迄今为止，成龙留给我印象最为深刻还是这部早年间的作品《A计划》，轻松诙谐的幽默与别开生面的打斗，使电影即能为之开怀一笑，也让人至今仍旧对那场自行车巷战记忆犹新，而不论是包袱还是功夫，在这部作品中的展现丝毫并不会让人有觉突兀，都很好的成为了推进组成剧情的一部，相得益彰的功夫喜剧，可谓成功打破了当时香港动作电影千篇一律的僵局，令成龙式电影成为了香港动作片一个不可获取的组成部分。

《A计划》可以说是成龙从好莱坞受挫归来后的发愤及野心之作。

终于看完了，呀。

中间觉得不太好的地方，是对“里世界”厨师的厨艺的介绍比较猎奇啦，没有像讲解“表世界”料理那样细腻新鲜。但最后还是非常“食戟之灵”的。虽然没想到会以LOVE结尾。。

除了充满惊喜和想象力的料理，还有角色人物的塑造，无论多奇怪的怪人，都有办法让人觉得“总之也会有这种人啦”，一些情节也，“也会有这种事啦”。

还有那些镜头，色彩，配音，做到了用最简单的画面传达出极有感染力的情绪。一个小小的咬嘴唇的动作都能让我爆哭算你厉害。

如果说现在的国漫缺什么的话，大概就是情绪的表现力吧。画面当然是唯美的，却没意义，没有那种迫切的真实切肤的情绪，所以总是太空了。这“空”跟留白可不一样，就是空，没味儿。

还有理念，作品里面一定有作者对世界的看法，对生活的体会，不管这种理念是不是正当的，完美的，甚至不必是深刻的，只要真实，且深信不疑贯彻到底，就可以支撑起整部作品，成为他的风格。相反，即便是讲出了让人无法反驳的道理，也毫无趣味可言。

另外，毕竟现在日子过得好了，很多事不用人自己动手做，真正的体验有限，多是读来的听来的抄来的，想象出来的。不过这种东西即便是正确的，也没有力量。创作者没有笃定的气场，就没有能让观众信服的力量。

所以，想到什么就动手干吧。去游学吧。去修行吧。去挑战吧。去享受吧。再坦率一点，再欢乐一点吧。再把心打开一点吧......

以海归创业者的群像故事为缩影的现实主义题材作品《梦在海这边》，聚焦时代社会发展变化，全方位展现社会的变革浪潮，将个人奋斗创业植根于社会经济发展的现实生活中去，横跨中国经济、社会改革巨变的30年，跌宕起伏的故事情节和鲜明的时代质感，给观众留下深刻印象。人民日报给予这部剧充分肯定，并评论说：“电视剧深刻反映了改革开放以来尤其是中共十八大以后中国社会的深刻变化，真实还原了中国人民波澜壮阔的创新创业实践，体现出当下中国大地就是一个充满希望与梦想的奋斗舞台。”

【详细】

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2021从爱情喜剧片开始吧，赶走所有不开心。如果人生可以预知，面对不一样的爱情，你是否有勇气再来一次，《非正式爱情》在描摹都市群像时，也发出了如爱情有苦有甜经历过后都会成长。樊少皇主演的电影，很喜欢他演电影！很搞笑！很不错！故事讲述一个奇葩女孩遇见自己的对的那个人，给白色情人节带来惊喜。

谢谢你，罗琳姨，为了搞ggad专门拍了部电影，仿佛觉醒的cp魂无处安放的同人女，不，本同人女都自愧不如，而且别人说是刀，其实我觉得糖分溢出了。

本来就紧着七部一点细节嗑，满脑子戈德里克山谷的阳光下一起读读书，最浪漫的莫过于仲夏夜杖尖绽开的一束魔法。成年组分道扬镳，见面就是失望不解和大力互掐，温文尔雅的教授会试图说教之后罕见地失态怒吼，杀伐决断的黑魔王会简短陈词就废话少说开打，但偶尔迷茫失落的那种打架场面。这下倒好，年少轻狂时血盟都给我钻研出来了，没do过我是不信的，打架还能互摸感知心跳，对波真需要站这么近吗，伏地魔说要能贴这么近指不定那个阿瓦达对准谁呢。

但是谢谢麦叔，在我这里整部电影最贴合原作最好嗑的是开头咖啡厅里初次亮相，注视邓布利多的含笑的双眼，那一眼不止温柔，已经脑出是透过蒙尘的时光注视若干年前阳光下的少年阿不思，彼时也在等待他的到来时给黑咖啡里溶了块方糖，视线的另一端是在彻底物是人非前沉浸于回忆片刻的黑魔王。

所以罗琳在摆烂，糖都是工业糖精，主线更是一踏糊涂，我不知道她想要什么受众，hp很多原作粉是不接受ggad的，你拍个开头一眼已经够同人女嗑了，是不是想赶lgbt热潮想疯了。我现在还记得呢，七部电影的格林德沃在纽蒙迦德直接把邓布利多卖了，原作里可是到死都没透露给伏地魔什么，我一拳捶向大卫叶茨，现在又搞什么，同人女钱好赚？是的，好赚，不过这个官配的帽子还不如不扣让我安心夹缝抠糖吧，我害怕。嗑cp我暗地来就好了不劳您们费心，能不能先把魔法世界讲好了，你这样拍显得巫师真的很逊哎，把魔杖换成枪你看打斗有区别没，主角团没计划就开摆是吧，深入敌营然后被打得屁滚尿流，靠运气苟到最后。格林德沃是个体面人，还陪你们玩游戏，要我早暴起杀人了。

三星的电影，我都给特效以及可爱小雀斑和他的动物们，麦叔加一星，作为被宠幸的同人女加一星，童年滤镜加一星。下一部怎么办，接着看呗，求求二位努努力分出个胜负吧，支持格林德沃进纽蒙迦德?。拍得好，下次别这么拍了，再这么拍记得改叫《ggad，一段情史》。

任达华如果是因为执着一双无法重见光明的眼睛以致无法做大厨而自暴自弃，剧情铺垫也不足啊。而且如此得对待导盲犬，体现导盲犬的忠诚，确实也是对不起导盲犬的的选择，因为它没得选。就好像生下来就要接受导盲培训。就好像寄养家庭的那个小女孩，任性无赖，希望通过搅乱小q的导盲训练让它永远和她生活在一起，那个两狗一人结拜确实挺逗的，但小女孩的角色不讨喜，或许只是为了突出导盲犬的使命，但它也未必生来就是只有一个作用的呀。当任达华选择盲着走到车道自杀（因为他觉得现在的自己一片灰暗，不知道想要什么），最后小q扑倒他，并用自己的爪子按住主人的手，他就选择和解了，与小q，与身边，与世界。协会取消配对，但小q自己选择了他。从协会走出来那一刻，就可以结束了。从开始不认可这部逻辑铺垫不够的电影，到最终任达华认可小q，也是一个角色与我们作为观众放下成见的过程。无论是任达华要去美国看病小q无法同行却追着他的车跑了一路，还是一瘸一拐也要导盲带回来的他再走一遍，这就是导盲犬的一生。狗狗如此忠诚，确实值得珍惜，尤其是它的一生比你还短。

或许加了那么多匆匆展现的情节，都是为了叙述不会说话的导盲犬的一生，但如果能情节相关联更好，电影或许才不会因为导盲犬这一形象，而是实打实地因导盲犬的种种事例塑造这一形象

应该是在三星半的评分。演员方面，乔妹的演技还是一如既往的好，哭戏很有代入感，男主的笑容好治愈。剧情平平无奇，还是韩剧的老套路，强行制造各种偶遇，话题，冲突，沟通不到位各种误会；而且太拖沓了，干脆利落的可以五集搞定。但是确实和之前的韩剧相比，这部剧明显会更有深度，更想传递出一些价值观，生活中不止爱情，还有亲情和友情，都会面对各种离别，需要笑着面对。要勇敢的追求内心的真实，生活再难，都是自己的人生，好好生活下去。相对于一号线的各种纠结忧伤，更喜欢二三号线的剧情走向，男二成熟稳重有包容心，女二傻乎乎的恋爱脑，两人就负责剧中撒糖；女三是最让我难过的，一个全职家庭妇女，老公出轨，自己癌症，女儿还小，每每看到她对女儿的不舍，身为人母的我现在好容易感同身受。男一，其实不帅，但笑容真的好治愈，而且思想成熟，能一路引领女主发现自己的精神世界，两个成熟的人分手，理智又深情。因乔妹看剧，最后入了张基龙的坑。

1990年出生的阮凤仪，以长片处女作《美国女孩》拿了很多奖，被诸多影评人视为年度最佳。

影片备受瞩目，除了这位海归学院派女导演所带来的细腻影像感之外，更重要的是所切合的社会议题。一方面，2003年的非典与今日的疫情环境实现了某种时间和记忆的交织；另一方面，片中主角从美国返回台湾的过程呈现了人们熟悉的文化冲突。除此之外，围绕“乳腺癌”这一疾病隐喻（甚至不仅是隐喻）所展开的潜在话题或许更具普遍性。

按理说，以海归学院派的背景、女导演自身的细腻程度、林嘉欣的加盟、林书宇的监制，再加上三重议题的叠合，《美国女孩》本应是个占据天时地利人和，立足不败之地的项目。但影片给观众的实际感受，却是聚焦凌乱、完全摸不到主旨，除了跟着导演的情感线路前行，别无他法。

将一手好牌打坏的原因，或许是阮凤仪忽略了一个核心的机制：图形与背景之间的互动关系。具体来说，影片的几重议题皆是“背景”，而中间的人物则是“图形”，电影的核心应该是以图形（人物）为媒介不断深入并显现更深度的社会文化背景，为此甚至需要将人物“隐没”。

图形/背景原则适合过往的任何移民题材（无论《喜宴》《面子》或《别告诉她》），并且都是这类题材的成败关键；同样，这也适用于任何疾病、社会事件的议题。除此之外，图形/背景还是世纪之交台湾电影最宝贵的遗产，这在杨德昌、侯孝贤、蔡明亮的电影中呈现的格外明显，这几位导演关注的不是人物本身，而是人物身后的更深度的背景。

《美国女孩》中的争执中可以隐约觉察到一丝背景的印记，但通常是台词说出来的，比如说庄凯勋扮演的爸爸说“这个景气留在这边是等死”，指向的无疑就是朱天文所说的“世纪末华丽”之后全台湾的普遍精神绝望，对此《一一》《千禧曼波》《不散》都能轻松以影像还原。但《美国女孩》志不在此，2003年的台湾对阮凤仪来说似乎只是一个时空标记，书店与网咖背景中的蔡依林和周杰伦的背景歌曲对挖掘背景本身来说几乎不起作用。

阮凤仪的策略是只重“图形”而不在意“背景”，这直接导致失去了文化冲突这一问题的有效支撑。和之前的短片《姐妹》不同，《姐妹》中的妈妈带一对姐妹移居洛杉矶，陌生的城市和华人教会自然构成了一个“背景”，因此能够产生最现实的“文化冲击”（culture shock）。但《美国女孩》表述的是“逆向文化冲击”（reverse culture shock），这两种冲击虽然都是主观的，但区别在于前者自带显性的背景，后者则需要人为建构背景。

梁芳仪这位姐姐的角色自然是以导演本人为原型，她身上的逆向文化冲击若要体现出来，需要一整套背景建构，除了学校之外还有传统文化、亲戚关系、邻里社群等诸众，以及无言的地域景观。比如说，爸爸的那位隐匿的“大姐”就很有可能成为盘活背景的存在，楼顶的那位喂鸟的邻居也没有得到挖掘，如此，影片得到的就是一个孤零零的“家庭图形”——文化冲突不见了，或者不显灵了，它纯粹沦为主人公内心的独白意识建构，并且进一步展现为纯粹的家庭矛盾。

整个家庭景观由此显得过于自我封闭，呈现为父亲去大陆做生意、母亲患癌受洗、女儿盼望回归美国的纯生活/心理争斗，将一切问题还原为琐碎的争吵：妻子埋怨丈夫只知道飞来飞去，买不起房子；女儿埋怨母亲，这个生病导致全家鸡飞狗跳，并且断送了自己的美国梦；丈夫埋怨生活，自己任劳任怨牺牲自己，但也成不了理想的提款机。

似乎唯有学校，构成了仅有的背景因素，但这种背景过于直白，近乎于对那时台湾古板的教育和校规的痛斥，胖教师的体罚和那篇控诉母亲的演讲稿，构成了全片精神之浓缩，似乎就落了下乘。这自然而然会通向影片最后有点不负责任的解决方式：女儿趴在妈妈腿上，妈妈摸着女儿的头说：“妈妈也很爱你”——这是爱能解决一切的庸俗解围之神的回归。

正因如此，影片中的非典背景和故事没有擦生出如何实际关系，而那位妈妈的乳腺癌问题也仅仅是驱动因子，影片既没有揭示出疫情对人造成了何种影响，也未能面对疾病之于人的绝对影响。关于后一点，造就了《瀑布》中贾静雯融入度极高的表演，但却让演技明显更高一筹的林嘉欣手足无措，这一差别来自于导演对剧作母题的理解，和演员无关。

林嘉欣的劲，显然不知道该往哪使，这一状况让她在影片后半段处在无所适从的状态之中，她与女儿的争吵、打骂似乎是为了制造矛盾升温而制造的矛盾，就如结尾是为了和解而制造的和解。当然，你不能说这其中没有铺垫，但因为导演固着地将图形视为第一要义，背景就无从倚靠也无法发挥作用。

看重图形，一方面体现在技法层面，阮凤仪给人物过多的近景和特写，造成了角色的精神封闭，自然也就隔绝了画面意义上的背景；另一方面，导演将力道过度聚焦在人物尤其是梁方仪身上，以至于背景就在意识中隐没了，在单纯的“图形游戏”中，一切只能展现为“争执”——她与母亲的争执、与父亲的争执、与妹妹的争执，这些都无疑是吵架的重复形式。

就我个人来看，影片当中似乎只有两个段落镜头值得称道：一处是梁方仪出门倒垃圾，小区楼下一群人横向排列，各自双手提着垃圾袋等着垃圾车到来；另一处是母亲和妹妹在阳台上给外公外婆烧纸钱，当妈妈说受洗之后不能烧的时候，小女儿说了一句“那样他们不是会很穷吗？”。这两处，都属于“无意义的镜头”，但从深度上构成了图形/背景的可能或潜在冲突，如果影片能够在剧作主题上深度加工，将类似的情境与相关议题，那么《美国女孩》将会是另一个样子。

这种以“剧情或人物动作的无意义”呈现的段落，恰恰在于让人物隐没并让潜在的背景呈现出来，林嘉欣在晒床单时候突然哭了，也可以视为这一类——这场戏似乎对应着德西卡《风烛泪》中女仆洗着盘子哭泣的一幕。从细微技法上而言，阮凤仪或许能理解新现实主义电影的“动情细节”，但她没搞懂新现实主义的精髓也是图形/背景的隐现游戏，如果德西卡不够明显，那么罗西里尼的《火山边缘之恋》《游览意大利》则再明确不过了。

阮凤仪在访谈中谈到她的美学来源是达内兄弟、法哈蒂、小津、是枝裕和、侯孝贤、杨德昌、李安、安德里亚·阿诺德等等，但问题在于她学到的可能是上述人的形式精简风格，但没有领会本质上的图形/背景之整体建构。当然，这一切或许也和影片本身的素材有关——《美国女孩》讲述的是阮凤仪自己13-14岁时候的故事，她呈现了对自己的大胆解剖乃至是忏悔（且看起来并无保留），这赋予了影片明确的“真诚感”，这种真诚除了能在部分时刻抓住观众外，也成全了女主角方郁婷的精彩表演，她的光彩实际上盖过了林嘉欣，出演影片时未满16岁的她甚至可以算是近五年来台湾影坛的最大发现。

但换个角度来说，方郁婷光彩的代价是其他人的黯淡，连林嘉欣都无从幸免，因为图形游戏本身就是一个零和游戏，有赢便有亏。这种单一倾注也指向了导演的“自我”，因为方郁婷扮演的正是她本人，《美国女孩》便是一种主观记忆中的生活事件，缺乏客观视角，自然也缺乏背景。无论是因为源于记忆重现还是着力于忏悔，这部影片都成为一种封闭自我的产物，丧失了背景生产的力量。

这个问题，在某种程度是过多的自我感觉——部分是自恋、部分是自怨自艾、部分是自我忏悔——的综合造物。除了阮凤仪之外，本片监制林书宇也有这个毛病，从《九降风》以来，他的影片陷入一种过度自我感的牢笼，以至于走不出图形游戏的世界，质量每况愈下，甚至连最初的真诚感都沦丧了。

我不希望阮凤仪成为第二个林书宇（当然《美国女孩》似乎也没有达到《九降风》的水准），唯一的忠告是，若不能理解从新现实主义到台湾新电影的“图形/背景”这一剧作整体原则，那么《美国女孩》之后的道路着实堪忧，因为自我的真诚感无法维系一切，更打不过时间。

【虹膜】

我在前两天才正式看了这部17年上映的片子——《破局》。而最早听说这部片子是在上映当年，影片造势前期粗略看过预告片，东南亚拍摄场景、剧情悬疑片、大牌演员阵容……这些是我最早对这部影片的印象。

5年后终于有契机和时间，可以完整把片子看完。影片开头异域风情的场景、非法交易与警察的搏斗、雨天开车与电话通话，这一幕幕都契合了以往看过的警匪片或悬疑片，开头几分钟让我笃定这应该又是一部常规套路的剧情片——某正义警察因不愿与黑暗势力同流合污，而惨遭一系列陷害但是最终正义战胜邪恶。

而在看到郭天王饰演的高见翔真实撞死了人，虽然后面证实只是凑巧背锅，但从他开始藏尸的那一幕开始，我就明白起码他不是个完完全全的好人，但后续也证明他不是个彻头彻尾的坏人。

随着剧情一幕幕揭开，大boss王千源饰演的陈昌民戏剧性登场，高见翔和陈昌民展开了一场你跑我追、你打我杀的搏斗，最后高见翔找到了陈昌民要尸体的谜底，但也两败俱伤，一个丢了命一个丢了名。

再看看除了主线，同事的贪污违纪、警局领导层的一手遮天，故事最后高见翔找到金库时的肆意放笑，真正完结了这部全员恶人的影片。全片中，高见翔作为亦正亦邪的存在，曾放弃过收黑钱、曾想过举报陈昌民犯罪事实，但最后还是迫于内心的恶、所处大环境的黑暗，彻底让自己的黑暗面占据了自己。破局，即是破开自己的撞人迷局，也是冲破了内心最后的善恶防线。

我偏向于网络上的大部分解读，结尾的电话只是为了guoshen，故事最终高见翔还是拿走了那些钱，那时的他已经不再是警察，已经不再需要为身上的警徽恪尽职守，可能已经成为黑暗势力的另一个爪牙。