这是对“传奇”这两个字的侮辱！ 1.慈不掌兵义不掌财:像杰克船长那样的，兵不血刃就到处劫道？那毕竟是迪士尼吖！ 2.有的时候连自己的直觉都在欺骗你:三观不合的伙伴、背你而去的妻子、出卖你的最后的朋友+时运不济的自己，到底哪里有传奇呢？抢的钱??最多？跟他的女人最多？...  (展开)

这篇影评可能有剧透 北极狼和非洲狮，它们在大自然是敌人啊～怎么可能成为“兄弟”呢？ de Maistre夫妇在和狼以及狮子的trainer们讨论之后，发现这是有可能的，于是他们写了《狼与狮子》这个剧本。 四只小狼和两只小狮子在trainer的带领下见面了。他们想知道狼和狮子是否真的可以相处。出人意料的...  (展开)

      华语电影导演尤其是香港导演拍摄武侠电影，往往奇招迭出，神采飞扬，但是拍摄历史人物与真人史诗，就仿佛带着铁镣跳舞，大多是进退失据，因为电影是戏剧创作，不可能完全忠实的历史重现，编排或改编都是要求制造戏剧高潮，但改编过多，就会有人拿着历史来对照查考，吹毛求疵；改编保守，既老套又难有新意，因此，历史题材影片与真实历史之间究竟怎样取舍得当，创作改编的幅度如何拿捏，一直考验着每一位历史电影的创作者。
 
      在麦兆辉、庄文强宣布开拍《关云长》，之前，一共有五个关公题材的立项项目，能被这两位导演后来居上抢先推出，相信也是因为其他导演在对关公这位家喻户晓接近于神的人物究竟该如何进行诠释，才能被现代观众认可而费心头疼，因为一旦历史人物成了神，那就更是格外麻烦，从各个角度能做到众口一词，几乎是不可能，当年吴宇森的《赤壁》虽然缔造了华语银幕上最大的冷兵器战争场面，票房也大破纪录，但始终挡不住观众影评人的口诛笔伐，因此，有些题材的开动，天然就存在着被批的风险。

      《关云长》也得接受这样的现实，你在银幕上创作出与大家印象中一样的关公，那么他的武圣英姿之下不应该有凡人的喜怒哀乐，难以做出血肉；而让他走下圣坛，又落下污名亵渎的口实，因此，这一次麦庄版的关公传记，走的其实是相当保守的路线，用甄子丹扮演关羽，武戏有保证，姜文演曹操，文戏上堵你的嘴，其他方面，故事单线推进，过五关斩六将，打得绚烂好看。完全满足一般大众娱乐要求。

      但相信看过电影的很多人还是会觉得《关云长》是对历史人物的颠覆——曹操没有一点反面的描述，他是被“天子挟持以令诸侯”的忠臣，而关羽史书上“桃园三结义”、“刮骨疗毒”、“千里走单骑”、“败走麦城”等等脍炙人口的历史典故，在《关云长》里都绕道而过或者轻描淡写，更多是虚构出的他与孙俪之前的情感故事，焦灼在忠义与情感间的煎熬与历练，成为关羽情感和内心的唯一描写，但这样看似出新的所谓颠覆，其实还是不够过瘾——显然，编导还是顾及主流观众的观赏习惯，将历史人物向更有观众土壤以及相关导演最擅长的“武侠化”靠拢，制作出一部不求大突破，但有票房保障的动作版“武神外传”。

      抓住历史人物的性格和人格魅力核心，重新创作故事其实是最难的创作方式，比如李仁港的《见龙卸甲》，主角赵子龙的塑造其实并不成功，但片中濮存晰饰演的诸葛亮，运气好一点，令人小有惊喜，李仁港安排他亮相的第一场戏是在军士前大口扒饭吃的布衣模样，却还有“谈笑杀敌”的从容悠闲，指点赵子龙打赢了第一仗后，在暴雨之夜又行色匆匆急着上路，到下一站去出谋划策，既不拘泥史料描写，又符合传统的 “卧龙”先生忧国忧民的神采。只可惜，只这一场好戏，救不了整部《见龙卸甲》。另外可以再次举个根据三国创作的成功例子，那就是陈某的漫画《火凤燎原》，这套漫画是以司马懿和赵云为主角，其中刘关张的第一次亮相着实精彩——刘关张最初以“桃园三匪”的面貌登场，听说孙权的大军征战路过一城，他们赶在之前先劫光了这座城的所有钱财，而孙权大军的行军供给方式就是经过一城打劫一处以备军需，当他们赶到，刘关张已经走远，城内已经无财可劫，而城中老百姓又把“吓走”刘关张的孙权大军当成救星，被迎接入城的孙军只好拿出自己的粮草与城中百姓共享，城中百姓虽然散尽家财，但保住了自己的性命，而此时，刘关张带着劫来的钱财，赶到被孙权已经攻下的上一座城，把钱财分给了城民——这样的结果是，刘关张虽然当上一次“恶人”，其实他们是救了两城人的性命！

      《关云长》在制作拍摄上保持了一定的水准和娱乐性，只是做到了好看，但离为武圣重新树传，在大的野心上，还是还是相当保守。

黄昏里一盏明灯:他们在岛屿写作
文 / 蒋斐然

“是谁传下这诗人的行业，黄昏里挂起一盏灯”。

在这文学阅读日益衰退的年代，《他们在岛屿写作》挂起了黄昏里的明灯。

我们不禁感叹，台湾啊台湾，台湾啊台湾。看似被政治力搅和得乌烟瘴气的台湾，看似民风日下乐娱表浅的台湾，却从不叫人真正失望，因为在这个岛屿的某个角落，某个时刻，总是不期涌现这样那样充满力量的的影音创作与文学记忆，无法被乱流冲走，无法被历史埋汰，让人重新坚信美好的存在。这个市井与纷争的小岛，像极了春秋战国时期的中国，乱力之下有自由，自由之下放百花。

他们在岛屿写作。他们是谁？“他们”指向的是一个漂浮游移却隐然成形的时代群体，既有历史时间的距离，又有美学感性上的回眸。“岛屿”作为一种历史地理的指称，潜藏了在地思考的逃逸路径，跳脱省级，无关统独，抛却了僵硬的国族符号，抛却泛政治化的情感动员。而“在岛屿写作”则形构出一种当下此刻的书写进行式，贯穿过去与未来，以写作的创造性能量，标记岛屿之浮光掠影，“岛屿写作”，让岛屿不先于写作而存在，让“写作”无法离开岛屿而成立。

六位文学大家，来自四面八方，出生地殊异，成长地殊异，但都在岛屿写作，都在书写岛屿，都在以文学书写作为逃逸陈规范式的路径。值得思考的是，其中的几位作家都是从大陆过去台湾的。余光中曾这样描述他所经历的地方：大陆是母亲，台湾是妻子。何以母地的生子都绽放在他乡的爱情里，而后又缱绻于怀乡的诗情里。不论时事，搁浅政治，但省两地的人文落差，便叫人戚戚。

《他们在岛屿写作：文学大师系列电影》创造了文学纪录片的一个奇迹，成为去年台湾一个重要的文化事件，让人唏嘘之余感到欣慰——还好，文学还在；还好，读者还在。这套影片的奇迹在于，它以非凡的诚意打动了六位文豪的联袂出镜，以纪录片的预算制作出了电影规格的影像，以文学电影的姿态站上了公映院线，以低调的妆容赢得了高调的票房和口碑。虽非商业片，却敢于挑战观众的口味，不得不敬佩，作为发行方和制作方的目宿媒体确实具有过人的胆识和先天下之忧而忧的人文情怀。但谁也没有想到，在这样速食消费的年代，悠长缓慢的诗歌又唤起了人们心底对文学的柔软记忆，真诚朴质的影像挖掘了字里行间的乐趣，拉近了观众与诗人的距离，抵抗了阅读衰退的忧虑，这表明不管时代怎么变，人性最初的那份纯洁与美好是不会消褪的。

你看到诗人的生活，看到他们作为一个人是如何存在，然后你突然就读懂了他们的诗。比如，我看《化城再来人》时非常惊讶，或许之前听说过在武昌街摆书摊的周梦蝶，但并不知悉他原来人如其诗，早已老僧入定，生活作诗仿如修行。再如余光中先生的诗应该为大陆观众所耳熟能详，但在纪录片《逍遥游》中，我才完全地尝到了乡愁的滋味，也才明白之前脑海里的余光中并不是真正的他，他的诗我也并非真的懂。这不就是纪录片的意义所在吗，带领观众进入和理解一个未知的世界。

《他们在岛屿写作》成功了，在台湾，第一次有这样的纪录片能够在院线联映五周之久，怀揣着所谓的传说中的“纪录”与“文学”两大票房毒药，却眼睁睁地火爆了市场，成为一种奇特的现象。不论是文艺界还是非文艺界，都不断有仁人志士站出来鼎力相荐。张艾嘉为首映站台，马英九看后将预告片投上FACEBOOK大力夸赞，又有多少民众一看完片子，就涌起一股满满的冲动，奔向书店购买诗集。也就是说，人们又开始读诗了。这难道不是最大的奇迹吗？

若说以上是电影之于文学的奇迹，是电影为文学的普世化和复兴作出了贡献，那么反过来，其实文学也同样滋养了电影。《化城再来人》和《如雾起时》的导演陈传兴说，文学总能给电影注入大量新鲜的内容。文学电影的类型在亚洲尚未流行，在世界范围内，其实BBC早已拍摄过很多系列的作家纪录片，美国的大学也设有文学电影的课程。但在整个大中华地区，《他们在岛屿写作》是第一个做这件事的人，若这一波电影的佳绩能兴起整个文学电影类型在亚洲的发展和崛起，那就丰富了我们的电影市场和电影创作，不论对影人还是对观众，都是打开了一个多元化的出口。从纪录片的意义上说，也是对纪录电影创作现状提供了一种激活的可能性。当然这需要所有人的协助和推广，而我们，正是在做这样一件事。

在宝岛，有人在努力的保留纯文学的火种。而中国大陆，也曾像这个岛屿一样，经受过动乱对文学的摧残，如今却少有人以主动的姿态践行对文学的热爱。但我相信，这里同样潜藏着一大批坚定的文学青年，而台湾文学正是他们成长路上的重要养分，只是在这样的时代背景和社会风气下，他们选择了隐藏这份欲说还休的炽热。此番在HAFF能够一瞥这些文学大师在银幕上巨大的身影，必定会振奋这群长久遭边缘化的文青的心。而那些许久未拾书卷的人，或也会在看完这一系列的电影之后，重新回归读者的身份。另一方面，也是给大陆电影单一乏味的商业趋同提供一种反思，为食之无味的观影市场注入一剂新鲜的青草味。这里的观众已坐在黑暗的影厅里等候许久，等待着在大荧幕上看到不一样的电影，等待着在从电影里找回久违的感动，等待着恢复封存多年的文艺味蕾。

《两地》分属的风景

《他们在岛屿写作》展现出的是影像威力下的时代感性。

六部电影有叙事结构上的繁复，有影音调度上的别出心裁，更有美学与伦理上的巧妙幽微。有别于传统“作家身影”的拍法，六部纪录片的每一部片都有两个创作心灵的呼应与頡抗，一个是使用文字的作者，一个是使用影像的导演，彼此之间的微妙张力，让影像不再是文字的二次表述，让文字跳脱怀旧氛围，重新展现当代感性。

《两地》，台北和北京，台湾和大陆。此片在构思上颇有深意的地方在于，导演杨力州在片中彻头彻尾地将“两”的概念诠释到底。他将林海音的女儿去北京探寻母亲旧地的过程拍下来，与早前林先生自己去北京寻访的影像并置，两次的镜位和路线都很相似，甚至女儿和母亲都问了一些一样的话，由此两两相望的感觉就浮现了，暗示着代代相传，也暗示着两地纽带不断。配乐师柯智豪为了呼应“两”的概念，将俄系与欧陆两大乐种的旋律和节奏调配在一起，但其实所有场景的主旋律又都暗藏着《送别》的音符，因为它是此片音乐的主轴。剪辑上也频繁地展现出两两对立的撞击。比如说，叙事说到了林海音先生因为刊登了风迟的文章而被免职时，画面首先是当年“文学须服务于政治”的宣导片最后会场鼓掌的一幕，紧接上的就是严肃沉重的字幕，告知观众，在这个掌声底下，林海音被免职，在这个掌声底下，风迟被判三年六个月的徒刑。像这样的例子比比皆是。另值一提的是，《两地》中有大量的动画。动画部分并不疏离出戏，它是精致温馨的，因为原画取自于林海音最喜欢的关维兴水彩大师的插画《城南旧事》，而京剧的实现方式又让人感受到这个在老北京发生的故事。我看完动画的感觉是，跟林先生的世界又近了一步。《两地》也采用了不少稍显矫情的特效渲染手法，比如翻页的老报纸配上动态的新闻报道，这些是刻意、煽情而炽热的，而纪录是淡然、诚实而冷静的。导演也意识到了这一点，所以有意时不时地曝露一些“穿帮”镜头，或是让摄像机入镜，或是保留一些晃动不已的画面，为的是将观众从故事中推出去，回归纪录的客观姿态。

《化城再来人》的一天

《化城再来人》时长163分钟，六部中最长的一部，以我浅见，也是最有深度的一部，也可以说是最靠近电影的。它的叙事定点有如《尤利西斯》，一整部纪录片讲述的是周梦蝶的一天的回忆，但叙事线条并不单一，其中叠合了回忆的多重时间点，显示出周公本身性格的复杂性。第一次看这部纪录片的时候，令人印象最深的是周公的声音，他一直在不紧不慢却又用力地嚼着他的诗和尺牍，仿佛诵读也是一种修行。

周公的诗中呈现的是一种不纯粹的语言，旧诗，禅诗或偈语，全部糅杂在一起，而《化城再来人》将这些不纯粹凝结在一起的纽带就是周公的声音，包括它的质感，快慢，节奏等等。而声音就是时间的另一个指标。我们听着周公的念白，就真真切切地体会了他那句“只有时间嚼着时间的反刍的微响”。导演陈传兴说，“周公平常说话经常陷入一种独白的境况，即便与人对话，对面的人于他而言也只是回声墙。而念诗的时候却大不一样，念诗的时候是他与他的诗对话，你观察他特写的脸，感觉声音在他好似山脉的一起一伏的肌肤上流动。”这本身就是一种梵文的心境，这种诵读是一种非人间的与神对话。除了周公的声音之外，潜伏在影片始终的另一个重要的声音就是水流的声音，当然是隐喻时间的纵向宽度，对于周公这样一日如一生的文人来讲，这水流声又添无限禅意。

完整看过此片的人绝不会忘记开头和结尾呼应的江面，那过去的江面要去向哪里，谁都无解，就像时间要流向怎样的未来，我们都无从知道。为了反应周公这样的犹疑而不确定的生活在在台北城里的“悉达多”，导演甚至将周梦蝶的淡水河比作印度的恒河，拍摄了两地的画面混剪在一起，有意让人分不清到底是淡水还是恒河。

全片的叙事非常从容，毫无夸张矫饰之处，但阅毕周公的印象已如烙印般深铭心中，那样的气质不只是“入定”或是“出世”可以简单形容，他可以随时对外界打开，也可以随时关闭。陈传兴将周公比作漏斗，外界的事物可以经过他的身体，然后完完全全地流过去，不留下一点残余。而《化城再来人》最出色的地方在于，他没有只顾着刻画周公这种外界既定的佛者文人形象，它呈现出了一个真实的人内心的矛盾，对男女情感的期待和纠葛，对宗教的坚定与不坚定，对人生取向的来回摆荡。比如周公谈三毛那段，我看到是觉得惊异又觉得真实。再如谈到周公去电影社看电影时，投影在斑驳墙上的影片是卡尔?德莱叶的《吸血鬼》（1932），那一幕讲述的正是一个男人救赎了女人，这样细腻的安排归功于导演对周公复杂性格准确而敏锐的捕捉。这其实是非常难的事情，因为周公不是剧本里被塑造出来的人物，而是创作团队在有限的时间里新认识的活生生的人。

此片的剪辑非常尊重时间上的连贯性，未有打动干戈，自然而有力，体现了纪录片剪辑最好的状态。尤其开头周公起床、吃面、上厕所、洗澡那一长段，几乎没有话语也没有配乐，非常漫长，但周公的生活状态和精神世界已赫然显现，因为时间在他身上本身就走得比较慢。同样周公所有讲话的速度和长时间的停顿也被充分地尊重，包括他偶尔瞬间入定而长久静白的沉默，动人深刻。

《逍遥游》是一出自由的纪录剧

《逍遥游》的特色在于有一个完整的剧本，陈怀恩导演是电影出身，拍摄的时候就有分镜了，因而系统性非常强，当然也有精心雕琢之感。片子定位在余光中四十岁左右“你不知道你是谁，你幻灭”的人生阶段的议题上，进而引出诗人一生不停地自我争论，与自我对话的主题。

由于是年轻余光中，所以有大量搬演的部分，用以再现余先生当年读书写诗的场景，是六部纪录片中编剧搬演最多的一部。除了搬演部分的编剧，他们也有让年轻的台大诗社成员热烈讨论余光中的诗这般的情景预设。所以这部纪录片其实采用的是比较剧情片的构思和制作方法，包括预设主题，到实现方式，都有许多企划的痕迹在里头，也就是说，是纪录内容在跟着主创走，而不是主创跟着纪录内容走。但这样的高控制力的企划对于观众来说还是有效的，观者能很好的进入故事，进入到导演预期的情绪里。旁白声音挑选和剪辑节奏都精心设计。比如《沙浮投海》这首诗是由万芳来朗读的，沙浮尸一个女诗人，这是一个女诗人投海自杀的故事，所以由一个悲伤的女低音来朗读就仿佛第一人称演绎了这首诗的故事。全片影像风格唯美写意，旁白的交错与视觉搭配，就已经奏出一曲漂亮的诗歌。

《如雾起时》是一曲哀歌

《如雾起时》拍郑愁予，同样出自陈传兴导演之手，但与《化城再来人》是完全不同的调性。我觉得《如雾起时》是一曲哀歌，它的气质是比较沉重的，是围绕着诗与历史展开的。比如他采用了大量客观性陈述的旁白，选取了一个低沉的女音代表一个第三人的角度，一个在故事之外的全知全能的角度，讲述一些关于诗人的事实。

全片的架构清晰可见，前半部分比较男人戏，有很多史料影像，回顾诗坛文坛的几次论争，而后郑愁予结婚成家，影像转到了非常有生活气息的家的空间里，转到了美国的宁静薄雾里，转到了郑先生夫人和其他几位女性知识分子的视角里。这种性别视角的转移与时间线性的发展相吻合，不知不觉中也就完成了影片气氛的转变。另外一个转变是相对于主人公的镜头机位的转变。开片访问郑愁予的一幕是在小河边的一个推轨镜头，镜头一直处在诗人的背后方，随着叙事的展开，机位慢慢地转到传主的正面，观众对郑愁予的认识也慢慢加深。

陈传兴对很多意象和动作都有非常主观而深层的解读，但全片的影像还是采取了一种比较遥远的观望姿态，并未作过多注脚。在《如雾起时》里，他更多的是在呈现一种诗的历史，所以前半段使用了大量史料报章，蓝星旧刊等过去的实物来目击历史。后半段是郑愁予在美国的工作和生活，于是出现了毕业证书，学位证书，荣誉证书等见证物。这些统统被端端正正地放大在镜头前，诉说诗与历史的关系，因为历史说到底是以一桩桩的事件来标记的。

影片前前后后充满了呼应和对照，比如美国1970年爆发的反越战学潮的新闻影片和保钓行动的影像都对照了台湾50年代八二三炮战前后肃杀和动荡以及六七十年代中国的文化大革命的激进。陈导有意识地在用各种方法加重片子的严肃气氛，呼应那个时代的沉重。比如全片处处有字幕（侧标），有的是史实，有的是观点，有的在黑幕时出现，有的甚至就打在人物脸上。而这些侧标字数多，速度快，观众根本来不及读完，而导演就是有意为之，有意让你负荷过重，从而体会那种硬质的沉重。但有时，你不得不承认，陈导因为将其丰厚的艺术电影的涵养都呈现在画面里，其中的深意和过多的隐喻并非一般观众能够消化领悟。

《寻找背海的人》是现实主义的浪漫纪录

林靖杰导演的《寻找背海的人》是极具现代性和艺术性的一部纪录片。王文兴本身是现代主义风格的作家，因此影片呼应这种形式上的对接是非常恰当的。

《寻找背海的人》有非常细密的线索和严密的架构，也有很多创举和巧思，属于比较非传统的纪录片。因为王文兴是小说家，为了将小说的故事诉诸视觉，林导干脆将《家变》改编成了一个十足现代性的舞台剧呈现在片中。另一个构思是“牢房”，王文兴将其每日写作的那间房比作牢房，林靖杰就拍摄了他在牢房里的真实写作过程。这对于作家本身来说是不易的，要做到放松地在摄影机的监视下工作。对于导演来说也是不易的，因为其间需要大量的磨合和沟通。最后呈现出来的那种真实的状态是令人动容的，当你看到作家握着笔竿不断地敲打着桌面和稿纸的时候，你也能感受到他正在敲打自己的灵魂。再如此片的动画，明显区别于其他几部片中的动画，实验性很强，像《草原底盛夏》有着超现实的调性，《背海的人》和《星雨楼随想》则有着十分先锋的气质，单独拿出来看，都已经是很棒的作品，所以整个片子的完成度也就显得非常高。配乐非常吻合王文兴的文学气质，有苦涩沉闷的味道在里头，尤其是动画的配合，充盈着机械主义的幽默和残酷在里头。

这六部电影虽然出自不同的导演之手，风格各异，但在整体上竟然也呈现出了巧妙的统一性。影像画质都很相近于5D Mark II的风格，都采用了读诗和念白的手法，也都围绕着作家本身展开叙事，配乐几乎一致地采用了无调性的现代弦乐，非常贴合诗文的气质。这一套非常高质素的文学纪录电影，值得每一位电影观众和文学读者细细咀嚼和珍藏。

《朝向一首诗的完成》是个未完成的朝向

《朝向一首诗的完成》取名于杨牧《一首诗的完成》，但杨牧认为，从泛义来讲，写诗并没有完成，何不加上“朝向”二字，于是有了“朝向一首诗的完成”。此片是温知仪导演的，是六部片中唯一一部由女性执导的片子，十足的女性色彩，手法比较阴柔。这当然也是女性导演的一个特色和优点。

影像部分印象比较深的是介绍反越战的《十二星象练习曲》这首诗时搭配了现代舞和越战资料重叠的画面，非常柔美和实验，我觉得这是男性导演绝对不会采用的手法。影片有加入搬演的部分，由一个小孩子来演绎杨牧小时候在花莲的时光，也有像《两地》一样，采用动画来诠释杨牧的诗歌，也做了很多跟杨牧先生有关的人的访谈，这些都是纪录片常用的实现方式。诵诗部分请来了很多其他诗人和学生分别念诗，寓意杨老师的诗影响了世世代代的人，但影片是以杨牧先生自己朗诵自己的诗作为影片的开篇和结尾，听来叫人非常感动。这部片子跟其他五部片子一样，很好的一点在于，他们把重心放在诗人本身上，而并非单单在他的诗作上，于是整个片子就很贴近诗人本身的气质。

A Beacon in the Dusk: The Inspired Island

Jiang Feiran

“Who left the profession of writing poetry, hanging up a beacon in the dusk”.

This generation witnesses a gradual decline in reading literature, The Inspired Island hangs up a beacon in the dusk.

We cannot help sighing with emotion: Taiwan, oh Taiwan; Taiwan, oh Taiwan. Taiwan, which seems to have been polluted with a foul atmosphere by political power and filled with a decaying folk custom and a superficial entertainment circle, never truly disappoints people, for at a certain moment from a certain corner of this island, there would always unexpectedly spring up some powerful video or audio creations and literary memories never washed away by turbulence or weeded out by history, bring back people’s belief in the existence of beauty. This island, with its marketplace culture and disputes, resembles the old China during the Spring and Autumn Period, showing in the turbulence freedom, under which bloomed all flowers.

They are writing in the Island. Who are they? “They” refers to drifting but invisibly formed generation group, which boasts not only a historical distance, but also an aesthetic and emotional back-glance. “Island”, a historical and geographical nominatum, conceals an escaping path of thoughts regardless of provincial class, unification or independence and discards the rigid national symbol and politicalized emotion movements. And “writing in the Island” forms a current proceeding of writing what connects the past and the future, skimming over the surface of the Island with the creative energy of writing. “Island & writing” makes “Island” exist not prior to “writing” and “writing” unable to exist without “Island”.

Six literary giants, coming from various backgrounds with different birthplaces and places where they grew up, are all writing in the Island, writing the Island, and escaping from the stereotyped forms by writing. What is worth thinking about is that some of them all came to Taiwan from China’s mainland. Yu Kwang-chung, one of the six, once described the places where he experienced his life: China’s mainland is the mother, while Taiwan is the wife. How come that children born in the mother’s land are blooming in the love of a place away from home, and then deeply attached to the nostalgic poetry? Regardless of the current events and the politics, only the cultural divergence between the two places could already make people sorrowful.

The Inspired Island: Series of Eminent Writers from Taiwan is a miracle of literary documentaries, making itself an important cultural event last year in Taiwan and bringing delight to sighing people—it is well enough that literature and readers are still here. This miraculous documentary aroused the feelings of six literary giants with extraordinary sincerity, made the image with the form of films by using the budget of a documentary, released to the public with a literary attitude and won a high box-office and a great reputation with a plain appearance. Though not a commercial film, it delivered the courage to challenge audience’s taste, which irresistibly generates our admiration for Fisfisa Media, the issuer and the producer, for its super courage and selfless humanistic feelings. However, it is out of all people’s expectation that it this age of fast food consumption, long and slow poetry has re-aroused people’s tender memories for literature, and sincere and simple images have excavated the interest among the words and between the lines, shortened the distance between the audience and poets, and resisted the worry of reading decline. This indicates that in whatever way the times changes, the original purity and beauty of human nature would remain unfading.

You would suddenly understand their poems by observing poets’ life and their ways of existence as a human. For instance, I felt rather surprised when watching The Coming of Tulku. Perhaps I had already heard about Chou Meng-tieh who had a bookstall at Wuchang Street, but I did not know that he was just like his poems, regarding life and versifying as cultivating himself, very calm and without worldly passions. Also, the poems of Yu Kwang-chung must be very familiar to readers in China’s mainland, while it was in The Untrammeled Traveler that I came to fully sense the nostalgic feeling and came to realize that the Yu Kwang-chung existing in my mind before was not the real him and that I never truly understood his poems. And this is where the significance of documentaries—leading people into and then to understand an unknown world— can be found.

The Inspired Island was a great success. In Taiwan, it was the first time for this kind of documentaries to be shown in cinemas for five continuing weeks. With so-called two poisons for box-office, “documentary” and “literature”, it became surprisingly hot in the market, marking a miraculous phenomenon. People with lofty ideals showed their great recommendation in succession, no matter from the literary and art circles or not. Sylvia Chang, an actress, showed her support by attending the first run; Ma Ying-jeou, the Taiwan Leader, posted the prevue onto the FACEBOOK after watching it and revealed great appreciation; many other people, after watching it, all flooded to bookstores for collections of poems with enormous passion. In other words, people begin to read poems again. Isn’t that the biggest miracle?

If the aforementioned is the miracle brought to literature by films or the contributions made to literature’s popularization and rejuvenation by films, the following could be regarded as the nourishment that literature has in turn provided for films. Chen Chuanxing, the director of The Coming of Tulku and Port of Mists, said that literature could always inject abundant fresh content into films. Viewing worldwide, we may see that BBC has produced many series of documentaries for writers, and there are also courses on literature films in American universities, but literature films are still not popular in Asia. In the whole Great China, The Inspired Island was the initiator of that. If this achievement can generate the development and expenditure of literature films in Asia, it would enrich our film market and film creation, opening a diversified exit for both filmmakers and the audience. Viewing from the significance of documentaries, it would also be stimulus for the current creation of documentary films. That surely needs all people’s support and promotion, and this is what we are exactly doing.

In Taiwan, some people are striving to keep the kindling of pure literature, while in China’s mainland, where literature once experienced similar damages due to turbulences, there are few people initiatively practicing love for literature. But I believe that there also incubate a multitude of literary youths, and Taiwan literature is the very nutrition during their growth. It is just that under this background and social morality, they choose to conceal the fervor of keeping what they are eager to express. This time, a glance of the greatness of these literary giants on the screen during the HAFF would surely inspire those literary youths who have long been undergoing marginalization. Also, those who have not read for long would probably win back their identity of being a reader after seeing this series of films. On the other hand, it also provides an introspection for the dull, stuffy and commercialized films from China’s mainland, bringing the tasteless film-seeing market fresh energy. The audience here have long been waiting in the dark video halls for showing up of “different” films on the screens, for the long-awaited touching affection from films, and for the recovery of artistic taste that has been sealed up for years.

The Separated Sceneries of Home in Two Cities

What The Inspired Island reveals is the emotion of times under the power of images.

The six films boast complexity in narrative structures, uniqueness in video or audio adjustments and wit and profoundness in aesthetics and ethnics. Unlike traditional filmmaking of “writer’s silhouette”, each of the six films has two creation souls echoing and clashing with each other. One is the author who uses words, and the other is the director who uses images, both of whom show subtle tension between each other, making images not just the second expression of words and words jump out of the nostalgic atmosphere and display the modern emotions.

Home in Two Cities refers to Taipei and Beijing, and Taiwan and China’s mainland. This film delivers profound meaning in its meditation that Yang Li-chou, its director, made a complete interpretation of the concept of “two” throughout the film. He photographed the process of Lin Haiyin’s daughter’s visiting her mother’s former site in Beijing and then co-arranged the image of the earlier visit of Ms. Lin herself. The two shoots were quite similar in both camera locations and routes, even the daughter and the mother both asked some same questions, as a result of which the feeling of the two shoots’ echoing emerged, suggesting the transmission from generation to generation and the strong connection between the two places. In order to echo with the concept of “two”, Ke Zhihao, the background music controller, mixed the melodies and rhythms of Russian and continental music, while the themes of all scenes conceal the note of Seeing Off, which is the principal axis of the music of this film. Also, collisions are frequently seen in the editing of the film. For example, when it came to the narration that Lin Haiyin was deposed for publishing Fengchi’s article, the frame was at first the applauding scene in the meeting place of the guiding video of “literature should serve the politics” in those days. What followed was solemn and serious subtitles informing people that it was behind these applauds that Lin Haiyin got deposed, and it was behind these applauds that Fengchi was sentenced to three and a half years. Examples like this can be found everywhere. Another point worth mentioning is that Home in Two Cities possesses many animations, which are exquisite and comfortable and not isolated from the film, for the original painting was taken from My Memories of Old Beijing, Lin Haiyin’s favorite illustration by watercolor master Guan Weixing, while at the same time, the realizing approach of Peking Opera can make people truly feel this story that happened in old Beijing. I felt I was closer to Ms. Lin’s world after watching the animations. Besides, Home in Two Cities has adopted quite a few such slightly affected depicting approaches with special effects as matching dynamic news report to the page turning of old newspapers. This is deliberate, sensational and fiery, while documentaries are indifferent, honest and calm. Having realized this, the director deliberately revealed some “goof” scenes now and then, either showing the camera in the scene or keeping some shaking scenes, the purpose of which is to push the audience out of the story and back to the objective attitude of the documentary.





The Man behind the Book is a romantic record of realism

The Man behind the Book directed by Lin Jingjie is a documentary with both modernity and artistry. Because Wang Wenxing is a writer of modernism, so the film is very appropriate to echo this form.

The film has the detailed clues and rigorous framework, and of course, there are a lot of initiative and ingenuity, making the film a non-traditional documentary. In order to transform the novel into a visual story, the director simply adapted 《Festen》into a modern drama presented in the film because Wang Wenxing is a novelist. Another idea is a "cell", Wang Wenxing compared the room where he writes everyday to the cell, and Lin Jingjie shot the writing process of him in the cell. To be honest, being relaxed in front of the camera is quite hard for the writer. And it’s same for the director, since it needs a lot of communication. The scene of writing presented finally is touching, when we see the writer holding the pen beat the desktop and the manuscript, we can feel that he is beating his own soul. As to the animation in this film, it is significantly different from several other film animation, It is experimental. 《The summer at the foot of the grassland》is realistic,《Find the man back to the sea》 and 《Capriccio at Star Rain House》 just like a pioneer. Take them apart, they are all great work, so the whole film is of high quility. The soundtrack suits the literature temperament of Wang Wenxing, it has the sense of dreariment, with the animation, it impresses us with the humor and cruel of mechanical materialism.

Although this six films are directed by the six different directors, vary from style, they have something common on the whole. First, Image quality is similar to the style of 5D Mark II. Then, they all read poets or narration, they all tell a story about writers. Besides, they all use modern string music as the soundtrack, fitting the temperament of poem. These high quality literature documentary films deserve every movie audiences and literature readers experience.

Towards the Completion of a Poem is not a completed toward.

It is named from the work《The finish of poem》by Yang Mu. In his opinion, in terms of pan-righteous, writing the poem has no end, in other words, never completed, so why not add" towards "to the title, so we see this name. This film is directed by the WEN Zhiyi, the only woman in the six directors of these films, the film is relatively feminine. This, of course, is the feature and advantage of the female director.

What impressed me most is the introduction to the poem 《twelve astrological Etude》 about anti-Vietnam War. The introduction mixs the modern dance with the picture of Vietnam War ,it’s full of soft and experimental, I think this is the approach what male directors will never adopted. The film has the scene of performance, a child interpretated the childhood of Yang Mu in Hualien. The film also use the animation to explain the poem by Yang mu like the film Home in Two Cities, and lots of interview of the people related to the Yang mu as well, these are the common approaches of documentaries. A plenty of poets and students read the poems in the film, meaning that Yang's poems affect generations of people, but the director let Yang Mu read his own poems as the opening and the end of the movie, making us moved. The film focus on the poets rather than the poems they write, just like the other five movies, and that’s good. Thus the whole film is close to the poet's own temperament.

网上对《名门》的评价褒贬不一，有评论说是TVB有史以来最烂尾的一部剧，原因是最大的boss在最后一集突然死于精神病人之手，也带来了剧情的戛然而止。
但是整体看下来，我不得不说，这部剧作为台庆剧，还是有点水准的。从争议最多的结尾来看，也许是编剧的个人口味，因为笃信基督教而故意为之，但是不得否认这种善恶有报的信仰也是TVB一直以来宣扬的正面观念。在Hugo（黄浩然饰）对金钱权力的野心和对周围人的漠视甚至伤害已经没有人能制止的情况下，用编剧的话来说，野兽吃人的肉，也会被野兽所食，因此他被疯癫的Dee（他的疯和Hugo有一定联系）捅死，为了因Hugo而死的阿进报仇。而这样一种结局，难道不是冥冥中有因果？另一方面，人生无常，即使拥有至上的权力，也敌不过“阎王叫你三更死，不敢留人到五更”的命运。因此Hugo的死，我反而觉得是神来之笔。
        其实这部剧让我感触最深的是唯一的女主角：Man（胡定欣饰）。因此这篇人物分析是专门为她而写。漫姿的出场就给我留下了很好的印象：智慧、从容、冷静、勤奋。这是个很容易让人喜欢起来的女孩子，对朋友重情重义，对老板忠心不二，在是非黑白面前永远坚持阳光正义。第一集，Hugo跟蒋元说漫姿对蒋元有意，他提出的证据是漫姿贴心照顾和吃醋伤心的细节，但出于直觉，我看出Man喜欢的其实是Hugo而非老板蒋元（黎耀祥饰）。Man对感情的态度是磊落的，因此她可以对蒋元无比认真地说：你不会以为我要对你表白吧？……你比我大五分之一个甲子，Okay?！她也可以作为Hugo的挡箭牌，五年内帮他甩掉四个女朋友而对Hugo无奈又包容。但她也是脆弱的，她独立勇敢，可以做男人做的很多事，不怕蛇虫鼠蚁，但却害怕危险，她没有驾驶本，不玩任何有生命危险的游戏。因此她一直喜欢Hugo，但却从来不敢让他知道。因为她知道Hugo有童年阴影，他是不婚主义，她不想让他们的关系变得复杂，也害怕给Hugo带来压力。正如漫姿预料的那样，Hugo在知道漫姿的心意之后，他退缩犹疑，他的忽冷忽热让漫姿看不清楚他究竟是讨厌自己还是喜欢自己。而Hugo酒后的始乱终弃，更是让漫姿的情绪从天堂调入了地狱。无论如何，编剧对漫姿和Hugo的感情坎坷是描写得很细腻的。Hugo的性格是有重大缺陷的，正如他自己所说，他曾经很努力地想做一个普通人，但是他发现他没法做到。而实际上，只有和漫姿在一起的时光，他才真正做回了普通人。
        从漫姿身上看到了自己的影子是我特别能理解这个人物的原因之一。她有她自己的一套判断正义的逻辑，但她对周围的人却是包容的。她追求正义，因此才会在知道Hugo做错事后断然制止他，也试图弥补他和蒋元的关系。但她又理解Hugo，因此才会在Hugo放弃五千万又自我放逐的时候，毅然决然地等他，在他一次又一次羞辱她，甚至说“你怎么没有尊严”的时候，她却笑着说“你这么讨厌我，为什么不掴我，掴我我就走”。她知道Hugo的故作坚强，也知道Hugo内心的挣扎痛苦，她看得懂，也耐心等待。有人会很难理解这样一种爱，因为他们觉得面子比人要重要。我承认这种感情肯定会失败，因为彼此折磨到最后一定会有一个难以再忍受下去。但是我仍然不会因此看低漫姿，漫姿的坚持是因为深爱，即使这个人有缺陷，即使他三番五次把她赶走，即使在一起的时候是痛苦更多。很多人期待有这样一个人的存在，无论你是什么样子，他都会不离不弃。而Man对于Hugo来说，就是这样一个存在。
如果仅仅是这样，那么漫姿在我心中最多是穆念慈那样的角色，盲目相信，痴情到蠢。但是漫姿她还是个有原则的人，她的爱情之中也有理性的存在，她可以清楚地看到彼此的弱点，一旦触及她的是非底线，她就会找回清醒的那个自己。因此，她可以敏锐地感觉到Hugo和蒋励之间的情感牵扯，她也可以在Hugo再一次把她赶出家之后，像早已预料到一样如释重负，甚至哼着歌。这么久以来的互相折磨，她已经找出了一条平静适应的道路。感谢抽筋哥的逼迫，让她学会了开车，让她找回了自己，让她学会一个人也可以活得快乐。她可以原谅Hugo的神经质，可以理解他因被虐待而杀了他爸，因为这些还可以用是非逻辑为他辩解。但是当他开始走上利欲熏心的不归路，漫姿再一次未卜先知地预料到自己同他已经完全回不了头。而事实确实印证了她的猜测，Hugo想害自己母亲，利用蒋励，害死阿进。漫姿坚定地站在了他的对立面，不是因为爱情的报复，而是因为必须坚持心底的正义。她哀痛但冷静地拒绝了Hugo复合的请求，态度无比坚决。沧海桑田，她清楚地知道抽筋哥才是最适合自己的人，而一旦选定，她不会后悔。跟Hugo如是，跟抽筋哥亦如是。
漫姿是温柔的，也是坚定的。这样一个角色，刻画得无比真实。而胡定欣的演技，无可指摘。
下面来说Hugo。对他的分析是建立在对漫姿的分析之上的，这么多年，黄浩然演技还是有所进步。在《情陷夜中环》中，黄浩然就演过类似的角色，但就论内心戏而言，Hugo这个角色要更为复杂和扭曲，黄浩然在隐忍和张狂之间的切换，较《夜中环》会有更大的发挥空间，假如说胡定欣的表达有90分的话，他的诠释可以给到75分。
Hugo这个人，其实人品并不能说是有差。他也讲义气，能力在蒋元之上，却因知遇之恩一直为蒋元的商业冒险兜底。但他内心深处有童年的创伤，因为从小家庭不幸，所以对人难以完全信任，尤其是爱情，谁对他好，他就会通过伤害谁来证明真爱不存在，因此他对漫姿忽冷忽热，同时在外寻欢作乐。漫姿第一次离开让他陷入痛苦之中，才真正承认内心对漫姿的感情。其实Hugo被称为渣男并不冤枉，他对女人一直践行着 “不主动，不拒绝，不负责”的三句箴言，因此先后对Man和蒋励始乱终弃（还有一堆其他ONS）。假如说对Man还有爱的话，对蒋励则完全是“送上门的不要白不要”。而这种态度不仅是放在感情中，他对所有人和事都是如此。因此才会拒绝不了金钱权力的诱惑，因为他认为“天予不取，反受其咎”，所有东西不是他强求得来的，而是人家把机会放到你面前，不要白不要，让给不如自己的别人才是毁损。所以他在白富美（蒋励）和Man之间，还是选择了能带给他金钱地位的蒋励。而他跟Man在一起的时光，注定只是过眼烟云，他的性格如此，不可能改变。跟Man的最后一次争吵，他愤怒地摔东西：“我为了你连第一财阀的女婿都不愿意做，我为了你戒烟，为了你改变不浪漫的个性，我为了你什么都愿意做，你凭什么这样对我”，而Man看的很清楚：“你做的一切根本就不是为我，只是为了你自己，不要把一切都归咎于我！”不得不说，这个世界上，只有Man真正懂Hugo，正是因为太懂，所以她知道Hugo内心深处的不甘心，而这些表面的牺牲其实根本就与他的本性违背，他只爱他自己，这些不甘心迟早会成为他们爱情的定时炸弹。而这个世界上，最懂Man的人又何尝不是Hugo，在这之前他早已预感到这些隐藏的危机，因此才会强装镇定，努力维持表面的和平，甚至改变不婚的心意跟她求婚，可惜Man和他终究不是一路人。而Man和抽筋哥在一起后，已经跟蒋励结婚的Hugo又失去理智地跑去大闹。性格决定命运，这话一点没错。因为心里扭曲，所以在一起时以折磨对方为乐，分手了又依然存在占有欲，不能接受Man不再爱他的事实，就好像他怎么做都是对的，怎么样都有理由。可是，Man不是他的附属品，她有独立的人格，知分寸，懂进退，更重要的是，价值观不同，是永远没有办法调和的。
写到这里，该画个句号。曾经跟某人讲过一个故事。两个刺猬在一起，要度过冬天。为了相互取暖，他们都拔去了身上一半的刺，依偎在一起。可是在现实之中，有多少人能为一个人拔去自己的刺，又有多少刺猬，在拔去刺之后，还能挨得过冬天？

对于娘泡久了的华语功夫影坛来说，《金刚王》以第四代功夫片的旗号出现，目的单纯、行为简单，以阳刚的、复古的功夫片形式，重新提起了人们对于硬派功夫片的兴趣。

可以说，从《英雄》等片开始，中国的功夫片或曰武侠片就变得越来越视觉化，以一种更为外在的表现形式去征得观众的喜爱。但是，过多强调表现力却忽略了功夫本身的意义，所以多年后《叶问》中甄子丹以一套凌厉的咏春拳才能博得喝彩。所以尽管如《太极》等片探索了功夫片的多种表现形式，但如《金刚王》这样真正以功夫为本体表现的硬派影片，在市场中应当占据一定的位置。

《金刚王》通篇观下，会发现剧情直白、无过多的叙事技巧，通关式的情节设置让影片结局似乎也不再成为悬疑。在这一点上，影片会被一些观众诟病，毕竟抛去华丽的武打，影片留给观众可以回味的似乎不多。但显而易见的是，《金刚王》是一次精准的市场投放行为，对创作方来说，故事讲圆满就是合格，真正体现影片本质和核心内容的，是影片在视觉上极具冲击力的“真功夫”。影片的功夫，基本从头到尾贯穿而下，丝毫没有泄气之感，拳拳到肉的痛感想必也是可以为很多观众所能够感受到的，尤其在大荧幕的刺激之下，血肉横飞的刺激，就不是如《太极》这样的影片可以比拟得了。

主角金刚王的饰演者释延能，经历过一番配角的磨练，终于得以在影片中担当重任。但实际上，他的本事、或者说武打本事，早就值得这样一个角色。好功夫加上具有表现力的形象，影片中金刚王的形象充满了男性荷尔蒙，而与刘承俊的终极对决，就更是让人看得血脉喷张，真正诠释了力量和功夫之美，所以说《金刚王》是一部男人戏，挑起的是男性作为男性的本真，是一部用肌肉写就的功夫盛宴。

功夫片最怕纯粹为功夫而功夫，那就成了一场武术比赛。《金刚王》讨巧的是，将南少林与抗倭等历史事迹进行了有效的关联，继而将整个故事放置在了抗日的大环境下，给英雄的所有行为都披上了爱国主义的外衣，显得正义又家国大业，同时给其在影片中的暂时性挫败披上了悲情的色彩，征得观众的认同感。这样的技巧并不新鲜，在功夫片如黄飞鸿系列、叶问系列中经常被运用，也证明了这种情节设置的有效性。《金刚王》讨巧的引入这样的历史背景，则最大程度的避免了功夫的空洞感。从视觉效果来说，看得出制作方用心雕琢了场景，用心的体现就是影片中各种武打场景的冲击力上，从对决的中景到恢弘的全景，也许算不上十全十美的精致，但看上去很美。

《金刚王》拉开的是国庆档的国产片竞争序幕，影片本身存在着瑕疵，但对于一部回归传统功夫片的制作来说，有漂亮的打斗，就够了。

从来没有想过，我竟会对一本书如此迷恋，直至我读了美国作家梅。奥尔科特的《小妇人》。

在一位同学的极力推荐下翻开这本书的，谁知一拿起就再也放不下，而是完全沉浸在书中马奇一家生活中去了。

起初喜爱这本书，仅仅是因为它的情节内容，平实无华，仿佛就是邻家小屋中发生的点点滴滴。它像是一部温馨的家庭纪实，向我诉说马奇家发生的温暖人心的生活琐事，一桩一件，浸润着我的心，看着让我舒适无比。从一开始马奇家的圣诞剧场，到与邻居劳伦斯一家的和睦相处，然后是马奇先生的归来，接着梅格的婚姻、艾美的旅行、乔的外出做工经历、贝思的魂归天国陆续发生，最后是各有各的美满归宿……他们的喜悦、哀伤、愤怒，一切的一切，都似乎在左右着我的情感，让我跟着他们哭，跟着他们笑，这或许就是这部朴素小说的魅力表现了。

后来细细品味这本书，我就被书中人物的性格所吸引，为爱情甘于贫困的梅格；通过努力最终达成理想的乔；平时温婉恬静，面临死亡考验时宁静坦然的贝思；还有极有美术天分，而最终选择以扶危挤困为已任的艾美，都是我学习的榜样。她们自立自强，在自尊自爱的前提下不断地发现自身缺点并进行自我完美，这种勇于面对自身缺点的精神不正是我缺少的吗？初读此书时，与许多人一样，我以乔的身份进入角色，因此爱她之所爱，恶她之所恶。于是我就产生了喜欢贝思那样文静的人，而对于像艾美那样虚荣的人颇有微词了。我深知以这种主观的视角看书效果不很好，因而在后来重读此书时，我学会了客观地对待每一个角色，发现这姐妹四人各有各的闪光点，就连之前曾经讨厌的艾美，也以其“用鲜花装点贫穷的达观生活态度”感染了我，我居然开始喜爱她了。当然，直至今天，最让我感动的人物依然是那个家中的“小天使”贝思。每当我读到贝思因病而即将面对死神时所说的那些朴实隽永的话语的时候，我都忍不住热泪盈眶，“我会尽力服从命运的安排。”“别难过，我们要在等待中享受相聚的幸福。”“我的浪潮会轻松消退的。”每当我的眼睛略过这些文字时，心中都会有隐隐的痛，像笼上一层乌云那样哀伤。当然，温柔体贴的梅格、热情奔放的乔、高贵优雅的艾美都各有优点。更重要的是，她们四人直面困难、永不言弃的精神至今仍是鼓舞我前进的动力。

随着所读书籍的增多，我开始对作者采用的写作手法感兴趣。读完全书后，我一直很奇怪，书中既无跌宕起伏的情节，又无引人入胜的悬念，它为什么就这么打动人呢？纵观全书，我发现这和作者的写作手法有关。当然，取材生活的魅力、家的归属感、对爱的忠诚、对亲情的渴望这些因素或不可缺，但我认为更重要的是作者运用的细节描写和渲染的手法，这使文章增色不少。表现最突出的，莫过于《天国之路》一章。描写正面人物的死通常伴有一大段一大段悲哀气氛的渲染，但奥尔科特没有落入俗套而是选择淡化忧伤的气氛而如春天、绿草、小鸟啾啾一系列意象渲染宁静恬淡而美丽的气氛。这不仅仅符合贝思生前文静的性格，也更突出其对死的理解——解脱和救赎，读来让人感觉安祥，却感人肺腑，让人更有落泪的冲动。或许这就是现实主义的过人之处吧。

这就是《小妇人》，一本从情节、人物性格和写作手法全方位感动我的小说。读《小妇人》，能领略生活的真谛；读《小妇人》，可发现世间的真善美。品《小妇人》，从而寻找自己或许已丢失的纯真心灵，去释放世俗表面下另一个纯洁的自己吧!

又一篇习作，倾注了我最多心血的习作喔...

几周前~偶尔看到曾黎演的那个《蓝色档案》~直觉就像翻拍老电影~

然后就换台了~

老电影名声好才会翻拍~可是把百来分钟的电影翻成几十集的电视剧~

还想保持好名声~很需要功夫的~

如果有这么好的功夫~又何必炒隔夜饭？反而自缚手脚~

是以一向对翻拍剧不感冒~

 

然后~几天前~cctv6深夜播出了原版《蓝色档案》~

从头看到尾~

 

编剧里面有叫“孟森辉”者~上网小搜了一下~好像和孟京辉没有关系？

主演猛一看我还以为是年轻时代的斯琴高娃~怎么把痣给点了？？呵呵~

 

80年的片子~设备上相当于西方60年代的中流水平吧~

思路~很像二战后的片子~跟自己国家比起来~已经很不错了~

 

1.石庵认母

崔永元的《电影传奇》有一集讲石挥的~

当年石挥拍《关连长》被批斗~因为片中的连长为了保护保育院的孩子而牺牲~

批评者说：“怎么能为了保护反动派的小孩而牺牲我解放军战士呢？”

 

天呐~当时看得我很无语~1951年~好时代啊~

 

而在《蓝色档案》里~虽然也有“石庵认母”这种“党性大于人性”的处理~

但是已经柔和了很多~

打小孩~打到吐血~在同时代的西方~算限制级镜头了~

但因为是反动派打的~可以以此衬托出反动派的残暴~

所以这个镜头是正面近景~

 

很少看见正面近景打小孩脸打到吐血的说~长见识了~

 

而在最后~母亲的英勇就义~使得被“石庵认母”一场戏烘托到顶的“亲情牌”发挥了应有的作用~

 

这个伟大的母亲是反动派害死的~小女孩的不幸也是反动派导致的~

 

恩~“党性大于人性”~我们都是被逼的~

 

2.麦格芬

整个片子的戏剧结构~很容易让人联想到希区柯克~

这也是为什么我说思路很像二战后的片子~

 

但是希区柯克惯用的伎俩——麦格芬——不存在的事物~

在这里稍微变了个形——蓝色档案是假的~但真的最后被主角找到了~

 

“能不能更纯粹一点呢？”恶魔说“比如档案是假的但寻找假档案的过程中得到了反动派的财宝——就像在寻找卡普兰的过程中得到了爱娃·玛丽·森特？”

 

“喂喂~这是80年代的片子”天使说“难道我党的情报来源会被投降的法西斯分子愚弄吗？”

 

3.声音

深夜看国产老片~一大郁闷点就是音效~那枪声太挫了~如果说从车内镜头到追逐镜头到正反打都只落后十几年的话~那音效就太拖后腿了~

 

是因为那时的电影院设备差~音效做得好也听不出~还是因为国内电影工业不够发达~不像老外会把受欢迎的老片子重新制作？

 

浩劫之后~国内借鉴外面类型片成功经验拍出来的这些片子~如《405谋杀案》~《保密局的枪声》~都还挺好看的~怎么说也算及格线以上吧~

 

结果后来又被市场熏昏了头~和香港的一些九流货色弄出一些不尴不尬的怪物~

没有把这种认真消化类型片经验的态度延续下来~

 

挺可惜的~

 

 

恩~目前只想到这么多~

看完该剧，受伤很重，想了很多。Boss还不够成熟，不懂得如何去爱，而Win呢，则是太过现实，很冷酷能进能退。Boss因为自己的性向和家里不和谐，在迷茫无助的时候在网络中碰到了Win，Win像个知心大哥哥，开导关心着他，他就像抓住救命稻草一样，从此一发不可收拾，开心不开心的事情都要向Win诉说。而Win这个时候刚好和男友在闹矛盾，在男友这块得不到慰藉，就对Boss的依恋，无法抵抗，一句我想见你，就和Boss约见面了，而Boss在不知道他有男友的情况下就和Win经常见面，在知道Win有男友的时候，已经深陷进去，无法脱身了。后来Win和男友分开了，就顺理成章的和Boss深入发展了，而后来Boss通过发现爸爸找小三的事，才醒悟过来，认为自己这样和Win交往是不对，所以决定选择放手，但是这时候Win已经与前男友分手了，Win过来找Boss。（我突然发现Win知道Boss的学校在哪里，知道Boss的家庭情况，而Boss呢？除了知道Win的职业，有个男友，就对Win的家庭情况、生活情况一无所知。）因为Boss被家里发现是同志的事情，崩溃的离家出走，之后Win过来找他，他们理所当然的就在一起了，只是幸福甜蜜是短暂的，住在一起后，因为不同的生活方式，因为不一样的性格，一个太粘人，一个太火爆，结果造成种种的不和谐，分手好像成为必然。当看到Boss把第21朵玫瑰给Win并说出花语的那一刻，Win红了眼眶，但是他还是选择转身离开。我不知道为什么他们的爱情那么不经得起时间的考验，一句不适合就让原来的一切美好化为乌有。该剧发生的故事真的现实的很残忍，相信Boss经历过这一次能够对以后的爱情有所帮助，唉，想想终归家人才是一生中最不可割舍的，Boss的妈妈很伟大，希望现实中的Boss和他的家人们一切安好。谢谢胖导、Pchy、Biekpn带给我们这一部好的电视剧，从中学会一些，会对自己的生活有所帮助，期待你们再次呈现好的剧或者电影。

        可以说这部片子是绝对的非主流国产电影，想看主流国产电影就去看一下《百团大战》，然后立马买票去看《心跳戈壁》，你看完之后就会懂什么事非主流国产电影。
        什么是大片？大片就是花很多钱拍的吗？不是！《疯狂似的石头》是小投资，但是应该属于大片了，所以大片的定义就是有大多数的人喜欢看的影片。
        可能您会觉得《心跳戈壁》导演不出名，演员都是老的老、小的小、胖的胖、瘦的瘦，但是，只要是个演员，就能演戏，导演拍摄的时候喊了过，就是说明演员表演没问题。剩下的的就是观看导演如何来讲述他的故事了。
       如果您还没兴趣，没问题。我想说，是男人的就应该驾驭一下摩托车，因为古代的斗士，都是马上夺天下！所以骑这个动词，到现在只能是骑摩托，看看里面骑摩托车飙车，也算是男人一会。
      我相信更多的朋友没有体验过在茫茫戈壁驾驶越野摩托车飞驰，那么这个片子给了你这个感觉，不但贴地飞行，还在中国西部的胡杨林等特殊地貌里穿行。
      老虎只有在山林里才称王；狮子只有在草原上才称霸；越野摩托车只有在没有公路的地方才能展现出它的魅力！您生活在钢筋混凝土的丛林里，您体验过真正的越野摩托车吗？越野摩托车在飞沙走石的西部，就像是长了翅膀，您还不想飞一把吗？
       演员给我的影响深的不是男一号邵兵，而是胖子彭波。虽然延续了《疯狂的石头》里面的搞怪、另类，但是这次在朋友“牺牲”之后，苦的是让人心酸，一个演员能够让你笑而捧腹，哭而心酸，可以说已经是表演实力派了。这部戏，彭波成了真正的男一号，戏路盖过了真正的男一号。
     这不过是角色的原因吧。
     邵兵从来都是硬汉，这次依然是硬汉，所以会给我没印象的感觉。但是仔细回味，如果没有邵兵硬汉的实力演出，其他演员也不能灵活自如的进行表演，给兵哥的付出赞一个！毕竟是老演员了，还在骑着摩托车飙车，打斗，很佩服他！
      从摩托车的角度来说，道具运用非常不错，鑫源的X2X型越野摩托车本身就是参加新疆的环塔拉力赛的赛车，这次用在电影里面，可谓是“在正确的地点使用了正确的道具”。这比起那些手持AK消灭日寇的片子，简直就是有了质的飞跃！还有超大油箱的鑫源长征250越野摩托车，的确是为了沙漠穿越而设计的拉力车！
       导演设计的那个摩托车离合器给坏人搞得颈动脉内出血的那场戏，很不错，每次剪辑，每次化妆，都体现的淋漓尽致。最后坏人胳膊摔断了，应验了本戏的一句话“恶有恶报”。
       坏人们都恶有恶报了，盗矿者老大最后看着恶有恶报的牌子，只能慢慢享受作恶带来的等死的恐惧。
     其实本片也能够看出来，如果遇到麻烦，没必要去争抢，要是人与人之间通力合作，也许就能够走出困境，这是资源整合。
      所有人都死了，但是所有人的目的除了发财跟散心游玩以外，都想活着，为什么都死了呢？
      狗鼻子可以活着，那么强子也就能活着了；不是最后缠斗在一起，汽油散落，两个人骑着摩托车可以活着出去啊？其他人也一样。比如导演甄人演的桥段，跟天山沟通，可以有机会去撒尿，可以…………
     所以那是电影，我们在现实生活中，可以明白，如果大家在遇到问题时去找能够解决问题的人，那么事情就会解决，如果极端的去对抗，那么结果可能会像电影里面，要嘛你倒下，要嘛就失踪。
      貌似剧透了不少啊？不过还行，看完后想骑一下摩托车去撒撒野了，枪不能玩，但是电影里面看过瘾了，还有西部的旷野。
    好吧，我想我要出去骑摩托了。

重温了一遍这部很早就看过但那时也许并不懂得的电影，看杜家珍辗转在形形色色的男人中间，或从容、无奈、或尴尬、愤懑、或怔忡、涩楚……

心开始有缓慢积聚的疼痛扩散开来！

抛开影片本身所赋予角色的某些特质，喜欢这部电影里的奶茶，清瘦的，恬淡的，有时忽然锐意的灵秀与天真，有着洁净清朗的额头，婴孩般清澈干净的双眼，吐气如兰的清醒通透。。。

诉说、迷失、茫然、对峙、逃避、隐藏、紧闭的门……

有人说这是一部给单身男女看的电影，尤其是单身女子。
这个故事，只有开始，没有结局。
非常细致化的情节，某种情绪的自我抚摸，一个女人对着电话答录机的喃喃自语，另一方静默无声的倾听……
它不像是一部电影，更像是一段隽永精粹的舞台剧亦或小品文。也许它根本不卖座，但却能在喧哗嚣闹中，给我们一份平静、一些思考，以及某种相互交织着的细密感触与疼痛，如同静默深蓝的一泓湖水……


一些不得不记录下来的台词：

——好的都是别人的

——隐藏自己的人是找不到真感情的

——选择你所能承担的

……

“如果你不把时间想像成是一种静止的，而是一种比较延长的关系。比如说，想像自己是一个写剧本的人，或者一个导演的时候，你就会想，故事是在发展的、会有后续，你可能就不会觉得静止的那一刻有那么重要，悲伤那一刻的眼泪，不会是世界的全部。你会知道这只是一个过程。那么你此时的伤心、难过等等不过是生命中的一个点，一切还会继续……”


“爱”是一种本能，它是情，“情”是“心”与“青”，“青”是什么？绿色，绿色代表一种生命或者再生，所以“情”其实是一种循环与延续，它不是一霎那就烧掉的灰烬，它包含了很多关心，体谅，责任。爱当然也包含性，但性，它是生物的，直接的，动物的。相比较，“情”需要更多的承担，更多的体贴……

这篇剧评可能有剧透 2019年有一部英剧在国内大爆，豆瓣8万多人打出了8.9的高分，它就是《真相捕捉》。 时隔3年，《真相捕捉》第二季王者归来，以其惊悚的开局和封神的结尾，再次征服观众，赢得9.4的高分，今天咱们就来谈谈这部剧。 《真相捕捉》是一部主打“视频监控技术”的犯罪悬疑剧，由一个疑...  (展开)

这篇影评可能有剧透 11月为《盗梦特攻队》撤档不能二刷而忧伤，12月从法国而来的《迪丽丽的奇幻巴黎》弥补了遗憾。同样是西方艺术为主打元素的动画片，而《迪丽丽的奇幻巴黎》的主角是小孩子，而且是勇敢的小女孩。并且信息量相对易懂，不那么烧脑，很轻松，很适合女性大小朋友欣赏额。非常感谢导...  (展开)