这是一部非常精彩的电影。螳螂捕蝉,黄雀在后。太真实了!说真的,也因此不可能真的存在。这是一部精心准备的电影!表演真实,就像真的一样,这对演员的要求非常高,这么多人,这么多角色,都表演如此真实,到位,可能么?
但事实是这电影真的做到了,所以打5星赞扬!
顺便说
这是一部非常精彩的电影。螳螂捕蝉,黄雀在后。太真实了!说真的,也因此不可能真的存在。这是一部精心准备的电影!表演真实,就像真的一样,这对演员的要求非常高,这么多人,这么多角色,都表演如此真实,到位,可能么?
但事实是这电影真的做到了,所以打5星赞扬!
顺便说一下豆瓣这里的短评,绝大部分是没有参考意义的。先看电影,再来豆瓣,而不是反过来,否则会被误导错过很多好电影。
《在街上》的故事发生地在下北泽,靠着吉本芭娜娜的《喂喂下北泽》和日剧《下北泽之人生最糟糕的一天》,我对下北泽的初印象就是——艺术青年集散地,空气里弥漫着自由与灵感。
在街上晃荡一圈,擦肩而过的人可能是拿着一台单反拍独立电影的学生剧组、看起来一个月没洗头的长发剧作家、会在晨间剧里出演些不起眼的配角的演员,偶尔吃不上饭的地下
《在街上》的故事发生地在下北泽,靠着吉本芭娜娜的《喂喂下北泽》和日剧《下北泽之人生最糟糕的一天》,我对下北泽的初印象就是——艺术青年集散地,空气里弥漫着自由与灵感。
在街上晃荡一圈,擦肩而过的人可能是拿着一台单反拍独立电影的学生剧组、看起来一个月没洗头的长发剧作家、会在晨间剧里出演些不起眼的配角的演员,偶尔吃不上饭的地下歌手...... 这里有着极高浓度的搞艺术的年轻人,以及能容纳他们灵魂与肉身的场所——小剧场、livehouse、唱片店、古着店、旧书屋、咖啡屋......随处可见。
《在街上》的年轻人们,似乎都过着散漫而具象的生活。 古着店老板荒川青,白天在看店的时候看书,或者在阳光下的小店门口抽支烟放空,时而去逛逛旧书店,晚上再去livehouse和酒吧喝杯啤酒,被动地和陌生人聊天,耐心地听着别人的烦恼和秘密。在这样平淡的日常中,受邀出演学生短片成为了一件重要的事,他会为此默默地排练,尽管到在镜头前真正表演的时候,紧张到肢体僵硬被一剪没。
电影就以青为线索,在下北泽漫游,观察着生活在这里的人们。
在咖啡店打工的服务生会和顾客聊起漫画中的场景,相约一会儿打工结束后一起去取景地看看;咖啡店老板会懊恼着如果那天让旧书店老板进来喝杯咖啡,是不是就能避开他隔天去世的命运;街道巡警会伺机而动向陌生人倾吐心中的秘密;小演员会在夜里点一份泡菜茶泡饭,为了争取到一个演出机会卖力地吃胖自己,尽管他已经很胖了......
今泉力哉AKA群像大师,他的电影里,似乎在街上游荡的每个人都值得解读一番。
即便是来荒川青的古着店里买衣服的顾客,他都不吝花上几分钟讲一个关于备胎的故事,还让两人数次作为路人出现,,角色立体到你看完电影待会儿去超市买牛奶的时候,都会情不自禁地注意他是不是会路过你身边。
导演说,“我自小就对配角很感兴趣,配角并不是为了主角才存在的,为了尊重每一个人的人生,群像剧才越来越多。”大概是因为一直有认真地观察大家,所以今泉力哉才能那么精准地捕捉到当代年轻人们的心情吧。
比如,“暧昧的感觉令人憧憬”的都市男女关系。 如果男生女生以朋友关系暧昧相处,就可以百无禁忌地聊天,两人之间的关系也令人充满遐想;一旦确定了关系,一切就会随之固定下来,话题会变得日渐稀少,恋爱也开始无趣起来。 比如,“我不太擅长应付这种场合”的现代社恐。
不擅长社交的青,面对喜欢的人的聚会邀请,不舍得放弃这样的机会,但他只会在角落里默默喝酒,尴尬地在人群中的独处,续摊的时候一言不发不知如何是好。虽说是社恐,但他还是会笨拙地努力着,和人真诚地交流,在喝上几杯到微醺的状态下,把感情上的事和盘托出。
像侯麦、洪尚秀一样,今泉力哉的电影也充斥着大量的长镜头,记录着人与人之间的随性闲聊。不同的大概是,还是有一些充满情绪张力的主观镜头。
看着这部电影,似乎跟着他们一起在街头日日夜夜地游荡,漫不经心,所以慵懒宜人,格外放松,像在春日午后阅读一本作家的随笔一样,有缓解忧虑,治愈不适的效用。
《英雄本色》的影史经典地位不用多加说明,多加论证,任何媒体搞的影史经典香港电影排行榜,《英雄本色》都是不可或缺的电影。芭蕾舞式的纵情暴力场面,周润发戴墨镜、叼火柴、穿大衣的造型,义薄云天的兄弟豪情是几代华人影迷甚至亚洲影迷的经典回忆。有很长一段时间,《英雄本色》对大陆影迷来说,几乎定义了香港电影的一切。对于信奉“情怀大过天”的影迷来说,这几乎是一部不容置疑的电影圣经。
《英雄本色》的影史经典地位不用多加说明,多加论证,任何媒体搞的影史经典香港电影排行榜,《英雄本色》都是不可或缺的电影。芭蕾舞式的纵情暴力场面,周润发戴墨镜、叼火柴、穿大衣的造型,义薄云天的兄弟豪情是几代华人影迷甚至亚洲影迷的经典回忆。有很长一段时间,《英雄本色》对大陆影迷来说,几乎定义了香港电影的一切。对于信奉“情怀大过天”的影迷来说,这几乎是一部不容置疑的电影圣经。
批评的声音当然存在,而且不乏来自香港本土。罗卡就认为吴宇森“感性偏激狭隘,有时不免于为文而造情”,李焯桃的观点则是,“吴宇森的激情动作片我们往往也吃不消,西方的类型片迷却看得兴高采烈,正因为如此心无旁骛地相信类型的西片已难得一见。”
不加节制地宣泄情感几乎是对吴宇森电影的集中性批评意见。《英雄本色》也正是这样一部风格化到极致的电影。罗卡“为文而造情”的批评意见相当中肯,但吴宇森此风格缺陷并非其个人独有,其实是中国电影风格类型的重要传统──苦情戏的遗风。苦情戏是深受“影戏”传统影响的早期中国电影极端重要的一种类型,《黑籍冤魂》、《渔光曲》、《暴雨梨花》、《桃李劫》、《新女性》这些当年深受观众膜拜的电影无不都是让影院观众浸透了悲苦体验的催泪苦情大戏。是非、善恩、爱恨、褒贬、黑白一定要分明,表现方式一定要夸张刺激,初始和最终的落脚点都必须围绕道德冲突(苦情戏本质上都是道德伦理剧)。这是苦情戏最鲜明的艺术特征。父母子女、兄弟姐妹,一切人伦之冲突都可以成为苦情戏渲染的对象,要义便是让整体的情境处于悲苦之中。而这种悲苦达致的效果与西方悲剧的崇高感则有本质区别,苦情戏无关命运的荒谬与绝对,无关深度意义的追问,更无视理性精神对于无限世界的把握与探求。所以即便在当年,郑正秋就早已指出苦情戏的艺术幼稚问题,但是要吸引观众也似乎别无他法,“中国看影戏的,大半不耐寻思……刺激愈多、愈受欢迎,这一点,取材的先生们就要用心思了,既不能太残忍,又不能少刺激。”蔡楚生则进一步强调,“在描写手法上加强每一件事态的刺激成分,和采取一些中国特点的刺激素材。”所以要说东西方对比,苦情戏倒是更接近于道格拉斯·瑟克式的催泪通俗剧。《梁山伯与祝英台》、《搭错车》、《妈妈再爱我一次》、《法内情》、《唐山大地震》这些在两岸创造了巨额票房的电影其实都属于苦情戏的范畴。
曾经是邵氏片场出身,执导过粤语戏曲片《帝女花》的吴宇森,对苦情戏的成功要义了然于胸。《英雄本色》极端渲染的是兄弟与朋友之间的情义。比较重要的渲染手法是对比(这也是苦情戏的常规手法),由强烈的对比来刺激观众的情绪。宋子豪的性格隐忍,杰仔的性格冲动外放。宋子豪一直默默承受,杰仔一直挑衅攻击。更重要的对比来自情义的强弱。宋子豪与Mark哥之间浩气长存的友情义气,宋子豪与杰仔充满误会与矛盾的兄弟情。为了突出宋子豪与mark哥情义的撼天动地,杰仔在影片中甚至被处理成了相对负面的角色。这也是影片激发观众强烈情绪反应的杀手锏。
好人蒙冤,弱者受欺也是苦情戏主角的一大重要类型。一心悔过苦求给予重新开始机会的宋子豪,却得不到弟弟杰仔的原谅,这关系设置大体符合蒙冤的类型。宋子豪与mark哥还具有强度很高的受虐倾向,面对铺天盖地的责难与暴力,二人有着强大到令人难以置信的忍受力。这其实也是苦情戏主角的一大特色。
影片中的对比手法不仅表现在性格设置,还体现在大量的情节设置。开场不久之后,就出现了平行蒙太奇。一边是宋子豪在狱中的落魄场景,另一边是杰仔在警队意气风发训练的场景。最重磅的反差对比来自mark哥。当年的意气风发,后来却落魄成瘸子,擦车谋生。昔日稚嫩的小弟阿成,却成为了大佬,对之动辄打骂。这种巨大的反差手法,也是比较容易刺激观众的手法,当然这并不高明,看多了则觉得有点廉价。类似脚踩香蕉片滑一跤引发的喜剧效果。
最夸张的渲染来自暴力。按照吴宇森自己的说法,“不少人看到人家捱打,情感会得到宣泄。”《英雄本色》中的暴力场景有铺天盖地之势,mark哥屡屡处于血肉模糊的状态,吴宇森还酷爱用慢镜表现身体与脸庞受攻击后扭曲的细微运动姿态。可以说,《英雄本色》整部电影的情感几乎都处在宣泄的状态,吴宇森曾说斯科塞斯是“他长期的偶像”,从这一点来看,二人是完全一致。不过在处理情节方面,二人却有重大根本的不同。我们对于一部以歌唱为主的戏曲片,可以忽略其情节的含糊不合理,因为巨大的假定性本是戏曲片成立的前提。但《英雄本色》毕竟是一部在1986年公映的现代警匪动作片,如果我们完全忽视情节的不合理之处,是否对电影的要求太低?《英雄本色》“为文而造情”的后果是留下了犹如马蜂窝一般密集的剧情漏洞。
宋子豪不论身姿谈吐行为,都不像是黑帮社团的大佬。犯罪团伙和黑帮团伙可不完全是一回事。即便是后来阿成上位后,影片对于香港黑帮的表现也过于浮夸,这当然是那个年代香港电影的通病(讽刺的是,香港黑帮社团后来反而开始模仿影片中人物的打扮)。一直到杜琪峰的黑帮片出现,香港电影的黑帮影像才提升到一个新的具有丰富意涵的层次。
前文说道的对比手法,太多缺乏合理性。mark哥腿瘸之后,为何非要给阿成打下手?打的下手也不过是擦车这种最低级的工作。更进一步说,mark哥一直说三年来一直等一个机会,可是这与给阿成打下手有何必然因果关系么?阿成为何又要设计陷害杰仔还要开枪打伤他?他的目的难道不是要利用他为自己的罪行开脱么?阿成继而还痛殴mark哥,此又是异常壮观的暴力场景,慢镜头表现器官喷血,可是这又有何必要?看不出来痛殴mark哥有何目的。仅仅是为了表现阿成的恶,或者是mark哥的不堪,那就纯粹还是为了宣泄而宣泄。一些细部的情节处理更是自我矛盾。阿成派人砸出租车行。宋子豪劝大家不要动手,一动手就又便回罪犯了。结果劝完他人,他自己却反而大打出手,车行老板又用同样的话劝了宋子豪一遍。这简直是哭笑不得的滑稽场面。杰仔拿到了犯罪证据电脑光盘,并不想着立刻上交,严重缺乏基本的职业训练。宋子豪把电脑光盘交给了杰仔后,却又莫名地告诉了他自己要和阿成决战的地点。如果为弟弟着想,这不纯粹画蛇添足?影片的第一场暴力戏,即父亲被杀,就显得过于夸张。杀手居然头撞破玻璃,脸部被滚烫热水烫,身体被刀插入,还有能量反扑,实在不可思议。这场面也只能理解为暴力的渲染。声音部分最不可忍的是主题曲《当年情》(曲风亦是偏向悲苦),几十遍地反复放,在视主题曲重要性很高的八九十年代的香港影坛,也很少有这种播放密度。
表演方面对于苦情戏的一大助力来自宋子豪的扮演者狄龙。本就是张彻大弟子的狄龙,表演方法是最典型不过的戏曲风,这当然同其长期浸淫在邵氏武侠片中的经验脱不了干系。狄龙的巅峰是在上世纪六、七十年代,随着邵氏的没落,狄龙的星途也渐渐不振。在出演《英雄本色》之前,狄龙已经告别巨星地位。《英雄本色》让狄龙重回大众视线。在《英雄本色》中,吴宇森重用狄龙,出演了宋子豪这一角色。他在整部电影中的表演方式,想必是与影片整体的苦情戏风格所要求的。苦情戏很容易导致演员的表演风格导向戏曲风,戏曲风便是程式性、写意性、象征性、假定性、舞台性。演员更多的是要塑造所扮演的角色类型共通的一面,即符号化的一面,而不是演员自我迥异于其他演员的个性化一面。放大一点说,这是早期中国电影演员表演最严重的一个问题,即便是在《小城之春》这样的所谓经典之作中,也存在着这一问题。戏曲演员所在的舞台空间与电影演员所在的银幕空间有着本质的区别,不加调整的原样复制,效果必然走样,也必然为现代观众所淘汰。好莱坞电影与日本电影在有声电影诞生之初就解决了这一问题。周润发与张国荣在本片中的表演风格便与狄龙完全不一致,二人虽扮演角色的性格大相径庭,却都能做到相对真实化的自然流露。《英雄本色》让狄龙人气大热,但之后他的星途并未有本质改观。倒是狄龙当年的黄金搭档姜大卫,在继承了邵氏风格的TVB电视荧屏上,至少保持住了表演生命。
《英雄本色》最令人矛盾之处,是影片用了最现代的美式镜头语言(如波德维尔所总结),叙事形式却是最陈腐的“影戏”传统之苦情戏模式,强调的母题是家庭破碎后的重建、手足之情的修复以及朋友情义的张扬,大体不脱宣扬忠孝节义的传统儒家伦理内涵。问题在于罔顾剧情基本逻辑的一味渲染儒家之道,一味的宣泄暴力情感,这当真算是超越时代的经典之作么?
因为收视率破了OCN的记录,这部剧勾起了我的兴趣。
漫画改编,中二热血动漫风,导演的分镜构图感觉都在还原漫画,比较浮夸的风格。
一条主线配上现在应该有七八条支线,抓鬼+政治破案。一天看一集就很健康了,多看一集脑子会累得难受,信息太多。
因为收视率破了OCN的记录,这部剧勾起了我的兴趣。
漫画改编,中二热血动漫风,导演的分镜构图感觉都在还原漫画,比较浮夸的风格。
一条主线配上现在应该有七八条支线,抓鬼+政治破案。一天看一集就很健康了,多看一集脑子会累得难受,信息太多。
剧情中规中矩,套路比较容易被猜出来,非常俗套,就时常有 “2020年了这种梗还流行吗?还搞笑吗?” 的疑惑,但看到第八集是觉得还行能打7.5分的程度。
第九集之后开始觉得鸡肋,演员的演技风格很浮夸,融的大片大片死亡白色场景看到眼睛疼,维根和检察官的妆容很难看,这两点必须要吐槽。
第十一集又破收视记录了,结果一看就这就这?都是些狗血煽情的剧情,千篇一律。
第十二集的bug:什么时候准备的装着矿泉水瓶的行李箱?这么短时间怎么调包的行李箱?还有取走酒杯验dna…唉……无力吐槽
第十三集,个人觉得池清臣有点ooc了。想洗白吧,你后边又让他黑回去了?小孩也是,工具人一个。
抓鬼吧,恶鬼打不过,政治吧,就是去现场无脑破坏,无脑爽剧吧只能说,越看越不耐烦就停了一段时间。
最后两集隔了一个月看的,还行,好好收尾了。最后一集广告打得太明显难怪会被骂。
很吸引小朋友的观看,能让小朋友收获到更多的海洋生物知识,都知道小孩子算是家中的核心,一般家庭都会宠着孩子,所以,制作能吸引小孩子的电影是一个很不错的选择,海底小纵队在我所了解的是既有动画片又有电影,大大提高了知名度,剧中的人物个人魅力都很强烈,十分吸引小朋友的目光,想剧中的呱唧,很幽默风趣,皮医生就十分善良,巴克队长就是十分的有责任感等等这些剧中人物就极具感染力,很能让小朋友在欢声笑语中体会
很吸引小朋友的观看,能让小朋友收获到更多的海洋生物知识,都知道小孩子算是家中的核心,一般家庭都会宠着孩子,所以,制作能吸引小孩子的电影是一个很不错的选择,海底小纵队在我所了解的是既有动画片又有电影,大大提高了知名度,剧中的人物个人魅力都很强烈,十分吸引小朋友的目光,想剧中的呱唧,很幽默风趣,皮医生就十分善良,巴克队长就是十分的有责任感等等这些剧中人物就极具感染力,很能让小朋友在欢声笑语中体会到负责任的重要以及对人的行为,而且这部电影也能让小朋友感受到学习和知道其他不同的东西是多么的有趣
从没想过这么大年纪了还爱看这种甜甜的剧。
原来,是它甜的很真,很自然,甜甜地吸引了我,就像个黑洞。
剧情:没有槽点,新颖的剧情,让人忍不住想看故事的发展,节奏不拖沓,过渡进展自然顺利。
演员:演技在线,成功被圈了
从没想过这么大年纪了还爱看这种甜甜的剧。
原来,是它甜的很真,很自然,甜甜地吸引了我,就像个黑洞。
剧情:没有槽点,新颖的剧情,让人忍不住想看故事的发展,节奏不拖沓,过渡进展自然顺利。
演员:演技在线,成功被圈了
音乐:首首好听,对我这个同样爱音乐的人来说,绝对的双杀
服装场景等:很好,又勾起了我想拍古装照的心~
整体来讲,导演及剧组将有限的预算花在了刀刃上,将完美呈现给了爱剧人,感谢!
剧里的名场面很多,印象最深的是八王爷救美浴中的曲小檀那段,离场时衣服飘起来的镜头,很美~
如果真的有什么缺点的话,就是没有做大制作的预算,有些场面比较单薄,排面小,也没办法吧,
比如曲檀儿上吊那段,镜心的台词是”下人们站成了一排。。。“ 实际上也应该是这样的,但是,没有其它人。。。
尽管如此,仍然不妨碍它对我的黑洞效果,从此,到目前为止,我的电视剧名单基本就被邢昭林和梁洁的戏承包了。(其它的戏继续评)
这部剧让我知道了很多出色的年轻人和老前辈,包括网络人气作家、歌手、演员、导演。。。
年轻有为,未来可期~
邢昭林、梁洁,加油!期待你们的更多好戏~
Mark:21年12月才看的这个第一部,百刷不厌!
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片头三个犯罪少年因汽车抛锚而被翔太(三少年之一)带去一间空屋(杂货店)分赃,他们分赃的时候从铁帘中捡到鱼店音乐人的信。音乐人因家中变故而回到家中,父亲的病以及父亲弟弟的说教令他对自己的选择产生怀疑,于是他向杂货店解忧,得到“店主”(三少年)否定的答复和父亲的病故后,他一度选择继承鱼店。但他的内心是不服的,他回到杂货店门口,吹奏自编的歌曲,来自未来的三少年对此一致好评。在父亲的劝阻和“店主”肯
片头三个犯罪少年因汽车抛锚而被翔太(三少年之一)带去一间空屋(杂货店)分赃,他们分赃的时候从铁帘中捡到鱼店音乐人的信。音乐人因家中变故而回到家中,父亲的病以及父亲弟弟的说教令他对自己的选择产生怀疑,于是他向杂货店解忧,得到“店主”(三少年)否定的答复和父亲的病故后,他一度选择继承鱼店。但他的内心是不服的,他回到杂货店门口,吹奏自编的歌曲,来自未来的三少年对此一致好评。在父亲的劝阻和“店主”肯定的回复后,他又重拾自己的梦想,但是他在孤儿园演出留宿时,为了救小芹的弟弟而被大火埋没。小芹也收到了音乐人的影响,懂得珍惜每一条生命,长大后成为了歌星。
音乐人对梦想的追求,绿河怀上有妇之夫的孩子后的抉择,因家庭困难而烦恼做不做情妇的二十岁小职员……电影中的故事都是我们身边经常发生的事,这部电影描写的不仅仅是故事,还有我们的内心追求。日本人拍的电影都很有人情味,自然影片中的故事更加令人印象深刻。
三少年在回复了几封信后,也看开了,敦也无意中寄给店主的白纸也得到了“人生是一张白纸……”的鼓励,对自己的人生道路有更加深刻的认识。片尾可以看见他们三人从事梦想的职业。
尽管人生有很多曲折,但是我们都要选择心中的道路,“只要留下了痕迹,那么打败仗也没有关系”。
《神探大战》总体来说依然是典型的韦家辉风格,但似乎又产生了很多变化。能强烈地感受到,韦家辉这次将电影制作各个环节的按钮,都扭到了max、推到了最高处。癫狂,是看完的第一观感,人物癫狂,故事癫狂,其中的意味也癫狂。
往年间,韦家辉、杜琪峯和他们的银河映像,但凡涉及警匪犯罪类型题材,决不会走四平八稳中规中矩的路子,
《神探大战》总体来说依然是典型的韦家辉风格,但似乎又产生了很多变化。能强烈地感受到,韦家辉这次将电影制作各个环节的按钮,都扭到了max、推到了最高处。癫狂,是看完的第一观感,人物癫狂,故事癫狂,其中的意味也癫狂。
往年间,韦家辉、杜琪峯和他们的银河映像,但凡涉及警匪犯罪类型题材,决不会走四平八稳中规中矩的路子,一定要在某些地方剑走偏锋,癫、邪、怪、奇、新、妙,我们尽可以找到许多这样的字眼来给这些作品加上标签。尤其是韦家辉主要操刀的电影,更加具有癫狂怪诞非理性的趣味,比如《大只佬》、《神探》,他的电影中多怪人(甚至是畸人),因为怪人的非理性、神秘性、不可操控性所能引发的戏剧冲突,远远超乎正常角色,也更能让他发挥天马行空的、随兴而来的视听创造能力。
他极为热衷于探索人物内心原始本能的善恶冲突与欲望纠结,而了不起的是,他又非常擅长将这种内心世界的争斗,以视听的方式加以呈现,变成独特的电影语言:《神探》中“人人都有鬼”,神探可以看到每个人内心深处的真实多重人格,具象成鲜明的人物形象,再加上怪人主角非理性的幻想与妄想不断以画面呈现,整体上就钩织成一个真假难辨、幻相幢幢的世界,而他又擅长在一些小细节、小道具上下功夫,不是丢枪就是换枪,不是一串数字就是几句格言,总有一种将事态不断复杂化的冲动,于是给电影增加更多的叙事层次,加大剧情密度。从《神探》到《神探大战》,都是这样不断加码与复杂化的构思逻辑。
但不同于其他烧脑型犯罪推理类型片的是,韦家辉的重点似乎又不是烧脑,叙事层次多、剧情密度大,只是为了表达出一种耐人寻味的世界观:理性并非总是有效的,冷静并非总是有效的,善良的本性也并非总是有效的,很多时候,非理性的疯狂、天赋的直觉、邪恶的灵魂面相才是解决问题的钥匙。邪恶,也可以抵达善良,黑暗,也可以抵达光明,而天赋,残酷的是,经常只有天赋才能触摸到真相——《神探大战》呈现出来的不仅是热闹的“大战”,还是对这种世界观更深入的挖掘和探索。
相比于韦氏其他的作品,我倒是觉得《神探大战》更加世俗了,癫狂加码,世俗也加码。角色之间毫不考虑弹夹容量的无节制对射,让人想起最浪漫时的吴宇森,撼天动地的花样爆破戏,让人想起陈木胜,印象中,我们从来没见过这样阵仗浩荡的韦家辉。我们印象中的银河映像,就没打过这么富裕的仗——韦家辉似乎也不追求那种用最直接粗暴的手段刺激视听的大场面,他更愿意往“怪巧”的方向走,把重点放在对人物内心世界的挖掘。这次大为不同,我想,导演大概也不仅仅是为了追求感官的刺激,大概还有另一层考虑,便是将火爆至极的、令人应接不暇的冲击力场面,与人物内心的爆裂状态,形成一种内与外的呼应。
我们都知道刘青云的表演多么出色,这部电影中的李俊这个人物一直在嘶吼,情绪基本上都是燃烧的状态,甚至肢体也总是在大幅度运动,整个人物给人一种极为不安定的、疯狂的观感,面对危险的爆炸与枪林弹雨,他毫无畏惧的感觉,自然因为他憨、癫、狂,但或许也因为他时时刻刻在内心中正经历着这样的场面。
将一些元素加码、扩充、增强,并不是风格集成,而是风格极端,我很喜欢韦家辉电影中对“善恶”这一俗套大主题别有新意的探讨。他的电影不管如何复杂,一件小事如何引发越来越严重的失控、不可琢磨的谜团,但内核上基本都是人性之善恶争斗、欲望之挣扎。《神探大战》里那么多案子,一会儿黑帮杀人一会儿渔夫烹人,一会儿屠夫一会儿魔警,以一种快节奏的叙事互相穿插,疑点层层析出,颇有种间不容发的感觉,难免会让观众看得辛苦。可迷云渐渐散开,依旧是人的问题,是善和恶的问题。以私刑惩处逃过司法公义的恶行,是善还是恶?
其实这个主题并不新鲜,多是往爽片的方向走,为了正义杀无赦,给观众以暴力的爽烈刺激,韦家辉却是往疯魔的方向走,所谓“与怪物搏斗,最终也成为怪物”、“凝视深渊,深渊也回以凝视”。往疯魔的方向走,不断增加剧情密度,提高叙事节奏,难免会导致剧情在一些逻辑衔接点上不太牢固,过于异想天开了,这是韦家辉电影里常有的小瑕疵。不过他的电影不能过于较真,真正吸引人的也不是多么巧妙的逻辑推理,而是那种非理性的黑暗气质(常浮现出动人的温情与浪漫)和独树一格的人物塑造。
《神探》中,刘青云饰演的陈桂彬最后在镜阵里,用枪指着林家栋饰演的“魔警”高志伟,也陷入纠结:开枪还是不开?开了,和别人有什么分别?刹那间,他说,我为什么要和别人有差别?于是,他开了枪,杀死高志伟,主持了正义。《神探大战》最后,他面对最邪恶的魔警方礼信的儿子,同样陷入纠结,要不要杀死这个婴儿为女儿报仇,最终,他选择了善,他的疯魔到底有个善的底子。“善恶乃一念之间”的人性谜题,是导演特别喜欢讨论的。最疯魔的,可能是善,最正常的,可能是恶。善恶无明显的分野,难以分辨,疯魔的李俊和正常的方礼信,差点调换了罪恶的身份。
——在《神探大战》中,韦家辉彻底消解了神探的权威与正义,任何神圣化都会导致危险,而对天赋的依赖也难免会发生差错,“神探”的名号已经变得有些可耻与黑化了,韦家辉将神探还原成了人探,就像电影最后李俊在警局里所说,查案只是要尽心尽力而已,说起来,这也是一种世俗化了。