今年22岁的我是一名标准的90后，体验过“蛋蛋后”所不能体会的童年，那个时候是一个家家都有电视的年代，我们所有的孩子基本上一放学就冲回家打开电视机，干嘛？看动画啊！
　　那个时候由于国产动画水平有限，所以很多动画片都是由外外面引进的，《七龙珠》《四驱兄弟》《火影忍者》《名侦探柯南》我相信这些耳熟能详的大作和我差不多年纪的同志都应该看过，甚至是着迷。
　　后来随着时代的进步社会的发展我们国产动画慢慢的崛起，引进的动画慢慢退出了历史的舞台，现在电视上我们能看见什么？00后能看见什么？《喜羊羊》，《熊出没》。光这两就霸占了个大卫视，最猛的时候连着换七八个台都换不掉。我并没有认为这样是错误的，我只是为我门的后代担心，童年看动画是没个孩子都爱干且乐此不疲的，我们更希望他们能看多元化的动画，有教育意义且有深度的动画，这对一个孩子的成长塑造独立人格至关重要，国家不从外面引进自由道理，一方面能保护还在成长的国产动画，另一方面观众的评价能给动画制作者施加压力使之进步。
　　前两天被一个朋友拉去看了一个电影的点映，《莫日根之人熊大战》听说是个动画片而且口碑还挺好，将信将疑的就去了，顺便还能看看我们国产动画的水平发展到什么水平了。观影完毕，突然有很多话想对朋友说，可是不知怎么开口，有一种小时候似似曾相识感觉在我脑海回荡，这不就是我想看到国产动画吗。《莫日根》的整体制作水平说良心话不是很高端，可能是因为经费的原因。可是，我想说的是它吸引我的并不是它的画质而是他的内核，《莫日根》的导演是一个会讲故事的导演，片中所体现出来的内涵还是情节都是能震撼人的，故事的主线很完整清晰明朗，我觉得这完全可以弥补动画制作水平的缺陷。
　　故事讲述了少数名族人类与熊的感恩故事，公熊在森林里为小熊寻找食物，被人误会有攻击性而被误杀，小熊躲在树上目睹了一切，伴随着阴影长大，后来不断与猎人人类多次较量，后来遇上善良的女主成为了好朋友发生了一系列的故事…，总之此片不管在教育意义或者在性格上都很适合孩子的观看，就算时大人也看进去了，真心希望正式上映的时候能有个好成绩，小孩看完能学会很多懂得很多，大人呢去找回自己的童年记忆吧！

这篇影评可能有剧透 整场除了我，还有个小妹妹被妈妈送进来。她妈说：不管哪个人跟你说什么，坐在那里不许动，知道吗！ 很明显只有我这么个怪人。 她坐在第一排，我和她隔很远，想叫她往后排坐坐，就想起她妈的话来。如果能年轻20岁，我就坐她旁边去。一边看，她一边大声评论，激动处还站起来，我...  (展开)

这确实是我看的第一部中国立体的片子

当时很是震撼

一颗吊起的头在你眼前摇摇晃晃
飞舞的蝴蝶 美妙轮换 真的有用手去抓 可爱吧
因为当时的年龄很小 对这些都感到很新奇 很好玩

这篇影评可能有剧透 刚刚从墨尔本影展看完放映回来，憋了一肚子的话来捋一捋 因为错过了Call Me By Your Name的放映日，无意间扫到的同样作为headliner的LGBT影片BPM。看了一下预告，被紧实的配乐和男主的眼睛深深吸引而定了票。 全片144分钟，色调偏冷。其实我不太喜欢民间团体的运动的题材，电影...  (展开)

电影《小武》是贾樟柯电影处女作，影片中的主人公是一个小偷，故事的背景是九十年代的北方小县城，汾阳那样的小城放在现在依旧是一个无人关注的县城，贫穷落后可以算是标签性的东西，人们拿着几百块的工资，无聊地过着八小时的上班生活，闲暇时候打打麻将，玩玩台球，是大时代背景之下的边缘人群，而小武正是边缘人群中的边缘人，他有着自己的手艺，靠着自己的手艺生活——虽然这手艺让人不齿，国法不容，他是一个小偷。
影片的开头是乡下抽烟焦急等待公车的人群，画外音是赵本山宋丹丹二人转的声音，破旧的公交车之上塞满了行李，没有坐满依旧显得拥挤不堪，售票员挎着腰包去问小武收钱卖票，小武一句“我是警察”骗过了售票员，公车前面供着的是毛泽东的平安符，一边是曾经的国家权力中心象征，一边是现实的中国。其实，这个现实的中国，除了通货膨胀让人们的腰包看起来饱满了，并没有什么大的变化，现在乡间依旧是这样的公交和人群，赵本山依旧流行，汾阳一样的小县城在中国依旧比比皆是，依旧是北京这些大城之外的边缘地带，边缘人群依旧不疼不痒继续着自己的生活，只是小武一样的人依旧活在人群的边缘之中，茫然地游荡着。
小武是一个手艺人，曾经靠着四毛一分钱和哥们小勇一起从汾阳去了北京，可见他们的手艺是很棒的，手腕上的纹身是他们患难时期友情的见证，一条小龙、“有福同享，有难同当”纹在他们身上，刻在小勇家的墙上，他们渴望着不朽，可是刻在石头的名字“比尸首烂得更早”。小勇是一个聪明人，在改革开放的下海浪潮之中，他的“贸易”和“娱乐业”显然比靠“手艺”过活更能挣钱，事业更长久，县里劳模的嘉奖、电视台的歌功颂德无不是事业发展的见证。而小武依旧靠着手艺生活，随着“严打”的来临，小武的事业面临着更大的风险，在这种对比之下，小武与小勇的友谊破裂了，手腕的纹身也失去了意义，没有有福同享，没有有难共当，甚至于结婚没有了请柬，更甚至与拒绝来历不明的礼金。
在小武即将失去事业的时候，小武失去了心中最重要的友情！落魄的小武站在寒风之中的录像厅外，录像厅声音很大，路边行人无人关注，小武一个人发呆倾听，是周润发的《喋血双雄》……
当事业不顺、友情破裂的时候，爱情会适时出现，占据一个人落魄的心灵的全部，小武也不例外。只会吹口哨的小武来到了卡拉OK，认识了吴梅梅，满口口东北话的她长的有几分像王靖雯，在现实的摧残下，她知道自己的明星梦早已经破裂，只是在电话中必须欺骗着远方的母亲，公共电话旁，她谈笑风生，他紧锁眉头，两个没有明天的人，在一个不合法的契约之中，没有发生不合法的交易，产生的是一份暗涌的感情。她生病，拖着病体借来凉水，在水蒸气之中，满眼愁绪，在最需要温暖的时候，小武出现，他没有甜言蜜语，一个暖水袋足以让她感动，一曲王靖雯的《天空》之后，她躺在他的怀里，两个孤独的人互相找到了归宿一般的温情。
不会唱歌的小武在大街之上听《心雨》，在澡堂里大声学着唱着《心雨》，为的只是能和梅梅一起对唱，当小武和梅梅一起对唱《心雨》的时候，是小武最开心的时刻，在这个时刻，小勇让人退回了礼金，小武的友情彻底破裂，绝望的小武在和梅梅抱在一起的时候，找到了温暖和归宿。卡拉OK响起了《爱江山更爱美人》，此刻没有江山，只有美人，没有兄弟，只有爱情。
可是，一个小偷，一个妓女，这样的爱情是不可能长久的，终于，在小武学会的《心雨》之后，她不告而别，爱情从小武生命之中不告而别。

当友情破裂、爱情不告而别，小武的生命之中只剩下亲情。小武前一刻还沉浸在买戒指的欢喜之中，新西装、BP机，小武全身洋溢着喜悦和得意，一刻之后，小武再次落到生命的谷底，爱情不告而别，他还剩下亲情，于是，将承载爱情的戒指送给了母亲，可是三代贫农的父母并没有喜悦，反而是对于戒指含金量的怀疑。不过，它毕竟承载着小武生命仅有的亲情了。
小武的哥哥二宝回来了，抽的烟都变成了万宝路，女朋友也是城里人，主流人与边缘人的结合，给这个穷困的家庭带来了变化，父亲要求两个儿子每个人掏出来五千块给二宝，这笔钱在九十年代的农村绝对是大数目，辛辛苦苦好几年的积蓄也不过如此，那个年代万元户可是有钱人的标志，当然两兄弟不会同意这样的行为的。这样的事情依旧发生在现在的农村和小县城，可是凭什么城里人就得这么受待见呢？
抽万宝路的二宝领着女朋友回到了家里，很少吃肉的家里杀猪待客，承载着小武爱情和亲情的戒指就这样带在了城里来的姑娘手上，姑娘说，这是我妈妈给我买的，18K的镀金戒指。看在眼里的小武怎能忍受自己买来的求婚戒指带在别的女人手上，还被这样侮辱，小武去质问母亲，母亲继续隐瞒，最后换来的只是父亲的大棒！今世至亲，前世仇人，小武就这样被赶出了家，亲情在现实面前变得冷漠，小武生命之中最后剩下的亲情最终也变得黯然失色。
面临背叛的友情、无奈的爱情、冷漠的亲情，小武的灵魂无处可栖，他是一个活着的死魂灵！无家可归的小武，落魄地四处游荡，光天化日，小武再次施展自己的手艺，三四年没有被抓过的小武，这次被BP机出卖了，他被抓到了，更具黑色幽默效果的是，只是天气预报，不是小武心中最后一丝希望的梅梅。
被抓进去的小武并没有受到虐待，可是当做放松打开的电视却变成了另一种形式的虐待，当电视里自己的朋友接受采访兴高采烈为自己被抓落井下石的时候，他的双手被拷着，无法关掉电视，只能默默看完，看着身边的人群冷漠的面孔，这时候的小武失去了生命中的所有，——事业失败了，友情破裂了，爱情里去了，亲情冷漠了，他的灵魂死了！
看守所之外，凄凉的夜，一个不完美的声音，嘶哑地唱着屠洪刚的《霸王别姬》，小武不是霸王，虞姬早已远去，而这首当年的流行金曲，小武曾经口哨中的歌曲，作为小武对于友情、友情、亲情的告别曲，再合适不过，小武不是霸王，可是霸王当年身边依旧有虞姬，而小武的结局无疑更具悲剧意味。
最后的结尾并没有交代故事的结局，作为执法者但是又同情小武的郝有亮将小武铐在大街上，去办一些事情，并没有险恶的用心，可是当冷漠的人群站在小武旁边围观的时候，贾樟柯并没有给小武镜头，故事戛然而止，一群边缘人冷漠地围观这边缘人群中的边缘人……

在那个由男权组成的社会权力体系中，金夫人从没有放弃过对女性权益的争取，这其中最为著名的一次便是1973年她与前温布尔登男子单打冠军鲍比.里格斯进行的一场世纪性别之战。就在众人把这一场比赛看成又一次男性对女性的征服和羞辱时，金夫人用她的实力证明了，女性是应该被尊重...  (展开)

本帖参考整理天涯上的讨论帖，如有雷同，纯属抄袭！！！
http://www.tianya.cn/publicforum/content/filmtv/1/264334.shtml
http://www.tianya.cn/publicforum/content/funinfo/1/1572631.shtml
http://www.tianya.cn/publicforum/content/funinfo/1/1571145.shtml

爱情公寓第二季与《老爸老妈浪漫史》的对比视频。
http://v.youku.com/v_show/id_XMjQ0Njg1NjAw.html

一些对比图片
http://www.douban.com/photos/photo/410979836/
http://www.douban.com/photos/photo/410979861/
http://www.douban.com/photos/photo/410979870/
http://www.douban.com/photos/photo/410979939/
http://www.douban.com/photos/photo/410979974/
http://www.douban.com/photos/photo/410980308/

第1集 婚礼 是“借鉴”了后来莫妮卡操办菲比婚礼的桥段

第2集 所谓三浪真言以及使用纤夫的爱都是完全抄自金城武吴奇隆早年主演的《新扎师兄追女仔》

第3集 展博不知道姑姑被送到精神病院。还以为去“纳尼亚”了。
这和ross小时候他爸爸妈妈骗他说小狗送去农场了一样额。
还有相信圣诞老人。

第4集 曾老师和她上司在聊工作那段，“借鉴”了Monican和Chandler接待来访的收养机构的那个女工作人员 Joey非要闯进来的那段

第5集 变形金刚抬价的，应该有借鉴big bang里面的吧~ebay上自己抬价钱。

第6集 那个子乔的经纪人 明显不是借鉴 是复制Joey的经纪人 连表演方式都在模仿~ 讲话也是译制片的配音的那种夸张的腔调。

第7集 道歉点歌那段 是“借鉴”Ross给Rachel点歌的情节 连电台播音员的台词都一样后来又是“借鉴”了菲比和Joey分别跟Rachel,Ross安排失败的约会 好让他们重归于好 但是把一个人在饭馆里等的那个人换成了展博连waiter打赌的桥段都一样~

第9集
据说在这段借鉴的是《joey》里面的一段。
看了下下面那个帖子，这个相似度哦。
http://bbs.ent.163.com/bbs/tv/158572857.html （谢谢小白白）

13集 记忆碎片
曾老师的那个小公寓和《老爸老妈》里面的lily出走的公寓也是完全一样，根本是翻版。床都放不平，而且最后墙都坏了。

13集，曾小贤喝醉了屡次重返酒吧，要和胡一菲表白最后闹了个要吃炒饭桥段与《老爸老妈浪漫史》中 Ted 向 Robin 表白最后闹出了 菠萝 事件桥段 雷同。

然后，曾老师醒过来的镜头音乐什么的，基本上是用的电影《记忆碎片》的，算致敬？

14集 9分钟左右。展博坐在电话面前酝酿情绪，电话号码居然是宣传基督的。后来电话响了，是她妈妈的电话。
家庭战争 s01ep19 2分27秒。 儿子在电话面前酝酿情绪，电话号码是办假证的。是外婆的电话。http://v.youku.com/v_show/id_XODA5ODQ1MTI=.html

14集，宛瑜和一非比赛蛋炒饭，姐弟两心灵感应，这个应该是模范《老爸老妈浪漫史》里面的经常出现的心灵感应。

14集 蟑螂鼠的桥段，完全是《老爸老妈浪漫史》的情节，这里是关谷和美加发现的，而美剧里面是lily两口子发现的。最后还会飞！！！

15集 派队惊魂夜
一个人一个人装病，参加子乔的party，却剩下曾老师去看京剧版的《加勒比海盗》
《老友记》里面Rach裹着睡袍装病，Rach被Mon识破，去把chandler忘记了，去看话剧还是什么的。

16集 大仲马
曾老师退订杂志。
借鉴ross和Chandler去退订健身卡。

18集
开场那个戏剧就是抄HIMYM的，有一集lily去演话剧，他们集体去看。曾小贤就像ted。桥段一样，改成了金融危机而已


斗地主那集
美加自创“斗地主”玩法，把钱输给关谷。“斗地主”的玩法还算比较原创。
《老友记》里面chandler要搬出公寓，故意输钱给joey~

有一集，吕子乔和胡一菲约好各自给对方介绍男女朋友，结果吕子乔忘记给一菲约人了，随口说了“张伟”的大众名，后来从酒吧大叫“张伟”，找了个同名的作为一菲的约会对象。这一幕抄袭了《老友记》里 Joey 与 Phoebe 互相帮找date的桥段一模一样，Joey同样是忘记了，于是随口说出了"Mike",就从咖啡馆里帮Phoebe找了个也叫Mike的人。

还有一集是曾小贤的前女友Lisa回来，曾与Lisa在餐桌上说话那段，Lisa说她有1个未婚夫，2个前夫，n个男朋友，想让小贤也做她男朋友的桥段也是出于《老友记》Chandler与前女友的桥段。

曾小贤和那个脚踏N条船的女友分手，让宛余示范分手。曾老师不停喝咖啡。friends里面chandler也是和踏N多条船分手，然后是菲比示范来着。chandler也是一杯接着一杯的喝咖啡。

宛喻跟关谷交换书看 也是山寨friends里Joey和Rachel互相看对方最喜欢的小说。

20集
陆展博向婉瑜表白这集桥段也是东拼西凑，不过凑的很有技术含量。
　　
　　其一，结合了《老友记》Chandler像Monica求婚的桥段，满屋蜡烛换成满屋玫瑰<个人认为不错，模仿非抄袭>。
　　
　　其二，结合了《老爸老妈浪漫史》Barney 假借 Ted 名义把妹桥段，Robin吃醋，一直追到宾馆<完全抄袭>
　　
　　其三，结合了《老爸老妈浪漫史》Barney与Marshall打赌“如来神掌”赌输了的被赢着打耳光<完全抄袭>
　　

主角颜值较高，作为新人能演成这样，已经很不错了，演技还有更多上升的空间，值得鼓励和期待。有几个配角演技实在是不在线，就算不是主角，也要认真演戏呀。该剧剧情比较紧凑，不拖沓。此剧就像五彩的泡泡糖，给少女们编制了五彩的缤纷的梦，满足了女性对爱情和对异性的幻想，会在幻梦里沉溺。在微博上看到有的女孩子连夜追剧，然而，看看就好了，少女们，现实还是现实，不要因为追剧而熬夜，流失了胶原蛋白怎么去找帅哥呀，哈哈。综上所述，还是很适合轻松休闲时看的

       王羽是张彻第一代弟子的代表人物，他投考电懋未获录取，再考邵氏却脱颖而出，以《虎侠歼仇》声名鹊起，而后凭借着《独臂刀》、《金燕子》、《独臂刀王》等片成为最受欢迎的武侠小生。他与张彻的师生情义维持了三年，后来自己去当导演脱离了邵氏，再后来娶了电懋的学生情人林翠，生了个女儿叫王馨平。我第一次知道这位大侠倒不是因为他的电影，当年李小龙和罗维合作拍完《精武门》之后，两人的矛盾日益激化，本来说好要拍得罗维的《笑面虎》，李小龙拿走了剧本，却一直忽悠着罗维想自己另起炉灶。罗维为了打击李小龙“地球离开老子就不转”的嚣张气焰，竟然由老婆刘亮华出面说动了冤家王羽来主演《笑面虎》并且获得了成功。但是由此罗维和李小龙的矛盾愈加激化，出现了后来李小龙持刀恐吓罗维事件。

        王羽之后，狄龙和姜大卫成为张彻的得意弟子，两人合作过无数经典之作，比如《报仇》、《刺马》、《十三太保》等等。双星耀眼却也免不了相互较劲，姜大卫以《报仇》夺得亚洲影帝桂冠，狄龙以《刺马》夺得金马“优秀演技特别奖”。后来李翰祥要拍《倾国倾城》，指名要狄龙演光绪帝，姜大卫演太监寇连材。当时他们跟随张彻在台湾长弓，姜大卫因为没看到剧本，又要剃头，所以打算推掉，但是狄龙很想演，由此认为姜大卫不愿意为自己跨刀不够义气，终于成就了又一对著名的冤家。
        似乎很难讲张彻对这两个干儿子喜欢谁更多一点，但是据细心人的观察，张彻大导演片中的男主角少有不裸露上身展现健美的，姜大卫就是那例外的一个。于是推论出断袖疑云，不仅是怀疑《新独臂刀》比《断臂山》早了35年展现同志间动人情愫，更是大胆猜测张大导演因为不愿意姜大卫美丽身体示之外人所以才将他包裹得严严实实。这个嘛，无文献可考。我觉得张彻对姜大卫的喜爱一方面固然在于他慧眼识材，另一个重要的原因还在于张彻与姜大卫颇有些渊源。
        姜大卫的父亲严化，本名姜克琪，是旧上海一著名影星。姜大卫有个大哥叫严昌，又叫姜昌年，当然还叫秦沛。母亲红薇后来改嫁尔光，又得一子，名叫尔冬升。这姜大卫、秦沛、尔冬升三位姓氏不同的大腕却是货真价实的亲兄弟。姜大卫因为在《金燕子》中给井淼当替身，从楼上破窗落街一次完成，张彻非常满意，向武术指导唐佳打听，才知道这个小伙子是严化之子。张彻当年还在做编剧的时候，所写的第一个剧本，好像叫《假面女郎》就是由严化主演的，所以张彻对故人之子着意提携宠爱有加也算是人之常情。于是，姜大卫在张彻的一些影片中先是演一些有对白的武师。正好王羽脱离了邵氏和张彻，张彻便转而捧姜大卫和狄龙上位。姜大卫在《铁手无情》、《插翅虎》当中做了两次第二男主角之后，终于等来了他的第一部正式担任男主角的影片——《游侠儿》。

         千里马在一骑绝尘之前，伯乐通常要承受巨大的压力。在阳刚大汉当道的上世纪六七十年代，像姜大卫这样瘦削苗条中等个头的年轻人要红起来似乎是不可能完成的任务。当时就有记者跟张彻打赌：如果姜大卫能红起来，他就从邵氏片场爬到尖沙嘴。后来姜大卫凭借《报仇》拿到了亚洲影展最佳男主角，张彻长叹一声：这下什么仇都报了。即使如此这般，姜大卫还是因为身材不够高大被称为“缩水影帝”。但是，姜大卫有一种天生冷酷的神秘气质，看看《新独臂刀》那张他独臂持刀仿佛从眼中散发蓝色幽光的海报，你就会明白要论扮酷，这是帝王级别的。这样一块美玉，其雕琢的第一刀显得尤为重要。
    《游侠儿》可以说是为姜大卫量身定做的。姜大卫生性跳脱，小学、中学各留过一次级，十七岁中学没毕业辍学，为了躲避读书甚至还玩儿离家出走。第一份工作在写字楼当后生，月薪180块，只干了13天；后来又有朋友介绍他到古董店上班，月薪200块，这次做得比较长久，三个月。最终还是选择了做武师这份不知道有没有前途的职业，所以姜大卫自己说这就是命，注定跟电影圈纠缠不清。这种跳来跳去的生涯，简直跟片头游侠儿用轻功戏弄冀东双飞贼克服地球重力做出的种种腾跃动作有点心照的意思。《游侠儿》的主人公游侠儿，名字已经揭示了他的职业、心性诸多特点。游，整天到处浪荡；侠，路见不平拔刀相助，慷慨好义重信守诺；儿，这是电影的主线，他虽然武功极高性格不羁，却始终还是一个孩子。他救下江灵，要她不要到处乱跑，江湖上坏人太多，却最终因为轻信大盗的谎言，帮助他们劫了镖局的财物。
    纵观整个影片，可以说这是一个很单纯的故事，游侠儿一路行侠仗义解危扶困误信奸人所言帮人劫镖然后憣然醒悟血战之后夺回财物而献出自己年轻而宝贵的生命。也可以适当yy兼拔高一番，《游侠儿》讲述了我们是如何失去了纯真，一个将夺来的财物全都施舍给灾民，灾民向他磕头道谢的时候他着急地以为钱财尚且不够于是将身上的碎银子也全都捐献了出去结果在饭店吃饭付不了账的单纯孩子，在历经了欺骗，大开杀戒之后，面对土匪的“家中有八十岁的老娘要我奉养”的求生理由，这个孩子惨然一笑：“真奇怪，老娘总是八十岁，不会七十九，也不会八十一”，随后出手一刀毙命。这是编剧倪匡的神来之笔。在这个主题的照耀之下，用前面大段的小打小闹作铺垫，就为了迎接最终游侠儿血战群盗的高潮。这一段暴力美学极具张彻风格，惨烈浓郁，尤以匪徒被抛上半空落在南瓜棚直立的竹架贯胸而亡，以及游侠儿被长剑刺穿却又用这把长剑如同串糖葫芦般刺穿敌人为最。力战之后，游侠儿顶着墙壁把长剑从自己身体里面挤出来的一幕真是让人目眩神迷，通体冰凉。不过这段打斗跟罗莽等人那种硬桥硬马拳来腿往的一板一眼却又不同，5个盗匪头子各自不同的兵器加上游侠儿两把短剑灵动的身法，倒是有日后新武侠飘逸的神采。
        这种影片前大部分铺垫做足前戏只为最后爆发的手法，倒是让人想起《刺青一代》，张彻电影风格受日本电影的影响是很明显的，只是不知道他到底有没有看过铃木清顺的电影。可能为了弥补前后的用力不均，倪匡为影片设计了一个前后呼应的细节。游侠儿救下江灵之后装死劝说她不要哭，哭了就不好看了，最终游侠儿力竭而亡，李莉莉扮演的江灵不论哭还是不哭却始终不能换回游侠儿坏坏的一笑了。那坏坏的笑不仅将是江灵的终生怀念，也牢牢刻在了俺的心底。在张彻的电影世界里，英雄主人公很难不死，我觉得游侠儿是死得最为恰当的一个，在他不再纯真的时候毅然死去，他将永远是那个坏坏地笑着长不大的孩子。游侠儿因为笑而可爱，姜大卫因为笑而危险，被匪首打败卧在地上，笑着说：输了，手风不顺，怎能不叫人迷上他。姜大卫的危险不在于叫你爱上他，而是他够酷，与生俱来阴鹫一般的神采，你爱上他就有热脸贴冷屁股的危险。亦舒也很迷恋他，愿意出500块看一看姜大卫穿短衫的照片，也不知道她最终得手了没有。

图文并茂无奖征答版：http://bigteeth.blogbus.com/logs/2006/03/2020465.html

    看完大话天仙后，
    我瘫了，拼尽全力对妈妈说了三个字：妈妈，快带我回家吃饭。
    妈妈呆了片刻，疯了似得捂着嘴奔向厕所。
    坐着轮椅来的96岁的外公神奇的站了起来，向影院外走去，边走边说：我必须去杀掉编剧和，导演否则我死不瞑目，不能让这样的烂货活在世上。
    最后的希望在父亲了，我希望他能救我一把，想不到父母仰天长笑：儿，我决定去改行拍电影了，因为虽然我小学还没毕业，但是我非常肯定我觉得能拍出一部比这个电影好的作品，赚钱真是太容易了，你妈也不会总嫌弃我没用了。

   2014年，大话天仙是电影界最大的笑话，因为它改变了我们全家的人生。
    

       国人总以为自己进步了不少可是没有发现我们缺失的却是本性
    最近看了喜羊羊和灰太狼这部电影反而让我更加担忧祖国的未来
我们首先来看下
      国外的 猫和老鼠这个动画之所以经典 首先老外尊重最基本的原则：1.猫抓住耗子可以不吃可以玩（这是常识，可能城市的孩子都不知道了）；2.狗是不会抓耗子的（狗拿耗子多管闲事）
                             在这个环境下引申出来的 经典动画片猫和老鼠
再看下我们效仿出来的结果
    国内的 就拿 喜羊羊和灰太狼来说吧：搞笑的目的是达到了，却忘记了弱肉强食的社会；最为常理的来说：你在外面 见过 狼抓住羊，还不直接咬死的狼么？你见过 狼吃熟食么？都是违背常理的推断，让人的心理已经扭曲了。
 看下我分析的喜羊羊和灰太狼给大家带来的警惕：
 对于羊与羊之间，狼与狼直接都是透漏出我们现实的我承认写的非常好，也很幽默；可是看到狼与羊之间我就要问这正常么？你觉得有意思么？
喜羊羊和灰太狼 我不反对 技术层面的突破；可是隐射出的是国人的未来在哪里？国人的奋斗目标到底在哪里？这也是对社会，对党提出的问题？可以一直的腐化广大人民，可是最后结果必然是导致自身的灭亡。多么具有深意的讽刺和警钟呀。

这篇剧评可能有剧透 强撑着看完一二集，要不是演圣后的那个演技还不错，我真的强迫自己都看不下去（圣后真的挺美的啊）。你看看那漏洞百出的破烂廉价布景，你们这是在靠拍烂剧洗钱吧？ 鹿晗长得真的挺美貌的，斯斯文文的，看着挺舒服的。就是阳气不足，长相太女性化了，要是把这个当个百合剧看的话...  (展开)

一开始，为了省钱，女主选了杀猪匠的闺女，男主选用了一位叙利亚难民，男女颜值全无，毁眼。 然后，为了省钱，让没考上高中的某个文科生随便写了个剧本。为什么没有逻辑？因为理科不及格咯。 再然后，为了省钱，场景就找农村和废旧工厂拍吧。（我生怕场景中突然出现打野战的） ...  (展开)

作为一个N年的泰剧老粉，我不在乎字幕组的翻译速度够不够快，我不在乎剧情狗血，我不在乎一集是否要看一晚上才能看完，我在乎的是不是有删减，众所周知，鹅厂的手段这么多年来都是没变过的，凡是经受的泰剧都得缺胳膊少腿，法定就是这样，搞得我一点想看的欲望都没有，第一集删...  (展开)

黄昏里一盏明灯:他们在岛屿写作
文 / 蒋斐然

“是谁传下这诗人的行业，黄昏里挂起一盏灯”。

在这文学阅读日益衰退的年代，《他们在岛屿写作》挂起了黄昏里的明灯。

我们不禁感叹，台湾啊台湾，台湾啊台湾。看似被政治力搅和得乌烟瘴气的台湾，看似民风日下乐娱表浅的台湾，却从不叫人真正失望，因为在这个岛屿的某个角落，某个时刻，总是不期涌现这样那样充满力量的的影音创作与文学记忆，无法被乱流冲走，无法被历史埋汰，让人重新坚信美好的存在。这个市井与纷争的小岛，像极了春秋战国时期的中国，乱力之下有自由，自由之下放百花。

他们在岛屿写作。他们是谁？“他们”指向的是一个漂浮游移却隐然成形的时代群体，既有历史时间的距离，又有美学感性上的回眸。“岛屿”作为一种历史地理的指称，潜藏了在地思考的逃逸路径，跳脱省级，无关统独，抛却了僵硬的国族符号，抛却泛政治化的情感动员。而“在岛屿写作”则形构出一种当下此刻的书写进行式，贯穿过去与未来，以写作的创造性能量，标记岛屿之浮光掠影，“岛屿写作”，让岛屿不先于写作而存在，让“写作”无法离开岛屿而成立。

六位文学大家，来自四面八方，出生地殊异，成长地殊异，但都在岛屿写作，都在书写岛屿，都在以文学书写作为逃逸陈规范式的路径。值得思考的是，其中的几位作家都是从大陆过去台湾的。余光中曾这样描述他所经历的地方：大陆是母亲，台湾是妻子。何以母地的生子都绽放在他乡的爱情里，而后又缱绻于怀乡的诗情里。不论时事，搁浅政治，但省两地的人文落差，便叫人戚戚。

《他们在岛屿写作：文学大师系列电影》创造了文学纪录片的一个奇迹，成为去年台湾一个重要的文化事件，让人唏嘘之余感到欣慰——还好，文学还在；还好，读者还在。这套影片的奇迹在于，它以非凡的诚意打动了六位文豪的联袂出镜，以纪录片的预算制作出了电影规格的影像，以文学电影的姿态站上了公映院线，以低调的妆容赢得了高调的票房和口碑。虽非商业片，却敢于挑战观众的口味，不得不敬佩，作为发行方和制作方的目宿媒体确实具有过人的胆识和先天下之忧而忧的人文情怀。但谁也没有想到，在这样速食消费的年代，悠长缓慢的诗歌又唤起了人们心底对文学的柔软记忆，真诚朴质的影像挖掘了字里行间的乐趣，拉近了观众与诗人的距离，抵抗了阅读衰退的忧虑，这表明不管时代怎么变，人性最初的那份纯洁与美好是不会消褪的。

你看到诗人的生活，看到他们作为一个人是如何存在，然后你突然就读懂了他们的诗。比如，我看《化城再来人》时非常惊讶，或许之前听说过在武昌街摆书摊的周梦蝶，但并不知悉他原来人如其诗，早已老僧入定，生活作诗仿如修行。再如余光中先生的诗应该为大陆观众所耳熟能详，但在纪录片《逍遥游》中，我才完全地尝到了乡愁的滋味，也才明白之前脑海里的余光中并不是真正的他，他的诗我也并非真的懂。这不就是纪录片的意义所在吗，带领观众进入和理解一个未知的世界。

《他们在岛屿写作》成功了，在台湾，第一次有这样的纪录片能够在院线联映五周之久，怀揣着所谓的传说中的“纪录”与“文学”两大票房毒药，却眼睁睁地火爆了市场，成为一种奇特的现象。不论是文艺界还是非文艺界，都不断有仁人志士站出来鼎力相荐。张艾嘉为首映站台，马英九看后将预告片投上FACEBOOK大力夸赞，又有多少民众一看完片子，就涌起一股满满的冲动，奔向书店购买诗集。也就是说，人们又开始读诗了。这难道不是最大的奇迹吗？

若说以上是电影之于文学的奇迹，是电影为文学的普世化和复兴作出了贡献，那么反过来，其实文学也同样滋养了电影。《化城再来人》和《如雾起时》的导演陈传兴说，文学总能给电影注入大量新鲜的内容。文学电影的类型在亚洲尚未流行，在世界范围内，其实BBC早已拍摄过很多系列的作家纪录片，美国的大学也设有文学电影的课程。但在整个大中华地区，《他们在岛屿写作》是第一个做这件事的人，若这一波电影的佳绩能兴起整个文学电影类型在亚洲的发展和崛起，那就丰富了我们的电影市场和电影创作，不论对影人还是对观众，都是打开了一个多元化的出口。从纪录片的意义上说，也是对纪录电影创作现状提供了一种激活的可能性。当然这需要所有人的协助和推广，而我们，正是在做这样一件事。

在宝岛，有人在努力的保留纯文学的火种。而中国大陆，也曾像这个岛屿一样，经受过动乱对文学的摧残，如今却少有人以主动的姿态践行对文学的热爱。但我相信，这里同样潜藏着一大批坚定的文学青年，而台湾文学正是他们成长路上的重要养分，只是在这样的时代背景和社会风气下，他们选择了隐藏这份欲说还休的炽热。此番在HAFF能够一瞥这些文学大师在银幕上巨大的身影，必定会振奋这群长久遭边缘化的文青的心。而那些许久未拾书卷的人，或也会在看完这一系列的电影之后，重新回归读者的身份。另一方面，也是给大陆电影单一乏味的商业趋同提供一种反思，为食之无味的观影市场注入一剂新鲜的青草味。这里的观众已坐在黑暗的影厅里等候许久，等待着在大荧幕上看到不一样的电影，等待着在从电影里找回久违的感动，等待着恢复封存多年的文艺味蕾。

《两地》分属的风景

《他们在岛屿写作》展现出的是影像威力下的时代感性。

六部电影有叙事结构上的繁复，有影音调度上的别出心裁，更有美学与伦理上的巧妙幽微。有别于传统“作家身影”的拍法，六部纪录片的每一部片都有两个创作心灵的呼应与頡抗，一个是使用文字的作者，一个是使用影像的导演，彼此之间的微妙张力，让影像不再是文字的二次表述，让文字跳脱怀旧氛围，重新展现当代感性。

《两地》，台北和北京，台湾和大陆。此片在构思上颇有深意的地方在于，导演杨力州在片中彻头彻尾地将“两”的概念诠释到底。他将林海音的女儿去北京探寻母亲旧地的过程拍下来，与早前林先生自己去北京寻访的影像并置，两次的镜位和路线都很相似，甚至女儿和母亲都问了一些一样的话，由此两两相望的感觉就浮现了，暗示着代代相传，也暗示着两地纽带不断。配乐师柯智豪为了呼应“两”的概念，将俄系与欧陆两大乐种的旋律和节奏调配在一起，但其实所有场景的主旋律又都暗藏着《送别》的音符，因为它是此片音乐的主轴。剪辑上也频繁地展现出两两对立的撞击。比如说，叙事说到了林海音先生因为刊登了风迟的文章而被免职时，画面首先是当年“文学须服务于政治”的宣导片最后会场鼓掌的一幕，紧接上的就是严肃沉重的字幕，告知观众，在这个掌声底下，林海音被免职，在这个掌声底下，风迟被判三年六个月的徒刑。像这样的例子比比皆是。另值一提的是，《两地》中有大量的动画。动画部分并不疏离出戏，它是精致温馨的，因为原画取自于林海音最喜欢的关维兴水彩大师的插画《城南旧事》，而京剧的实现方式又让人感受到这个在老北京发生的故事。我看完动画的感觉是，跟林先生的世界又近了一步。《两地》也采用了不少稍显矫情的特效渲染手法，比如翻页的老报纸配上动态的新闻报道，这些是刻意、煽情而炽热的，而纪录是淡然、诚实而冷静的。导演也意识到了这一点，所以有意时不时地曝露一些“穿帮”镜头，或是让摄像机入镜，或是保留一些晃动不已的画面，为的是将观众从故事中推出去，回归纪录的客观姿态。

《化城再来人》的一天

《化城再来人》时长163分钟，六部中最长的一部，以我浅见，也是最有深度的一部，也可以说是最靠近电影的。它的叙事定点有如《尤利西斯》，一整部纪录片讲述的是周梦蝶的一天的回忆，但叙事线条并不单一，其中叠合了回忆的多重时间点，显示出周公本身性格的复杂性。第一次看这部纪录片的时候，令人印象最深的是周公的声音，他一直在不紧不慢却又用力地嚼着他的诗和尺牍，仿佛诵读也是一种修行。

周公的诗中呈现的是一种不纯粹的语言，旧诗，禅诗或偈语，全部糅杂在一起，而《化城再来人》将这些不纯粹凝结在一起的纽带就是周公的声音，包括它的质感，快慢，节奏等等。而声音就是时间的另一个指标。我们听着周公的念白，就真真切切地体会了他那句“只有时间嚼着时间的反刍的微响”。导演陈传兴说，“周公平常说话经常陷入一种独白的境况，即便与人对话，对面的人于他而言也只是回声墙。而念诗的时候却大不一样，念诗的时候是他与他的诗对话，你观察他特写的脸，感觉声音在他好似山脉的一起一伏的肌肤上流动。”这本身就是一种梵文的心境，这种诵读是一种非人间的与神对话。除了周公的声音之外，潜伏在影片始终的另一个重要的声音就是水流的声音，当然是隐喻时间的纵向宽度，对于周公这样一日如一生的文人来讲，这水流声又添无限禅意。

完整看过此片的人绝不会忘记开头和结尾呼应的江面，那过去的江面要去向哪里，谁都无解，就像时间要流向怎样的未来，我们都无从知道。为了反应周公这样的犹疑而不确定的生活在在台北城里的“悉达多”，导演甚至将周梦蝶的淡水河比作印度的恒河，拍摄了两地的画面混剪在一起，有意让人分不清到底是淡水还是恒河。

全片的叙事非常从容，毫无夸张矫饰之处，但阅毕周公的印象已如烙印般深铭心中，那样的气质不只是“入定”或是“出世”可以简单形容，他可以随时对外界打开，也可以随时关闭。陈传兴将周公比作漏斗，外界的事物可以经过他的身体，然后完完全全地流过去，不留下一点残余。而《化城再来人》最出色的地方在于，他没有只顾着刻画周公这种外界既定的佛者文人形象，它呈现出了一个真实的人内心的矛盾，对男女情感的期待和纠葛，对宗教的坚定与不坚定，对人生取向的来回摆荡。比如周公谈三毛那段，我看到是觉得惊异又觉得真实。再如谈到周公去电影社看电影时，投影在斑驳墙上的影片是卡尔?德莱叶的《吸血鬼》（1932），那一幕讲述的正是一个男人救赎了女人，这样细腻的安排归功于导演对周公复杂性格准确而敏锐的捕捉。这其实是非常难的事情，因为周公不是剧本里被塑造出来的人物，而是创作团队在有限的时间里新认识的活生生的人。

此片的剪辑非常尊重时间上的连贯性，未有打动干戈，自然而有力，体现了纪录片剪辑最好的状态。尤其开头周公起床、吃面、上厕所、洗澡那一长段，几乎没有话语也没有配乐，非常漫长，但周公的生活状态和精神世界已赫然显现，因为时间在他身上本身就走得比较慢。同样周公所有讲话的速度和长时间的停顿也被充分地尊重，包括他偶尔瞬间入定而长久静白的沉默，动人深刻。

《逍遥游》是一出自由的纪录剧

《逍遥游》的特色在于有一个完整的剧本，陈怀恩导演是电影出身，拍摄的时候就有分镜了，因而系统性非常强，当然也有精心雕琢之感。片子定位在余光中四十岁左右“你不知道你是谁，你幻灭”的人生阶段的议题上，进而引出诗人一生不停地自我争论，与自我对话的主题。

由于是年轻余光中，所以有大量搬演的部分，用以再现余先生当年读书写诗的场景，是六部纪录片中编剧搬演最多的一部。除了搬演部分的编剧，他们也有让年轻的台大诗社成员热烈讨论余光中的诗这般的情景预设。所以这部纪录片其实采用的是比较剧情片的构思和制作方法，包括预设主题，到实现方式，都有许多企划的痕迹在里头，也就是说，是纪录内容在跟着主创走，而不是主创跟着纪录内容走。但这样的高控制力的企划对于观众来说还是有效的，观者能很好的进入故事，进入到导演预期的情绪里。旁白声音挑选和剪辑节奏都精心设计。比如《沙浮投海》这首诗是由万芳来朗读的，沙浮尸一个女诗人，这是一个女诗人投海自杀的故事，所以由一个悲伤的女低音来朗读就仿佛第一人称演绎了这首诗的故事。全片影像风格唯美写意，旁白的交错与视觉搭配，就已经奏出一曲漂亮的诗歌。

《如雾起时》是一曲哀歌

《如雾起时》拍郑愁予，同样出自陈传兴导演之手，但与《化城再来人》是完全不同的调性。我觉得《如雾起时》是一曲哀歌，它的气质是比较沉重的，是围绕着诗与历史展开的。比如他采用了大量客观性陈述的旁白，选取了一个低沉的女音代表一个第三人的角度，一个在故事之外的全知全能的角度，讲述一些关于诗人的事实。

全片的架构清晰可见，前半部分比较男人戏，有很多史料影像，回顾诗坛文坛的几次论争，而后郑愁予结婚成家，影像转到了非常有生活气息的家的空间里，转到了美国的宁静薄雾里，转到了郑先生夫人和其他几位女性知识分子的视角里。这种性别视角的转移与时间线性的发展相吻合，不知不觉中也就完成了影片气氛的转变。另外一个转变是相对于主人公的镜头机位的转变。开片访问郑愁予的一幕是在小河边的一个推轨镜头，镜头一直处在诗人的背后方，随着叙事的展开，机位慢慢地转到传主的正面，观众对郑愁予的认识也慢慢加深。

陈传兴对很多意象和动作都有非常主观而深层的解读，但全片的影像还是采取了一种比较遥远的观望姿态，并未作过多注脚。在《如雾起时》里，他更多的是在呈现一种诗的历史，所以前半段使用了大量史料报章，蓝星旧刊等过去的实物来目击历史。后半段是郑愁予在美国的工作和生活，于是出现了毕业证书，学位证书，荣誉证书等见证物。这些统统被端端正正地放大在镜头前，诉说诗与历史的关系，因为历史说到底是以一桩桩的事件来标记的。

影片前前后后充满了呼应和对照，比如美国1970年爆发的反越战学潮的新闻影片和保钓行动的影像都对照了台湾50年代八二三炮战前后肃杀和动荡以及六七十年代中国的文化大革命的激进。陈导有意识地在用各种方法加重片子的严肃气氛，呼应那个时代的沉重。比如全片处处有字幕（侧标），有的是史实，有的是观点，有的在黑幕时出现，有的甚至就打在人物脸上。而这些侧标字数多，速度快，观众根本来不及读完，而导演就是有意为之，有意让你负荷过重，从而体会那种硬质的沉重。但有时，你不得不承认，陈导因为将其丰厚的艺术电影的涵养都呈现在画面里，其中的深意和过多的隐喻并非一般观众能够消化领悟。

《寻找背海的人》是现实主义的浪漫纪录

林靖杰导演的《寻找背海的人》是极具现代性和艺术性的一部纪录片。王文兴本身是现代主义风格的作家，因此影片呼应这种形式上的对接是非常恰当的。

《寻找背海的人》有非常细密的线索和严密的架构，也有很多创举和巧思，属于比较非传统的纪录片。因为王文兴是小说家，为了将小说的故事诉诸视觉，林导干脆将《家变》改编成了一个十足现代性的舞台剧呈现在片中。另一个构思是“牢房”，王文兴将其每日写作的那间房比作牢房，林靖杰就拍摄了他在牢房里的真实写作过程。这对于作家本身来说是不易的，要做到放松地在摄影机的监视下工作。对于导演来说也是不易的，因为其间需要大量的磨合和沟通。最后呈现出来的那种真实的状态是令人动容的，当你看到作家握着笔竿不断地敲打着桌面和稿纸的时候，你也能感受到他正在敲打自己的灵魂。再如此片的动画，明显区别于其他几部片中的动画，实验性很强，像《草原底盛夏》有着超现实的调性，《背海的人》和《星雨楼随想》则有着十分先锋的气质，单独拿出来看，都已经是很棒的作品，所以整个片子的完成度也就显得非常高。配乐非常吻合王文兴的文学气质，有苦涩沉闷的味道在里头，尤其是动画的配合，充盈着机械主义的幽默和残酷在里头。

这六部电影虽然出自不同的导演之手，风格各异，但在整体上竟然也呈现出了巧妙的统一性。影像画质都很相近于5D Mark II的风格，都采用了读诗和念白的手法，也都围绕着作家本身展开叙事，配乐几乎一致地采用了无调性的现代弦乐，非常贴合诗文的气质。这一套非常高质素的文学纪录电影，值得每一位电影观众和文学读者细细咀嚼和珍藏。

《朝向一首诗的完成》是个未完成的朝向

《朝向一首诗的完成》取名于杨牧《一首诗的完成》，但杨牧认为，从泛义来讲，写诗并没有完成，何不加上“朝向”二字，于是有了“朝向一首诗的完成”。此片是温知仪导演的，是六部片中唯一一部由女性执导的片子，十足的女性色彩，手法比较阴柔。这当然也是女性导演的一个特色和优点。

影像部分印象比较深的是介绍反越战的《十二星象练习曲》这首诗时搭配了现代舞和越战资料重叠的画面，非常柔美和实验，我觉得这是男性导演绝对不会采用的手法。影片有加入搬演的部分，由一个小孩子来演绎杨牧小时候在花莲的时光，也有像《两地》一样，采用动画来诠释杨牧的诗歌，也做了很多跟杨牧先生有关的人的访谈，这些都是纪录片常用的实现方式。诵诗部分请来了很多其他诗人和学生分别念诗，寓意杨老师的诗影响了世世代代的人，但影片是以杨牧先生自己朗诵自己的诗作为影片的开篇和结尾，听来叫人非常感动。这部片子跟其他五部片子一样，很好的一点在于，他们把重心放在诗人本身上，而并非单单在他的诗作上，于是整个片子就很贴近诗人本身的气质。

A Beacon in the Dusk: The Inspired Island

Jiang Feiran

“Who left the profession of writing poetry, hanging up a beacon in the dusk”.

This generation witnesses a gradual decline in reading literature, The Inspired Island hangs up a beacon in the dusk.

We cannot help sighing with emotion: Taiwan, oh Taiwan; Taiwan, oh Taiwan. Taiwan, which seems to have been polluted with a foul atmosphere by political power and filled with a decaying folk custom and a superficial entertainment circle, never truly disappoints people, for at a certain moment from a certain corner of this island, there would always unexpectedly spring up some powerful video or audio creations and literary memories never washed away by turbulence or weeded out by history, bring back people’s belief in the existence of beauty. This island, with its marketplace culture and disputes, resembles the old China during the Spring and Autumn Period, showing in the turbulence freedom, under which bloomed all flowers.

They are writing in the Island. Who are they? “They” refers to drifting but invisibly formed generation group, which boasts not only a historical distance, but also an aesthetic and emotional back-glance. “Island”, a historical and geographical nominatum, conceals an escaping path of thoughts regardless of provincial class, unification or independence and discards the rigid national symbol and politicalized emotion movements. And “writing in the Island” forms a current proceeding of writing what connects the past and the future, skimming over the surface of the Island with the creative energy of writing. “Island & writing” makes “Island” exist not prior to “writing” and “writing” unable to exist without “Island”.

Six literary giants, coming from various backgrounds with different birthplaces and places where they grew up, are all writing in the Island, writing the Island, and escaping from the stereotyped forms by writing. What is worth thinking about is that some of them all came to Taiwan from China’s mainland. Yu Kwang-chung, one of the six, once described the places where he experienced his life: China’s mainland is the mother, while Taiwan is the wife. How come that children born in the mother’s land are blooming in the love of a place away from home, and then deeply attached to the nostalgic poetry? Regardless of the current events and the politics, only the cultural divergence between the two places could already make people sorrowful.

The Inspired Island: Series of Eminent Writers from Taiwan is a miracle of literary documentaries, making itself an important cultural event last year in Taiwan and bringing delight to sighing people—it is well enough that literature and readers are still here. This miraculous documentary aroused the feelings of six literary giants with extraordinary sincerity, made the image with the form of films by using the budget of a documentary, released to the public with a literary attitude and won a high box-office and a great reputation with a plain appearance. Though not a commercial film, it delivered the courage to challenge audience’s taste, which irresistibly generates our admiration for Fisfisa Media, the issuer and the producer, for its super courage and selfless humanistic feelings. However, it is out of all people’s expectation that it this age of fast food consumption, long and slow poetry has re-aroused people’s tender memories for literature, and sincere and simple images have excavated the interest among the words and between the lines, shortened the distance between the audience and poets, and resisted the worry of reading decline. This indicates that in whatever way the times changes, the original purity and beauty of human nature would remain unfading.

You would suddenly understand their poems by observing poets’ life and their ways of existence as a human. For instance, I felt rather surprised when watching The Coming of Tulku. Perhaps I had already heard about Chou Meng-tieh who had a bookstall at Wuchang Street, but I did not know that he was just like his poems, regarding life and versifying as cultivating himself, very calm and without worldly passions. Also, the poems of Yu Kwang-chung must be very familiar to readers in China’s mainland, while it was in The Untrammeled Traveler that I came to fully sense the nostalgic feeling and came to realize that the Yu Kwang-chung existing in my mind before was not the real him and that I never truly understood his poems. And this is where the significance of documentaries—leading people into and then to understand an unknown world— can be found.

The Inspired Island was a great success. In Taiwan, it was the first time for this kind of documentaries to be shown in cinemas for five continuing weeks. With so-called two poisons for box-office, “documentary” and “literature”, it became surprisingly hot in the market, marking a miraculous phenomenon. People with lofty ideals showed their great recommendation in succession, no matter from the literary and art circles or not. Sylvia Chang, an actress, showed her support by attending the first run; Ma Ying-jeou, the Taiwan Leader, posted the prevue onto the FACEBOOK after watching it and revealed great appreciation; many other people, after watching it, all flooded to bookstores for collections of poems with enormous passion. In other words, people begin to read poems again. Isn’t that the biggest miracle?

If the aforementioned is the miracle brought to literature by films or the contributions made to literature’s popularization and rejuvenation by films, the following could be regarded as the nourishment that literature has in turn provided for films. Chen Chuanxing, the director of The Coming of Tulku and Port of Mists, said that literature could always inject abundant fresh content into films. Viewing worldwide, we may see that BBC has produced many series of documentaries for writers, and there are also courses on literature films in American universities, but literature films are still not popular in Asia. In the whole Great China, The Inspired Island was the initiator of that. If this achievement can generate the development and expenditure of literature films in Asia, it would enrich our film market and film creation, opening a diversified exit for both filmmakers and the audience. Viewing from the significance of documentaries, it would also be stimulus for the current creation of documentary films. That surely needs all people’s support and promotion, and this is what we are exactly doing.

In Taiwan, some people are striving to keep the kindling of pure literature, while in China’s mainland, where literature once experienced similar damages due to turbulences, there are few people initiatively practicing love for literature. But I believe that there also incubate a multitude of literary youths, and Taiwan literature is the very nutrition during their growth. It is just that under this background and social morality, they choose to conceal the fervor of keeping what they are eager to express. This time, a glance of the greatness of these literary giants on the screen during the HAFF would surely inspire those literary youths who have long been undergoing marginalization. Also, those who have not read for long would probably win back their identity of being a reader after seeing this series of films. On the other hand, it also provides an introspection for the dull, stuffy and commercialized films from China’s mainland, bringing the tasteless film-seeing market fresh energy. The audience here have long been waiting in the dark video halls for showing up of “different” films on the screens, for the long-awaited touching affection from films, and for the recovery of artistic taste that has been sealed up for years.

The Separated Sceneries of Home in Two Cities

What The Inspired Island reveals is the emotion of times under the power of images.

The six films boast complexity in narrative structures, uniqueness in video or audio adjustments and wit and profoundness in aesthetics and ethnics. Unlike traditional filmmaking of “writer’s silhouette”, each of the six films has two creation souls echoing and clashing with each other. One is the author who uses words, and the other is the director who uses images, both of whom show subtle tension between each other, making images not just the second expression of words and words jump out of the nostalgic atmosphere and display the modern emotions.

Home in Two Cities refers to Taipei and Beijing, and Taiwan and China’s mainland. This film delivers profound meaning in its meditation that Yang Li-chou, its director, made a complete interpretation of the concept of “two” throughout the film. He photographed the process of Lin Haiyin’s daughter’s visiting her mother’s former site in Beijing and then co-arranged the image of the earlier visit of Ms. Lin herself. The two shoots were quite similar in both camera locations and routes, even the daughter and the mother both asked some same questions, as a result of which the feeling of the two shoots’ echoing emerged, suggesting the transmission from generation to generation and the strong connection between the two places. In order to echo with the concept of “two”, Ke Zhihao, the background music controller, mixed the melodies and rhythms of Russian and continental music, while the themes of all scenes conceal the note of Seeing Off, which is the principal axis of the music of this film. Also, collisions are frequently seen in the editing of the film. For example, when it came to the narration that Lin Haiyin was deposed for publishing Fengchi’s article, the frame was at first the applauding scene in the meeting place of the guiding video of “literature should serve the politics” in those days. What followed was solemn and serious subtitles informing people that it was behind these applauds that Lin Haiyin got deposed, and it was behind these applauds that Fengchi was sentenced to three and a half years. Examples like this can be found everywhere. Another point worth mentioning is that Home in Two Cities possesses many animations, which are exquisite and comfortable and not isolated from the film, for the original painting was taken from My Memories of Old Beijing, Lin Haiyin’s favorite illustration by watercolor master Guan Weixing, while at the same time, the realizing approach of Peking Opera can make people truly feel this story that happened in old Beijing. I felt I was closer to Ms. Lin’s world after watching the animations. Besides, Home in Two Cities has adopted quite a few such slightly affected depicting approaches with special effects as matching dynamic news report to the page turning of old newspapers. This is deliberate, sensational and fiery, while documentaries are indifferent, honest and calm. Having realized this, the director deliberately revealed some “goof” scenes now and then, either showing the camera in the scene or keeping some shaking scenes, the purpose of which is to push the audience out of the story and back to the objective attitude of the documentary.





The Man behind the Book is a romantic record of realism

The Man behind the Book directed by Lin Jingjie is a documentary with both modernity and artistry. Because Wang Wenxing is a writer of modernism, so the film is very appropriate to echo this form.

The film has the detailed clues and rigorous framework, and of course, there are a lot of initiative and ingenuity, making the film a non-traditional documentary. In order to transform the novel into a visual story, the director simply adapted 《Festen》into a modern drama presented in the film because Wang Wenxing is a novelist. Another idea is a "cell", Wang Wenxing compared the room where he writes everyday to the cell, and Lin Jingjie shot the writing process of him in the cell. To be honest, being relaxed in front of the camera is quite hard for the writer. And it’s same for the director, since it needs a lot of communication. The scene of writing presented finally is touching, when we see the writer holding the pen beat the desktop and the manuscript, we can feel that he is beating his own soul. As to the animation in this film, it is significantly different from several other film animation, It is experimental. 《The summer at the foot of the grassland》is realistic,《Find the man back to the sea》 and 《Capriccio at Star Rain House》 just like a pioneer. Take them apart, they are all great work, so the whole film is of high quility. The soundtrack suits the literature temperament of Wang Wenxing, it has the sense of dreariment, with the animation, it impresses us with the humor and cruel of mechanical materialism.

Although this six films are directed by the six different directors, vary from style, they have something common on the whole. First, Image quality is similar to the style of 5D Mark II. Then, they all read poets or narration, they all tell a story about writers. Besides, they all use modern string music as the soundtrack, fitting the temperament of poem. These high quality literature documentary films deserve every movie audiences and literature readers experience.

Towards the Completion of a Poem is not a completed toward.

It is named from the work《The finish of poem》by Yang Mu. In his opinion, in terms of pan-righteous, writing the poem has no end, in other words, never completed, so why not add" towards "to the title, so we see this name. This film is directed by the WEN Zhiyi, the only woman in the six directors of these films, the film is relatively feminine. This, of course, is the feature and advantage of the female director.

What impressed me most is the introduction to the poem 《twelve astrological Etude》 about anti-Vietnam War. The introduction mixs the modern dance with the picture of Vietnam War ,it’s full of soft and experimental, I think this is the approach what male directors will never adopted. The film has the scene of performance, a child interpretated the childhood of Yang Mu in Hualien. The film also use the animation to explain the poem by Yang mu like the film Home in Two Cities, and lots of interview of the people related to the Yang mu as well, these are the common approaches of documentaries. A plenty of poets and students read the poems in the film, meaning that Yang's poems affect generations of people, but the director let Yang Mu read his own poems as the opening and the end of the movie, making us moved. The film focus on the poets rather than the poems they write, just like the other five movies, and that’s good. Thus the whole film is close to the poet's own temperament.

雀圣3自摸三百番，一听到这名字，大家会想到是赌和麻将。我当初和大家的想法是一样的。但俗话说事情要一分为二去看，所以我收获了。

故事大概万金游(郭晋安)幼承庭训，雀技高超，有「五十哥」之称，因为曾经连庄五十，而且安全落庄，江湖上都认为万金游可以继承万叔(夏雨)的产业，将雀技发扬光大。邂逅了从小运气极差的吴靓(杨思琦)，此后万金游运气便随之下滑。就在此时，爆棚来挑战，万金游代父出战，结果惨败。万叔指示万金游往找自己多年老友，当年威震赌坛的「谦虚雀王」陈三辣(陈百祥)，求陈教他牌技。经陈一番悉心教导，终令万金游重燃信心，雀艺大进，成为高手。

从人生来说，人的走向不也是这个电影中体现，开始时那么威风，后来突入其来改变，最后经多番周折又成功了。一句话，微笑面对一起，“对麻将要像对待兄弟一样，他们也会主动帮助你的”。