clit2014, jan 2, 晚交了20天，我再也不想上gender studies了我要吐了，写这篇paper不知道经历了多少mental breakdown

Women’s Experience Matters: Redefining Feminist Cinema through Claire’s Camera

As Laura Mulvey points out in “Visual Pleasure and Narrative Cinema”, traditional narrative cinema largely relies upon the practice of a gendered “gaze”, specifically, male’s unconscious objectification of female as erotic spectacle from which visual pleasure is derived. Her account draws attention to the prevailing feminist-unfriendly phenomena in contemporary cinema, one that resides in the language of patriarchy, privileging man’s experience while making woman the passive object deprived of autonomy. Many feminist filmmakers and theorists including Mulvey herself urge a radical strategy that dismantles patriarchal practice and frees woman from the state of being suppressed by the male-centered cinematic language.To conceptualize a mode of cinema that speakswoman’s language, or authentic feminist cinema, this essay interrogates the validity of Mulvey’s destruction approach in pursuing a feminist aesthetic. By making reference to Hong Sang-soo’s film, Claire’s Camera, I argue that feminist cinema needs to be redefined by neither the immediate rejection of gender hierarchy nor the postmodern notion of fluidity, but by perspectives that transcend the gendered metanarrative of subject vs. object, and that primarily represent and serve woman’s experience on both sides of the Camera.

Earlier waves of feminism strived to call attention to, if not, eliminate the unbalanced power relation between men and women in the society, namely the dichotomy between domination and submission, superiority and inferiority, and self and other (Lauretis 115). Feminists such as Mary Wollstonecraft and Simone de Beauvoir radically interrogated women’s rights in the political arena as well as women’s relative position to men in the society at large. However, the approaches of the earlier waves cannot prove themselves sufficient in pursuit of a female autonomy, owing to the fact that they are constantly caught in the power-oriented metalanguage which inherently privileges one over another. While it is argued that the objectification of the “second sex” is oppressive in nature, for example, the assertion already marks the subject-object dynamics between men and women by default. It fails to propose non-power based gender narratives, while obliquely acknowledging that the language spoken in this context is inevitably characterized by phallocentric symbols, ones that prioritize self over other, subject over object, male over female. In thisregard, rather than rendering a perspective that exposes and dismantles patriarchy, the outcome of earlier feminist approaches inclines towards “replicating male ideology” (Mackinnon 59), reifying the omnipresence of the patriarchal language and reproducing the effects of patriarchy.

A similar notion applies to defining feminist cinema. In terms of visual representation, feminist idealists encourage women to present their bodily spectacles, inviting interpretations free of erotic objectification. Despite the favorable receptions from the sex-positive side of the discourse, it is indiscernible as to whether these attempts truly free women from the dome of sex-negativism or reinforce the effect of the patriarchal language even more. This polarized debate, I believe, is due to the fact that the discourse is held captive by the language of patriarchy too powerful for one to extricate from, and that any rebellious gesture would appear to be an insufficient, passive rejection of the predominant ideology. To illustrate this point, Lauretis notes that Mulvey’s and other avant-garde filmmakers’ conceptualization of women’s cinema often associates with the prefix of “de-” with regards to “the destruction… of the very thing to be represented, …the deaestheticization of the female body, the desexualization of violence, the deoedipalization of narrative, and so forth” (175). The “de-” act does not necessarily configure a new set of attributes for feminist representation, but merely displays a negative reaction to a preexisting entity. It is important to be skeptical of its effectiveness in defining feminist cinema, as it implies certain extent of negotiation instead of spot-on confrontation with the previous value. A destructive feminist cinema can never provide a distinctive set of aesthetic attributes without having to seek to problematize and obscure the reality of a patriarchal cinema. In that regard, it is passive, dependent and depressed. More importantly, the question – how the destruction of visual and narrative pleasure immediately benefits women within the narrative and directly addresses female spectators – remains unanswered.

TakingClaire’s Cameraas an example, the film destructs the notion of a gendered visual pleasure by presenting the camera as a reinvented gazing apparatus, one that differs from the gendered gaze, and instead brings novel perception into being. Normally, when characters are being photographed, mainstream filmmakers tend to introduce a viewpoint in alignment with the photographer’s position, enabling spectator’s identification; that is, the shot usually shifts to a first-person perspective so that spectators identify with the photographer gazing at the object who is in front of the camera. Claire’s Camera, however, abandons this first-person perspective while generating new meanings of the gaze. Claire ambiguously explains to So and Yanghye the abstract idea that taking photographs of people changes the photographer’s perception of the photographed object, and that the object is not the same person before their photograph was taken. The spectacle, although objectifiable in nature, is not so passive as being the object constructed upon, but rather constructs new signification upon the subject. The notion of the gaze is therefore re-presented with alternative insights.

That being said, as I argued earlier, the destructive approach is not so sufficient an attempt at defining feminist cinema, because the way it functions nevertheless indulges feminist ideology in the role of passivity, deprived of autonomy and always a discourse dependent on and relative to the prepotency of patriarchy. In the conversation scene between So and Manhee, So, who is almost the age of Manhee’s father, criticizes her for wearing revealing shorts and heavy makeup. In a typically phallocentric manner, he insists that she has insulted her beautiful face and soul by self-sexualizing and turning into men’s erotic object. Despite the fact that the preceding scenes have no intention to eroticize the female body or sexualize her acts such that the visual pleasure is deliberately unfulfilled and almost completely excluded from the diegesis, So inevitably finds Manhee’s physical features provocative and without a second thought, naturally assumes that her bodily spectacle primarily serves man’s interest. This scene demonstrates that regardless of feminists’ radical destruction of visual pleasure, practitioners of patriarchal beliefs will not be affected at all; if any, the femininity enunciation only intensifies the social effects of patriarchy. The conversation between the two characters embodies the self-reflexive style of Hong Sang-soo’s filmmaking, in a sense that it fosters debates within the theoretical framework upon which it is constructed, and constantly counters itself in search of a deeper meaning, contemplating questions such as do we believe in what we practice, whether it is patriarchy or its opposite? And is anti-patriarchy feminism determined enough to prove itself a destructive force against patriarchy rather than a sub-deviant of a predominant ideology? The scene proves the drawback of a destructive strategy, that the way it operates nonetheless subscribes to a patriarchal manner, and that in order to escape the secondary position with respect to the phallocentric subject, more needs to be done other than problematizing the subject.

To supplement the insufficiency of destruction, postmodern feminists such as Judith Butler proposes theoretical alternative to approach the discourse. Butler argues that gender is performative and fluid instead of a set of essential attributes. The notion of performativity indeed precludes the social effects of essentialism by introducing the idea of an identity continuum into gender politics, in ways that empower the socially perceived non-normative. On top of that, Butler believes that the categorization of sex “maintain[s] reproductive sexuality as a compulsory order”, and that the category of woman is an exclusive and oppressive “material violence” (17). Acknowledging the harms that essentialist perception of gender and sexuality entails, Butler bluntly negates the very categorization of woman. This radical negation, however, evades the reality that our whole understanding of the human race is based on gender categories, despite the corresponding inequalities generated from the instinctual categorization. In fact, it is when women as a collective community have come to the realization that the female gender is socially suppressed, that they start to strive for equality through the apparatus of feminism. Butler’s rejection of the gender categorization withdraws the sense of collectivism in the feminist community, which is “an important source of unity” for the marginalized (Digeser 668). Moreover, it deprives the feminist cinema of the necessity of delineating an authentic female representation, because within the notion of performativity there is no such thing as a fixed set of female representations but only distinctive individuals that conform to gender fluidity. Since identifying with a certain form of representation means to live up to a socially perceived norm from which one deviates, a performative cinema does not encourage spectator’s identification. The failed identification will not only drastically shift the spectator’s self-understanding but also cause more identity crises. Therefore, performativity is too ideal a theoretical concept to have actual real-life applications.

Whether it is her body or her social function, woman has become the commodity of patriarchy. As Lauretis puts it, “she is the economic machine that reproduces the human species, and she is the Mother, an equivalent more universal than money, the most abstract measure ever invented by patriarchal ideology” (158). Woman’s experience has been portrayed in the cinematic realm nothing more than being the (m)other and the provocative body. Historical debates have proved that articulating the problematic tendencies within gender differences only results in skepticism rather than new solutions. Thus, in order to negotiate a feminist cinema, filmmakers need to abandon the patriarchal meta-language completely, and reconstruct new texts that represent and treasure woman’s experience more than just being the other, that “[address] its spectator as a woman, regardless of the gender of the viewers” (Lauretis 161).

Similarly, what needs to be done in feminist cinema is more than just interrogating the gender difference between woman and man, but interpreting such difference in unconventional ways that liberate women from being compared to men and invite them to possibilities of having narratives dedicated to themselves. One of the ways, Lauretis suggests, is to regard woman as the site of differences (168). This signifies that the cinema needs to stop generalizing woman’s role based on her universal functions; rather, it needs to articulate her unique features, what makes her herself but not other women, from the way she looks to the trivial details of her daily life. In Claire’s Camera, the function of the camera conveniently transcends the diegetic space. In the narrative, it demarcatesthe “site of differences”, that is, how someone changes right after their photograph is taken, as well as how Manhee is presented differently each of the three times being photographed. The camera also magnifies her experience as a woman for spectator’s identification, mundane as it could be. In the last scene, the camera smoothly tracks Manhee organizing her belongings, packing box after box, casually talking to a colleague passing by, and so forth. Long takes like this fulfill what Lauretis would call “the ‘pre-aesthetic’ [that] isaestheticrather than aestheticized” in feminist cinema (159). Without commodifying or fetishizing woman and her acts, the film authentically represents a woman’s vision, her perception, her routines, and all the insignificant daily events which female spectators can immediately relate to. When a film no longer solely portrays woman as the “economic machine” that labors, entices men, and commits to social roles, it has confidently overwritten the patriarchal narrative with a female language. It fully addresses its spectator as a woman, appreciating and celebrating the female sex, not for what she does as a woman but for what she experiences.

In conclusion, the essay first challenges the destructive approach in feminist cinema regarding its sufficiency in pursuit of woman’s autonomy and its indestructible destiny to fall back into patriarchy. The essay then argues that the rejection of gender categorization in performativity theory frustrates the mission of defining a female representation. Hong Sang-soo’s self-reflexive film, Claire’s Camera, offers an apparatus to delve into the drawbacks of destructive feminist cinema and simultaneously renders a new feminist code, abandoning the patriarchal metanarrative and constructing a new narrative that truly prioritizes woman’s experience.

Works Cited

Butler, Judith. “Contingent Foundations: Feminist and the Questions of ‘Postmodernism.’”Feminists Theorize the Political, edited by Judith Butler and Joan W. Scott, Routledge, 1992, pp. 3–21.

Digeser, Peter. “Performativity Trouble: Postmodern Feminism and Essential Subjects.” Political Research Quarterly, vol. 47, no. 3, 1994, pp. 655-673.

Lauretis, Teresa de. “Aesthetic and Feminist Theory: Rethinking Women's Cinema.”New German Critique, no. 34, 1985, pp. 154–175.

Lauretis, Teresa de. “Eccentric Subjects: Feminist Theory and Historical Consciousness.”Feminist Studies, vol. 16, no. 1, 1990, pp. 115–150.

Mackinnon, Catherine A. “Desire and Power.”Feminism Unmodified: Discourses on Life and Law, Harvard University Press, 1987, pp. 46–62.

Mulvey, Laura. “Visual Pleasure and Narrative Cinema.”The Norton Anthology and Theory and Criticism, edited by Vincent B Leitch, W. W. Norton, 2001, pp. 2181–2192.

首先瑶妹的配音真的完全不自然，居然是瑶妹自己配的。有种自说自话装可爱的感觉，尤其是有时候笑容定格，配上哈哈，真的很尬。虽然漫改会夸张，但是不光人物夸张，整个设定和场景氛围相互配合的，只是人物，只是显得不正常和做作。瑶妹这部剧表演痕迹挺重的，其实整部剧的人说话都不自然，就是全员升调，和演员表演情绪对不上，脱离演员，配音演员在自己表演剧本的感觉。

再说剧情，虽然漫画会夸张，但人物不是分裂啊，基本逻辑也是在的，拿花样少男少女举例，典型少女漫。为了让女主女扮男装合理，直接把女主设定在国外。入学流程什么都很现实。再退一步，不按现实来，也要剧里逻辑能自恰。女主考花滑文化差了一分落榜，然后去打了一场比赛就被冰球部录取了。??????，录取还双标的么，女主也不是借用弟弟的身份，改个名字啥都搞定了。为了让女主去上学，让女主家房子烧了，还特别牵强说这学校是女主妈母校，是梦想。如果一定要去这个学校，不考虑应聘个工作啥的。而且房子这点后面自行打脸，不是没钱租房子。租房子剧情也很没有现实感，正常流程至少是签完约，看完房再搬家，女主接了个电话，直接把钱给交了。然后拖着行李箱到房子楼下等中介带她去入住。女主设定是少女家长。这智商是怎么过日子的。男主发现女主性别，打算告诉老师，女主突然出现说有男主把柄，拿出了男主舅舅的学生证，说男主是偷来六叶家里不知道。要告诉学校让男主退学，先不说女主福尔摩斯本斯了，学生证从照片到名字都是舅舅，是怎么仅从他俩认识推理到男主偷上学的。就说男主堂堂正正上的六叶，也没冒名顶替。这是能告学校的事么。这些不是少女漫能掩盖的，就是本身质量不行，剧情粗糙。

人物全员工具人，这学校再一次太儿戏，没有他们上课的镜头，全部老师好像就那一个教练。迟到开除，训练不合格开除，考试不合格开除。咱国家队教练也没有这权力吧，感情都是说来就来，想要友情，他们就团结一心互相帮助，想要爱情，男主就一次次英雄救美。全员工具人。

再来台词，女主被男主陷害，以为是男生进女厕所被一群女生围攻，女主把头套摘了，女生道歉。女主台词如下。多亏本锦鲤冰雪聪明逢凶化吉，要不就被那个混蛋害死了。这都挨的上么，不是很普通一件事么。之后什么盛世白莲花，大猪蹄子。台词很多网络用语。两种表现形式混杂的感觉很奇怪。

最后想说一说融梗，这部剧剧情各种割裂的原因还是在于剧本，花样少男少女+冰糖炖雪梨+好运罗曼史+初次见面我爱你。花样简直不要太明显，男二已经确定兄弟身份，莫名其妙对身为男生的女主动心了。写到这我知道应该打几分了。ps居然有人夸配乐，??????我真笑了，夸没可夸了。配乐一定程度上反应角色心境的，知道男主脸盲难过的时候播的是什么，爱情主题曲。粗制滥造的一部剧。

小甜剧爱好者不请自来~最近居家，这剧就给安排上了

刚开始看到设定就隐隐约约get到是什么剧情了，毕竟生活习惯的反差真的让人泳有好奇！

边吃饭边追了八集，剧情节奏倒是够快，内容紧凑、没有特意延长的拖沓感，二三十分钟这种不注水的风格狠狠给个好评，还有全集直接抛的操作哈哈哈哈哈，看到的时候我人都傻了，求求多点这种豪放派吧。

当然，故事看下来，还挺能激发我讨论欲的......

腼腆奶狗邂逅社牛少女，忍不住高呼年下恋才是坠D的，我爱看，我愿意上钩！性格和生活的差异让两个人坐稳了“冤家”的标签，啥啥都不对付，怎么做都不太合拍的样子。一通魔幻对线后不得不绑定在一起的感觉，有了“先同居后恋爱”的劲儿，然后糖就自然来了，不用细品，是递到你嘴边的泡泡糖，一边胡扯一边快乐的那种。

赵解放跟姑妈的故事线也算挺讨喜的，毕竟洪班长自带喜剧感，那个热心肠的老父亲，偶尔也会展现一下男人至死是少年的真实写照，用热情宠坏姑妈的小脾气小情绪哈哈哈哈，中年爱情也很好磕。

最让我意外的，是这剧对大学生活的描述，悔意瞬间就涌上心头！为什么我上大学那会儿没好好进个社团呢？不管是赵多多的创业社，还是杨一杉的电影社，还有那种抽空来个唱歌跳舞趴的，好热闹啊！！我当年到底在干嘛啊！！明明学习也不忙，好像天天宿舍躺平等室友带饭了......九命（也许我当年加了个社团，早就脱单了吧）

看完再来补

“The Wire,” Simon often says, is a show about how cont

emporary American society—and, particularly, “raw, unencumbered capitalism”—devalues human beings.( Stealing Life - The crusader behind “The Wire.”, The New Yorker, 22/10/2007）

Thre Wire如何偉大，也不用我多說。能歷久不衰，全因它探討的中心命題在今天仍困擾我們。表面上它是一齣警匪片，但看畢後便發現它是巴爾的摩（Baltimore）乃至現代社會的解剖圖（Anatomy）。在現代社會中，人們成為了巨大社會機器下的一環，每個人都受制於巨大社會結構的壓力，個體的價值被忽視和埋沒。首刷後便愛上了，故寫下一些筆記，以期找到志同道合的朋友。

The Wire每一季都則重於不同的階層，第一季集中於警察和黑幫分子的角力，以及在整個社會結構下的爭扎。

支離破碎的美國夢

如果說自由是美國夢的核心，導演David Simon在劇集的開場時便狠批了美國夢一番。片首是警探Jimmy McNulty在調查一名叫SnotBoogie的小混混被殺一案。雖然此案與後來的故事無關，卻為劇集的主題定調。當中他與一名小混混的對話非常的耐人尋味。

【详细】

9774863

今天是秋蝉播出的第6天，第10集。我是男主粉，本来每天最重要的事情就是欣赏美男子叶冲的西装秀和制服秀，为哥哥的演技疯狂尖叫吹彩虹屁，在屏幕前呐喊“冲哥喂我我能把碗都吃了”“我能吞下一个弹夹的子弹”，拿着爱的号码牌排着队等待刺杀叶冲然后住进他的大豪宅听他弹钢琴。但秋蝉超出我的想象了。我竟然看出了新鲜感。一是时代背景复杂，陷落后的香港各方势力聚集，还有国际力量的加入。二是几位主演身份设定有趣。首先男主是我党卧底，还是日方的高干子弟，背后可倚靠的力量是天皇，这种特殊身份导致上司佐藤和他之间有一种微妙的关系平衡，佐藤并非全然信任他却也不敢得罪，只能试探着甚至有时还要赔笑脸。女主是因为杀兄之仇而对男主怀恨在心的女学生。男主目前最重要的两个队友，一个是同被义父收养的义兄，一个是商界大佬。三是这谍战剧一来就把“谁是卧底”这个最大的悬念揭示了。甚至第一集下线了三个队友，男主直接陷入孤立无援的境地，这往后演什么？怎么演？四是很美。画面的构图和光影太漂亮了，光线明暗的变化让我很服气，服装也非常精致考究。而这部剧带给我新鲜感的独特之处，恰恰就是这部剧饱受争议的地方，主要集中在对前几集的质疑。我想以我理解的视角来为秋蝉洗刷一些冤屈。与时代背景相关的质疑是：一来就直接下线了三个，他们智商都不在线吗？/冲着老戏骨来看，结果一集都死完了？/死的人多不代表剧情紧凑，节奏快也很空洞。为什么一下子死光了？因为时局动荡，香港沦陷，日方抓紧时间清除地下党，佐藤给叶冲说檀香死了的时候用的词语是“老朋友”，说明已经有过很长一段时间的拉锯战，而给观众呈现的是最终的结果，呈现出来的是主人公秋蝉来到香岛时的悲惨情况。张涵予老师扮演的檀香，留给自己的最后一颗子弹，在剧的一开始就奠定了气氛基调，他是秋蝉在革命道路上的引路人，也是组织里的关键人物，在后面会经常出现在回忆中。鱼鹰交代的是情报站被炸毁、几乎全员牺牲的惨况，何刚的牺牲则激励池城扛起了集结香岛地下人员的重任。他们的牺牲绝对是有意义的，是故事背景的铺垫，绝非为了牺牲而牺牲。与主演身份设定相关的质疑是：他打死线人、三番五次救何樱，这么明显的暴露，日本人都还没发现。男主老是苦大仇深的/男主的表情太明显了，就明明白白写着“我是卧底”/男主表情和（上一角色名）一模一样，毫无改变。一来就打死线人是没有办法的选择，他不知道这个线人交代了多少、还知道多少，以后是否会继续被利用迫害更多同志，因此线人必须死，讲究的是他如何死。叶冲用小石头攻击线人，制造出线人想要攻击将军的动作，然后击毙了线人，话语中“只是打死了一个想害将军的中国人”，一个“只”就表现出对中国人的不屑。佐藤也显然认为这个线人并不比表面上安抚讨好叶冲更重要。首先叶冲认为何樱非救不可，他本身极具责任感，她哥哥因他而死，何樱又只是一个普通大学生，如果没有他保护何樱必死无疑，他孤立无援地在香岛，心里只想着能救一个是一个，“放长线钓大鱼”对他来说也是联系上同志的好方法，所以何樱必须要救。第一次救何樱的场景是在狱中，此时叶冲是在救护车被炸之后失踪，引起了日本高层的注意，然后叶冲又突然出现在将军的办公室，而救护车被炸是在将军的默许之下宫本的阴谋，因此将军只想着赶快把叶冲打发掉，何况叶冲还给出“放长线钓大鱼”的理由，此时佐藤做贼心虚自然就满足了叶冲带走何樱的小要求。第二次救何樱是在雨里，虽说给宫本的理由是共产党并没有出现，还要将何樱另作他用，但叶冲自己也知道这次太冒险了，必须再想个办法把救何樱的事情圆过去。所以才有了后来找佐藤拍桌子的事情，也相当于是借用“发现是宫本在刺杀我”的愤怒来掩饰他救了何樱的心虚。在这几次事件里，宫本对叶冲一是嫉妒，迫切想打压他以证明自己的能力，二是天皇并不是直接施压于他，他并不能感受到叶冲背景的威胁，因此他一直没有放过任何一个细节，一直在逐渐加深对叶冲的怀疑，佐藤也没有对叶冲完全放心，派出了士兵在叶冲家里附近“监督”他和何樱，因此在杀人和救人的这几件事里叶冲并没有完全撇得干净，两个日本人都在怀疑他，一个明一个暗罢了。男主的表情问题，首先孤立无援心情肯定是苦大仇深的，但我认为叶冲作为卧底，只在独身一人的时候才苦大仇深，喝酒弹琴都是痛苦的表情，但一旦在人前就又取决于面前的人是谁给相应的表情，比如和宫本主要是轻蔑嘲笑讽刺挖苦，和小庄就是轻松自在甚至孩子气的，平时叶冲基本上处于一个观察的状态里，这就重叠了他日本军官和卧底的身份，这两个身份都需要他保持警惕，时刻细心观察，加上有强大的背景作为庇护，没人会过度解读他的表情。我更不同意说和**（上一角色名）表情的相同的，叶冲情绪明显更为外放和起伏，并且日常有一种矜贵的从容礼貌和克制。与精致服装相关的质疑是：披着谍战剧外皮的偶像剧，服装太精致了，都油头粉面的。“偶像剧”是指为迎合人们内心需求，运用紧凑、浪漫的故事情节，帅气美丽的男女主角为主体进行艺术表演的一种形式。互相拿枪指着对方的头，不浪漫！男主是很帅女主也很美，但长得好看不是错吧，10集了女主在线时间少得令人心疼，说是男女主为主体还不如说是以男主和给池城开车的魏叔为主体！服装精致是因为他们的身份都很体面，日本高级军官、商界大佬、外国间谍、地方帮派、虽然是女学生但是日本高级军官给买衣服的女学生，都是光鲜亮丽的人物，谁会穿得灰头土脸的？但有一说一随身带卷发棒做头发这个我还是比较想吐槽的。最后总结。我有一个观点是一部剧应该是它本身逻辑自洽，剧情要结合人物设定来理解，而对人物的认知又基于剧情，简单来说评判一部剧是否合理，必须要回归剧本身，而不是个人认知的臆断，尤其要克服一些刻板印象。为什么说这部剧总是要粉丝来解读才能够看懂？因为它并不是谍战剧的一般套路，再加上一些该突出的重点没突出，一些交代过于简单导致观众没有记忆点。我承认它有一些细节问题，但我个人觉得整体逻辑框架来说是没有问题的，甚至挺精彩的。一开始就交代出“谁是卧底”真的太冒险了，观众全程是上帝视角，悬念没有那么强烈，就尤其考验剧情的设疑和解答，目前的套路是上一集没讲清楚的下一集就能讲清楚。最后声明。我是男主粉，演员的职责是演戏，无论是剧情、造型、剪辑或是后期选择配音，这都不在演员可控的范围内，演员已经完成了他该完成的部分，接受对演技的合理质疑和善意批评，其他的我都看不见。

恶意刷一星的行为真的不可取

【详细】

125812901

说实话，我是看过评论才来看的这部电影，豆瓣上，这部电影前一半人清一色一颗星，后一半清一色五颗星，完全极端的两种评论，说不清水军在哪一边，所以干脆就去电影院自己看了一遍。

在以前的影评里我写曾经写过：如果一部电影的问题属于整体走向的大毛病，小逻辑问题基本上没有的话，那么电影会显得顺畅，看起来不会让人觉得特别难受；但反过来，如果一部电影的问题属于大逻辑上没毛病，小逻辑问题一堆，那这部电影从头到尾看下来都会让人觉得非常不舒服。

很遗憾，对于我来说《夜魔奇案》这部电影就属于上述两种情况中的后者。

这部电影的背景设定或者说逻辑设计上其实是没毛病的：

一个伪善的银行家收养了两个孩子，分别是养子杨帆和仆人阿征，两个人从小一起长大并且感情很好，后来又分别喜欢上了银行家所资助一家孤儿院里的两个女孩子静雯和苏菲，只是杨帆与静雯是互相喜欢，阿征暗恋的苏菲心里却偷偷喜欢着杨帆。

同时，银行家也看上了苏菲的美貌并玷污了她，虽说被杨帆撞破却还是得逞了，而在这种打击之下，苏菲也终于在阿征深情表白说一点也不介意的情况下接受了他。只是没想到银行家有生育问题，苏菲却在跟阿征偷尝禁果后怀孕产女，暴怒的银行家在得知以后逼问苏菲孩子的父亲是谁并强迫其对修女撒谎说孩子的父亲是杨帆。

没想到这段谎言却正好被想要私下帮助苏菲逃走的苏菲的好友，也就是静雯听到了，在银行家想要摔死女婴的关键时刻，静雯从背后敲晕了银行家并带着朋友逃出了孤儿院。只是结果意外发生，在静雯追问苏菲孩子的父亲到底是不是杨帆时，慌张之下苏菲掉落悬崖，虽然被静雯抓住了手，却在把孩子拜托给静雯以后还是掉了下去。

此时孩子真正的父亲，也就是阿征赶到，悲愤地指责是静雯害死了苏菲并将静雯打晕，想要跳崖与苏菲殉情，杨帆接着赶到，本想抓住好友的手把他拉上来，却被阿征拒绝。

阿征虽然跳崖却未死，他找到了苏菲的尸身，为其换上婚纱后合补了结婚照，又手刃了银行家；同一天日军轰炸上海，阿征被燃起的大火所毁容；而以为阿征已死的杨帆在给自己立碑假死以后，带着失忆的静雯和苏菲与阿征的女儿远走南洋，想要开始新的生活（这三件事都是同一天里发生的）。

六年后，杨帆改名高远洋与静雯结婚，因为静雯一直没恢复以前的记忆，高远洋就骗她说她从小在南洋长大，并定期给静雯服药以防她想起前事精神再受刺激，樱子——阿征与苏菲的女儿被高远洋当成自己的亲生女儿抚养，而静雯也一直以为樱子就是自己亲生的孩子。

高远洋接到海外华侨组织颁布给他的任务，回到上海寻找当年银行家想要出走美国前提取出的一百万美金，用于抗日战争的前线资助，这笔巨款在银行家遇害身亡以后就下落不明（外界一直以为银行家是在日军轰炸上海时被炸死的）。

为了伪装身份不引人怀疑，高远洋带着静雯和樱子回到上海，住进了自己曾经养父，也就是银行家从前的房子，并在上海联络到了自己的接头人。

此时上海出现了一个头戴面具，身披黑色斗篷，只在夜晚出没，骑马杀人的神秘人物，坊间给他起了个称号：夜魔人。

经过一系列的调查取证，高远洋与他的接头人终于找到了一百万美金的藏身所在，同时静雯也在各种事件的刺激下渐渐回想起了遗忘的过去。

找到装钱的皮箱后，高远洋的接头人临场反水，并暴露了自己实际上是在为日本人做事的事实；在他和手下即将杀死高远洋之际，又被螳螂捕蝉黄雀在后的巡捕房刘探长及其上司率领的巡捕们所击毙，接着刘探长枪杀了自己的上司想独吞百万美金，打开箱子却发现是一箱子白条；高远洋提醒刘探长箱子会有别的线索，在找到新线索后推断出百万美金的真正藏匿位置应该是当年被火烧毁的孤儿院圣母像里，此时夜魔人突然出现，将刘探长和其手下全部杀死，高远洋则指出了夜魔人真正的身份——阿征。

阿征是复仇而来，他一直杀死的都是孤儿院相关人员，修女和护工——是他们当初从苏菲手里亲手抢走了孩子并将苏菲关了起来；与苏菲一起被收养的几个女孩——是她们对修女告密才导致苏菲未婚产子被发现。阿征将高远洋关在假藏宝地点的底下洞窟之中，一番探索以后，高远洋发现洞窟竟然直通自家房子的浴室，及时救下了差点被阿若杀死的静雯（阿若是当初被孤儿院收养的最小的女孩，也是她救了当初被大火烧伤的阿征，是阿征的帮凶）。

一番解释，高远洋与静雯解开心结，可是樱子却被阿征带走了。

阿若告诉两人阿征想带樱子跳崖，与苏菲在地下团聚，高远洋及时赶到，却劝说不果，眼睁睁看着阿征带樱子跳下悬崖，幸好阿征临时反悔，把樱子推上崖顶后自己坠崖而死。

最后樱子告诉父亲在摔碎的泥娃娃里找到了一颗蓝宝石，原来这才是银行家百万美金的真正所在，高远洋、庄静雯和樱子终于可以继续幸福的生活下去。

整体上看这是一个比较俗套的剧情套路，可是如果能安排好各种细节的话，就算评分上不了五星按理四星也是没问题的，关键就在于导演和编剧对剧情的处理太差了。

电影过程之中的各种小问题就不说了，很多事情前因后果都交代不清，剧情转换生硬，前后逻辑不通，整部电影光注重情节上的反转，却没有做好反转之间的铺垫，其实如果把很多小细节处理好了整部电影会好上很多。

演员表演很卖力，演技也是有的，女主角散着头发的时候很像林心如，男主角看上去有点像周杰。可以说电影之所以观感不佳主要是各种大的、小的问题太多了，基本上几分钟就会出现一个或几个，吐槽都吐不过来，整体看下来效果就变得很差。

另外，这部电影其实真的不用走恐怖片路线的，那些最后解释不通的装鬼剧情完全可以删掉，我觉得如果电影单纯只是营造出一种恐怖氛围，黑夜、墓地、杀人什么的，女鬼、鬼影不出现或少出现一些反而效果会更好。

给电影打两颗星，一颗给演员，一颗给还算可以的故事背景。

最后说一下自己看完还记得的各种问题，也就是吐槽：

1.片头就有一对夫妻在火车站被夜魔人追上杀死，虽说是大晚上的坐火车，火车站一个人没有也说不过去吧？

2.我是不知道夜魔人杀人的那种抓手有多锋利，但是杀人镜头和尸体伤口的处理方式真的让我感觉不到那个兵器很锋利，也没办法理解抓一下就死是什么情况；其实就算真的很锋利，抓一下就死什么的也太夸张了。

3.从孤儿院的合影看，护工一共有五人，片头的这对夫妻，还有之后死的三个单身男人，搞不明白夜魔人杀人杀的全是孤儿院的相关人员，这对夫妻从人数上算明明是第一个死的，却是早就听说过夜魔人的“大名”，那前面夜魔人杀的谁啊？名声传这么大怎么也得杀好几个吧？所以说导演你应该当初多找几个群演啊，放合照里就说的通了。

4.还是片头的那对夫妻，磨磨唧唧都到车站了，旁边就是火车不先上车不说还要站火车边上吵架，吵架也就算了听见有奇怪的声音不赶紧跑还站那等，等看见夜魔人过来了才跑，不能不说：不作不死。

5.还是片头夫妻被杀死那段，很明显的有一段配音跟字幕不同步，这种基本上电影就不该犯的问题也出现了。

6.其实我不太明白为什么阿征一直没死却直到六年以后才开始复仇，按理说这个是讲不通的，因为这样集中杀人很容易大家的目光就都集中到孤儿院上去了，对阿征一点好处也没有，唯一的好处可能就是给男女主角提供线索了；如果是我，就让阿征在这六年里陆续杀人，等高远洋回国，孤儿院的相关人员基本上都死光了。

7.所谓一百万美金的宝藏也是个悖论，因为银行家突然身死才出现了有不为人知的藏宝地点，但是那么严谨、还设置了好多道谜题的藏宝地点却按理根本不应存在，谁会在自己还活着的时候留下一堆藏宝线索给别人？按照电影的背景，银行家是临出国才取的钱，也没有时间布置宝藏，更何况把宝藏藏在自己的墓室？？？这明显不可能是银行家自己藏的，只可能要么宝藏根本就是假的，要么就是除了银行家以外的第二人，在银行家死后藏起来的，但是这样问题又来了，如果宝藏是真的，这个人为什么不自己把钱拿走？还要设置谜题让别人来找呢？当然电影里解释的是阿征就是靠这个把高远洋引回来，阿征就是想复仇，根本不要钱，但是电影里的人不应该“知道”啊，整部电影却没有一个剧中人怀疑过这一点。

8.同样说不通的还有立碑，杨帆的墓碑是他自己立的，银行家有墓碑也不奇怪，毕竟是个名人，就算阿征没给他立碑也会有别人给他立的，可是阿征的墓碑出现就太奇怪了。一个仆人，唯一的朋友杨帆还假死远渡南洋了，有谁还会给他立碑？后面高远洋把阿征的墓地刨开找线索，所以明显这块墓碑，包括里面埋的尸体高远洋都不知道具体情况，那么还有谁会这样好心为一个仆人立碑？何况阿征当初跳崖只有杨帆一个人知道，现在却突然出现了第二个知情人，还给阿征收了尸，这根本就说不通。阿征墓碑上竟然有藏宝密码信息更是不该出现，因为如果真的存在这么一个第二人，那么这个人既知道银行家宝藏的所在，还自己不拿，反而设下一些列线索让别人找到；知道阿征最后怎么死的，专门把尸体弄回来，给他立了个碑，并且在阿征一个下人的墓碑上留下线索（按理说要留也应该留在杨帆的墓碑上），这本身就很奇怪。也就是说高远洋在当初一看到阿征的墓碑时本就应该有所怀疑进而想到恐怕阿征没死，电影里却是他直到刨开阿征的坟墓，发现尸体不对时才发现的这个情况，导演为了“合理”还安排了一个尸体手骨有新伤的细节，其实是没有必要的。

9.静雯带着苏菲逃出孤儿院，跑着跑着就到悬崖了，正常人看见悬崖都应该离远点吧，这俩倒好，在悬崖边上就争执起来了，一个退一个推还没人发现到悬崖边上马上就要掉下去，这也太不正常了吧？而且苏菲不告诉银行家孩子父亲是谁还说的过去，保护阿征安全嘛，不然银行家一气之下把阿征杀了怎么办，可是不告诉静雯又是什么情况？自己的好闺蜜听说自己和她男朋友生了个孩子谁都得问啊，苏菲把真相告诉静雯又怎么了？

10.挺奇怪的，阿征作为夜魔人在上海大肆杀害孤儿院相关人员，活着的那几个早就意识到自己很危险，但是除了片头的那对夫妻，竟然没一个觉得不对收拾东西跑路的？唯一打算跑路的李莎跟韩丽还一定得晚上收拾东西，不能白天收拾完了白天跑吗？夜魔人白天又不会出来，而且一旦出了上海其实就安全了啊。

11.不知道为什么六年前阿征还只是想殉情自杀，杀了银行家也能理解，想杀静雯也说的通，可是六年以后却所有的相关人员都想杀了？最关键的，他为什么想杀杨帆呢？明明苏菲死去这整件事如果说真有一个无辜人员，那就是杨帆了，毕竟他是真的什么也没做，阿征跳崖的时候还好心想救他，怎么六年以后阿征就把杨帆也恨上了？

12.孤儿院被烧毁，抢救出来的资料放在资助孤儿院的银行家家里本没问题，可房子都易主了，资料还不拿走，甚至把放资料的屋子锁起来？这个就太不正常了吧？新主人问起来没几个能像电影里一样一点不介意还不管的吧？感觉完全就就是为了让男女主角找线索方便才这么做的，其实真的不用这样，换成资料放在被烧毁的孤儿院废墟里不是更容易营造气氛吗？

13.我记得电影最初静雯刚刚住进银行家房子里的时候，出来迎接的佣人除了王妈还有两个小丫鬟？但是后面这两个丫鬟就再也没有出现过了，属于BUG之一，而且那么大一个房子，就王妈一个佣人也很明显不可能。

14.巡捕房的刘探长第一次在电影里的出场跟个孙子似的，再出现就摇身一变成推理一流的侦探范了，这转换的也太莫名了，我觉得根据电影剧情的需要，完全可以让他一出场就作为上司手下能干的干将形象出现。

15.不是我说，那个在画框后面的保险柜真不至于那么破，就算是被火烧过还放了六年也不至于；而且画框好好的，保险柜一副被烧的面目全非的样子？难道说画框是金刚石仿木制品做的？

16.阿征半夜放在樱子床边的明明是一只纯黑色的小狗，樱子却给狗起名字叫花花？？？

17.静雯不顾樱子的意愿强制把小狗扔掉，樱子马上就很激动的喊你不是我妈妈……虽然明白这是电影想暗示观众她们不是真的亲母女，但是这段台词安排的真的是……太牵强了。

18.高远洋让静雯吃药，却被静雯把碗给摔了的那个镜头，很明显碗里一滴水都没有，地上一点没湿，穿帮的太厉害，麻烦拍的时候用心点。

19.静雯跟踪高远洋去墓地，跟的那么近没被发现不说，进了墓地地上全是树叶，走路还一点声音都没有……

20.阿征扮夜魔人追杀静雯那一段，两人离得那么近，按理说阿征骑着马两步就能追上，可是电影里却怎么追也追不上，明明距离很近了，换个方向距离又远了，这几个镜头处理的真的不行，要么两个人距离一开始就拉大点，要么这段追击的镜头少一点，话说静雯你去找李莎，车不停门口停离大门八丈远的地方是为神马？

21.还是阿征扮夜魔人追杀静雯那一段，静雯上了汽车以后，大马路上汽车竟然还没有马跑得快？不知道是我不了解那个年代的汽车还是本身这段剧情经不起推敲，也许那时候汽车发动机不行真的不如马跑得快？？？

22.韩丽和修女的死说不通，她们俩都是死前看到了苏菲的鬼魂，但是其实并没有鬼，那她们是怎么死的？就算是阿若扮鬼吧，韩丽死的时候油灯被风吹灭，电灯突然没电，大门让韩丽守着，阿若突然凭空就出现在屋子里了怎么可能呢？韩丽还在大白天看见过苏菲，这又算什么？修女明明眼睛都失明了，临死还能看见苏菲被吓一跳更不合理了（话说修女一直住在被烧毁的孤儿院，夜魔人竟然不先杀她？韩丽一直知道修女在哪，也不找修女查明真相，果然是为了给女主留下线索再死吗？）。

23.韩丽临时前的一声大喊，静雯开车都走了很远了，竟然还表现出一副听到了的样子？？？

24.孤儿院被烧毁，说是废墟但是一点也不像废墟，除了没有灯……

25.如果我没记错，王妈是静雯六年后重新回到上海以后才接触到的下人，莫名其妙就突然变成静雯心腹了，静雯打电话回去说不要相信先生和司机，王妈问也没问的就照做了，接受状况良好？？？按理说太太突然打电话回家说先生不可信，谁都得问两句吧？还有明明高远洋其实并不是坏人，可是他在档案馆里对静雯的那个态度，还有司机在家手里拿着枪找王妈那个状态真不像是好人……

26.按理说阿征和阿若只是想要复仇，搞不明白为什么还要杀掉司机和王妈，因为这两个人也是和孤儿院完全无关的；杀死司机还能理解，怕被阻止带走樱子嘛，可是樱子都已经被带走了，阿若为什么还要杀了王妈呢？

27.阿征在地下洞窟里杀死了刘探长和巡捕们，可是这些人跟上面的司机和王妈一样，其实并不是当年孤儿院相关人员，要说阿征这么做是想救高远洋，他又明明对高远洋又杀心，还把高远洋关在地下洞窟里；要说不是为了救高远洋，又解释不通他杀那些人的原因，毕竟阿征可不像是那种有闲心惩恶扬善的人。

28.高远洋被阿征关在地下洞窟里，探索中发现洞窟直通自家浴室，电影里就是爬着爬着突然就到浴室里了，这个设定……你就算是抬起一块地砖发现上面是浴室都好啊，地上连个洞都没有突然就到浴室里了这什么情况？穿越？？？

29.不知道阿若是怎么杀人的？看她拿着一个针筒，就姑且默认她是用毒药之类的杀人，可是王妈被她杀死以后，拖到楼上一路的地面上流了好多血，有些太夸张了，再说静雯找到的王妈的尸体上可是一点血都没有。

30.前面阿若还特坚定要杀静雯呢，也很坚定要帮阿征，结果后面别人问了两句就把樱子的去向全给说了……

31.阿征拉着樱子想要跳崖，结果樱子不愿意，咬了阿征一口就趁机跑掉了……这段阿征可真是一点也不像前面杀谁谁死，面对枪林弹雨还能毫发无伤的夜魔人——这个设定也够让人吐槽的，前面巡捕们怎么围攻夜魔人，阿征都能毫发无伤，完全视枪林弹雨如无物，这穿的绝对是防弹衣吧？？？话说那匹马也穿了隐形防弹衣吧？人没事，马也没事。

32.电影里出现过好多次，明明看着人影在前面，突然人就跑到了后面，看着是吓人一跳，实际上这样的镜头并没有什么意义，因为本来就没有鬼，这样安排最后解释不通的都属于BUG。

33.电影结尾部分给樱子安排的台词实在是有些问题，一会儿为了高远洋的安全说承认阿征是自己父亲还愿意跟他一起跳崖，一会儿又说原谅阿征，希望他能不死……真的不像是一个小孩能说出来的话，而且剧情的转接也太生硬了。

34.结尾阿征抱着樱子跳崖，过了一会儿竟然又攀着悬崖爬上来了简直不科学，还不如设定成跳崖前被高远洋劝说成功，把樱子放下自己独自跳崖呢。

像我上面说的这些问题，有很多都是只要稍微多上一两个镜头或者稍微改一下台词就能修正的，所以感觉真的很可惜。

这届观众真心难带：和你讲特效时你和我讲剧情，和你讲剧情时你和我讲特效。

不是，咱能不能别这么双标，为什么明明bug也很明显的所谓欧美大片就因为特效好，很明显评分基本是3分起跳的，但到了国产剧这里就又变得如此“公平公正”，一群“专家”似的观众一会儿挑剧情一会儿挑特效的，“爱之深恨之切”？过分了吧，明显有在努力的不给予一定的肯定，鼓励鼓励，让认真做事的人如何在本就已经够多“乌烟瘴气”的天朝娱乐圈里看到希望？这么有诚意把钱花在做特效的戏，选角剧情也没有敷衍了事，居然连个及格都捞不到，太不应该了，私以为，这剧的评分至少应该6.0，如果多些人和我一样打分有鼓励一下的意思，6.1-6.2也是应该有的。

中肯地讲，这剧3分是比较合适的，虽然演员都不是什么知名的，但至少选角时导演没有应付，颜值也算可以，虽然是新人，也能看出有在努力演，所以总体有70分，而且剧组这样选角，显然是为了给特效制作多些经费，事实也证明了效果比天朝剧里一堆的“5毛”特效好了不知多少倍，这评分实在是寒心呐。

各位“双标”观众能不能扪心自问一下：你当初看变形金刚主要是为了剧情？你看黑客帝国主要是为了剧情？你看漫威的电影主要是为了剧情？诚然，这剧的特效有进步，但和以上3个例子的特效比还是有距离，但我想说的重点是：评分时能不能一碗水端平，如果不能，只是欧美片就3分起跳，彩虹屁一堆后再飘飘然地吐下槽，那这片凭什么又突然要“公平公正”，个个变身判官，不能2分起跳，再加一星鼓励，给个3分？上面说的几个例子，剧情后来都有崩的，就举一个比较典型的：黑客帝国的特效确实是翘楚，可是我至今都无法释怀男主最后复活的理由：一个前90%的被吹得天花乱坠的拥有救世之力的男主，死了后居然是被女主一个吻给亲活的，我?!#@!$#%$#^%，敢情高能了这么多分钟，正期待男主以什么高能方式复活呢，他就像“白雪公主”“睡美人”一样给亲醒了，然后找他的人一直没法激发他的救世之力，结果一个吻就开挂了！这都什么和什么呀, 就凭这点，这戏现在的评分就有虚高成分了，还有其它剧，比如“奥创帝国”哪演的叫什么玩意，结果评分呢？有真实反映这戏肉眼可见的Shi吗？在这里的各位“判官”观众，为什么一到欧美剧就集体“失明”，有再大的Bug也是一堆彩虹屁？

看多了垃圾得不能再垃圾的天朝电影，相比之下，其实这剧的亮点算多的了：

1. 用了心做的特效；

2. 选角也中规中矩；

3. 剧情虽然有硬伤，但总体没有尬得看不下去，当然，第1部比第2部略逊色，可能因为是前传，总之第2集苍龙觉醒的剧情比第1部有进步，比如还加了些小笑料，最好玩的就是玲儿的官方吐槽法师为什么要炼丹，直接脱了法衣就好了呀这里，真的是和我想的一样，哈哈哈，创作组有心了；

4. 玲儿和唐总的爱情，挺感人的，至少我有被感动到，不过插个题外话，张演员real惨，哈哈哈，第1部演“无谋”时我就觉得这位看着不像是关闯那种一看就会很快下线的“领盒饭”脸呀，结果还真的就比关闯迟了一下下下线了，好吧，在我都已经接受了这个设定时，第2部竟然又回归了，而且为了区分，硬生生地把前部的“无谋”换成了另一位，哈哈哈哈，不过没关系，唐总更好，只是他一出场我还以为设定是“无谋”的孪生兄弟，所以才会怪萧震害了他兄弟结下了梁子，我至今相信编剧有这样构思过，只是可能后来加了爱情戏+为了突出虐，就改了，因为如果他用神行千里去拿鼎就没法替玲儿挡剑而死了。现在这样，坦白说从剧情冲突来说确实更好，只是一想到同一位演员又惨死一回，就令人有点又心酸又有些好笑，哈哈哈，而且我最爱的是HE，唉，这对是真虐，编剧怎么就让唐总死了呢，能不能让他挡了一阵重伤后玲儿实在放不下就出手护他了，所以最后的大招看起来就不那么有威力了，然后结尾唐总伤好，带着隐监和加入了隐监的玲儿一起和明监镇魔，这结局多好啊，我本来还期待第3季不仅看玲儿和唐总秀恩爱，还有萧总与唐妹夫之间的相爱相杀呢，哈哈哈。

5. 爱情线都挺完整的，原著我没看过，不知道有无还原，不过看剧也觉得这剧爱情应该不是重点，所以我觉得在电影这短短100来分钟，3对CP的感情线都交代了缘由挺OK的了，不明白为什么非要分什么主次，这剧就是群演戏，没什么突出的主角啊。

6. 武打场面也拍出了感觉。

美式探案剧集的经典套路了，强大的男主加一众科技辅助，嘴炮探案，十年前这个套路受欢迎。

看这个剧就会联想到lie to me，csi，cm等经典探案剧集，黄金年代不再，眼看着cm季终，似乎再也拍不出这样优秀的类型剧了，真的可惜。

这部剧的节奏还是很快的，基本上一集一个案子，穿插主线。人物塑造不够立体，除了男女主，感觉别的角色都是工具人。案件比较老套，科技查蛛丝马迹然后男主凭借对纽约的了解定位置。实在无聊就看看吧。

1，先说下结局吧，因为真的在意料之外了，撒旦放过了神父一行人，转而附身了看直播的人类，以此毁灭人间，除非世上有大量的驱魔师，毕竟看直播那么多人……

2，很好的揭露了人性，现在这个世界，那些直播卖假货的，那些网红各种欺骗观众，那些营销号各种恰烂钱，连官媒都阴阳怪气带节奏了，人类活在了一个虚假的世界中，片中的神父正式如此，他欺骗了无数人。

3，不过他还真是个神父，但是有主见（类似于喝酒吃肉的花和尚？），本来以为他不信仰上帝遭报应，但并不是，上帝可不会让那个老女人折磨两个孩子（毕竟老外宗教信仰自由），恶魔给他的阴影使他走上了骗子生涯。

4，开始是讲人要诚实的，后面慢慢偏离了这个主题，反而更有看头了，当江湖骗子恰流量啊，偷情啊，这些事情社会里常有，他也都坦白了，就这样完结就俗套了，所以打造成了一部真正的恶魔片。

5，也是被折磨的够惨的，都有电锯惊魂的味道了，先是傻不拉几的相信恶魔会遵守诺言，然后明知道恶魔在玩弄你们，恶魔会继续骗你们，但你们也没办法啊，恶魔有超自然能力，你们只是凡人啊，都有点看着压抑了。

6，最后干掉了亚蒙，以为要结束了，正义战胜了邪恶，然后最精彩的开始了，是邪恶赢了。

7，豆瓣文艺青年真的很歧视恐怖片啊，假如把恶魔换成人，一个去揭露网红骗术的人，最后神父坦白了，由看直播的观众来决定神父的命运，这样豆瓣评分就爆炸了。但是这样，意料之中啊，有点老套啊这种题材，但是文艺青年爱啊。

8，恶魔现身了，观众都看到恶魔真身了，不再是像鬼片套路那样旁观者清当局者迷，就是那个人以为自己在用刀刺恶魔结果用路人视角，他是在刺自己。所以，恶魔现身那幕真的爽。

9，很多电影，题材差不多，不新鲜，意料之中，但这片，却都相反，很新鲜的题材，反套路而行之，都有点悬疑成分了，反正挺好看的，恐怖气氛也有，剧情不俗，很新鲜，直播的方式也是与时俱进，讽刺现实里那些网红什么的，揭露人性什么的，都有。

10，看的时候，我在想，这是撒旦化身上帝了啊，撒旦不是喜欢坏人么，巴不得大家都去干坏事，怎么开始教育人类要诚实，开始惩罚骗子了，这撒旦是人格分裂啊，后来才明白，恶魔是在享受快乐，就是不杀死你们，慢慢折磨你们，而且目标才不仅仅是你们。恶魔和神父他们一样，要人气，要流量，要观众数量越来越多，让更多人看到恶魔战胜上帝的仆人神父，最后让那么多的观众全部恶魔化，让人间变成地狱。牛逼啊，这片恶魔是主角吧。

如果用一句话来描述网剧《酋长的男人》，我想说这是一部饱含现代先进思想的爱情电视剧。其中包含了很多现代的思想和理念，究其原因，导演和编剧应该是想借这部电视剧来影响和影射一些东西。

第一个是女性主义思想。近年来，随着女性意识的逐渐复苏，女性主义意识也随之不断壮大。女性主义是指一个主要以女性经验为来源与动机的社会理论与政治运动。这一点在《酋长的男人》中女主人公星月身上体现的淋漓尽致。作为一个女性，她在部落中拥有着绝对的权力，有着无可替代的作用。可以说星月就是“女性主义”的代言人。可这样一个有着“统治”地位的女人到了现实社会却显得格格不入接连碰壁。理想很丰满现实很骨感，虽然女性意识在近代以来有所觉醒，但是相对来说男女地位还是处于一个不平衡的状态。导演和编剧可能是想通过星月这样一个的女性形象，为现代女性制造一个高光的形象模板，引发社会对于女性主义意识的思考和感悟。

第二个是环保思想。绿水青山就是金山银山。随着社会的不断进步，处于现代社会的人们都具有较强环保意识。《酋长的男人》中除了男女主的爱情线之外，还有一条叙事主线，是围绕宝石矿脉展开的。最后结局是星河部落里的星星石矿脉由政府接管，禁止在探明储量之前进行大量开采，保护星河部落的美好生态。这是导演和编剧对于现实生态环境的一种美好祝愿和期望，也是对于人们保护环境的一场呼吁和倡议。男女主的爱情线在最后也得以实现，原本属于原始部落的星月，生活步入正轨，还能出去做自己喜欢的志愿者工作，一切归于平凡。

国人素来喜欢大团圆结局，《酋长的男人》的结尾，很好的满足了观众们的胃口。但其中的教化意义，也很耐人寻味，

（本文首发于公众号【韩剧天使】 欢迎联系授权转载）

最近新开的两个坑《LUCA》 、《西西弗斯》都看的挺烧脑的！

给大家换换口味，看点不用动脑的~

万众瞩目的《顶楼》第二季终于开播了！

【详细】

13285399