这边片今年4月份就出了，我却是昨晚才一次性看完14集，全程搞笑+思考+治愈，很有相见恨晚的感觉。 但当我冷静下来，去想这部看上去有点“无厘头”的片为什么让我备受感动，觉得它牵动着我的内心，我才发现正是这种“无厘头”的幽默文化震撼了我。 我们很多人感叹星爷老了，没办...  (展开)

迪丽热巴的古装明明那么好看，又飒又可爱，从长歌行到安乐传每次都有惊喜，演技也进步了好多剧抛脸啊简直，演的也很细腻根本不会出戏！还有迪丽热巴的古装也很好看啊！不要再说什么违和了，明明那么好看！差点被人骗！！！期待安乐传期待迪丽热巴期待龚俊期待刘宇宁！神仙阵容...  (展开)

        不以结婚为目的的恋爱是耍流氓，但是30岁朝上再来耍流氓，就只能“剩者为王”了吧。这个电影讲的就是老大耍流氓的故事。

       故事的设定实际上有点扯，大龄剩女郑如曦35了，还为没谈一场不以结婚为目的的恋爱而不甘，并为此挣扎，与天斗其乐无穷，与妈斗其乐无穷。与事业上的干练不同，郑如曦对感情生活的处理就有点一团糟。既不能在父母处左右逢源，又不能自安内心的彷徨，“干什么？干什么？打通任督二脉”本该像歌词唱到的啊！直到马赛的出现。

       前天还在帖子上和人扯，吴宓在日记里“同室王运楼病日减，其人两目圆而大，虽病，黄且损，仍可见其美。回视兰，则益觉兰之丑，几于较宓今所见之一切妇女为丑。”吴宓此人一方面守旧，一方面又求自由，逢人说彦，最后就只能如鱼饮水。人生有时一条道走到黑不可怕，可怕的是一路的岔道。

       小时候看着圣斗士出神，老大了成了剩斗士，自有焦灼和不安，对不起这，对不起那，无颜面对社会，无颜面对家庭，总算还对得起天地良心。找找感觉，找不到感觉，真他妈的，与世隔绝，确乎不曾伤害，自然没有欺骗。

        别人在生二胎，为人口老龄化做贡献，英文pregnant，除孕育之外，还有富于想象的，富有成果之意，总算语带双关，既然不能安胎，就不会安神，活跃下思维神经，增加些歇斯底里，很是公平，当然大先生还是洞察了一切，长夜漫漫，心底总有个声音喊出：“我要困觉”。

       这部影片说白了是给剩女张目的，你的追求是合理的，你的思想是妥帖的，社会太不合时宜了。家庭和责任，生活和道义，当妈的老眼巴察全是愤怒，逼婚，“你妈逼了吗？”妈逼了，老年还痴呆了；为父的，真理解女儿，眼睛润的要坠水晶粒了，眼睑上带着九条沟，嘴巴上布满九道弯，直接长了个九九八十一难，嘴上发颤，思想上转出了老道口，相个面哭笑不得，出卖了他，你当潜伏，你是叛徒，父母本是同攻守嘛！导演和编剧起了高调，有些煽啊！小媳妇变公婆是天经地义，小伙子怎么也要变个法海嘛，让你自由去？白蛇美丽是诱惑，年轻小伙子是兴奋剂，绝不是镇静剂，他不见得抚平忧伤，反而带来持久伤害，我不否认真爱，影片也一再灌输true love，但是为父如何做？认可女儿嗨一剂后，然后可能的痛？心中飘过一万头草泥马，这不可能，我们都知道理财，越年轻筹码越多，越不怕失去，越老迈应对风险能力越差，越不想掏三瓜俩枣，经济持续状况堪忧，这对父女逆势而行，是要遭股灾的，非要合理解释，只能是多年父女成闺蜜。出人意表，要在符合常情内，人情之常，才感人性之富，没人性，不讲人话，这是国内影片多年的病了。不过好歹，电影故事是讲明白了，不易不易。

       在豆瓣搜了下，楞是没搜到，搞了半天，搜错了，“剩者为王”，王个毛，孤独、彳亍、彷徨，都是形容这个“王”的，心里不难受，就不需要喊口号，自自在在，悠悠哉哉的过小日子。这个王，肯定是称孤道寡的，我搜的对，还是“剩女为王”去吧！另外劝后进：当小心称孤，不矫情玩耍。为王须谨慎，耍流氓趁早。

很好的电影啊，原来以为只是在展现女主一个人的抑郁，观影过程中也一直在好奇，男主为什么会跟她待这么长时间呢？后来才明白，男主其实也有问题，虽然没有表现得那么严重。他们两个是心灵想通的，后面我觉得男主其实从女主这里汲取到了很多力量，因为女主在这段爱情中是完全敞...  (展开)

真是没有想到竟是这样一番精彩的体验。

机缘巧合，我在7.4号的凌晨闲来无事，上网想看最近的电影，无意中发现合肥的《煎饼侠》点映是在7.5，还剩票！便立刻买了2张票，想一定会有东北纯爷们跟我一起去看的。别说，跟我最熟的小伙伴果然看遍了所有的《屌丝男士》，我俩一拍即合，7.5晚上就坐上了126路出发了。

之前做了一下简单的功课（事实证明网上的预告还是不要看比较好，因为很多笑点都已经在那些发出来的视频里了）。看完了他写的那一本自传，看完了《屌丝男士》第四季那后面超长的煎饼侠广告。当那条小龙在墨绿色的荧幕上灵动蜿蜒时，我的心也立刻被吸了过去。

开场便像极了《屌丝男士》，先出场的三位还有那位足疗男和“膝跳反射”哥。之后便是一部拍一部怎么拍电影的电影。开始笑点连连。虽然是在合肥这样的南方，观众们对东北话还是蛮接受的！我们几个东北小伙也是看的兴奋。东北F4出来的时候，我靠！整个电影院沸腾起来了好嘛！比后面的GHZ出来效果还震撼！几个人穿着奇装异服在那里打麻将，简直是喜闻乐见的场面！！！真想再看一遍感受一下！！！

再多的就不剧透了。你只需要知道，当你听到柳岩和大鹏并排坐，大鹏唱出《恐高的鸟》时，准备好手纸就好了...




其实电影究竟好在哪里？

它延续了《屌丝男士》一贯的拼装喜剧风格。众多明星加盟，各个小故事笑点密集且有始有终，人物性格鲜明。
P.S.衣云鹤的东北话味道贼拉正。邓超虽被困住了手脚，光靠嘴来“说”戏也一点都不输。

它是大鹏第一部电影，很用心于细节。前面的节奏有些慢让我看的时候很担心，担心他会不会不像我预期的那样好看，但看到四分之一时我就完全放心了。

中间的煽情和最后的反转说起来也不那么值得让人称道...

我认为这部电影最好的地方真的就只在两个字：真实。

记得事前在《屌丝男士》里大鹏很认真的在说，每一个演员都是本色出演。看完后我深以为然。

大鹏：电影中说当煎饼侠是他一直以来的梦想。生活中能拍一部自己为主角的电影也是他的梦想。在生活中和电影中都是，想以英雄出现在之间，却演屌丝演火了。在电影中他们偷拍明星，生活中他们“蹭”那些去搜狐参加访谈的明星拍《屌丝男士》。柳岩在剧中说，你不是恐高么？生活中大鹏也的确是一个恐高的人，甚至这么多年来，每每坐飞机他还是会紧张到跳起舞来（自传里面说的...）。在剧中他有一些对未来的迷茫，生活中他也一直专注于眼前的事，并不知道未来的自己会出现在哪。在影迷见面会时他说：“我小时候是一个自卑的人。”听起来真是让人心里有些暖暖的真实感。

和柳岩：柳岩和他坐在大楼的边上，说着“很多人说，我是借胸上位。”当我看到这里时，我震了一下。这么直接？这样勇敢？不得不说不管出于洗白或是怎样的原因，这都是令人开心的事情。让我感受到了来自他们心里的话。早年大鹏与柳岩都还没火，他们彼此互相搀扶，一切闯过难关。不去猜测他们是否真的有超越友情的关系。至少当他们并肩坐着，谈着过去那不容易的时光，本身就是满满的泪点啊，后来大鹏的决定也和电影中的一样。

所有的一切都让我感受到，这些人物都是立体而真实的。他们无需拼演技，演的就是他们自己。而这一切的努力，都源于他们的敬业与认真。

为大鹏和所有演员点个赞。




P.S.还有可爱的袁珊珊，煎饼女孩演的真是秀色可餐！

       很难得的电影力作。
      看了看各路影评，很遗憾，无人看懂此片。
      很讨厌一些人一谈电影就陷在爱来爱去的弯弯里出不来。虽然大部分电影的脸上都涂着厚厚的爱情脂粉，有些还渗人的一层层的往下掉，但它们内里的内容可当真是完全不一样的东西。
     这是一部很严肃的艺术创作批判性电影，其真实的意图和女主人翁安吉尔的爱情故事没有太大关系。它其实讲述的是艺术创作中现实主义对浪漫虚无主义的批判。 如果观众只看到了安吉尔和其夫埃斯米的爱恨情仇。那当真是吃螃蟹丢了蟹膏和蟹黄。在理解层面上如果只到这个层次的，可以不用再看我下面影评了。
      影片真正的主角一直是在幕后，影片中此人以埃斯米情妇的身份最后出现在观众面前，但观众不难发现，当她出现时，她那从容淡定的气度，高贵的底韵，包括她所拥有的埃斯米的孩子，一切的一切，立时将装腔作势的安吉尔打回了原型，使得她变成了一幕华丽却扭曲的水中倒影。她才是真正的安吉尔，而安吉尔自己只是一个梦，埃斯米用尽一生找到的这个情妇，其实是他交待给安吉尔的最终作品。那幅安吉尔的肖像画里模糊不清的，无从表述的女主人公，其真实的存在却是另有其人。安吉尔应该明白，埃斯米的最后一幅画，其实就是真实的天堂庄园的主人，这个人不是她本人。
      浮光中在天堂庄园表现得风光无限的安吉尔只是一只飞舞在虚无爱情美梦中的飞蛾。但她也浮夸得足够漂亮，有乱花渐欲迷人眼的那种魅力。这种魅力为她赢得了世人疯魔却短暂的认可。还为她带来了埃斯米那从一开始就有所困惑的爱情。埃斯米曾试图适应这种不接地气，没有实物支撑的爱和梦幻生活，可他发现无法改变自己的初衷，他本身是一名现实主义画家，对事物的本真非常较真。真实即美是他的原则。这体现在他为安吉尔画肖像时，他说我欣赏的是你本身，而不是你华丽的衣饰。但安吉尔故意隐藏了真实的自己，使这位创作欲被挑起的写实主义画家，不得不穷其一生去寻找真实的她，
      观众可能觉得埃斯米是一位吃软饭，不贞洁的坏男人，这真是一个大大的误解。他用自己的一生去求真，去寻找心爱女人的真实存在，完成那幅安吉尔真实肖像画的使命。这是一个男人真真正正的爱上一个女人时才会有的牺牲精神。他最终以结束生命来宣告作品的完成。当安吉尔揭去情妇真面目的面纱时，也是揭幕了埃斯米留给她的那幅真实的肖像画，面对斯人，她猛然间顿悟自己不过是埃斯米真爱面前的一场镜花水月。于是种种繁华剥落，一地的支离碎片。
     

达斯汀·霍夫曼演此类的片子驾轻就熟，老戏骨！反倒是妮可·基德曼 显得十分的生涩，看不到什么出彩的地方，她在几年后的不惜一切中的表演才像是明星级的表现！
本片受美国往事、教父、人民公敌的影响较大，但是没显出芝加哥打字机的利落与残暴，表现力及其有限。导演试图用一个年轻人的视角去展现黑帮内幕，但剧本让他失败了。

近年来，讲述家长里短的都市剧有很多，其视角主要聚焦在子女或父母，以及主角的事业上，鲜少有对夫妻之间情感话题的讲述，尤其是对中年夫妻之间的婚姻生活进行独到见解的内容少之又少。然而，最近热播剧《妈妈像花儿一样》就将视角对准夫妻之间的生活，可以说完全是用现代人的生活方式对父母辈的爱情进行了一番改编，并摒弃了以往都市剧题材的一贯超现实主义，以更贴切家庭夫妻间情感交流的话题，继而展开的一部充满亲情与正能量的故事。

《妈妈像花儿一样》由张多福执导，集结许晴、林永健、薛之谦等主演的一部都市轻喜剧。主要讲述高三教师张幸福患病后，依然坚强乐观的人格品质，不论是家庭还是事业，她都私下安排的相当妥当，不禁令人深受感染、感动。试想，一个正当好的中年人，在收获事业和爱情双丰收的时候，突然面临一场“灾难”，换谁估计都很难走出阴影，甚至深陷其中不能自拔。没想到，作为高三教师的张幸福，反以更加精神饱满的全新面貌，迎接着生活的每一个美好时光，其积极阳光乐观的一面，为当下众多同类人传递着一个正能量信息，值得赞扬。

当马三强得知妻子患病后，整个家庭并没有因此变得消沉，而是都在积极寻找秘方哄张幸福开心，以至于突如其来的幸福让幸福有些惊喜的不知所措。身边不论是丈夫、弟弟，还是小姑子，以及亲朋好友都渐渐懂得了爱和包容。这一幕幕的展现，不禁令我想到前段时间的电影《滚蛋吧肿瘤君》，其女主人公熊顿乐观积极向上的个人经历就为大家起到了很好的典范作用，也让大家更加懂得了健康的重要性。一个人，即使身患重病也应开开心心过好每一天，不光要懂得珍惜剩余时光，还要懂得兼顾家人的心情。毕竟，最爱你和牵挂你的还是最亲的家人，更不应让他们为此难过。既然每个人都明白开心生活才是王道，生死之事上天自有安排，那我们就不必为不可改变的事情去发愁。

除了家人的理解和包容外，夫妻之间的关爱并不可少，以至于江湖经验老道的弟弟给姐夫一一支招，还为二人制造了一场颇为浪漫的床戏。当看到张幸福和马三强在宾馆的一幕，幸福的一举一动都不禁让已婚夫妻有所思考。其实，不管是新夫妻还是老夫妻，爱情之花还是离不开雨露的滋润，唯有雨露滋润过的爱情之花才能开的更加绚丽。虽然，整个过程中夫妻之间的浪漫有些不够圆满，被弟弟制造的一些小插曲搞得不安宁，但是一幕幕的真实场景，还是映射着现实，留给老夫妻们以启示。不要总以为老夫妻之间就不需要浪漫，而是应有弟弟般的青春活力和思想，这样的夫妻生活才能永远都保持正青春。

总之，这是一个没有都市嘈杂，只有家庭成员间真实生活写照的一部都市轻喜剧，更加接地气的展现了女主人公和家庭成员在面对生活的一切正能量展现，给人以思考，让更多的人懂得包容与爱的意义，满满正能量，是值得追随的一部好剧。

这篇剧评可能有剧透 简单来看的话，通过女主的嘴说出了“请把问题交给法律来处理”这样的观点。（但东西叠得还挺密的，让人难以分清主创支不支持女主说的这个观点……）（个人挺喜欢这种轻松点儿看很简单，专注一些又有细节的剧的。当然细节深不深是另一回事了…） 先抛开女主的职业是靠人们依赖法...  (展开)

什么3D重制、什么特别展映，其实都只是迪斯尼时隔十七年之后老片回笼再骗钱的手段而已。效果如何？Damn it，everybody's so friggin' happy.

今天去看的是五点半的那场，结果AMC最大的一个厅基本坐满。“It's a small world after all”: 有白发苍苍的老人，有手牵着手的年轻情侣，当然更多的还是兴高采烈的一家几口，各种种族、肤色、年龄的小孩子尖叫着在场内呼朋唤友、窜上跳下，父母们手里捧着大包的爆米花、糖果和巧克力在一旁聊天。有些年轻的父母看起来格外兴奋，也许十七年前他们的父母也领着他们去电影院里看过这部片的，现在轮到他们带着自己的孩子领略当年的感动了。Well, it's the Circle of Life, and it moves us all. 瞧，多省事，攒广告词的计划书都省了。

这部片子对美国，乃至世界文化的影响估计写一篇博士论文也不见得说得明白，所以关于影片本身的唧唧歪歪可以略过——美国人对这片子是该有多熟悉啊，再加上本来今天孩子多顾忌少，故而只要刀疤叔叔一张口，无数个Jeremy Irons就会从影院各个角落雨后春笋般地冒出来，让人憋笑憋得好辛苦；多少人演了多少版的Claudius，还没有一个的影响力能超过Irons爷的狮子版，——而且，除了实打实真看莎士比亚的呆子，谁认识Claudius是哪根葱：“咦，哈姆雷特么？……我只看过狮子王。”在Be Prepare响起的时候因为一个该死的教授视频毫无悬念地笑了场，旁边坐着的小男孩隔过他温和健壮的爸爸鄙视地朝我看。Com'n now, kiddo. You'll get there, you will.

该笑的地方还是笑了，该哭的地方也还是哭了。这片子引进中国的时候大概是95年，也就是说我16年里一点都没长进，真是抱歉得很。大概我永远也不会有那样的自制力，当无助的小辛巴流着泪钻进死去父亲的怀里时还能保持冷静，或者在王子大战篡位者的时候能忍住不握起拳头在心里和他一起大吼“Murderer!”不过看到丁满和蓬蓬的时候终于还是多了一个笑点：you want proof of how gay parents can also raise awesome children? Allow me to introduce Timon, Pumbaa and their adopted son Simba.

其实这对我来说，也是个奇妙的第一次——这是我第一次在大银幕上看到原声的狮子王，多掏了五块钱的ETX让本就牛逼的配音卡司杀伤力更上一个档次，让人刹那间反社会一般觉得现在动画片的配音都弱爆了：想想看，狮子王里不光每个人的声音都棒极了美透了，你还能听到Jeremy Irons引吭高歌、Rowan Atkinson荒腔走板、以及Nathan Lane和Matthew Broderick托尼奖级别的献唱，现在大家配个音都是哼哼几声拿钱走人，哪还有再花时间花精力录张唱片的心情。不光如此，其实关于狮子王的一切，都只能作为传奇留在电影史上，再没有哪部动画能在经济、文化、社会影响力上攀登到与之齐平的高度，也再没有哪部动画能在一代人的心里烙下如此深刻的烙印，以至于他们愿意十几年后带着孩子再一次走进电影院，掏出比十几年前坑爹数倍的电影票钱。——电影和观众的关系其实像是周瑜打黄盖，一个愿打，一个愿挨，而现在可惜的是黄盖依然很多，周瑜却太少了。

其实今天最感动我的还是坐在我身边的父子俩。开场前爸爸手里稳稳捏着一包M&M，小儿子眼巴巴地盯着要吃，爸爸耐心地劝导说一定要等到开场后。于是整个预告片时段在奶声奶气的“要开始了吗？下一个就开始了吧！”中度过，电影终于开场、小儿子如愿以偿吃到巧克力之后爸爸开始不老实地跟刀疤叔叔抢台词，我在一旁乐得要爆炸，为了憋笑直咬自己的腮帮子。而当影片演到小辛巴依偎在死去的木法沙怀里的时候，我旁边的爸爸弯下身去，用双手紧紧地抱住了小儿子，吻着儿子的额头，我当时眼泪刷的一下就下来了。也许有的时候不是我们看不到天使，而是我们太不善于发现感动。

总之，狮子王不光能让我们回到童年一次，还能让我们重新成长一次。所以，不管3D不3D的，如果有机会，劝诸位还是去看看吧。哪怕只是问候一下十六年前的自己，也是好的。

【鉴于水军疯狂反扑导致上一条无法显示在评论区，只能再发一篇。水军同志你辛苦了。】

《匹夫》试图去走一条”最炫悍匪风“的商业类型片路线，初看似面熟，猜其移植过无数现成文本。一方面是借昆汀的皮骨，塑形式主义之风。又借《城中大盗》《全职杀手》等欧美、香港匪帮犯罪类型之构架搭建故事内核，其次又不免受儿时十七年抗日电影之影响，对于抗日部分的描写无异于五十年前。所有文本的混搭使得影片的风格趋于怪诞，价值观含混、人物性格不突出，群戏失控，叙事严重脱节。
　　
　　它努力包含了一切商业类型应有的元素：地道枪战；西部片变相移植；妓院床戏；浪漫戏码；奇观效应。应当说，不能否认的是创作者是去按照类型电影的模式去探索。但遗憾的是，这种诉求并没有使电影完善合格，反而变得山寨气十足，廉价而反胃。
　　
　　就叙事而言，能看出编剧的野心，例如非线性叙事的开场。但遗憾的是，由于故事的本身架构是群戏，初始便增加了叙事难度。影片海报中间主打”大当家“黄晓明，然电影通篇却以张译外来者的自白宣告叙事的开始。这个被变相移植的西部片，被搁置在抗日时期，首先应肯定类型电影对叙事空间的探索。但究其是否合理，还应打几个问号。”二当家“如何首先取得”大当家“的信任，”骗谁不骗谁“这番道理连几位主角在片中也没能”清楚明白“。其次，缺乏人物叙事动机。“大当家”如何被“二当家”说服去跟“日本子”拼命，一切解释也是含混的。缺乏足够的叙事动机，也就意味着无法建立可信的人物。他们努力佯装状态栏满格的“加勒比海盗”，所谓的热血与炫酷却也只不过是一层纸老虎。“匹夫”二字，究其为何，通篇没有告诉大家。如果说主旨是匪帮杀富济贫
　　倒是可以完全解释，但至始至终他们在干什么，观众是蒙在鼓里的。除了个别片段的会心一笑，他们也只当是陪刚刚上路的年轻导演玩了一把电子游戏。上船了，戏散了，收钱了，仅此而已。
　　
　　不觉得这单单是态度所决定的粗糙，我更倾向于一种自以为是的能力局限。一方面，创作者总是低估观众的能力；另一方面，创作者有着驾驭浪漫文艺片的情怀和与之不相称的驾驭商业类型片的能力。在《匹夫》中，这种矛盾心理的展现更是显露无疑的。虽然至今仍无法摸清导演杨树鹏的个人风格，但可以确定的是，在粗粝的“江湖”与“兄弟”之间徘徊，他还是始终不忘“慢镜头”滥情调度与大批量抒情音乐铺陈。应该说，摄影师曹郁为电影的“升级”与“包装”进行了大量的努力与改进，地道里冷峻克制的长镜头与少数“画龙点睛”的主观镜头处理，使他再次力证在业界不可小觑的地位。摄影虽为本片加分，但彭铠立的配乐设计却值得商榷，电音、提琴、钢琴的高贵文艺冷气质在粗糙的热血匪帮身上，实属违和，导致观众屡屡出戏，分外尴尬。
　　
　　更令人无法接受的是片中对日本人形象的设定。抵御外敌不假，抗日杀敌也罢，片中的“日本子”从上至下都是猥琐懦弱的形象出现，通过假想性意淫来完成对英雄高大全的诠释，十七年时期由于意识形态所局限的电影大多如此。而《匹夫》半个世纪后依旧如此，那个念叨着“女儿”和“回家”的戴眼镜日本人，和《地道战》《小兵张嘎》里的日军形象有何两样？皆是夸大的猥琐。满是通过埋汰敌人而抬高自己的潜意识美化，这种无形中的价值观更使角色虚空，进而逼剧情走向荒诞。这般丑陋经年累月，如毒素在经脉中流淌，逐渐变得可以接受甚至合理，不应是本土电影所呈现的态度。冯小宁之流前几年的《举起手来》，通过羞辱日本人无下限的表现而搏观众的笑声，这种自我强大的意淫之法终究无法使本土电影真正强大，而只能沦为妇孺口中的浮云之谈。而导演杨树鹏口口声声地谈其”国产电影的强强联合，以抵御好莱坞的冲击“则更为可笑，”江湖“与”兄弟“可以做到”交口“”忽悠“，但是若自身的价值观念依旧如此，不得不说，哎呀，兄弟，你可长点心吧~

    一般我转台时见到8、90年代的港产片时都会停下来看一下，见到还是全盛时期的张曼玉就毫不犹豫地看下去了。应该说本片在营造alex和阿娥的距离感上面是非常成功的：一个是英俊潇洒有才气的创意工作者，一个是沉闷、顾家、思想老派的单身妈妈，在没有外力的时候都看不出两人有什么共鸣，何况还有张曼玉这样与alex如此般配的第三者在若有若无的挑逗着，凭谁都无法预测故事会往哪个方向发展。但后面的转折却是生硬而急促的，直到最后alex最终选择和阿娥在一起，我都觉得他们是不般配的，除了中国人所谓的责任，我也看不出有什么在维系他们的关系，当时我想到唯一的理由就是这是香港人拍的电影，不是法国人拍的芳芳，抛弃原来的未婚妻是不道德不被社会接受的做法。后来我上了豆瓣才知道原来这是一部续集电影，alex与阿娥的感情故事在上一部已经讲过了。但我觉得这也不成理由，不管是不是续集，电影应该可以独立观赏不影响理解（最简单的方法就是把上部的片段作为回忆剪一点加进来）。
  最后加一句，年轻时的周慧敏真的好萌啊！

话说当下的国内电影市场现状，大片有，商业气息够浓，类型更是林林种种、百花齐放。但观众们的口味却是越来越难以满足和调和。从另一个角度看，这也是中国电影产业向前发展和完善的主要动力。而在诸强们抢夺票房和观众们甚嚣尘上的烈日和强光中，一些不求大只作专的所谓小成本小体量电影，也常常能带给眼尖和心细的观众们不错的大银幕观影之旅，不错的感受甚至是享受。

从片名上看，《爱情不等式》并没有太过显眼的特点和优势，却透着那么一股平平淡淡的凡尘之感。可随着影片开画的那一瞬间，烟波浩淼般的江南美景，貌美温婉的主人公的真情，爱情和着案情的悬疑四起，再加上浓重的弱势群体在纷繁社会里的遭遇种种不公……让这道“不等式”不仅仅是在单纯的爱情上遭遇着不幸和难题，更在道德、法律、公理、伦理，甚至人性等方面忍受着频频刺人心底的疼痛！

爱情、悬疑、犯罪、剧情等多种类型，在编剧和导演的合力下，在这部小成本片中表现出颇为成熟的卖相。几位主人公，或被爱情引领着自“黑暗”走向“光明”，或被欲望催促着从“光明”陷入“黑暗”……这里的“黑暗”和“光明”缘何都用了引号，看过影片的观众自会明了。盲人姐妹花的善良，与快递员“小老头”以及画家女友等人的鲜明对比，堪称影片最有力的表达，让善与恶、黑与白的矛盾冲突更富有张力。而对于弱势群体的关注，《爱情不等式》也在江南美景的映衬下，做足了写实加超现实的创意功夫，美和丑的摩擦、碰撞，甚至是在罪恶与犯罪的阴谋和工艺里纠葛出更具力道的表现。另外，叙事手法与剪辑的成熟，也看得出创作者的用心和谁在所在。

从浪漫的角度看，《爱情不等式》对于爱情的描述恰到好处，盲女与画家的邂逅，以及如“隔世”般唯美的恋情，不亚于诸多成名作的经典桥段。尤其是江南弱女子的温婉柔情，在姐妹花怀春诉衷肠的节奏里，更有那么一股股浓浓的蜜意。真实如邻家妹般的演绎，也处处见出演员高洋的特点和优点。

从悬疑和犯罪的角度看，影片则在爱情的基础上打出了一手商业好牌。屡行不轨的客人、争风吃醋的画家前女友、窥探的医生、正义的律师……盲人按摩师遭欺遇凌，盲女“强奸”植物人，弱势群体的法律援助……种种无法回避又难以解决的社会问题，甚至上升到犯罪层面的尖锐话题，不仅加重了全片的悬疑指数，还让《爱情不等式》的层次也高了不少。留给观众的不仅是看客身份的咂舌，更有参与或身临其中的困惑和困扰……

最初吸引我买这本书原因有两个：一是佐藤健主演的同名电影；二是因为故事发生的地点是311地震的重震区，也是我格外想去的一个城市——仙台（因为羽生结弦，对311和仙台多了一份情愫）。由于内地还未出版，而我的日语水平也不够啃生肉小说，所以选择购买了台版的小说（看过台版...  (展开)

让我思考下如何祭奠我的35块电影票钱，鸣锣烧香撒纸钱均不能平复它们的幽怨。
先点个题，我想象中妖的样子大概是这样：
写实点呢是酱紫

写意点呢是酱紫
我在word上写完发现豆瓣影片粘不来图片，只好贴去相册了。有兴趣的可以看看是不是和我一个审美。

事实呢证明我的确是没有想象力，太忠于古代神话故事，没有和西方接轨

这个故事是这样的。
一脸香艳妖精色的书生寒窗苦读为功名，那日便遇雪女共赴巫山，然后爱得忘不了忘~不~了~之后书生被暗箱行贿黑了一把没上榜（他竟知道是被黑！），冤屈难诉一头撞墙挂。
张大仙把他的魂捞了差使他各种斩妖除魔，终极任务包是领取魔界之灵，面上的说法是换人间以魂魄，内心肚肠是要一统三界。
书生开始打工打得很尽责自嗨，后来在雪女及魔王指引下发现真相如此不能忍，奋起倒戈，诛仙成仁。
所以大概是那么两条线：骗局线和爱情线。非常简单直通片尾。

片头张大仙就说啦，必须斩除心魔方能得道。
但是钟馗的心魔在哪里在哪里！我们起初一心圣贤书的激情，之后一腔斩妖魔的热血，哪一次不是直抒胸臆毫无他念。唯一一次劈腿二次元爱上一枚妖精，你特么要是不指挥我们去拿那团石头，完全是没有后话下文的一次出轨而已啊。
所以钟馗搞不清楚了，悲愤了。魔王二重身给他加持，委以重任，分分钟就把前老板给劈了。
骗局线闭环。
雪女大概是翻牌子来的钟馗家，十分莫名，之后爱得也很莫名。被派遣来失物招领的时候从装不认识钟馗到全身性投入毫无衔接嘛。你学韩剧搞个失忆环节，云雨之后陡然忆起也可以嘛！现实生活中是有这种纯内心戏的，纠结，困顿，欲罢不能，最终臣服内心。但不能只在演员内心演啊，况且你找的还是完全没有表情的冰冰李。
然后么夫妻档了。一般这种时候，不死一个不足以平息导演内心的献身欲。雪女嘴上说我陪你去，肢体上抢先去打前阵，不出意外之炮灰。其实这段真的没必要，电影已经支离破碎成这样，好歹给一个happy ending来团圆。不是说，转世之日到了吗？你家相公立下如下汗马功劳，一定特批一个成仙红包啊。真伤心。
爱情线结扎。

好了别伤心了，我们来看下演员。
最适合演妖精的那位，在演钟馗。导演其实很清楚这一点，于是给了个魔王分身，最后去和钟馗合体。
厂花依旧是妖媚的顶峰，他在这部戏里人格比较分裂，所以表演也比较分裂。时而铮铮铁骨，时而吊儿郎当，时而大彻大悟，时而筋脉尽断。我宁可相信是剪辑的问题，不然，我大坤怎么可能所有表情都那么没有铺垫！随便找个分镜，抬头见那不是明月，而是老婆在封金字塔时，那悲怆绝望，完全是个摆拍啊我哭。
冰冰不是不适合演妖精，而是不适合演小妖精，就是那种种满感情戏的。她适合演聂小倩的的树精老鸨那种，七情六欲不再的坚（性）韧（冷）妖精。妖精最爱化身女人，魅惑人心，不然怎么是磨人的小妖精。一张P得毫无肌肉的脸，一双无烟波流转的眼，我还是爱你身边的妹妹们。
吉克隽逸是首秀，倒是蛮帅气的一个蜥蜴精。只是到底没经过训练，一说话就气场尽失。绷得很紧，看起来很重视这次演出。
赵文瑄曾经是我心中唯一能被称为“男子”的男人，此番演大反派，奸相毕现，的确很是猥琐。毁的是神编剧的神台词，认真点好吗？做法的唱词还不如好歌曲的原创，给民众开动员大会时竟然还展开怀抱说我与你们同在...编剧你是基督徒哦。
包贝尔和杨子珊酱油打得比较稳当，没摔瓶子。

接着是服美道的槽点。
我猜公开成本上特技应该是花了大价钱，整出个竭力向钢铁侠环太平洋靠拢的阵容。群魔都是自带熔岩的黑色体，包括魔王这个向羊年致敬的牡羊座怪；女主魔雪妖来自学艺不精的迪斯尼，为情所伤在冰面上极速前进的时候简直惊呆了；可能确实是技术跟不上，钟馗魔身的动作做得很生硬，连那个麒麟的胡子，都是不带飘动的。
也有做得不错的，比如那只籠蛭（long字找不到，替换下），出自《山海经 东山二经》，状如狐，而九尾九首虎爪，音如婴儿。描述看来，比较接近原形，也是从妇女肚子里窜出来的。当然说它做得好不是因为有据可循，而是整体奔跑脉动都比较流畅，有点妖气。
魔界天庭走的都是魔戒霍比特路线，没有中国特色，比较意外。
西域女子的服装太可怕了，分分钟被大唐皇族灭了的节奏。你一个首席歌舞伎，如此盛装华服真的好么？高冠大袍绣春刀，武媚娘要气死。我知剧组经费无畏燃烧，也知裁缝需要打广告，但能不能换个方式嘛，外国舞者的裙子蛮可以做得很吸人的！不过当我看到雪女的包头带帽白纱袍的时候我操的这份心才算死了。

其实拍个电影出来不容易我知道，但更不容易的是如何用好的内容去支撑电影，而不是靠大公司大卡司大IP糊弄观众（当然可能观众也挺乐意的）。
前几天和一个作者聊天，她更苛刻，和我批了半天的《后会无期》那电影，一副要为国内电影去死的态度。当然了，审查制度技术标准产业链不完善大众口味这些都会成为影响电影质量的要素，不知今后会不会也兵分两路，你上你的院线捞票房，我打我的游击赢口碑。

我骂完了，你们骂我吧。

这篇影评可能有剧透 通常情况下，我在选择电影前先会关注豆瓣评价； 我是觉得豆瓣里写影评的都是高水平专家；毕竟每个人都是评论家； 看到4.6；其实我当时还挺兴奋的；但这次我真是掉坑里了。 上来敲字，只为了对一部电影骂街；这不是我擅长的风格； 但这个评价会让更多人掉到坑里去； 首先说这部...  (展开)

这篇影评可能有剧透 剧情简介 · · · · · · 经在20世纪90年代以“威士忌大盗”绰号而名声大噪的阿提拉·艾姆布拉斯，在1993至1999年间曾先后抢.劫28家银.行、邮.局和旅.行.社，抢.劫.金.额累计达到1.96亿福林（约4000玩人.民.币）。艾姆布拉斯被冠以“威士忌大盗”的绰号，是因为他在抢.劫行...  (展开)

宿醉三部曲实际上就是wolfpack四人组中的三人给麻烦制造者Alan的擦屁股史。

Alan是wolfppack中的不安定因素同时也是活力所在，他不断地把小伙伴们拖入麻烦漩涡之中，这个42岁的青春期男孩是宿醉三部曲的肇始者，也是宿醉的终结者—在他遇见了一个天使般的女孩之后。

只要Alan不长大，宿醉的故事就将不断重演，作为宿醉系列的最后一部，本片很负责任地把Alan投入婚姻之中，让他展现出了一点点长大的迹象。从此wolfpack聚会就是“每周二打打保龄球”，多么温馨，多么循规蹈矩，多么乏味。


片尾四人走进光里，导演托德飞利浦似乎在说：再见wolfpack,再见青春期。

黄昏里一盏明灯:他们在岛屿写作
文 / 蒋斐然

“是谁传下这诗人的行业，黄昏里挂起一盏灯”。

在这文学阅读日益衰退的年代，《他们在岛屿写作》挂起了黄昏里的明灯。

我们不禁感叹，台湾啊台湾，台湾啊台湾。看似被政治力搅和得乌烟瘴气的台湾，看似民风日下乐娱表浅的台湾，却从不叫人真正失望，因为在这个岛屿的某个角落，某个时刻，总是不期涌现这样那样充满力量的的影音创作与文学记忆，无法被乱流冲走，无法被历史埋汰，让人重新坚信美好的存在。这个市井与纷争的小岛，像极了春秋战国时期的中国，乱力之下有自由，自由之下放百花。

他们在岛屿写作。他们是谁？“他们”指向的是一个漂浮游移却隐然成形的时代群体，既有历史时间的距离，又有美学感性上的回眸。“岛屿”作为一种历史地理的指称，潜藏了在地思考的逃逸路径，跳脱省级，无关统独，抛却了僵硬的国族符号，抛却泛政治化的情感动员。而“在岛屿写作”则形构出一种当下此刻的书写进行式，贯穿过去与未来，以写作的创造性能量，标记岛屿之浮光掠影，“岛屿写作”，让岛屿不先于写作而存在，让“写作”无法离开岛屿而成立。

六位文学大家，来自四面八方，出生地殊异，成长地殊异，但都在岛屿写作，都在书写岛屿，都在以文学书写作为逃逸陈规范式的路径。值得思考的是，其中的几位作家都是从大陆过去台湾的。余光中曾这样描述他所经历的地方：大陆是母亲，台湾是妻子。何以母地的生子都绽放在他乡的爱情里，而后又缱绻于怀乡的诗情里。不论时事，搁浅政治，但省两地的人文落差，便叫人戚戚。

《他们在岛屿写作：文学大师系列电影》创造了文学纪录片的一个奇迹，成为去年台湾一个重要的文化事件，让人唏嘘之余感到欣慰——还好，文学还在；还好，读者还在。这套影片的奇迹在于，它以非凡的诚意打动了六位文豪的联袂出镜，以纪录片的预算制作出了电影规格的影像，以文学电影的姿态站上了公映院线，以低调的妆容赢得了高调的票房和口碑。虽非商业片，却敢于挑战观众的口味，不得不敬佩，作为发行方和制作方的目宿媒体确实具有过人的胆识和先天下之忧而忧的人文情怀。但谁也没有想到，在这样速食消费的年代，悠长缓慢的诗歌又唤起了人们心底对文学的柔软记忆，真诚朴质的影像挖掘了字里行间的乐趣，拉近了观众与诗人的距离，抵抗了阅读衰退的忧虑，这表明不管时代怎么变，人性最初的那份纯洁与美好是不会消褪的。

你看到诗人的生活，看到他们作为一个人是如何存在，然后你突然就读懂了他们的诗。比如，我看《化城再来人》时非常惊讶，或许之前听说过在武昌街摆书摊的周梦蝶，但并不知悉他原来人如其诗，早已老僧入定，生活作诗仿如修行。再如余光中先生的诗应该为大陆观众所耳熟能详，但在纪录片《逍遥游》中，我才完全地尝到了乡愁的滋味，也才明白之前脑海里的余光中并不是真正的他，他的诗我也并非真的懂。这不就是纪录片的意义所在吗，带领观众进入和理解一个未知的世界。

《他们在岛屿写作》成功了，在台湾，第一次有这样的纪录片能够在院线联映五周之久，怀揣着所谓的传说中的“纪录”与“文学”两大票房毒药，却眼睁睁地火爆了市场，成为一种奇特的现象。不论是文艺界还是非文艺界，都不断有仁人志士站出来鼎力相荐。张艾嘉为首映站台，马英九看后将预告片投上FACEBOOK大力夸赞，又有多少民众一看完片子，就涌起一股满满的冲动，奔向书店购买诗集。也就是说，人们又开始读诗了。这难道不是最大的奇迹吗？

若说以上是电影之于文学的奇迹，是电影为文学的普世化和复兴作出了贡献，那么反过来，其实文学也同样滋养了电影。《化城再来人》和《如雾起时》的导演陈传兴说，文学总能给电影注入大量新鲜的内容。文学电影的类型在亚洲尚未流行，在世界范围内，其实BBC早已拍摄过很多系列的作家纪录片，美国的大学也设有文学电影的课程。但在整个大中华地区，《他们在岛屿写作》是第一个做这件事的人，若这一波电影的佳绩能兴起整个文学电影类型在亚洲的发展和崛起，那就丰富了我们的电影市场和电影创作，不论对影人还是对观众，都是打开了一个多元化的出口。从纪录片的意义上说，也是对纪录电影创作现状提供了一种激活的可能性。当然这需要所有人的协助和推广，而我们，正是在做这样一件事。

在宝岛，有人在努力的保留纯文学的火种。而中国大陆，也曾像这个岛屿一样，经受过动乱对文学的摧残，如今却少有人以主动的姿态践行对文学的热爱。但我相信，这里同样潜藏着一大批坚定的文学青年，而台湾文学正是他们成长路上的重要养分，只是在这样的时代背景和社会风气下，他们选择了隐藏这份欲说还休的炽热。此番在HAFF能够一瞥这些文学大师在银幕上巨大的身影，必定会振奋这群长久遭边缘化的文青的心。而那些许久未拾书卷的人，或也会在看完这一系列的电影之后，重新回归读者的身份。另一方面，也是给大陆电影单一乏味的商业趋同提供一种反思，为食之无味的观影市场注入一剂新鲜的青草味。这里的观众已坐在黑暗的影厅里等候许久，等待着在大荧幕上看到不一样的电影，等待着在从电影里找回久违的感动，等待着恢复封存多年的文艺味蕾。

《两地》分属的风景

《他们在岛屿写作》展现出的是影像威力下的时代感性。

六部电影有叙事结构上的繁复，有影音调度上的别出心裁，更有美学与伦理上的巧妙幽微。有别于传统“作家身影”的拍法，六部纪录片的每一部片都有两个创作心灵的呼应与頡抗，一个是使用文字的作者，一个是使用影像的导演，彼此之间的微妙张力，让影像不再是文字的二次表述，让文字跳脱怀旧氛围，重新展现当代感性。

《两地》，台北和北京，台湾和大陆。此片在构思上颇有深意的地方在于，导演杨力州在片中彻头彻尾地将“两”的概念诠释到底。他将林海音的女儿去北京探寻母亲旧地的过程拍下来，与早前林先生自己去北京寻访的影像并置，两次的镜位和路线都很相似，甚至女儿和母亲都问了一些一样的话，由此两两相望的感觉就浮现了，暗示着代代相传，也暗示着两地纽带不断。配乐师柯智豪为了呼应“两”的概念，将俄系与欧陆两大乐种的旋律和节奏调配在一起，但其实所有场景的主旋律又都暗藏着《送别》的音符，因为它是此片音乐的主轴。剪辑上也频繁地展现出两两对立的撞击。比如说，叙事说到了林海音先生因为刊登了风迟的文章而被免职时，画面首先是当年“文学须服务于政治”的宣导片最后会场鼓掌的一幕，紧接上的就是严肃沉重的字幕，告知观众，在这个掌声底下，林海音被免职，在这个掌声底下，风迟被判三年六个月的徒刑。像这样的例子比比皆是。另值一提的是，《两地》中有大量的动画。动画部分并不疏离出戏，它是精致温馨的，因为原画取自于林海音最喜欢的关维兴水彩大师的插画《城南旧事》，而京剧的实现方式又让人感受到这个在老北京发生的故事。我看完动画的感觉是，跟林先生的世界又近了一步。《两地》也采用了不少稍显矫情的特效渲染手法，比如翻页的老报纸配上动态的新闻报道，这些是刻意、煽情而炽热的，而纪录是淡然、诚实而冷静的。导演也意识到了这一点，所以有意时不时地曝露一些“穿帮”镜头，或是让摄像机入镜，或是保留一些晃动不已的画面，为的是将观众从故事中推出去，回归纪录的客观姿态。

《化城再来人》的一天

《化城再来人》时长163分钟，六部中最长的一部，以我浅见，也是最有深度的一部，也可以说是最靠近电影的。它的叙事定点有如《尤利西斯》，一整部纪录片讲述的是周梦蝶的一天的回忆，但叙事线条并不单一，其中叠合了回忆的多重时间点，显示出周公本身性格的复杂性。第一次看这部纪录片的时候，令人印象最深的是周公的声音，他一直在不紧不慢却又用力地嚼着他的诗和尺牍，仿佛诵读也是一种修行。

周公的诗中呈现的是一种不纯粹的语言，旧诗，禅诗或偈语，全部糅杂在一起，而《化城再来人》将这些不纯粹凝结在一起的纽带就是周公的声音，包括它的质感，快慢，节奏等等。而声音就是时间的另一个指标。我们听着周公的念白，就真真切切地体会了他那句“只有时间嚼着时间的反刍的微响”。导演陈传兴说，“周公平常说话经常陷入一种独白的境况，即便与人对话，对面的人于他而言也只是回声墙。而念诗的时候却大不一样，念诗的时候是他与他的诗对话，你观察他特写的脸，感觉声音在他好似山脉的一起一伏的肌肤上流动。”这本身就是一种梵文的心境，这种诵读是一种非人间的与神对话。除了周公的声音之外，潜伏在影片始终的另一个重要的声音就是水流的声音，当然是隐喻时间的纵向宽度，对于周公这样一日如一生的文人来讲，这水流声又添无限禅意。

完整看过此片的人绝不会忘记开头和结尾呼应的江面，那过去的江面要去向哪里，谁都无解，就像时间要流向怎样的未来，我们都无从知道。为了反应周公这样的犹疑而不确定的生活在在台北城里的“悉达多”，导演甚至将周梦蝶的淡水河比作印度的恒河，拍摄了两地的画面混剪在一起，有意让人分不清到底是淡水还是恒河。

全片的叙事非常从容，毫无夸张矫饰之处，但阅毕周公的印象已如烙印般深铭心中，那样的气质不只是“入定”或是“出世”可以简单形容，他可以随时对外界打开，也可以随时关闭。陈传兴将周公比作漏斗，外界的事物可以经过他的身体，然后完完全全地流过去，不留下一点残余。而《化城再来人》最出色的地方在于，他没有只顾着刻画周公这种外界既定的佛者文人形象，它呈现出了一个真实的人内心的矛盾，对男女情感的期待和纠葛，对宗教的坚定与不坚定，对人生取向的来回摆荡。比如周公谈三毛那段，我看到是觉得惊异又觉得真实。再如谈到周公去电影社看电影时，投影在斑驳墙上的影片是卡尔?德莱叶的《吸血鬼》（1932），那一幕讲述的正是一个男人救赎了女人，这样细腻的安排归功于导演对周公复杂性格准确而敏锐的捕捉。这其实是非常难的事情，因为周公不是剧本里被塑造出来的人物，而是创作团队在有限的时间里新认识的活生生的人。

此片的剪辑非常尊重时间上的连贯性，未有打动干戈，自然而有力，体现了纪录片剪辑最好的状态。尤其开头周公起床、吃面、上厕所、洗澡那一长段，几乎没有话语也没有配乐，非常漫长，但周公的生活状态和精神世界已赫然显现，因为时间在他身上本身就走得比较慢。同样周公所有讲话的速度和长时间的停顿也被充分地尊重，包括他偶尔瞬间入定而长久静白的沉默，动人深刻。

《逍遥游》是一出自由的纪录剧

《逍遥游》的特色在于有一个完整的剧本，陈怀恩导演是电影出身，拍摄的时候就有分镜了，因而系统性非常强，当然也有精心雕琢之感。片子定位在余光中四十岁左右“你不知道你是谁，你幻灭”的人生阶段的议题上，进而引出诗人一生不停地自我争论，与自我对话的主题。

由于是年轻余光中，所以有大量搬演的部分，用以再现余先生当年读书写诗的场景，是六部纪录片中编剧搬演最多的一部。除了搬演部分的编剧，他们也有让年轻的台大诗社成员热烈讨论余光中的诗这般的情景预设。所以这部纪录片其实采用的是比较剧情片的构思和制作方法，包括预设主题，到实现方式，都有许多企划的痕迹在里头，也就是说，是纪录内容在跟着主创走，而不是主创跟着纪录内容走。但这样的高控制力的企划对于观众来说还是有效的，观者能很好的进入故事，进入到导演预期的情绪里。旁白声音挑选和剪辑节奏都精心设计。比如《沙浮投海》这首诗是由万芳来朗读的，沙浮尸一个女诗人，这是一个女诗人投海自杀的故事，所以由一个悲伤的女低音来朗读就仿佛第一人称演绎了这首诗的故事。全片影像风格唯美写意，旁白的交错与视觉搭配，就已经奏出一曲漂亮的诗歌。

《如雾起时》是一曲哀歌

《如雾起时》拍郑愁予，同样出自陈传兴导演之手，但与《化城再来人》是完全不同的调性。我觉得《如雾起时》是一曲哀歌，它的气质是比较沉重的，是围绕着诗与历史展开的。比如他采用了大量客观性陈述的旁白，选取了一个低沉的女音代表一个第三人的角度，一个在故事之外的全知全能的角度，讲述一些关于诗人的事实。

全片的架构清晰可见，前半部分比较男人戏，有很多史料影像，回顾诗坛文坛的几次论争，而后郑愁予结婚成家，影像转到了非常有生活气息的家的空间里，转到了美国的宁静薄雾里，转到了郑先生夫人和其他几位女性知识分子的视角里。这种性别视角的转移与时间线性的发展相吻合，不知不觉中也就完成了影片气氛的转变。另外一个转变是相对于主人公的镜头机位的转变。开片访问郑愁予的一幕是在小河边的一个推轨镜头，镜头一直处在诗人的背后方，随着叙事的展开，机位慢慢地转到传主的正面，观众对郑愁予的认识也慢慢加深。

陈传兴对很多意象和动作都有非常主观而深层的解读，但全片的影像还是采取了一种比较遥远的观望姿态，并未作过多注脚。在《如雾起时》里，他更多的是在呈现一种诗的历史，所以前半段使用了大量史料报章，蓝星旧刊等过去的实物来目击历史。后半段是郑愁予在美国的工作和生活，于是出现了毕业证书，学位证书，荣誉证书等见证物。这些统统被端端正正地放大在镜头前，诉说诗与历史的关系，因为历史说到底是以一桩桩的事件来标记的。

影片前前后后充满了呼应和对照，比如美国1970年爆发的反越战学潮的新闻影片和保钓行动的影像都对照了台湾50年代八二三炮战前后肃杀和动荡以及六七十年代中国的文化大革命的激进。陈导有意识地在用各种方法加重片子的严肃气氛，呼应那个时代的沉重。比如全片处处有字幕（侧标），有的是史实，有的是观点，有的在黑幕时出现，有的甚至就打在人物脸上。而这些侧标字数多，速度快，观众根本来不及读完，而导演就是有意为之，有意让你负荷过重，从而体会那种硬质的沉重。但有时，你不得不承认，陈导因为将其丰厚的艺术电影的涵养都呈现在画面里，其中的深意和过多的隐喻并非一般观众能够消化领悟。

《寻找背海的人》是现实主义的浪漫纪录

林靖杰导演的《寻找背海的人》是极具现代性和艺术性的一部纪录片。王文兴本身是现代主义风格的作家，因此影片呼应这种形式上的对接是非常恰当的。

《寻找背海的人》有非常细密的线索和严密的架构，也有很多创举和巧思，属于比较非传统的纪录片。因为王文兴是小说家，为了将小说的故事诉诸视觉，林导干脆将《家变》改编成了一个十足现代性的舞台剧呈现在片中。另一个构思是“牢房”，王文兴将其每日写作的那间房比作牢房，林靖杰就拍摄了他在牢房里的真实写作过程。这对于作家本身来说是不易的，要做到放松地在摄影机的监视下工作。对于导演来说也是不易的，因为其间需要大量的磨合和沟通。最后呈现出来的那种真实的状态是令人动容的，当你看到作家握着笔竿不断地敲打着桌面和稿纸的时候，你也能感受到他正在敲打自己的灵魂。再如此片的动画，明显区别于其他几部片中的动画，实验性很强，像《草原底盛夏》有着超现实的调性，《背海的人》和《星雨楼随想》则有着十分先锋的气质，单独拿出来看，都已经是很棒的作品，所以整个片子的完成度也就显得非常高。配乐非常吻合王文兴的文学气质，有苦涩沉闷的味道在里头，尤其是动画的配合，充盈着机械主义的幽默和残酷在里头。

这六部电影虽然出自不同的导演之手，风格各异，但在整体上竟然也呈现出了巧妙的统一性。影像画质都很相近于5D Mark II的风格，都采用了读诗和念白的手法，也都围绕着作家本身展开叙事，配乐几乎一致地采用了无调性的现代弦乐，非常贴合诗文的气质。这一套非常高质素的文学纪录电影，值得每一位电影观众和文学读者细细咀嚼和珍藏。

《朝向一首诗的完成》是个未完成的朝向

《朝向一首诗的完成》取名于杨牧《一首诗的完成》，但杨牧认为，从泛义来讲，写诗并没有完成，何不加上“朝向”二字，于是有了“朝向一首诗的完成”。此片是温知仪导演的，是六部片中唯一一部由女性执导的片子，十足的女性色彩，手法比较阴柔。这当然也是女性导演的一个特色和优点。

影像部分印象比较深的是介绍反越战的《十二星象练习曲》这首诗时搭配了现代舞和越战资料重叠的画面，非常柔美和实验，我觉得这是男性导演绝对不会采用的手法。影片有加入搬演的部分，由一个小孩子来演绎杨牧小时候在花莲的时光，也有像《两地》一样，采用动画来诠释杨牧的诗歌，也做了很多跟杨牧先生有关的人的访谈，这些都是纪录片常用的实现方式。诵诗部分请来了很多其他诗人和学生分别念诗，寓意杨老师的诗影响了世世代代的人，但影片是以杨牧先生自己朗诵自己的诗作为影片的开篇和结尾，听来叫人非常感动。这部片子跟其他五部片子一样，很好的一点在于，他们把重心放在诗人本身上，而并非单单在他的诗作上，于是整个片子就很贴近诗人本身的气质。

A Beacon in the Dusk: The Inspired Island

Jiang Feiran

“Who left the profession of writing poetry, hanging up a beacon in the dusk”.

This generation witnesses a gradual decline in reading literature, The Inspired Island hangs up a beacon in the dusk.

We cannot help sighing with emotion: Taiwan, oh Taiwan; Taiwan, oh Taiwan. Taiwan, which seems to have been polluted with a foul atmosphere by political power and filled with a decaying folk custom and a superficial entertainment circle, never truly disappoints people, for at a certain moment from a certain corner of this island, there would always unexpectedly spring up some powerful video or audio creations and literary memories never washed away by turbulence or weeded out by history, bring back people’s belief in the existence of beauty. This island, with its marketplace culture and disputes, resembles the old China during the Spring and Autumn Period, showing in the turbulence freedom, under which bloomed all flowers.

They are writing in the Island. Who are they? “They” refers to drifting but invisibly formed generation group, which boasts not only a historical distance, but also an aesthetic and emotional back-glance. “Island”, a historical and geographical nominatum, conceals an escaping path of thoughts regardless of provincial class, unification or independence and discards the rigid national symbol and politicalized emotion movements. And “writing in the Island” forms a current proceeding of writing what connects the past and the future, skimming over the surface of the Island with the creative energy of writing. “Island & writing” makes “Island” exist not prior to “writing” and “writing” unable to exist without “Island”.

Six literary giants, coming from various backgrounds with different birthplaces and places where they grew up, are all writing in the Island, writing the Island, and escaping from the stereotyped forms by writing. What is worth thinking about is that some of them all came to Taiwan from China’s mainland. Yu Kwang-chung, one of the six, once described the places where he experienced his life: China’s mainland is the mother, while Taiwan is the wife. How come that children born in the mother’s land are blooming in the love of a place away from home, and then deeply attached to the nostalgic poetry? Regardless of the current events and the politics, only the cultural divergence between the two places could already make people sorrowful.

The Inspired Island: Series of Eminent Writers from Taiwan is a miracle of literary documentaries, making itself an important cultural event last year in Taiwan and bringing delight to sighing people—it is well enough that literature and readers are still here. This miraculous documentary aroused the feelings of six literary giants with extraordinary sincerity, made the image with the form of films by using the budget of a documentary, released to the public with a literary attitude and won a high box-office and a great reputation with a plain appearance. Though not a commercial film, it delivered the courage to challenge audience’s taste, which irresistibly generates our admiration for Fisfisa Media, the issuer and the producer, for its super courage and selfless humanistic feelings. However, it is out of all people’s expectation that it this age of fast food consumption, long and slow poetry has re-aroused people’s tender memories for literature, and sincere and simple images have excavated the interest among the words and between the lines, shortened the distance between the audience and poets, and resisted the worry of reading decline. This indicates that in whatever way the times changes, the original purity and beauty of human nature would remain unfading.

You would suddenly understand their poems by observing poets’ life and their ways of existence as a human. For instance, I felt rather surprised when watching The Coming of Tulku. Perhaps I had already heard about Chou Meng-tieh who had a bookstall at Wuchang Street, but I did not know that he was just like his poems, regarding life and versifying as cultivating himself, very calm and without worldly passions. Also, the poems of Yu Kwang-chung must be very familiar to readers in China’s mainland, while it was in The Untrammeled Traveler that I came to fully sense the nostalgic feeling and came to realize that the Yu Kwang-chung existing in my mind before was not the real him and that I never truly understood his poems. And this is where the significance of documentaries—leading people into and then to understand an unknown world— can be found.

The Inspired Island was a great success. In Taiwan, it was the first time for this kind of documentaries to be shown in cinemas for five continuing weeks. With so-called two poisons for box-office, “documentary” and “literature”, it became surprisingly hot in the market, marking a miraculous phenomenon. People with lofty ideals showed their great recommendation in succession, no matter from the literary and art circles or not. Sylvia Chang, an actress, showed her support by attending the first run; Ma Ying-jeou, the Taiwan Leader, posted the prevue onto the FACEBOOK after watching it and revealed great appreciation; many other people, after watching it, all flooded to bookstores for collections of poems with enormous passion. In other words, people begin to read poems again. Isn’t that the biggest miracle?

If the aforementioned is the miracle brought to literature by films or the contributions made to literature’s popularization and rejuvenation by films, the following could be regarded as the nourishment that literature has in turn provided for films. Chen Chuanxing, the director of The Coming of Tulku and Port of Mists, said that literature could always inject abundant fresh content into films. Viewing worldwide, we may see that BBC has produced many series of documentaries for writers, and there are also courses on literature films in American universities, but literature films are still not popular in Asia. In the whole Great China, The Inspired Island was the initiator of that. If this achievement can generate the development and expenditure of literature films in Asia, it would enrich our film market and film creation, opening a diversified exit for both filmmakers and the audience. Viewing from the significance of documentaries, it would also be stimulus for the current creation of documentary films. That surely needs all people’s support and promotion, and this is what we are exactly doing.

In Taiwan, some people are striving to keep the kindling of pure literature, while in China’s mainland, where literature once experienced similar damages due to turbulences, there are few people initiatively practicing love for literature. But I believe that there also incubate a multitude of literary youths, and Taiwan literature is the very nutrition during their growth. It is just that under this background and social morality, they choose to conceal the fervor of keeping what they are eager to express. This time, a glance of the greatness of these literary giants on the screen during the HAFF would surely inspire those literary youths who have long been undergoing marginalization. Also, those who have not read for long would probably win back their identity of being a reader after seeing this series of films. On the other hand, it also provides an introspection for the dull, stuffy and commercialized films from China’s mainland, bringing the tasteless film-seeing market fresh energy. The audience here have long been waiting in the dark video halls for showing up of “different” films on the screens, for the long-awaited touching affection from films, and for the recovery of artistic taste that has been sealed up for years.

The Separated Sceneries of Home in Two Cities

What The Inspired Island reveals is the emotion of times under the power of images.

The six films boast complexity in narrative structures, uniqueness in video or audio adjustments and wit and profoundness in aesthetics and ethnics. Unlike traditional filmmaking of “writer’s silhouette”, each of the six films has two creation souls echoing and clashing with each other. One is the author who uses words, and the other is the director who uses images, both of whom show subtle tension between each other, making images not just the second expression of words and words jump out of the nostalgic atmosphere and display the modern emotions.

Home in Two Cities refers to Taipei and Beijing, and Taiwan and China’s mainland. This film delivers profound meaning in its meditation that Yang Li-chou, its director, made a complete interpretation of the concept of “two” throughout the film. He photographed the process of Lin Haiyin’s daughter’s visiting her mother’s former site in Beijing and then co-arranged the image of the earlier visit of Ms. Lin herself. The two shoots were quite similar in both camera locations and routes, even the daughter and the mother both asked some same questions, as a result of which the feeling of the two shoots’ echoing emerged, suggesting the transmission from generation to generation and the strong connection between the two places. In order to echo with the concept of “two”, Ke Zhihao, the background music controller, mixed the melodies and rhythms of Russian and continental music, while the themes of all scenes conceal the note of Seeing Off, which is the principal axis of the music of this film. Also, collisions are frequently seen in the editing of the film. For example, when it came to the narration that Lin Haiyin was deposed for publishing Fengchi’s article, the frame was at first the applauding scene in the meeting place of the guiding video of “literature should serve the politics” in those days. What followed was solemn and serious subtitles informing people that it was behind these applauds that Lin Haiyin got deposed, and it was behind these applauds that Fengchi was sentenced to three and a half years. Examples like this can be found everywhere. Another point worth mentioning is that Home in Two Cities possesses many animations, which are exquisite and comfortable and not isolated from the film, for the original painting was taken from My Memories of Old Beijing, Lin Haiyin’s favorite illustration by watercolor master Guan Weixing, while at the same time, the realizing approach of Peking Opera can make people truly feel this story that happened in old Beijing. I felt I was closer to Ms. Lin’s world after watching the animations. Besides, Home in Two Cities has adopted quite a few such slightly affected depicting approaches with special effects as matching dynamic news report to the page turning of old newspapers. This is deliberate, sensational and fiery, while documentaries are indifferent, honest and calm. Having realized this, the director deliberately revealed some “goof” scenes now and then, either showing the camera in the scene or keeping some shaking scenes, the purpose of which is to push the audience out of the story and back to the objective attitude of the documentary.





The Man behind the Book is a romantic record of realism

The Man behind the Book directed by Lin Jingjie is a documentary with both modernity and artistry. Because Wang Wenxing is a writer of modernism, so the film is very appropriate to echo this form.

The film has the detailed clues and rigorous framework, and of course, there are a lot of initiative and ingenuity, making the film a non-traditional documentary. In order to transform the novel into a visual story, the director simply adapted 《Festen》into a modern drama presented in the film because Wang Wenxing is a novelist. Another idea is a "cell", Wang Wenxing compared the room where he writes everyday to the cell, and Lin Jingjie shot the writing process of him in the cell. To be honest, being relaxed in front of the camera is quite hard for the writer. And it’s same for the director, since it needs a lot of communication. The scene of writing presented finally is touching, when we see the writer holding the pen beat the desktop and the manuscript, we can feel that he is beating his own soul. As to the animation in this film, it is significantly different from several other film animation, It is experimental. 《The summer at the foot of the grassland》is realistic,《Find the man back to the sea》 and 《Capriccio at Star Rain House》 just like a pioneer. Take them apart, they are all great work, so the whole film is of high quility. The soundtrack suits the literature temperament of Wang Wenxing, it has the sense of dreariment, with the animation, it impresses us with the humor and cruel of mechanical materialism.

Although this six films are directed by the six different directors, vary from style, they have something common on the whole. First, Image quality is similar to the style of 5D Mark II. Then, they all read poets or narration, they all tell a story about writers. Besides, they all use modern string music as the soundtrack, fitting the temperament of poem. These high quality literature documentary films deserve every movie audiences and literature readers experience.

Towards the Completion of a Poem is not a completed toward.

It is named from the work《The finish of poem》by Yang Mu. In his opinion, in terms of pan-righteous, writing the poem has no end, in other words, never completed, so why not add" towards "to the title, so we see this name. This film is directed by the WEN Zhiyi, the only woman in the six directors of these films, the film is relatively feminine. This, of course, is the feature and advantage of the female director.

What impressed me most is the introduction to the poem 《twelve astrological Etude》 about anti-Vietnam War. The introduction mixs the modern dance with the picture of Vietnam War ,it’s full of soft and experimental, I think this is the approach what male directors will never adopted. The film has the scene of performance, a child interpretated the childhood of Yang Mu in Hualien. The film also use the animation to explain the poem by Yang mu like the film Home in Two Cities, and lots of interview of the people related to the Yang mu as well, these are the common approaches of documentaries. A plenty of poets and students read the poems in the film, meaning that Yang's poems affect generations of people, but the director let Yang Mu read his own poems as the opening and the end of the movie, making us moved. The film focus on the poets rather than the poems they write, just like the other five movies, and that’s good. Thus the whole film is close to the poet's own temperament.

这篇剧评可能有剧透 看了一圈评论，似乎还没有专门讨论Dougie的。不知为何，刷完本季已经好一阵了，这个有点诡异的角色却总是在脑海中挥之不去，干脆一写为快吧。 当然，这里想重点说的是作为Cooper分身的Dougie，而非Dougie本人。 本季一共有18集，分身之后一直处在没有¨wake up¨状态，被人们当...  (展开)

    克里夫·欧文饰演的史密斯先生是我所见过的最爱吃胡萝卜的人，他的萝卜就像李寻欢的小李飞刀，从来不知道他从哪里掏出来的，即使是在厕所里。似乎影片中只有一处出现过萝卜商店，不知道算不算个交待。
    萝卜杀人毫不含糊，程咬金三板斧是“削脑门，扎眼仁，砍腚垂”，克里夫·欧文先生则可以穿脑门、插眼仁、投萝卜问路、当手指开枪……就差没拿萝卜爽妞了。
    以萝卜开头，又以萝卜结尾。想起保罗·吉亚玛提演的反派叫他“兔子先生”，当真是一点不错。
    现在才感觉克里夫·欧文不演007的确可惜了，泡妞、耍酷还有动作都不是一般的牛逼，至于空中枪战那一段，前任007布鲁斯南似乎也没玩过，前前前任007罗杰·摩尔玩得也远没有欧文帅。至于枪法，当然也是这部影片中比较神。以前看《局内人》，克里夫·欧文同样酷得要命，而且神龙见首不见尾，这种气质泡妞简直太合适了。
    影片中的对白很不错。这里录一点出来：
    1、——洗奶不干了？——我可不是女童子军了。
    2、——我是个英国老奶妈。我很危险。
    3、——你知道这种豪华车和豪猪有什么区别？豪猪的鸡鸡都是长在外面。
    4、——我是隐形炸弹人。
    5、——射那条狗！——不，我喜欢狗！
    6、——知道人们为什么喜欢枪吗？因为美国是个有希望的地方，枪能让穷人变富有，能让胆小鬼变成硬汉。
    7、——你是那个握着枪的胆小鬼吗？——不，我是手握胆小鬼的硬汉。
    8、——知道枪比老婆好在哪里吗？枪可以装消音器，而老婆不能。
    9、——我们从来都没想杀你，我们只想吓唬你。——哦，这似乎可以解释你们为什么总是打偏了。
    影片中的一些小情节也很有搞头。没有什么能阻挡英雄克里夫·欧文开枪杀人，即便是他在接生或者性交。用断手开加了指纹密码的枪。当陌生女人为教育儿子打屁股时，英雄冲出去主持正义当众打女人屁股。把枪当戒指套在美女手指头上。英雄的五指断指夹着四发子弹放在壁炉中烧，弹头射出命中反派。还有穿着露屁股装的修女、总是露着奶子的女尸、产妇工厂、爱听重金属音乐的婴儿、能开门的老鼠、太容易死的美国总统候选人等等。
    这是一个美国版本的《宝贝计划》，被手机中的老婆纠缠的保罗·吉亚玛提也像极了《杀破狼》中的洪金宝。当然，至于硬汉之硬实在无人能及克里夫·欧文，英雄大展神威之后，居然连仇家饲养的爱犬都能被他征服。当那条狗跟着英雄一起上路时，你不能不想起英雄在电影开始时说的第一句话：Fuck it！
   

先说结论：当年舌尖上的中国有多火多爆，中国版的“深夜食堂”就能有仆的多惨。

到现在为止，中国版深夜食堂评分2.3，并且还在呈下跌的趋势，近百分之九十的观众给出了一星的评价，而日剧版本则是高的可怕的9.2.

看着评分，我好像听到黄磊正在朝郭敬明发出怒吼：看吧！你的幻城3分是因为只有3分的实力，而我的深夜食堂2.3是因为最低只有1星！

近年来日剧被国产改编逐渐增多，虽说到现在为止几乎部部都是烂片，但是没有一部像深夜食堂这样崩的如此彻底。

老实讲其实这手牌并不差，蔡岳勋之前也是拍出白色巨塔流行花园的导演，主演黄磊虽说近日形象有些小崩，但还是有巨大的受众群，更别说原IP是国内最为出色知名的日剧，在豆瓣上有近十万的评价。

那么问题究竟在哪呢？我想是对“吃"这件事情的“实感”的破坏！而“吃”本身就是我们最大的实感所在。

民以食为天。吃本身就是最有烟火气，市井气的一件事，某种程度上也是最为神圣的一件事（满足个体延续的本能），下至三岁的懵懂幼童，上至九十九的耄耋老人，穷人们富人们，有文化的没文化的，谁都能出来说几句。

这件事甚至能超越文化的隔离，所以我们看着原版的深夜食堂，看着不熟悉的居酒屋，听着不熟悉的社会下的人们的生活，欣赏着不熟悉的美食，还是能通过剧中人物的动作和表情感受到最为真挚的感情，感受到人类对食物的满足，产生名为“幸福”的感觉。

中国版深夜食堂则是完美地破坏了这种食物带给我们的“实感”。环境，人设，故事，甚至是食物的错位在最大程度上阻止着我们产生共鸣。

这是在什么领域？？这是在“吃”这件事上呀！！

想象一下，你不能对炸鸡，对西红柿炒鸡蛋，对糖醋排骨，对烧饼，对粽子，对月饼，对你妈妈外婆老爹的拿手菜产生共鸣，还有比着更可怕的事情吗？？

然而深夜食堂做到了！！！

所以大家对吃这件事有多喜欢，对这部剧就会有多讨厌，再多水军也拉不回来。

再说了，你以为水军不吃泡面吗？？？


PS·最后想给深夜食堂客观地打一下分，既然舌尖上的中国9.3，中国版深夜食堂这么“反舌尖，反食物”，互补一下，0.7这个分数很科学了！有理有据，不服打我！


还有关于泡面这种食物果然还是寝室里8个人共分一碗面的时候最好吃了！