆领小衬衫加布裙子 我俩就像错误走进大人世界的小学生


灯熄了就淡然了 凳子摆的很随意 看的时候可以走来走去 后来干脆坐在窗台上 背靠车流

纪录片这种东西 一开始看就很不习惯 有些冗长沉闷拖沓 但是当我静下来的时候 我开始融入生活 在不断的回旋的扯皮扥筋呼爹骂娘中找到了节奏 我趴在凳沿上听各地方言模糊不清的纠缠于一个问题 还有偶然出现的暴力镜头之前 “主演”会对导演说：“赵哥 不要拍了！很暴力” 我乐

那些苍老的容颜 生活的无奈 贫穷与法制的纠葛 因为镜头的直白而显得赤裸裸

这是一部在法国纪录片上得了大奖的片子 我很奇怪的是 司法暴力很直白的走出了国门 还在最讲人权的欧洲整了个奖回来 诧异

我很想知道 如何评判纪录片的好坏 是以情节还是角度取胜？ 甚至是越真实越好？ 这是我第一次很严肃的去看纪录片 和电视里面那些访谈不同 和可可西里又不同 感觉是模糊而又迷蒙的 是否是说 从不断重复的小事里面折腾出生活的本质？

看完的时候我对piggy说 我心有不安 因为一开始的动机是猎奇 虽然最后我爱上了这个东西 可这个感觉有点像因为钱才和一个人在一起 虽然最后相爱了 但是会因为最初的动机不纯而心怀内疚

其实主要是因为猫哦，猫的剧情再多一点就好啦！贪吃桑大白没有出镜，应该要有他的嘛。 当初非常非常喜欢这个游戏来着，甚至还自己做过一款"借鉴"的2333。可惜公司运营不善已经停服了，要不然可以借势推一波。 人类相关的剧情都想快进，毕竟这种治愈的故事还是有点点老套的。猫...  (展开)

       生命起源于海洋，两个搬着衣柜的男人代表最原始的人类，他们携带着未被世俗化的单纯人性来到了陆地社会。先是被人阻拦没能挤上电车，接着主动找一位少女搭讪被拒；在河边的小道上努力地搬着书柜，与此同时，第一处很明显的细节出现，桥上一个面带虚伪笑容的扒手在行窃；在餐厅，被服务生赶了出去，用餐的客人用异样的眼光看着他们；镜子里映出一条干鱼飘在天空的浮云上，这里镜子第一次有意识地出现，他们午饭只能可怜兮兮地吃干鱼；在旅店门口，他们被老板拒绝入住，一位绅士对着衣柜的镜子整理衣着，这里镜子第二次有意识地出现；路过一群不良青年，那面衣柜的镜子在无意间提醒了另一位少女存在的危险，这里镜子第三次有意识地出现，像极了杜琪峰《枪火》里商场打斗中借用镜子发现危险的机智细节，尽管少女躲开了不良青年的骚扰，但结果他们却被不良青年狠狠地收拾了一顿，这里波兰斯基饰演了一个补刀的小角色，不禁想起了《阳光灿烂的日子》里小伙伴们打群架时胆小的马小军；在桥的另一边，第二处很明显的细节出现，一个商人醉得走路踉踉跄跄；终于他们在一处堆满木桶的露天仓库休息，却被看守警察残酷地赶走；在小溪边，第三处很明显的细节出现，一场谋杀真实残酷地上演，不禁想起了杜琪峰《黑社会》里乐哥拿大石头砸死大D的场景；最后，他们无奈地选择重新回到大海，第四处很明显的细节出现，一个小男孩玩着沙堆，沙滩不再像他们第一次上岸时那样原始自然，有了明显的人工雕琢的痕迹，不知是否可理解为，这里暗示了两个搬着衣柜的男人的心灵已经受到了世俗的干扰，但最终仍是无法像社会人一样生存。
       只有在学生时代才会使用如此简单直接的手法，来揭露社会人的虚伪、好斗和残酷。当然，情节安排的高明之处在于借助了两个来自“海洋”的纯真男人和一面衣柜的镜子，照出了社会人丑陋的一面，不管是衣冠楚楚的绅士，还是街边的小混混，他们的形象在镜子里是肮脏的，和最初镜子里两个男人为庆祝登陆沙滩欢快跳舞时的形象形成了鲜明对比。镜子里还出现过一条干鱼，是否也在暗示社会人脱离了“海洋”便成了干瘪的鱼，失去了原本的生命力，变得苍白、充满死气、令人作呕~
      看到结尾处的回归大海，竟然莫名地惆怅，难道身边的世界就是这样吗？当然，电影为了表现主题只是挑选出了人类黑暗一面的镜头，那些许许多多阳光一面的镜头依旧是我们生活的主流。这里能够赋予影像如此神力指向性的本事，出自于学生时代的波兰斯基，说明他善于思考，善于观察生活。我一直觉得不带场间字幕的黑白默片才是最能施展影像叙述的电影表现形式，就应该这样讲故事，观众的注意力完全集中在影像里，而不是明星、色彩、对白和字幕，我们甚至不需要听到片中人们说了什么，仅仅通过人物的表情、动作便可以明白，当然背景音乐任何时候都不可或缺。如此复杂的命题竟然就这样藏在一部短短15分钟的片子里，确实不一般~
      或许这是波兰斯基的短片，要是一个不知名导演在学生时代的习作，应该也不会流传这么广吧~但出名导演的才华毕竟受到了一定数量人的认可，不知名的也会有潜在的才华，或是因机遇，或是因性格缺陷，导致默默无闻，世界本来就是这样吧，不需要争辩，还是一个人静静地感受影像带给自己的力量吧~