在看《财阀家的小儿子》，最厉害的是演财阀陈养喆的李星民，太有光彩太有魅力了，可以说靠这个人物这部戏才成立。虎踞狼形，阴鸷摄人，完全是一代雄图霸主的精气神。每一场戏都极出彩，每个反应都在常规之外。有两场戏印象很深，一个是家人以为他空难，他突然回家，众人落泪，他没有个好脸说我们家办丧事吗，开玩笑问老婆，你的脸色像见了鬼。喜剧处理，举重若轻。一个是他二儿子背着他跟他的宿敌合作，他知道了，对秘书说，二儿子是个生意人。做生意挣到钱第一，顾忌父子亲朋还赚什么钱呀。这是豺狼惜虎豹，下一秒，要弄死你还是弄死你。非常会把控人心，对平庸的大儿子能当众给你一个耳巴子，事儿办挺了，饭桌上让大儿媳给一家之主盛汤，他说，这个一家之主是大儿子啊。大儿子当场眼泪都要下来了——我们的戏也有很多这种封建大家长的角色，皇上或者董事长，经常写的就是霸道而虚弱，拍桌子式的震怒，吹胡子瞪眼睛，不允许丝毫忤逆，一味的强压，又非常愚蠢，让人不理解他为什么能身居高位。把一个复杂人物写得深刻，有虎虎之风，让人移不开眼睛，真的是万钧笔力。

1990年出生的阮凤仪，以长片处女作《美国女孩》拿了很多奖，被诸多影评人视为年度最佳。

影片备受瞩目，除了这位海归学院派女导演所带来的细腻影像感之外，更重要的是所切合的社会议题。一方面，2003年的非典与今日的疫情环境实现了某种时间和记忆的交织；另一方面，片中主角从美国返回台湾的过程呈现了人们熟悉的文化冲突。除此之外，围绕“乳腺癌”这一疾病隐喻（甚至不仅是隐喻）所展开的潜在话题或许更具普遍性。

按理说，以海归学院派的背景、女导演自身的细腻程度、林嘉欣的加盟、林书宇的监制，再加上三重议题的叠合，《美国女孩》本应是个占据天时地利人和，立足不败之地的项目。但影片给观众的实际感受，却是聚焦凌乱、完全摸不到主旨，除了跟着导演的情感线路前行，别无他法。

将一手好牌打坏的原因，或许是阮凤仪忽略了一个核心的机制：图形与背景之间的互动关系。具体来说，影片的几重议题皆是“背景”，而中间的人物则是“图形”，电影的核心应该是以图形（人物）为媒介不断深入并显现更深度的社会文化背景，为此甚至需要将人物“隐没”。

图形/背景原则适合过往的任何移民题材（无论《喜宴》《面子》或《别告诉她》），并且都是这类题材的成败关键；同样，这也适用于任何疾病、社会事件的议题。除此之外，图形/背景还是世纪之交台湾电影最宝贵的遗产，这在杨德昌、侯孝贤、蔡明亮的电影中呈现的格外明显，这几位导演关注的不是人物本身，而是人物身后的更深度的背景。

《美国女孩》中的争执中可以隐约觉察到一丝背景的印记，但通常是台词说出来的，比如说庄凯勋扮演的爸爸说“这个景气留在这边是等死”，指向的无疑就是朱天文所说的“世纪末华丽”之后全台湾的普遍精神绝望，对此《一一》《千禧曼波》《不散》都能轻松以影像还原。但《美国女孩》志不在此，2003年的台湾对阮凤仪来说似乎只是一个时空标记，书店与网咖背景中的蔡依林和周杰伦的背景歌曲对挖掘背景本身来说几乎不起作用。

阮凤仪的策略是只重“图形”而不在意“背景”，这直接导致失去了文化冲突这一问题的有效支撑。和之前的短片《姐妹》不同，《姐妹》中的妈妈带一对姐妹移居洛杉矶，陌生的城市和华人教会自然构成了一个“背景”，因此能够产生最现实的“文化冲击”（culture shock）。但《美国女孩》表述的是“逆向文化冲击”（reverse culture shock），这两种冲击虽然都是主观的，但区别在于前者自带显性的背景，后者则需要人为建构背景。

梁芳仪这位姐姐的角色自然是以导演本人为原型，她身上的逆向文化冲击若要体现出来，需要一整套背景建构，除了学校之外还有传统文化、亲戚关系、邻里社群等诸众，以及无言的地域景观。比如说，爸爸的那位隐匿的“大姐”就很有可能成为盘活背景的存在，楼顶的那位喂鸟的邻居也没有得到挖掘，如此，影片得到的就是一个孤零零的“家庭图形”——文化冲突不见了，或者不显灵了，它纯粹沦为主人公内心的独白意识建构，并且进一步展现为纯粹的家庭矛盾。

整个家庭景观由此显得过于自我封闭，呈现为父亲去大陆做生意、母亲患癌受洗、女儿盼望回归美国的纯生活/心理争斗，将一切问题还原为琐碎的争吵：妻子埋怨丈夫只知道飞来飞去，买不起房子；女儿埋怨母亲，这个生病导致全家鸡飞狗跳，并且断送了自己的美国梦；丈夫埋怨生活，自己任劳任怨牺牲自己，但也成不了理想的提款机。

似乎唯有学校，构成了仅有的背景因素，但这种背景过于直白，近乎于对那时台湾古板的教育和校规的痛斥，胖教师的体罚和那篇控诉母亲的演讲稿，构成了全片精神之浓缩，似乎就落了下乘。这自然而然会通向影片最后有点不负责任的解决方式：女儿趴在妈妈腿上，妈妈摸着女儿的头说：“妈妈也很爱你”——这是爱能解决一切的庸俗解围之神的回归。

正因如此，影片中的非典背景和故事没有擦生出如何实际关系，而那位妈妈的乳腺癌问题也仅仅是驱动因子，影片既没有揭示出疫情对人造成了何种影响，也未能面对疾病之于人的绝对影响。关于后一点，造就了《瀑布》中贾静雯融入度极高的表演，但却让演技明显更高一筹的林嘉欣手足无措，这一差别来自于导演对剧作母题的理解，和演员无关。

林嘉欣的劲，显然不知道该往哪使，这一状况让她在影片后半段处在无所适从的状态之中，她与女儿的争吵、打骂似乎是为了制造矛盾升温而制造的矛盾，就如结尾是为了和解而制造的和解。当然，你不能说这其中没有铺垫，但因为导演固着地将图形视为第一要义，背景就无从倚靠也无法发挥作用。

看重图形，一方面体现在技法层面，阮凤仪给人物过多的近景和特写，造成了角色的精神封闭，自然也就隔绝了画面意义上的背景；另一方面，导演将力道过度聚焦在人物尤其是梁方仪身上，以至于背景就在意识中隐没了，在单纯的“图形游戏”中，一切只能展现为“争执”——她与母亲的争执、与父亲的争执、与妹妹的争执，这些都无疑是吵架的重复形式。

就我个人来看，影片当中似乎只有两个段落镜头值得称道：一处是梁方仪出门倒垃圾，小区楼下一群人横向排列，各自双手提着垃圾袋等着垃圾车到来；另一处是母亲和妹妹在阳台上给外公外婆烧纸钱，当妈妈说受洗之后不能烧的时候，小女儿说了一句“那样他们不是会很穷吗？”。这两处，都属于“无意义的镜头”，但从深度上构成了图形/背景的可能或潜在冲突，如果影片能够在剧作主题上深度加工，将类似的情境与相关议题，那么《美国女孩》将会是另一个样子。

这种以“剧情或人物动作的无意义”呈现的段落，恰恰在于让人物隐没并让潜在的背景呈现出来，林嘉欣在晒床单时候突然哭了，也可以视为这一类——这场戏似乎对应着德西卡《风烛泪》中女仆洗着盘子哭泣的一幕。从细微技法上而言，阮凤仪或许能理解新现实主义电影的“动情细节”，但她没搞懂新现实主义的精髓也是图形/背景的隐现游戏，如果德西卡不够明显，那么罗西里尼的《火山边缘之恋》《游览意大利》则再明确不过了。

阮凤仪在访谈中谈到她的美学来源是达内兄弟、法哈蒂、小津、是枝裕和、侯孝贤、杨德昌、李安、安德里亚·阿诺德等等，但问题在于她学到的可能是上述人的形式精简风格，但没有领会本质上的图形/背景之整体建构。当然，这一切或许也和影片本身的素材有关——《美国女孩》讲述的是阮凤仪自己13-14岁时候的故事，她呈现了对自己的大胆解剖乃至是忏悔（且看起来并无保留），这赋予了影片明确的“真诚感”，这种真诚除了能在部分时刻抓住观众外，也成全了女主角方郁婷的精彩表演，她的光彩实际上盖过了林嘉欣，出演影片时未满16岁的她甚至可以算是近五年来台湾影坛的最大发现。

但换个角度来说，方郁婷光彩的代价是其他人的黯淡，连林嘉欣都无从幸免，因为图形游戏本身就是一个零和游戏，有赢便有亏。这种单一倾注也指向了导演的“自我”，因为方郁婷扮演的正是她本人，《美国女孩》便是一种主观记忆中的生活事件，缺乏客观视角，自然也缺乏背景。无论是因为源于记忆重现还是着力于忏悔，这部影片都成为一种封闭自我的产物，丧失了背景生产的力量。

这个问题，在某种程度是过多的自我感觉——部分是自恋、部分是自怨自艾、部分是自我忏悔——的综合造物。除了阮凤仪之外，本片监制林书宇也有这个毛病，从《九降风》以来，他的影片陷入一种过度自我感的牢笼，以至于走不出图形游戏的世界，质量每况愈下，甚至连最初的真诚感都沦丧了。

我不希望阮凤仪成为第二个林书宇（当然《美国女孩》似乎也没有达到《九降风》的水准），唯一的忠告是，若不能理解从新现实主义到台湾新电影的“图形/背景”这一剧作整体原则，那么《美国女孩》之后的道路着实堪忧，因为自我的真诚感无法维系一切，更打不过时间。

【虹膜】

很多时候，电影并不仅仅是电影，还是一段时光的重放，一场既暖又伤的怀念。由苗月执导，郎月婷、陶海、白威等人联袂主演的《秀美人生》，就是这样一部富有现实意义的电影。没有什么吸引眼球的类型元素，也没有什么吸睛煽情的狗血和鸡汤，单凭着一段真实而又真诚的故事，就已经赢得观众的喜爱和支持，在百花争鸣的商业时代，彰显了写实主义的强大魅力。

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青春懵懂期就尝到恋爱的滋味，一发集中的青春引发了后续心酸且搞笑的一系列故事，年纪轻轻就祖孙三代同堂，但是背后却是两代人家庭亲情缺失的痛苦。

小表情包演技真的是没得说，小小年纪成熟懂事，更让人觉得心疼。男主在知道自己的光荣事迹后开始选择了逃避，这也是反映很多社会现象，最后在亲情面前，他选择勇敢面对担当。

现在，这类事情应该会更多，年轻人在青春时期更会为了爱情而冲动，冲动的背后会需要有责任担当的支撑，我们都在不断犯错中长大。

??整整追了25周的时间 日漫所体现出来的纯爱 勇气 相互扶持的友情及爱情真是太棒了！ 大结局慎平和潮在海边相见 伴随着潮起潮落 落日 晚霞 海风 BGM响起直接给爷整??了

“别说10个，100个都买给你…咦？”“欢迎回来” 在夏日祭烟花??下完美结束

最后窗和澪在一起了吗？??#夏日重现#日漫

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灾难大片，电影市场永不缺席的一个类型。

因其紧张刺激的节奏，生死攸关的剧情，以及身临其境的特效，成为了大多数观众喜闻乐见的选择。

而在灾难片中，让人代入感最强的，莫过于真实事件改编的故事。

最近，就有部真事改编的灾难片来了，每一秒都让人提心吊胆。

今天就来聊聊它——

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我一直想知道我为什么是我，你为什么是你。全片最喜欢的一个镜头之一，它将黑色喜剧的形式发挥到极致，哈洛德的妈妈，在泳池边，打开收音机，面带微笑，跟着音乐节奏优雅地脱掉浴袍，慢慢步入池中，钢琴还在继续，镜头跟随他妈妈逐渐拉开，池中，哈洛德穿着西装漂浮在水面，模拟着溺死，他妈妈游过，看了看“溺死”的儿子，翻了个白眼，继续往前游。其次是将车胡乱停放在人行道中的慕德，在街边跟哈洛德商议如何拯救快窒息的行道树，交警走到车边，慕德面不改色走到他们面前打了个招呼，问道前面那辆车是否停放正确，警察微笑着答是，慕德优雅地走到前面那辆车，打开车门便坐进去，临行时向后边的警察挥挥手，警察也友好地向这位优雅的老夫人挥手回礼，但突如其来的引擎轰鸣，紧接着是一个漂移拐过街角，远远地又传来轮胎磨地的刺耳声，那位Officer，笑容渐渐凝固……慕德是一个怎样的人——我不相信她计划了自己的死亡从而肆意张胆，她也绝非糊涂——哈洛德和慕德再次在葬礼上相遇才是真正的揭示，哀悼的人排着队离开。队列中，慕德，一身米白的风衣，撑着亮黄色的雨伞，大步流星走在最前面，与黑色的葬礼氛围格格不入，唯独慕德身后的那个小女孩，也是一身米白，一位大限将至，一位不谙世事，但同有一颗赤子之心。她是那种即使拥有了一切，也可以活得一无所有的人。她很自由，她的灵气来源于一花一木，不必要为了什么理由割断与自然连接的脐带，她的出生，她的死亡，是一个自然而然的循环，我希望她来世便是那棵被拯救的即将窒息在城市里的行道树，站在森林深处，被生命包围，连接大地的心脏，有所灵犀。“你想变成什么样的花？”“我不知道，可能是这其中的一朵吧”镜头中是满满一地的小雏菊。”“为什么这样说？”“因为它们都一样吧”“瞧，有的瘦小，有的胖一些，有的朝左，有的朝右，有的甚至丢了一片花瓣，各种差异都看得出来，Harold，你看，我觉得是世上的悲剧太多了，明明这样不同，却要忍受毫无差别的对待。”我也会爱慕德，恰好是这个时候的慕德，我不会希望她青春永驻，或许是她即将拥有全部的时间，才会有现在的想要自由就放手一搏吧。毕竟她也知道，这个世上悲剧太多了，个性有成千上万种，有的尖锐，有的温润，有的向左理性，有的向右敏感，有的甚至被叫做病态，明明这么不同，却要忍受毫无差别的对待。

“你不反抗了吗？”

“但我不需要反抗了，我拥抱他们，还在为大事儿奋斗，但现在是以我个人的小方式。”

我觉得这样很好啊

造一架巨型飞机

乘着宇宙列车四周游走

用自动贩卖机开始一个夏天

我知道我们已经走得很远了

一天一天地在改变

但请告诉我

孩子们在哪玩儿

看这部片子还得有好脾气才能好好的看完。剧情真的推敲不起，不过当娱乐看还是可以的。女主开始太软弱了，可是后来反击看得还是比较过瘾的。我不喜欢看傻白甜。人还是霸气一点好。

女二运气也真的是好，干啥都能成功。男二挺渣的，跟女二挺配的。女二感觉像女主似的。出场恨不得比女一还多。女二长得还挺好看的，就是心太坏了。她做那些坏事也算能理解，但是她虐待小孩子就有点太过分了

画面拍得十分唯美，却又不是可以直接描述的美。同时Yuriko角色的美也不是言语可以形容的，就好比随风而过的香气一般，香气是画不出来的，轻轻的掠过你的鼻尖，你的脸，能感受到的是一种似有似无的清透，却无法通过言语准确描述出来，她的美丽的颜和飘摇的身影，如同随时要消散的香气，让人忍不住要去挽留，去拥抱。

这部剧的卡司阵容非常特别：远藤宪一、大杉涟、寺岛进、田口智朗、松重丰和光石研，都是日剧里经常出现的人物，号称“金牌配角”。

这部剧的设定也很特别：这六人共同接受了“张艺谋”导演的《七武士》邀约，并按剧组要求为了“增进彼此的感情”在一起共同生活三个月。影片以近年来颇为流行的“伪纪录片”方式制作，戏中有戏，真真假假，着实精彩。

六位大叔级演员们，以各自炉火纯青的演技在剧中互相飙戏，真实自然地“演”活了自己。比起那种真人秀综艺节目，更为自然生动。

最有趣的就是大叔们在一起如孩子般地猜拳、枕头大战、互相调侃??一转身，戴上墨镜，穿上西装，个个又都酷劲十足。即便是剧本懒到不行，这六位也能有本事撑住整部戏。

所以说，这部剧就是看大叔来着，当成综艺节目来欣赏吧！

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北野武这个老家伙，真是让人喜欢。看过老爷子的好几部电影，印象深刻，非常有他个人的特色。所谓的日式的暴力美学，还有很感人的《菊次郎的夏天》，《花火》，以及《那年夏天宁静的海》。老爷子拍了几部文艺片《阿基里斯与龟》，《玩偶》这些，感觉不那么好，突然又响应影迷要求拍了全员恶人的《极恶非道》三部。

这部电影一开始是北野武本人露脸不到一分钟，后面的就是倒模，贴在演员脸上。这个可要看仔细了。

电影讲了师徒情份，北野武年轻时跟师傅学艺，后来自己出去闯荡，和师兄搭伴说相声，闯出了名气。（漫才，是日语，中文的漫才两个字，真不知道什么鬼。）。最喜欢最后他在师傅灵堂流着泪，讲的一个段子：师傅你也太性急了，人死了火葬场会烧，你也没必要自己烧（没烧透），不过火葬打电话，说这样的情况可以半价。

什么是“悲喜交加”，老实说我们国产电影不能玩这么大，就像电视台不让他们两个讲某类型段子，他们还是坚持自己剧场的段子

2021 Sundance online premiere. 这是一部很适合在这个时候看的电影。世界颠倒，生活不再，每个人都在被疾病威胁，都在被提醒生命有多脆弱。看的时候我在想，如果我是主角，我会不会进行这样一场旅行，如果会的话都要去见谁，也有一些答案。但既然还好好活着，就去创造回忆和故事吧，趁还可以。

不至于说了多么高深新颖的道理，但它说得直观而有力，反复敲打观众的内心。或许之前也“道理我都懂”，但是到底有没有去做呢。还有，我们做过的错事和蠢事，到底是要请求原谅，还是就让它随风去，避免造成二次伤害呢。不管在经历的时候有多少负面情绪，在生死的大框架下都变得不那么难以宽恕，也可以被原谅。

如果这部电影要有副标题的话可以是“泰国人在纽约”，好多关于新移民的快乐与苦痛，我也很有代入感。

画面很漂亮，色彩浓烈（包括鸡尾酒），泰国真是太适合拍电影了，处处都是美丽的景象。Tor, Ice和Violette的表演都很出色，Tor真的什么戏剧性的角色都能撑起来，从《极限S：羽毛球篇》到《血浓于水》，把最有冲突的部分给他演就没错，从纯情高中生到花花公子都完全不违和。而且也很帅！！（这才是重点）（能看到Tor和PP演亲兄弟吗，从长相到声音都像，神奇了）

原贴见http://t.cn/ESLRmdi

《爱上你治愈我》上映后，除了收到一些正面的评价、表达被剧共情而感动、对剧中肯的有用的意见建议，（作为制片人，全部接纳！）也被朋友转发过来几篇针对主演的措辞非常主观刻薄、态度很不友好的文章。我需要代表出品方对于一些基本事实做一下说明。

第一，最早的后来被多家公号引用的某圈文章作者我不认识，但是那篇文章发出的第一时间，一位名字我比较熟悉的人在自己的朋友圈转发并且很不友好地对窦骁进行了评价。我第一时间收到了截图。我很纳闷我有他微信怎么我看不见，原来是屏蔽了我。

第二，这个人确实曾经是剧方的宣传，服务于窦骁所在的经纪公司，在拍摄期偶尔驻组，目前也确实已经离职，并且供职于那篇源文章发布的平台。除了屏蔽了我，那条朋友圈他也屏蔽了他的前任老板。

第三，他为什么要用那样的措辞攻击人和剧，我没办法猜测，但是他所说的并非是全部事实。我只想对于我所知晓的事实做些说明。

首先，从来没有一个剧方导演组、制片组的人对窦骁苗苗的演技、工作态度有过否定甚至是微词，窦骁确实是在另一位已签署意向的主演突然离组的情况下十分匆忙地接颜书仁这一角色的，这个角色对他来说非常陌生而有挑战，他甚至认为自己更适合陈一凡那个高智商低情商的角色，但窦骁以一个专业演员的素养和修养很好地完成了这个角色，拍摄期的变化性非常大，窦骁的中文读写是比一般演员慢的，但是他完成了很多非常专业的台词，我们剧是收原声不是配音，还有多场高难度情绪跨度极大的戏，窦骁也完成得很好。剧组对他的评价非常好，绝不存在他自认是B角而情绪恶劣！

其次，【苗苗记不住台词造成拍摄延期】？苗苗唯一一次与剧组就拍摄产生的分歧是在“劝退意图报复社会的持刀人”那场夜戏，苗苗认为那场戏应该在一个没有灯光比较狭仄的空间拍才能表现出气氛的紧张感，但制片组那天晚上没有备选的转场，且导演组认为不需要强调氛围的可怕，担心那样会对黄金档观众有压力也不利于审查。最后维持了原计划拍了那场戏。对于所有人来说，这些都是对戏负责的工作态度，哪个狭隘的“剧方”会制止这种非常有必要的讨论呢？除此之外也从来没有发生过所谓因苗苗记不住台词而延期的事件了！

第四，出于对当事人最后的尊重，我没有发出来你的那些对话截图，但是我有足够的证据证明是你在借助自己供职的公号“公报私仇”，希望你及你的平台都好自为之，对得起你口中所谓的“新闻伦理”。

第五，两位主演一直自爱自律零绯闻，正是因为他们的性格、人品经得起时间的验证，但是他们毕竟是在明亮的台面上，阴暗处的诽谤，或多或少会对他们会有影响，我在力所能及之时，有必要做此说明。

《爱上你治愈我》只是刚刚上线两周，我相信少量的黑粉不足以影响一切，这部剧主题是用心理学的角度看待“愤怒”和“原谅”“和自己真正和解！”的，对于真实世界里剧曾经发生过的所有磨难，我们都选择理解、尊重，并感谢窦骁、苗苗以及所有台前幕后的人为此付出过的超出你们本职工作的艰辛。祝大家都收获来自内心深处的治愈和幸福！