Vol.19，《双子杀手》，李安的第十三部电影长片作品。

这一次依旧是“临危受命”，请多指教。

10月18日，在沉寂了三年之后，李安终于带来了他的新作《双子杀手》。120帧所带来的技术革新依旧是其最大的卖点。但和以往的光辉不同的，这一次李安所面临的处境十分尴尬——一方面，本片糟糕的市场表现令其注定血本无归；另一方面，无论是普通观众还是专业的影评人士，对于本片均为两极分化的评价。视听边界的大胆开拓，亦或是自废武功的文本颓废？现在的李安，是正在走火入魔，还是放手拥抱未来？

本期金羊观影团共有26位友邻参加，25则短评，均分6.7分

【详细】

10592623

看电影之前我做好了心情抑郁的准备，但开头并且贯穿全片的东北话还是一下子把我带进那个“真实”的故事里。

整个影片用黑白色调和不多的台词生动立体呈现了那个特殊历史背景年代下，女人的家庭角色和社会角色的不公。她善良、隐忍、会观察生活、有冲动、有爱。但更多的是被当作“生育工具人”仿佛她才有价值。

这部电影让我想起活着，即使在历史洪流中有家破人亡，也有老二这样充满希望的存在。整部片子里有很多历史真实故事和背景，值得细细品味和琢磨，比如转圈儿检查呕吐物，还有经济巡查这种职位在是因为伪满洲国建立了米谷管理法，看看电影了解了解历史也挺好。

刚才看其他影评我才理解日军投降后说着俄语的人把冰尕带走时候是啥意思，这是第二个冬啊！

一曲中国高速铁路系统的赞歌。所有的旧都不够旧。老四合院没一件东西是老的。地面儿严丝合缝的空心砖，堂屋门儿国旗红的大油漆。可着北京城，一户人家住这么坎儿新的骨灰盒似的院子，你告诉我丫是一“伟大的地质工作者”？地质部部长吧？这也某种程度上解释了80年代还能一股脑儿生四个孩子的问题。书架上装模作样摆着奖状和几本书，堪比二十四史当墙纸的土炮企业家。老物件没一点儿凌乱，整齐码放在沃尔玛货架上。翻开相册还装模作样吹一下土，道具组整个儿开了吧。还告诉我“老相册，你看都发霉了”。您是不是二五眼，每天在书架上浇花儿？四个娃齐茬儿大，不知道哪儿找来这么四个倒霉孩子小孩儿大人一起演。身在祖国地质一线工作，一年回家内射一次生出四个奇行种，你老婆没法儿不早走。长大了个个儿善解人意地离京奋斗有苦说不出，留给爹一进天坛边儿上的豪宅装老干部逼。你支楞着眼皮子看看《饮食男女》，你看看《我们俩》，你看看《洗澡》，然后抽自己俩耳刮子先。祖国城市多美好。中产阶级幻梦里，一个20寸拉杆箱还装着文学作品就能走南闯北，为了装老年危机还要在路边靠着箱子睡着，为了剧情天说黑就黑，不给你眨么眼儿的功夫都。梦都倍儿精准，找谁就梦谁。你那么想你媳妇儿，怎么不梦梦她？免得火车上勾搭高龄川妹有负罪感么？拍个天津暗巷子想弄点儿关心底层的情怀？你回头看看《耳朵大有福》，然后再多抽自己几个耳刮子。所有台词都是微信微博里面最没内容的假话空话套话，编剧连个段子手都当不好。中老年公路片里，之前看过张元的《落叶归根》觉得不够好，到处有粉饰太平的痕迹。但比起本片，刘老根背尸历险记简直是神作级别。《一切都好》充斥的反智气息，早就造成比构建一个虚假和谐社会恶心得多的效果。千万不要有傻爹看了这片儿踏上旅程，我跟叔叔您保证那是一条不归路。我国有多危险，新闻联播都能告诉您一些比本片真实的信息。张国立估计是皇帝演多了，连《一声叹息》里面那点细腻都丧失。作为观众，100分钟从头到尾都被这个中年直男癌用白痴的眼光盯着，生不如死。这片的好处在于，如果你觉得你爹是个傻逼，那你就去看吧，这个爹绝对比你爹傻逼。此角色毫无灵魂与个性，除了一堆守旧革命家庭观堆砌之外，其他没了，没深度，平的。四个孩子看来全部是老婆和邻居同事偷情所生，也正好解释了他为什么看着孩子们都生分。没有过去没有未来，没有癖好没有职业，没有任何一个活生人的一点要素，习惯动作，爱吃食物，既往病史，工作经历，小癖好，全没有。简单说张国立饰演的是一个男厕所门口的那个标志着性别男的没面目的小人儿符号。少他妈跟我说地质工作者，你见过这么细皮嫩肉的地质工作者？妈妈呦。（张默是个比他爸好得多的演员，出事儿，可惜了。）其余角色不一一说了，都一个德性。这是一个“妈妈我给你洗脚”之类公益广告注水后扩展成100分钟的影片。鸡汤都不是，鸡精冲开水。贯穿全片的线索也就是那本回忆录，运笔简直是一篇工作报告或入党申请书。这文笔还要把家史写成章回体？“她是一个天生的舞者。”我就艹你妈了，1987年中国什么样，有“舞者”这个词儿吗？所以本片我唯一感谢的角色是那个间接导致回忆录泡在雨水里的贼。谢谢你那销魂的一刀，让我感受到了陌生人的暖意。事情的开始是这样的。先是头几天看了管虎的《老炮儿》，然后电影资料馆元旦的开门戏在500人厅放映我最爱的《钢的琴》。作为郭利斯马基+库斯图里卡+lube 粉丝自然早早买好了皇帝位去看不知道是第七遍还是第八遍。《钢的琴》里面诸位东北老爷们在固定机位下骑着摩托车去文化宫追打小青年儿的桥段，看得我热血沸腾。心里说张猛就这一小段儿，拍的就比《老炮儿》整个都好，好出档次。出影厅迅速买了夜场《一切都好》，想把张猛的猛劲儿续上。然后就岔气儿了。我不知道张猛怎么想的接了这么个本子，就好像宁浩《心花路放》我宁愿相信他就是为了商业上成功一次，我觉得张猛不至于有这种跳水式的堕落。可能想拍个贺岁片，趁着市场好，再朝主流靠点儿，然后慢慢憋大招？一定得是真的，一定啊。单看这片儿的话，这片儿到底有多差呢？这么说吧，片儿里面那个鹩哥都没《老炮儿》里面那只演的好。最后一句台词还是它说的，我分分钟都想捏死它。张猛的镜头语言还能看到一点儿，但大多数时候我实在懒得注意了。有人把屎戳上一面瑞典国旗，然后端给你吃，告诉你这是宜家的瑞典肉圆。你肯定是冲上去把丫挺的往死里抽，而不会去在意那面瑞典国旗有多么正宗，对伐？唯一的笑点。张国立心脏病在医院抢救醒来后，姚晨趴在床边，第一句还是第二句话就说，你小儿子，雪崩给埋了，爸您可千万别着急。我噗嗤一下乐出来。原来不止我一个人希望他死。短评是，我花45块看了1小时40分钟可口可乐回家过年的春节广告。最要命的是，还没有可口可乐。

设定是天主教修女打恶魔，但是修女有“天使光环”加成... 相对算有新意

美术设计OK、道具质量一般；演员表现OK，但是编剧导演都不太行。剧中青春片的部分可以处理的更深刻，比如女主如何成长或者如何找到信仰，而不是单纯因为找到组织就接受了自己的命运... 心路历程变化的比较僵硬

角色反转的套路并不新奇，而且一直以来背锅的角色在背锅的描述上也比较刻意，反转之后依然会有：他是好人他为啥要这么干 的疑问...

最多三星，不过女主简直就是真人版Last of us的Elly！强烈期待LOU有影视作品并且找这姑娘来演～

作者：csh

本文首发于《陀螺电影》

像《骡子》与《理查德·朱维尔的哀歌》这样的作品，在院线电影中实在太罕见了。

观众们或许很难辨明它们的独特之处，但它们确实能够给人一种极为流畅、舒适的观感。而这恰恰是因为，伊斯特伍德的这些作品，保持着某种惊人的古典性。如果说新浪潮的猛将、时年89岁的让-吕克·戈达尔，直至2018年的《影像之书》为止，都在试图创造更加新奇的影像；那么与戈达尔一同出生于1930年的伊斯特伍德，恰恰就是古典好莱坞风格的捍卫者。

在《理查德·朱维尔的哀歌》中，他仍旧在使用着这种锤炼了数十年的古典技艺。或许许多欧洲电影迷、尤其是新浪潮爱好者，会对这种传统抱持着某种轻蔑的态度。但是，古典之所以能够成为古典，其实也有它的道理——这种影像之所以能够给人带来最为流畅、舒适的观感，其实是经过时间检验的。

那么，什么是好莱坞的古典主义风格？它主要指涉的是好莱坞古典时期电影中，以连贯性剪辑系统为主体的影像风格。我们熟悉的过肩正反打、视线匹配等技巧，都是这种风格最重要的武器。它们会引导我们关注最重要的信息——发言人或是视线的落点等——以此来推动叙事的发展。但与此同时，它们还保持着一种惊人的透明性（“连贯性风格”之名恰恰来源于此），不会让我们意识到摄影机的存在，也让我们得以彻底浸没在影像中。

但是，存在这些既定的技巧，并不代表古典风格就是一成不变的套路。就像长镜头风格也能拍出杰作与废品一样，在大师手中，正反打也能展现出极尽细腻的用法——在《理查德·朱维尔的哀歌》中，伊斯特伍德就让我们见识了这一点。

在理查德·朱维尔、他的律师沃森·布莱恩特与两位警官对谈的那场至关重要的戏中，正反打的细腻性体现得淋漓尽致，在这场戏里，朱维尔第一次发自肺腑地对着FBI的警官进行了批判。很多观众一定觉得这场戏很能调动情绪、很“燃”，但他们很可能没有意识到，伊斯特伍德是通过恰到好处的正反打变体达成这一点的。因为，这种古典主义的风格图式实在是太“透明”了。

在刚开始的时候，朱维尔、律师和两位警官被分解成两个双人镜头，但它们其实都是“伪双人镜头”。在朱维尔和律师所处的镜头中，灯光主要关照的是密集地进行发言的朱维尔，而身形较暗、较为沉默的律师处于画面的次要地位；在两位警官的那个镜头中，发言人主要是乔恩·哈姆扮演的、咄咄逼人的汤姆·肖。

所以，这两组双人镜头之间的正反打，其实是朱维尔与肖之间一对一的交锋。随着这场戏的发展，这一点变得越来越明显。之所以正反打又名“过肩正反打”，就是因为在A听B说话的时候，我们常常会看到A模糊的肩部，这样我们就能同时体认谈话的双方。

而在这场戏中，当两位警官说话的时候，我们本来能够看到朱维尔和律师的肩部。但随着谈话的深入，我们就只能看到朱维尔的肩部了——伪双人镜头渐渐变成了真正的单人镜头。伊斯特伍德微微将镜头右移，同时调整景别，最后我们看到的，是朱维尔与肖的特写正反打。

伊斯特伍德通过这种方式，一方面让我们逐渐关注场景中最重要的焦点，一方面通过越来越近的景别，创造了一种循序渐进的紧张感。最有趣的是，当朱维尔在特写镜头中慷慨陈词、批判FBI之后，景别旋即变远，我们再次看到了两个松弛的双人镜头——这恰恰是让观众纾解情绪的过程。

在这场迷人的戏中，伊斯特伍德用这种最不易被觉察的、古典主义的手法，发挥了推动叙事进展的指示性效果，也达成了抒发情绪的表现性效果。在很多时候，即使是那些欧洲艺术电影的风格，也都在发挥着这两种效果。

当然，伊斯特伍德这部技艺精湛的古典之作，不仅仅使用了连贯性剪辑这套武器。其实，更为久远的好莱坞古典主义电影，是并不排斥较远景别的场面调度的，只不过这种调度也和剪辑一样，会被用来展现透明化的叙事——霍华德·霍克斯正是连贯性调度的大师。

在《理查德·朱维尔的哀歌》中，伊斯特伍德通过与剪辑同等细腻的调度，在中远景中展现了奥运会场地、报纸编辑部等一系列的空间，以及这些空间中的群像。我们看到的不只是朱维尔这个个体，还有一个范围广阔的社群。正因如此，这种风格也非常适合用来表述这种社会议题。

那种用超近景别构成的电影，其实是晚近好莱坞电影追求感官刺激的策略。所以，伊斯特伍德的古典性，不仅相对于那些追求电影语汇突破的欧洲电影，也相对于那些当代的好莱坞电影。看他的电影，我们感受到的不是刺激，而是流畅与舒适，我们真的在聆听一个好好被讲述的故事，真的在思考一个含义深远的历史悖论。

有趣的是，理查德·朱维尔也恰恰是这么一个“古典主义”的个体。他坚守着那种颇为古典的价值观，无限忠诚地履行着自己的职责，所以他不会“出错”。在这个万物失格的时代，像朱维尔这样的人早已成为了少数派。

年近九十岁的伊斯特伍德，坚守着这种古典主义风格，或许也正是因为，在向观众传达自己所思所想的时候，他希望自己的影像不要出一点差错。