换主演问题不大，但是把编剧都换了就是找死了。

作为一部续集，这部跟第一部比人物性格偏差太大，小河神不识大体冲动妄为，丁卯忧国忧民深明大义，这剧质感是保持着，但是看到第八集总在疑惑到底谁是男一啊。

案子都是丁大少爷破的，小河神基本没啥用。连公馆解密这么关键的剧情都是丁卯解出来的，衬得小河神又俗又文盲。

不仅如此，丁卯有女医生线、都督线、肖兰兰他爸线，同时是丁大秘书长、漕运商会会长、法医，并是智慧担当、爱国忧民担当、顾全大局担当。（我好像就没见过张铭恩不加戏的时候，真是白一骢的心肝宝贝）

说回剧组，田里这个导演业内出名的清高傲物，看不起剧组其他人，觉的导演决定一切成败，说实话我看的是故事不是电影技术炫技，你拍出花来故事讲不好观众也是不认的。

最后，不要跟我说什么不要跟第一部比，续集就是要跟前面比的。如果不很前面比，那权游第八季我也能夸出花来，但谁都知道那是一滩屎。

电影的名字叫“这个男孩必须被释放”，并不是强调男孩所承受的压力太大，而是想要告诉观众，每个人都会有压力大的时候、都会有需要释放压力的时候，但是最重要的是在释放后依然有继续生活下去的信心和坚毅，而非一蹶不振而Hans Peter的祖父母洞察到了他古怪搞笑背后的坚忍，提出带他买马、爬山等等，让他知道自己也一直在被别人温暖着。

等待的时候就是冲着男女主CP感满满啊啊啊，想正片里肯定更甜，果然，一本满足啊，男女主真的好配好甜好有感觉！！上头上头，剧情也没让我失望，男女主智商在线强强联手（忽略编剧的bug强行聪明的地方男女主人设也是智商在线的那种，会有思考有算计有谋略不是单纯的傻白甜）对比前段时间也有一部我期待了好久的剧，正片不到半集就弃了，这部剧我熬夜追更已经追平了，现在n刷，截屏录屏几百张，手机内存快刷爆了，实在是太帅啦太美啦太甜啦，俊男美女谈甜甜的恋爱不香吗！反正我是嗑爆了

孩子是不是亲生的，这个问题不仅跟血脉的传承有关，更跟背后的经济，家族，人脉有关。从哪里来，谁才是孩子的生物学父母，已经变成很多人的疑惑。本剧剧情上是一个一个小故事，有的真的很狗血，但有的也很现实，所以从本剧可以看到很多人性。

因为肝移植才发现孩子不是亲生的，由此而来的生恩和养恩到底哪一个更大呢？出于道德、法律和人性该如何抉择(姚威事件)

捞女通过生孩子来要钱，孩子就变成了盈利的工具，只不过是变相的将这种交易合法化而已。双方都是从自己的利益出发，男方想要孩子，女方想要钱，却从来没有人考虑过孩子。

养了7年的孩子不是自己的亲生孩子，起诉离婚因为非亲生所以无法抚养，从这里看到了爱一个孩子可以没有血缘，血缘只是人与人之间基本关系的纽带，但并不是全部。

因为医院失误导致大批抱错孩子，但当父母知道亲生孩子时，是否会换回来呢？

多年情侣变兄妹，最终是爱情战胜了一切，两人从法律的角度并不存在伦理问题，但从血脉角度，可能无法拥有孩子，人生有很多选择，遵从自己内心最原始的想法就好

很多小故事的结局，剧里已经尽可能美化，让大家相信真善美，但现实可能比剧里要更加残忍更加现实。

“每一个幸福的家庭都不会想到做亲子鉴定，但当选择来做时，裂缝就已经产生了，但最终收到伤害的还是孩子。”

演员演技还可以，颜值也OK，女主很自立自强，最后男女主疑似姐弟引出的陈年旧事这段拍的有点拖拉。其他还是不错的，只有15集，一下午就能看完，闲着可以推荐一看。

两周前，我看到了英国某媒体发了一篇关于14只大象已经安全回家的帖子。大家都知道，此前某C媒体被驱逐出中国。这家媒体在新闻报道中对中国的态度是什么样的，就很显然了。但这次，似乎对中国保护大象的做法保持了客观公正的态度。

国外媒体一向是戴有色眼镜看中国，中国态度被置于世界的聚光灯下，全世界都在看着中国会做些什么。这一次，一群北上的大象，让中国在全世界面前展示了保护动物、尊重生命的态度。

如何能够将整个事件更好的传播，如何讲好“中国的故事”，如何留下一些痕迹。

《一路“象”北》上线，创作团队能够捕捉这次机会，去到一线，以纪录片的形式将故事呈现。以一个更专业、更真实、更深刻的视角去观察，去探寻。希望能够给世界展现一个积极正面的“中国形象”。

说到画面。氤氲着水汽的森林远景，黑暗中带着紧张感的人和车，还有像杉菜离开道明寺那天一样的大雨。都向我们传递着现场的氛围感。而且每一帧画面都很美，无论是森林、高山、村庄，都让我这个北方人第一次认认真真的饱览了一遍云南热带雨林的美景。专注、贴近、吸引，是我想给画面贴上的标签。

我很期待接下来的第二、三集。第一集的结尾，似乎要走向：云南历来保护大象的传统是如何发展的，当地人和象的关系到底是怎么样的，如何在保护大象的基础上与大象和平共处。似乎要从表象到根源，完整的向我们讲述这个故事。所以，我怀着这些疑问，希望能从接下来的两集中找到答案。

美景，萌蠢的大象，质朴的村民，都是我们可以好好了解云南的切入点。人、车、象都在一路向北，这是一次保护，也是一次追随。这个过程的开始，不管是否后知后觉，但总好过无人后知后觉。

最后再聊聊国外网友对这件事的评论。“我想还是有点人性的”，“我不敢相信中国没有采取更严厉的措施”，“这样做没有问题”。可以看出，网友在褒奖的同时也略带讽刺。尽管如此，中国保护动物的态度已经得到了国外媒体和网友的认可。《一路“象”北》团队能够敏锐的抓住机会，将“好事”放大，推波助澜，将积极影响再次带给全世界。是我作为一个在Instagram上深度冲浪的小小中国网民，非常开心和自豪的事情。于是我也在此新闻下面留下了自己的想法： In this world, every life deserves respect. Protecting the environment and caring for animals is the responsibility of every Chinese. That's how we are.

最后，我很喜欢纪录片，出于私心，祝愿此片能够被更多人看见。让大家不仅了解大象北移这件事，也能更了解纪录片这种影片形式。让更多的纪录片创作者，能够创作出更多更好的作品。所谓瞬息洪流，或被冲走，或被留下。

“如果生命没有某些无限的某些深刻的某些真实的，我就不会留恋。”

刚刚过去的一年，我们共同看到了太多关于女性处境令人愤懑的新闻：著名大学教授公开表示女性不适合做学术；孕妇因无法剖腹产跳楼致死；女学生长期遭受导师性骚扰......尽管我们身处未来感十足的2018年，但在女性问题上，我们的许多想法仍然如同停留在前现代，甚至不少人不敢大声说出自己是女权主义者。

而有这样一个故事，写出了女性魔幻而又真实的处境。要盘点过去一年最受关注的美剧，《使女的故事》一定榜上有名；第二季也已经摄制完成，将在今年4月份播出。消息一公布，不少剧迷已经开始翘首以待。这是一个怎样的故事？为何会让这么多人欲罢不能？

故事从一个叫奥芙弗雷德的女性展开，她是基列共和国的一名使女，还是这个国家中为数不多能够生育的女性之一。她被分配到没有后代的指挥官家庭，帮助他们生育子嗣。和这个国家里的其他女性一样，她没有行动的自由，被剥夺了财产、工作和阅读的权利。除了某些特殊的日子，侍女们每天只被允许结伴外出一次购物，她们的一举一动都受到“眼目”的监视。

在这个世界里，女性的身体不再属于她自己，而成为一个会移动的生育机器，只被当作后代繁衍的容器。女性在这个故事里的处境和举动，之所以能触动这么多人，正是因为它触动了无数可以映照当下的思考：女性的生育自由、代孕、人口衰退、环境恶化......

而重要的是，女性不是一个会移动的生育机器，所以她们不应当如此被对待。如同作者阿特伍德所写：“为什么说女性有趣且重要呢？因为她们在现实生活中的确如此。”为什么说女性不应当被认为只是一个容器，而应该是一个跟男性一样的立体的、丰富的、自主的人？因为她们的确如此。

撰文 | 李佳钰

拉结说，“有我的使女辟拉在这里，你可以与她同房，使她生子在我膝下，我便因她也得孩子。”　

——《圣经·创世纪》第30章第1-3节

产日，是伊丽莎白嬷嬷负责全程主持。

医生和配备了各种仪器的救护车，只能守在房外待命，除非情况万分危急。整个住宅区的女人们都赶来了，在警报的召唤和产车的护送下，纷纷聚集在二楼那间主卧里。即便屋里已闷得透不过气，女人们大汗淋漓，可她们仍然按照以前所教，有序地围在产凳旁，一齐有节奏地吟诵着“用力，用力，用力”。

这是只会在基列共和国见到的生产场景。产妇是两个人，产凳也因此设置成双座的，一前一后，一下一上，为的是让二人在生产过程中合为一体：高居后座的是主教夫人，双腿叉开伸向两旁，仿佛临盆在即；被夹坐在前方的则是挺着大肚，“像一只硕大水果”的使女，一边痛苦呻吟，一边使劲用力。

【详细】

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根据这个海报我们可以进行简单的分析

从车前玻璃景象可以推测出车头对着天空，而从f9可知唐老大的十字架吊坠已经传给了他儿子，但却又吊在了他的车前，可推测他儿子被人绑架到了外太空，只留下了吊坠。再根据f9结尾对着月球的镜头可知，第十部应该和月亮有关。综上所述，不难得出第十部应该是为了救他儿子一群人开车冲到了月球，穿着在儿童宇航服专卖店买的宇航服拿着自带音效的光剑成功摧毁反派的月球基地，最后大团圆一起吃饭，片尾再卖一下情怀，一辆蓝色的GTR开了过来，片尾曲响起。

Audrey在这部影片里丝毫都没有显得漂亮，她的皮肤感觉是绷着有点不自然，嘴唇上方有点胡子长错地方的意思，当然这是开玩笑了，Audrey是没有胡子的，只是眼妆那么浓似乎把人中短这个小缺陷扩大了～后来才知道是年龄的关系，拍这部片子的时候Audrey已经37了，再美的女神也无法挽回青春的流逝。看着看着，渐入佳境，还是被女主角Nicole迷住了，不是因为外貌，而是她流露出来的智慧、眼光和胆量。

第一眼看到Peter，又被摄住了，因为他的蓝眼睛。他的眼睛蓝的有一股邪气，导致他全身上下都笼罩着一股阴柔之气。Peter算不上帅气，不过他已幽默取胜，每一句话都带着冷冷的幽默感，回味无穷。

另外，我还被编剧和导演迷住了。1966年的电影，它很简单也不玩花里胡哨的剪辑和线索，故事就是精巧流畅，黑色幽默从Peter的台词中缓缓淌出来，从Audrey一家的人设中透出来……不得不感叹经典就是经典。

影片还有一个迷人的角色就是Nicole的父亲，那位天才的模仿“艺术家”，他技艺高超，自以为是，还和女儿亲密无间。两个人之间几乎没有秘密，他们在无风无浪的时候讨论艺术品膺品，尽管所持观点不同，还是坦白地表达，那种态度就是不求被理解但求被包容；大难当头的时候，父亲一心不想牵连女儿，鼓励她远走高飞，而女儿却坚定地和父亲在一起，还不惜冒坐牢的危险去想办法脱险。因为现实中没有这样和谐的一家两代，这种剧中的父女关系尤其让人羡慕和向往。

最后强调一下，这部电影值得一看，轻松幽默风趣精巧！

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很温情的影片，大牌云集，马克不在拯救地球开始拯救小家，特洛伊的大公主也变成了家庭主妇，惊艳的是大女儿，真漂亮好身材这过两年还了得。题材不太好拍，导演用心了各类家庭都有展现，连gay都不避讳了，政治正确，而且中间不乏美国幽默，影帝加影后的表演配合相当到位，保护大女儿时对手戏真棒。影片对于领养家庭喜怒哀乐全都最直接表现出来，孩子的成长，家长的成熟都展现的特别自然，虽然电影没啥特别大的场面，就感觉能看的下去。

先说结论：此剧的编剧水平严重被低估了。

很多年前看过第一季只记得双视角非常一般，再加上选角问题（不展开了）很快弃剧。因为一些缘故翻出来随便看看发现这个简简单单婚外情的故事竟然拍到五季了。第五季呀！在好莱坞体系里有道德bug的主角能拍到5季的真的不太多，绝命毒师，纸牌屋，马男这种基本上五季结束都是必然的。我想着莫不是这剧有什么我遗漏的优点？

打开第二季一看，哇，整体都提升不少，才发现换了导演。而且看到第10集真心敬重，编剧在讲人的故事，这才是最重要的。在所有以反派为主角的剧集里，一定会有一场让反派倾吐心声的戏，这里就是他和心理医生对决的这场戏。

我们可能有史以来第一次在荧幕上看到出轨者的自我倾诉，他如何努力对抗自己的阴影和如何看待“好男人”这个概念。不，他不想做一个父亲那样虚伪的好男人，他爱的正是对方的阴暗面。其中几段台词精彩卓绝。配合米兰达的表情，哈。心理医生对阴影从不陌生。然后努力引导和提醒他走向更光明一点点的思考————什么是自我意识，什么是借口，什么是真我。

精彩。这一场出现在第10集，相对于绝命毒师拍苍蝇的第9集，是美剧套路里百试不爽的“自我剖析让我们离角色更近”之套路。真相让观众更能relate to角色，这一点对反派当主角的戏更加重要（否则我们就不会喜欢他了）。可以看出编剧们对人物的层次的理解和他们对人本的认知都是专家级别的，真希望我们能拍出这个水准的国产伦理剧。

至于缺点～只能说没有一个演员讨喜也是醉了。

青春短暂，而其混乱的美丽是许多电影试图挽留的元素。导演李启源的新作《乱青春》呈现的是三个花样少女之间既混沌又清澈的情欲，她们在喜欢的边界穿梭、踟蹰、游荡，就像电影开场，Angel在趋于凋零的向日葵花田逡寻着什么，而迷蒙的光在天际吞吐闪烁。

台湾历年来有为数不少的电影皆以女性情愫为题，揣摩同性间游移的关切与依恋，从早期的《国中女生》、《我的美丽与哀愁》、《美丽在唱歌》，一直到近年来的《蓝色大门》、《爱丽丝的镜子》、《刺青》、《漂浪青春》、《渺渺》、《花吃了那女孩》等。近期即将上映的《乱青春》同样探测处于青春期的女孩们彼此对待的方式与纳藏的心结，片中凸显了时间、记忆与爱的流动感。在时光的复沓里，有愈来愈多的回想从四方浮游而至、愈来愈多致密的心思被拆解。最终，这些歧异的视角将如何缝合起来？

《乱青春》舍弃传统的线性叙事，打造了风格强烈的电影语言，繁复地交互编织记忆与现实。时间不再固着于过去、现在这种既存的界定方式，导演大量采用「预示」的手法，使得过去式变成现在进行式。过去与现在穿插、并置再现，模糊了时间的绝对性，也使得记忆渗透入日常生活中，成为一种潜伏的陪伴关系，继续与当下互动。记忆因此苏活，在心之舞台上反覆搬演，在每一次的排演中，都可能添增、删减局部细节，也可能恣意窜改其中的情节。

本片采用多线并行的时空架构，多次前后采取不同的叙事观点，重现同一起事件。它慢慢地点缀、填充、修饰那个时空脉络，邀请剧中角色和观众共同进入，根据当下情境改写成属于自己的脚本。你就不再只是被动的讯息接收者，而能够潜入那些细细碎碎的缝隙里，或许，在某个边缘地带遇见自己。

自认为从未离开青春期的李启源对「青春」这个题材敏感，2005年拍摄完成的《巧克力重击》描述的是一群着迷于街舞和嘻哈音乐的青少年，彼此较劲，蓬勃地舞弄着青春的斗志。李启源同时也对大人与青少年之间表达爱的方式感兴趣，《巧克力重击》的主角巧克力和他的父亲从一开始生硬的对峙，直到慢慢体解对方的处境，从而开启沟通的可能；在《乱青春》当中，Angel和阿咪皆身处于一个崩解的家庭里，和父亲之间隔着一条无形的沟渠。从《巧克力重击》、《乱青春》、《烟》（《台北异想》短片之一），乃至下一部作品《沉默的爱》，反覆演绎的，无非是那种语言到达不了的爱。在李启源的观察中，东方社会的男性普遍无法舒坦而自信地表露自身的关爱，父亲这个角色尤其如此。所以Angel和阿咪的父亲最后都黯然地哭了，似乎唯有这般，才能寻获一丝救赎。

本期【放映头条】专访导演李启源，听他阐述如何透过影像语言表现流动的时间、记忆与爱，以及剖析其作品中一再上演的亲子关系，并分享跨国制作团队的合作经验。

导演认为女性的感情跌宕而有层次，而《乱青春》揭露的正是高校女孩美丽而混沌的私密情感。近几年，台湾陆续有几部电影亦处理了女性情爱的游移与暧昧，如《蓝色大门》、《漂浪青春》、《花吃了那女孩》，就主题而言，《乱青春》如何与其他类似题材的影片进行区隔？

我的电影有毒。（哈）在电影里演出的三个女孩，她们的家人看过后，有一个多月的时间不敢跟自己的女儿讲话。电影里的情绪太真实了，他们以为自己的女儿就像那个样子。不过话说回来，为什么她们不是那个样子？如果碰到那种情境，她们为什么不会是那个样子？我们每一个人又为什么不会是那个样子？故事是虚构的，但情境是真实的。故事里的人物，带我们经验他们所经验的，所以我们是Angel，我们是情绪障碍的父亲，我们是夏日的暴雨，我们是枯萎的向日葵。《乱青春》是女性情感的纪录片。

您说「这是一部关于时间、记忆与爱的电影」，在影片中，我们看到这三者似乎都是流动不拘、可以（自由）移转，甚至跳跃的，请问这是否反映您对时间、记忆与爱的观感？

时间不断流逝，记忆不断被修改，爱与不爱似乎也不是那么绝对。当我们说「过去」如何如何，哪里来的「过去」啊？不过是现在的我们，对发生过的事，又重新诠释一遍罢了。一切都是现在进行式，一切都是你现在这个人的进行式。早上妳被同事的咖啡洒到衣服，于是妳对他昨晚陪妳加班，不再感激了。夜深人静，妳听到萧邦，妳想念初恋的情人，其实当时妳也不见得那么爱他。记忆多么的不可靠，而电影呢，电影就像这么样的一个东西。电影是记忆，电影是梦，电影是现在进行式的艺术，在电影院里你没有办法倒带，你只能出去小便。

《乱青春》打破观众习以为常的线性叙事，采用多线并行的时空架构，并大量使用「预示」的手法，导致过去式变成现在进行式，请问为何会采取这样的叙事策略？

所谓「预示」，就是先让观众看到事件的结果，然后再一次次的回到事件的开始。随着故事中三位女孩关系的改变，她们对事件的看法不再相同了，我们对事件的解释也改变了。宇宙间的人事，没有一样是单纯的因果关系，加加减减，离随机也不远了。观众藉由不断参与、渗透（我多么喜欢「渗透」这两个字）演员的故事，而主动的建构了自己的生命经验。在东京影展，有位中年女子，电影散场后，红着眼眶，拉我的手说，我拍出了她的青春。我想并不是因为她与剧情有相同的故事，而是她的青春经验，经过与演员相互冲击，而有了回声。更有趣的是剧中三个演员，拍摄完成一年半后的现在，当记者问到她们角色的个性时，她们的说法和一年前拍幕后记实时，又不一样了。很明显的她们以现在的经验在投射那个她们曾经扮演过的角色，无所谓对不对或好不好，因为随着《乱青春》的拍摄结束，三位女孩也脱离了青春期。她们再也回不去那个状态了，只有她们青春的影像，会在电影里留下来。

在写作剧本的时候，是否已有完整的故事情节？抑或是初步拟定一个比较开放性的剧本，再视演员的情绪、现场的氛围加以发挥？

不只有完整的故事和情节，连对话我都不许她们更动一个字。但她们要如何彼此互动，要如何讲话，我并不加入太多意见。我不知道这样算不算「开放性的剧本」？演员拍戏时的个人情绪，对我没有多大意义，我也不感兴趣，但我必须引导她们进入情境，等她们进去后，她们会以最自然的方式说话，走路，哭泣或搞笑，这才是我要的。有时这样的过程很累人，如果环境的气氛对，当然对我的「催眠」工作，有很大的帮助。

在拍电影之前，您就已投入写作，请问您如何将文字转换成影像？这两种创作媒材的感染力以及说故事的能力又有何不同？

影像是很暧昧的东西，往往要靠音乐来定性，否则会像没有锚的船一样漂走。俄国的爱森斯坦早在1920年就发现这个事实，所以创造了蒙太奇。一个面无表情的男人的脸，紧接着一张小婴儿的脸，让观众觉得他是慈祥的；如果接的是飘扬的红旗，观众会觉得他是革命青年。这些虽然是剪接的伎俩，但恰好也说明了影像飘忽不定的个性。我不会作曲，否则我会先写音乐，然后将旋律转换成影像，这比文字转换成影像，要直接了当得多。说来有趣，我从来也没有将文字转换成影像过，刚好相反，当我脑中闪过什么意象时，我企图用文字捕捉下来。我没办法用脑中的意象去感染人家，得到拍片所需要的资金，我能做的就是尽可能把文字写得像我脑中的画面。不过即使如此，经过文字转化的过程，影像的意义又开始质变了，两者互相辩证，没完没了。

文学和音乐一样，是门能自给自足的艺术，但电影不是。电影很难单靠影像支撑，就算是默片，还是得加字卡，配音乐。如果一部电影能将影像和文学、音乐调配得当，它的感染力是很惊人的。如果电影做不到这一点，那我宁可选择文字创作，虽然这是个充满偏见的媒材，而且对所谓「忠实传达」这回事，我也充满疑问。

作为一个文字工作者，后来却开始质疑文字是否能够精准传达讯息与情绪，为何会有这样的转折？

文字本身并不如我们所想的，是个透明的工具，它隐含了许多种族和性别歧视。看看中文如何书写少数民族：匈奴、羌、狄、羯......，动物性十足，不是吗？而当中原的政权需要与少数民族结盟时，那种带有野兽意味的书写，就改变了。西方也好不到哪里去，历史（history），竟然完全是男人的（his）故事（story）。我想从直立猿人到现在，人性基本上没什么改变，改变的只是我们对自己的看法，而文字的演化恰好提供了这样的线索。像这样一种工具，我常好奇，在传达日常生活讯息和情绪时，自动过滤了什么？瞒混了什么？又自动衍生了什么、栽赃了什么？这样的情况，应用到戏剧效果，我发觉当演员的肢体和他的语言之间，发生歧异时，正是戏剧张力最强的时候。试着想想这个画面--当一个女人看着男人的眼睛说我恨你，可是她真正的意思是我爱你，是不是远比她直接说我爱你，强悍得多？也许我该去问问小四的学生，这该算是映衬句呢，还是目的句？

您曾提及，拍片时会希望语言尽量精炼，转而透过演员的肢体表演去呈现内心的情感，但在《乱青春》片末，阿咪却是透过一段赤裸的口白来表彰其情欲，为什么这个桥段会选择这样的呈现方式？

阿咪借了小步的雨伞、笔记、IPod、面膜、靴子、维他命B......最后连男朋友都借走了。阿咪真的爱小步的男友吗？并不！她把小步的男朋友当成像雨伞、笔记、 IPod那样「小步的东西」来喜欢。她描述和小步男朋友做爱的细节，不是恨，而是出于对小步的爱。唯有那么长时间的，在罪恶感折磨下，难以启齿的坦白，才有办法让小步体验到她对她的爱。而小步最后吻了她，因为她不忍阿咪不断的重复脏话自责。这种爱多么曲折，当年Angel选择向她告白的方式，她拒绝，这次小步领悟到了那种痛。在这里我选择让阿咪独白，就像听广播剧的说书，它所营造的想像，远比实际的画面来得凶猛。这里的一长段独白，我不让演员更动任何字，因为我把它当音乐用。我写的时候有一定的节奏，有点像听Rap，没有人真正在乎内容，重点在语音带来的节奏感。

本片延揽姚安琪、李律、廖千慧三位年轻演员，她们各自吸引您的特质为何？就表演训练而言，您个人比较注重的是什么？在拍摄现场，您似乎偏好即兴表演，这部分是如何与演员进行沟通、磨合？

安琪是个奇怪的女孩，我从她十七岁时就认识她了。她告诉我很多奇怪的故事，我不知道是真的，还是她自己编织出来的。她有小女孩的稚气和天真，另一面却又比我成熟得厉害。她老是嚷肚子饿，连续几天只吃苹果裹腹，我们每次出去吃饭，她就吃炸鸡，不论西式中式日式，她就点炸鸡。我喝啤酒，她啃炸鸡，然后一边告诉我乱七八糟的事。她说她是害羞内向的人，我觉得她是疯子。她是那种导演不要求，她就会随便乱演一气，但碰到了她的导演，她可以给出非常纯粹的东西。她是天生的演员。

千慧长得像邻家的可爱小妹，让人不会防备。但是她的心思细腻到连她自己都会抓狂。有时我开个玩笑，她可以难过好几天，然后跑来跟我讲，然后又被我骂一遍，她的专长仿佛就是跟自己过不去。这种性格与长相冲突的质地，令我在角色的塑造上，有个很好的著力点。

李律呢，她很另类。所有我们在八岁前应该都会的玩意，她一个也不会，比如说骑脚踏车、弹铜板、游泳等。事实上直到拍《乱青春》，她才踏出过台北市，之前她最远的地方只到过台北县。但如果你以为她是那种乖乖淑女，你就错了，她不高兴时会骂人家「靠杯」。拍戏时，我和摄影师都被她的脚踏车撞过。拍落海的一场戏，还得我亲自下海拉着她游，我问她为什么不能自己游？她说她怕鱼。

说是训练表演，其实就是陪她们扮家家酒（虽然我不能在研究所的开课名称上填「扮家家酒」）。每周八个钟头，大家在里头玩，玩久了，就有感情，玩high 了，戏自然就来了。不会玩的演员，通常很无趣，也没有想像力。有些科班出身的更糟，连走路都不会了。小孩玩家家酒，不需要沟通、磨合，没那么严肃，你只要捡根树枝给他们就好了。在他们手里，树枝是宝剑，是锅铲，是预防针，是鸡腿。我的工作在告诉他们，今天我们要玩什么，把他们带到那个情境去，然后让他们放心，我不会落跑，就这样而已。我的戏都是这样拍的。

Angel和阿咪都身处于一个崩解的家庭中，她们的父亲一个永远沉默不语、一个则是搞不清楚女儿的喜好，为何会设定这样的家庭背景？而Angel和阿咪的父亲最后都不由自主地落泪了，您想传达的是什么样的亲子关系？

三个女演员，有两个来自单亲家庭。我的周遭也有许多破碎的家庭，而且我现在想想，破碎的家庭可能还多过正常的家庭。这些破碎的家庭大部分是男人搞砸的吧。我对男人一点同情都没有，因为我是男人，我晓得那是怎么一回事。鹿特丹影展有观众问我，为什么电影里没有母亲？我说有啊，三个女孩就是母亲，不管她们几岁，她们都是这个荒凉星球上唯一的安慰。男人就不用谈了，他们不管几岁都是小孩。有些小孩自闭，有些小孩自私，说着好像在讲我自己一样。其实也没错，如果我有小孩，我也可能是那个样子的糟糕父亲。东方的父亲，不会跟小孩讲话，更不会说我爱你。男人的情绪到了十六岁以后都瘫痪了，但不是没有爱，在最后的一点泪光中，我们看到了救赎。

片中的场景不少皆带有凋敝、毁弃的气味，像是腐朽的公寓、干枯的游泳池、秘密洞穴里的浴缸、莲花池旁的废车场，请问当初为何会设定这些场景？是否企图与青春以及角色心境进行对照？

美学上，我不喜欢那种太不食人间烟火的景物。那种风景卡片式的美景，永远也不会出现在我的电影中。我不是说我非拍废墟或垃圾堆不可，而是场景必须有种意思出来才好。比如说一位住在白河的朋友，带我看遍白河的莲花，我告诉他太漂亮了，我不能用。然后就在马路旁，我看见了废车场。更妙的是，一堆废铁后面，又有个莲花池。我看着看着意思就出来了--青春既美又丑，既温柔又粗糙，既抒情又暴力。光拍这个，想想就很过瘾。电影开场的向日葵花田也是，我们等到繁花开尽后，某种腐败的味道来了，才去拍。青春只是漫漫人生中的一个特例，它不是个正常的状态。它是万物必然走向衰败、凋蔽过程中的一个反动，因此我找的场景，多少带有冲突性。场景这东西很微妙，有时它的故事性更甚过演员，我可以接受一个不是那么灵光的演员，但我没办法忍受一个没有感觉的场景。

这部片的摄影师李奥纳多?瑞特?亨瑞奇（Leonard Retel Helmrich）透过「单摄电影技法」（Singleshot cinema）开创出相当诗意而瑰丽的影像风格，请导演谈谈合作源起，以及拍摄过程中如何与摄影师沟通。

《乱青春》写完时，我开始伤脑筋摄影师的问题。时间、记忆与爱是流动的，因此我必须创造一种流动的视觉语言，来呼应我的主题。由于摄影机必须不停的移动，因此摄影师手持功力必须非常厉害，而且他还必须能配合我的要求，不能干扰到演员的情绪。最重要的，必须快，因为我只有拍摄18天的预算。就在这个时候，有一位美国的朋友，搞纪录片的，说有一位荷兰的纪录片导演，要来台湾参加纪录片双年展，并寄给我一片Leonard拍的《月亮的形状》（Shape of the Moon）。一看大乐，因为他不仅拍出故事，还拍出了诗。等他来台湾后，我们花了一整天聊，他给我看他发明的「单拍仪」，我说你来当我的摄影师，我们让大家见识一下，这玩意用在剧情片的威力，说不定你可以在台湾设厂量产。他被我说动了，五个月后，在完全不知道剧本的情况下，与我一起拍摄了《乱青春》。

Leonard Retel Helmrich过去的拍摄经验都是以纪录片为主，这回是他初次为剧情片掌镜，这样的背景在拍摄《乱青春》时会擦撞出什么样的火花？

因为他拍了二十几年纪录片，到过许多国家，大部分时间他根本不懂当地语言，也不知道会发生什么事，唯一能依靠的，就是直觉。而我片子正是这么一种拍法，虽然我写下每场的情境，但我不知道演员会出来什么东西。因此他的纪录片背景，在我们拍摄时便很管用。当年轻演员的灵光乍现，他一个单拍，就抓到了我剪接时所需要的各种镜位。特别是碰到怪异天气时，我更可以大胆和演员一起玩，完全不必担心镜头，结尾时两个女孩在海边跳舞，和在废车场打架的戏，就是这样无预警的下起大雷雨，而我们在大雨中完成拍摄，一个镜头单拍完成。我特别记得有两场戏，冰淇淋店和安琪家，拍着拍着我发觉摄影师在哭，我担心手持摄影机晃动太厉害，还特别过去拍拍他的背。他告诉我虽然不知道演员在说什么，但是情绪的感染力还是很强。我们就是在这样的工作气氛下，如期完成我们所有的拍摄工作。离台前，他说我们再来合作一部吧。这是我听过的最棒的赞美。

《巧克力重击》和《乱青春》这两部片皆有跨国合作的工作团队，《巧克力重击》的幕后班底包括摄影师Lawrence Schweich、艾美奖音效剪接奖得主Michael Lyle，《乱青春》除了摄影师Leonard Retel Helmrich外，亦邀请相当活跃的日本电子音乐大师半野喜弘（Yoshihiro Hanno）负责电影配乐，能否请您谈谈为何偏好跨国合作，并分享跨国合作的经验？

台湾电影的专业人才，就那么几位，做来做去，就是这么几位。久而久之，东西都很雷同，风格也相去不远。混血是为了变异啊。

跨国人才的合作，说起来容易，协调起来是一门很大的功夫。幸好我有一位了不起的制片，她让所有事情如期发生。我每次在拍片现场，喊第一声Action，都会怀疑这到底是不是真的。电影是一个团队的产物，团队的工作气氛很重要，有时甚至很私密，有点像秘教的氛围。不管是演员、美术、摄影、收音，都会不吝惜的给出最好的东西来。这时候我的眼睛里只有集体的目标，没有国籍、肤色和语言的差别，我什至忘了有外国人这回事。直到现在妳提出这个问题，我才突然惊觉，我的收音师Mark是美国人，摄影师Leonard是荷兰人，一个掌管现场声音，一个掌管现场视觉，竟然都不懂中文，不知道演员在说些什么，然而《乱青春》就这么言之成理的拍出来了。

导演曾提过对改编诗很感兴趣，因为诗的语言暧昧、歧异，血缘与电影较近，《暴暴鼓》这部作品就是与诗人夏宇合作的电影，请问这部片目前的执行进度如何？另外，也请谈谈您的下一部作品《沉默的爱》。

《暴暴鼓》目前是个灾难，因为我们两个人写出了完全不同的脚本，除了人物的名字，没有一样东西相同，连当初讲好的情节，也离题了。

我倒是比较想谈《沉默的爱》。在这部片子里，我不想让演员讲话。因为我一直觉得我们活在一个很嘈杂的环境里，从电视到立法院，每个人都声嘶力竭在吼，但谁也听不见谁。我希望观众进到电影院来，起码可以享受九十分钟的宁静，在静默中体验爱。

最后，请导演给《放映周报》的读者一个非看不可的理由。

没什么电影是非看不可的。不过假如像许多看过的人说，看完《乱青春》后，人变得不一样了，而且感觉回不去原来的自己。我想那倒也是很异类的经验，不是吗？每个人一辈子至少都该有一次这样的经验。

【01-04】

终于，2019年，最令我心动的男主角出现了，单亲爸爸——刘志浩。

最近几年，韩剧和国产剧都走入了一个怪圈，仿佛传统的爱情故事已经不能满足观众的需求，一定要有一个花架子，在形式上勾着观众往下看。无论是超能力还是人造人，这些悬浮的爱情离我们太远，其实观众想看的是充满烟火气的人物和温暖扎实的感情。

而敢抛掉一切噱头，实打实拍人物感情和细节，有一位导演最在行，那就是安畔锡。从《密会》到《姐姐》，安畔锡有着超乎常人的观察力和直戳人心的镜头语言功力。他不是一个强情节的导演，而是一个情绪型导演。一个下意识的动作，一次不经意的眼神交流，一场打乱一切的初雪，荡漾的情愫充斥在这部剧里，就算主角们都在否定，但观众们都知道，你们已经动心了。

虽然我对丁海寅有着偏爱的滤镜，但刘志浩这个角色还是和丁海寅之前塑造的角色不一样。反而让我想到了《通往机场的路》里李尚允饰演的男主人公徐道宇，他也是一位单亲爸爸，有着直戳人心的温柔。

刘志浩的温柔，真的是百炼钢化作绕指柔。对于“我爱你”的表述，腼腆的亚洲人有无数种解读，“今晚月亮真好看”、“你的眼睛里有星星”……

在这部戏中，是这样表达的。雪夜里，刘志浩跑到李静仁等他的拐角，二人坐在药店里，刘志浩说，“我很好奇，李静仁这个女人是怎样的人，从第一次见面后，我就一直在想……”

天呐，这不就是爱情吗？

将“我爱你”用一种，并不给对方增加负担的方式说出来，真的是太温柔了。

【详细】

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【【剧评】】我们得承认这一季可能并不适合所有不是美国的观众，因为这一季制作方想要讨论的东西是非常贴合当下美国社会的。这一季美恐大胆的玩了一把很本质的悬疑片手法，这种手法贯穿了前六集，我非常喜欢，下面我们来多方面多层次的聊一下这一部的优缺点。（我把这一部成上下两部分，上部分是1～6集，下部分是7～11集）

———（1～6集）这部分是我觉得这一部的精髓，制作方再次打破前六季的风格，采用了非常传统的悬疑手法，很多人说前三集十分无聊，但我并不这么觉得，因为前三集完美的做到了悬疑片的前戏。

首先要想让一部悬疑片出众，我们要构建许多个悬疑成分，这些悬疑成分的比重也很重要，哪方多哪方少，稍微失重后面的高潮就推不起来，在前3集中制作组没有偏重那个悬疑成分，每个部分的悬疑感都很平均，例如保姆的目的，小丑是谁，隔壁的养蜂人，女主的恐惧成真等等，这些悬疑成分完美的烘托了一个古怪惊悚的街道小镇，而这部分做好了之后我们才能谈下面，所以我觉得这三集的剧本是很棒的。

其次，在悬疑成分铺陈的基础上我们要玩一些手法，例如蒙太奇和一些隐喻指向的镜头物件，蒙太奇就是说我们要怎么去拍镜头，就拿女主逛超市那场戏来说，镜头一定要故弄玄虚再搭配上夸张的音效才能带动观众的神经，就比如在拍她逛超市时我们要拍她的腿很沉重的走着，这样才能烘托接下来要发生诡异的事情，再比如女主一回头拉一个全景结果全景里并无别人等等，这些很“诡异”的蒙太奇大量的充斥在前三集当中，它们都在暗示着这一切如此奇怪一定有什么秘密，而你往后看你会发现后面基本就不会这么拍摄了，隐喻指向的物件就不必多说了，包括小丑面具，小丑漫画书、墙上的小丑涂鸦等等这些都是。

到了第四集第五集，制作组就开始慢慢揭露谜底了，由于前面迷雾够多，所以这一部分看下来是很有意思的。

第六集绝对是最佳，它是前面悬疑部分的高潮点，这一集将前面所有的谜点全部汇总到了一起，而制作组还不仅限于此，他在短短的一集内在汇总所有谜点的同时还玩了一个大反转，实在是让人佩服，让前面整个部分得到了升华，整集通过kai设计的一个连环套既深层的塑造了kai、女主等人的人物形象又突出主题完美的达到了一个剧集的转折点，意犹未尽。

———（7～11集）这部分开始就回归到了美恐常规的风格。

好的部分也是有很多的，首先它引用了很多历史上的真实事件来烘托剧情，尤其是在7～9集运用的太好了，非常贴合每集想要表达的东西。再者就是女主人物的转变，这一部分的女主人物塑造非常重要，她要给观众爽的感觉才算成功，她确实做到了，从杀掉了妻子开始，女主就很讨喜了。还有人物陷入邪教慢慢变得崩溃惊恐的感觉也是有刻画出来的，尤其在记者的身上。

不好的地方也是有的，而且多出现在最后两集。第一，后面人物比重有些失调，例如警察实在是太仓促了，养蜂人一对也太仓促了等等。第二，kai慢慢疯魔的刻画不明显导致很多观众觉得后面他智商下线，但其实他是精神状态慢慢变坏了。第三，想要表达的东西很多有所失调，女权、男权、政治阴谋、邪教恐怖等等主题在互相迁就。第四，最后一集女主写的太满了，太满之后会让人觉得和前面的风格有所脱节。总的来说就是有些仓促了。

———（整体来看）剧本是没有什么问题的，尤其是前面的铺陈十分稳定，但到了后面几集给人的感觉是节奏突然变快，导演可能太想要高潮迭起，故事转折很快，不知是不是受了集数影响。

———（从内涵主题来看）整季都是在借助这一个镇子来讲述有关当下的社会现实问题，例如极端左派和极端右派，媒体虚假的报道，外来人员的权益，女权的变质，恐怖分子利用社会恐慌等等，任何一种主张到了一个极致就有可能变成一个邪教，尤其是最后一幕女主带上剐男社斗篷那一幕。值得一提的是导演看问题看的很透彻他没有去战队到那一方，而是深层次的刨析了各种问题极端后会到达的一个恐怖的点。

第五季个人剧评：https://movie.douban.com/review/8181523/

第六季个人剧评：https://movie.douban.com/review/8128027/

第八季个人剧评：https://movie.douban.com/review/9766370/

今天分析《这个杀手不太冷》、《雪滴花》、《天浴》的结局。

对比是不是很奇特？我不猎奇。

开始之前我是真的好奇，有人对《雪滴花》结局抱有异议，问男主角是不是没有死，因为他又出现在第一次相遇的茶餐厅。是真的看不懂吗？我认为是有可能的。因为国内还陷在线性叙事当中，可能有些年轻的观众没见过西方电影说来就来的的幻想叙事。

《雪滴花》男主角死了，那是幻想，对应我之前分析的教堂畅想。至于弹吉他不仅对应他的梦想也是为了英路，英路曾经问过他有没有才艺。

这不是我要分析对比的东西。今天谈的比较难。

相同点：三部影片都不是大团圆结局。

不同之处在于死亡背后的价值观或者说人生观。

每种死亡观都对应一个国家的人生态度，对活着的态度。这是你首先要理解的。

因为以前拿《这个杀手不太冷》与《雪滴花》做过对比，所以还是以他为模板。

两者的相同点：都有一个美国电影常见的尾声。如果看过《碟中谍》可以更好理解，尾声与主要叙事毫无关系，也不同于漫威宇宙的彩蛋，而仅仅是为了满足观众。被打乱的生活回到正常秩序，交代所有人物的结局，“可能”暗示续集与之后人物的走向，让观众稳定下来核心考量。也是为了与之前跌宕的剧情做一个对比，既是对比也是节奏，余音袅袅意犹未尽啊。

来看看是不是这样？《这个杀手不太冷》主线叙事就是有爱有趣的清道夫与违背常理嗑药的警察同归于尽。尾声是女孩重回校园，学校再次接纳了她。导演弱化了社会通常所认定的善恶，甚至清道夫成为观众眼中的正义。

《雪滴花》主线叙事是政治，小人物死了，大人物进了监狱。尾声是舍监与宿管和解再次合作管理学校，女人来到茶餐厅与幻想中的男人重逢。

不能有大团圆结局吗？

似乎完全没问题。

清道夫完全可以与女孩远走高飞，女人也可以和间谍去往异国他乡。

不！导演考虑的是多数观众，清道夫虽然很有爱但是小女孩跟着他真能过上安定的生活吗？很难。

间谍真能与女学生在异国他乡逃脱追杀吗？很难。

所以清道夫死了，间谍死了。

哦，这有啥了不起的。三部电影的区别就在于《天浴》没有尾声。

余华：活着这个词在中国的语境里充满了力量，它的力量不是来自于呐喊，也不是来自于反抗，而是要忍受，去忍受现实中的苦难和平庸，去忍受生命中本不该有的不公与不义。在这样的世界里，有一种心眼坏了，叫知足常乐；有一种眼睛瞎了，叫岁月静好；有一种耳朵聋了，叫与世无争。

最近文艺青年开始吹捧《活着》，上面这段话就是骂他们的。看不懂才追捧。

余华大师这段话怎么理解呢？就是说别觉得苦难会过去，苦难如贝多芬命运敲门般一波接一波永不停歇。文艺青年理解为忍耐，余华认为那是麻木。余华要的是力量，从那无边无际平庸又苦痛的生活中找到活下去的力量。也可以看看余华教怎么写高考作文，直白讲就是多背背好词好句，反正批卷的没文化，高考烂美文永远不可能变成《活着》。事实证明，我们国家年轻一点能受到全世界认可的小说家都没有。文艺青年又要说人家针对我们，他们针对余华了么？人家批评张爱玲了吗？

《杀手》与《雪滴花》的尾声都是主人收拾伤痛重新进入生活，当然这也是面向观众群体的考量。因为是商业片，清道夫与变态警察肯定得死，小女孩重归平静生活也是西方国家的期待。那个背景之下间谍与女大学生的结合过于敏感，无论政治还是社会舆论都会有太大压力，也不符合当时的现实处境。

如果男女都活下来结局是圆满了，生活却很动荡，既不符合现实，也让观众忧心。而如今的处理不违背现实历史背景，也更符合人物情感逻辑。更重要的是表现出“活着”的力量。男人的死亡从他寻到现实生活的美好开始，刚宣布新生就被迫接受死亡。而女人带着他们的期待重新开始，继续生活。

如果思考间谍与女大学生是否可以在一起，可以参考李沧东导演的《绿洲》，导演故意丑化女人并安排她与一个有多次入狱前科的男人产生爱情。《断背山》选择的是西部背景，一个恐同严重的环境，不过影片并没有西部片元素。两位导演通过这些选择强行拉近观众与人物的距离，如果你能接受影片中人物的情感，那就可能思考生活中如何与这些人相处。无论是谁，都可以去爱，都有活下去的权利！

《天浴》与第五代导演的混蛋思维一样，《芳华》同样证明严歌苓居高临下看待中国的苦难。

《天浴》与《本命年》有相同的人生态度，那就是人之初性本善，我是好人，总有坏人要害我。《天浴》结尾文秀的死背后所透露的价值观很暴力，一个女孩子只要做了情色交易就脏，她不能回到正常社会，她必须死！这种态度与我们国家创作者对待战俘一模一样。我们的电影电视剧不接受战俘，战俘就应该与敌人同归于尽。

我们不能接受战俘也是英雄，也不能接受一个女孩为了回家而做情色交易。死，是国内创作者普遍的期待，不然观众也受不了。

余华《活着》的价值就在于活下去本身所代表的力量，而不是因为接受苦难而伟大。所以我今天说的其实并不是电影，这也是我说电影难学的原因。

很多人说《天浴》很现实，是吗？你是她吗？对不起，我这样说很无理取闹。那我们从现实入手看看？

看过《赛末点》吗？豆瓣没啥人看懂。因为国内观众的思维就是杀了怀孕的前女友他必须是纠结的！谁告诉你的呢？如今我们国家导向很好，开始正视历史，那我问你啊，伪军与汉奸数量超过日本军队，这些人内疚吗？从各方的记录看，他们甚至觉得自己很伟大。各种各样的理由，对，是理由不是借口，为了家庭为了国家为了活下去，看完他们的辩解我们完全能理解他们对同胞举枪。现实就是站队迅速的他们继续幸福美满。除了《色戒》你见过国内创作者对汉奸的反思与审视吗？没有，一个都没有。

《赛末点》是伍迪·艾伦大师的杰作，他采访并研究了很多杀人者的心理，他把杀人者真实的心理植入电影。如果杀人可以让生活幸福美满为什么要有负罪感呢？如今疫情之下，很多杀人犯无奈自首，他们后悔吗？显然不，后悔早自首了！

震撼我的是伍迪·艾伦导演并没有停下对人性的探索，如果杀人者杀人之后生活如意，甚至忘了自己曾经杀过人呢？

我要指出人对活着的渴望。写悲剧写主人死很容易，让他活下去才难！

《霸王别姬》写一个妓女的自杀多可笑！妓女因为遭受感情背叛自杀，真想赞美陈的创造力想象力。哦，对不起，他不会编剧，编剧当时不准他改剧本。

我们古人怎么形容妓女的？那不是天天洞房花烛吗？论演戏，妓女可比演员厉害。因为丈夫出轨自杀，想象力惊人。

《霸王别姬》与《红高粱》结尾主人的死都存在人物情感逻辑问题，演不下去了，就一起毁灭吧。

《天浴》这个孩子脏，回不去了。作者当然可以说孩子心理生理双重受挫。可如果我们的艺术作品没有余华《活着》那样的力量而总是选择毁灭，那么对社会心怀不满又活不下去的观众就会仿效电影，更不用说电影中主人赴死如此悲壮，风景如此优美壮丽。

看，前几个月由于生活不如意撞人行道上同胞的暴徒。他是暴徒吗？为什么这么做？自己生活不如意对社会不满为什么要向无辜的同胞发泄？

鲁迅：他们是羊，同时也是凶兽；但遇见比他更凶的凶兽时便现羊样，遇见比他更弱的羊时便现凶兽样。

如果《天浴》这么改是不是会更贴近余华大师的《活着》？

文秀不断与各种男人发生交易行为，日复一日的绝望之下，她真的接到通知可以回家了。

谁也不知道是那些男人的手段还是本该到来的命令。

文秀并没有像低俗的国内创作者那样从此陷入交易不可自拔，习惯成自然在她这里行不通。这段经历仿佛从未发生，却又有不同。文秀更加坚强适应了世界规则。情色交易如梦一样再也不曾出现。

有一天，生活宽裕的她想起那个善良的男人，她命定般回到那个熟悉的地方。

谁都没有提起那段往事。

她走到那里，对他笑，他举枪。

每日影评20220501

悬疑的主线串起一个爱情故事，在这部剧里爱情、亲情、爱情、友情、包括邕山这个小地方的邻里之情都刻画的非常棒，太喜欢演员姜河那了，演技给力，不是传说中的帅哥，但是笑起来却很温暖，就像这部电影里一样，没有霸道总裁，没有财阀富二代的人设，只是一个普普通通的地方警察，他耀眼的光芒照亮了女主黯淡的人生，大冬天太适合看这种治愈系爱情故事了。

大家好，我是戴着眼镜拿着话筒的阿拉斯加片片。

最近，有个热搜词频繁出现出现在视野里：胡晶晶跳楼。

原以为又是个天人共愤的社会事件，网上一搜，评论竟清一色正能量，网友纷纷表示，眼泪全部贡献给跳楼这段了。

【详细】

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第五集剧评：日本人供给不足也就算了，朝鲜人的地盘明军也没有饭吃，朝鲜当时的行政体系已经瘫痪了。还有，不是李如松想打就打的，是因为朝鲜国王一直在耳边吹风说日本人只有几千人（没错为了复国韩国人什么鬼话都能说，对面日本人5万以上的军队）导致关宁骑兵孤军深入，以至于跟步兵炮兵脱节他居然没有讲。你关注的是道具的细节，我更心痛历史的歪曲。

小成本电影的魅力。

我之所以会用1小时17分钟去看这部电影并不是因为它得奖或出类拔萃，而是因为我尊敬的老师是这部电影的制作者。所以我这篇短影评也许会有偏颇，望其他看官切勿较真。

这几年来有一个趋势，就是小成本电影越来越收到瞩目。《Lady Bird不得鸟小姐》《Boyhood少年时代》《Three Billboards outside Ebbing, Missouri 三块广告牌》《Manchester By The Sea 曼切斯特的海边》等等。这几部电影在不同程度上获得了提名和若干奖项。理论上来说这几片其实并不讨巧，制作方并没有按照奥斯卡的评委的口味去创作的。1.它们没有太多政治正确的因素。（《为奴十二载》、《至暗时刻 》，《华盛顿邮报》）2.它们不塑造英雄式的人物。（《逃离德黑兰》《模仿游戏》、《血战钢锯岭》，《万物理论》）3.不讨论刺激的伦理问题。（《水形物语》、《月光男孩》《她》）

所以小成本电影的魅力在于人物的刻画和贴近生活的真实。（基于第二个因素我需要申明王家卫导演的作品不在我讨论范畴之内。）这几部奥斯卡提名级别的小成本电影，把每一个平庸平凡的屌丝男、屌丝女、屌丝妈、屌丝警察、屌丝父亲内心最深处的焦躁表现了出来，并且诱导荧幕前的观众发出内心最迫切的无声呐喊。好了，这是作品的目的。《睡沙发的人》这点没有问题，也把男主角的青春期困惑表达了出来。完成了这点，这个片子只能说勉强及格。60分

关键在如何表现青春期的情绪和蜕变，演员和编剧需要怎么做才能完美的呈现这种内敛的情绪。电影艺术和小说最最忌讳的就是角色直接硬塞给你中心思想。如果这很难理解，我举个例子。这里点名批评某部以飙车为题材的第七部电影。光头男主角反复重复了一句话: "你是我的家人。（来表达这些飙车兄弟间的友情，同时也炒作一把那位逝去的演员）。” 我个老天爷，这种直接和观众做露骨直白的概念传输等同于编剧的在告诉观众：我真没艺术天赋，你们将就着看吧。简而言之，就是并没有“诱导”观众做出内心迫切的呼喊（即是共鸣）。我们回头看看《睡沙发的人》是怎么做的。1. intertextuality 中文叫互文性 。书本和哲学贯穿了整部电影。 屌丝男主每一次的蜕变都是通过阅读新的文本获得新的灵感，在朋友的对话中抛出一句哲学名言来传达自己的心灵困窘和找寻解脱的方式。这种表达形式不装逼也不突兀。因为青春期的人做的最自然的事情就是把刚学的东西用上装逼。 2. 和家人的摩擦。观众不难看出舅公在故事里是一个伯乐的角色。看似木那的舅公，每一次都把屌丝男主的文章进行仔细的学究式的修改。男主从一开始的别扭到后来主动“投稿”给舅公。男主的青春期成长与转变也从这里得以体现。3.加一些小细节，如男主不开锁了。青春期要自由便离家出走了。懂得表达真实的情感了（教导小朋友写真实的作文）。这些都是一些编剧刻意安排的桥段来表达青春期的蜕变。所以我再加20分，目前80分。

我总评85分，最后的5分是老梗的笑点不突兀，叙事节奏不拖拉（至少我没有快进），玛丽莲梦露（舅公的报复）画龙点睛。剩下的15分扣在，某些群主演员说实话有些出戏。剧情有点老套，看到一半基本上能猜到未来会怎么发展。四舍五入 90分！（开心）