看这部电影是因为许鞍华？张曼玉？还是那段粤曲《客途秋恨》？
    情不知其所起，一往而深。是的，是什么原因让你遇到它并不重要了，浪漫、戏谑亦或者机缘巧合，都是为最后的情深做注脚。
    这是一部情节缓慢拍摄细腻的电影，很多的长镜头似乎在用光影将时间留驻，好让晓恩可以再回到儿时不必误解母亲，好让母亲有更多的时间纾解心绪，好让爷爷有跟多的时间看到这个国家美好的未来。故事在不断的插叙中解构两代人的情感嫌隙，母女两人的矛盾在儿时埋下，在晓恩回到香港达到高潮。在故乡日本，晓恩开始用一个过客一个路人的身份，傻傻的进入了另一个世界，随之而来的孤独和无助，让她切身的体会到母亲那些年的艰难，她的心结也随之解开。当她看到母亲离去的背影时她也在问自己母亲是否也能纾解，尽管影片没有直接点明，但是提醒工作繁忙的晓恩回去看爷爷奶奶的时候，似乎已经说得很清楚了。
     老弄堂，香港破旧的街道，麻将，以及暗淡的光线，这一切布景的营造，给人一种走在时光机器里的感觉，随着一个个长镜头让观者静静的咀嚼那个时代的味道。浓重的生活气息，深深的敲击着影迷的心。很欣赏那个在落寞中坚守着的葵子，以及她回忆起和丈夫度过的时光所说的那句话—— 愈亲愈远 愈远愈亲。因为太过亲近忽视了应该珍惜的人，因为离开了才会愈发觉得相守的美好，亲人之所以为亲人，那是时间的精心酿就。诚然现代的离愁别绪也很多，但是渐渐取而代之的是放弃而不是坚守，我们是怪自己不能承受深爱的时间洗礼还是不能把持对外界的欲望？
     亲情是最有耐心的，要不然也不会让葵子坚持到丈夫来接她，也不会让晓恩坚持到陪母亲去日本。在这个浮华的时代，看到这样的故事如同倦夜里喝了一杯苦茶，顿时心澄情静，只可惜这似有似无的在爱与不爱之间的纽带，好像只能存在于故事中。
     凉风有信，秋月无边，亏我思娇的情绪好比度日如年。。。。。
  

史蒂芬?金在一九八六年出版《牠》（IT）時，形容這本小說是他目前人生的總和。這部花了四年時間煉就，洋洋過千頁的小說，寫美國緬因州一個虛構的城市德利，潛藏著一隻能自由改變外觀的喫人怪物，垂涎童肉的「牠」每隔二十七年就會為求飽餐而為德利市帶來災難。一九五八年，...  (展开)

这篇影评可能有剧透 转载自S1 作者：[windtrack] 不谈原著 只谈电影 看完电影之后，相比铺天盖地的彩蛋相比，我最大的疑惑不是这电影到底有多少彩蛋，而是一个2025年出生的，活在2045年的小屁孩子，为何会对一个上世纪80年代都谈不上主流的雅达利游戏这么熟练？别说2045年已经有绿洲这么好玩的根本...  (展开)

转载自：[https://www.weidianyuedu.com/content/4217356346251.html] 商纣王和妲己残害了非常之多的忠臣，为何却不敢去杀闻仲呢? 这第1个原因就是因为在朝中这位太师是一位托孤的大臣，并且在当时商纣王的祖父商王文丁上位的那个时期，其实这位太师就已经遵从师命而辅佐过当时...  (展开)

现实社会中，有很多像电影里那般，条件好，工作好，容貌好的大龄剩女，很多时候不是自己愿意剩下来。
当你遇见自己认为对的那个人，你是多么希望自己能和他组建一个家庭，但是，他却离你而去，被深深伤透后，短期内如何再去接受？？？不是不能爱了，是渐渐失去爱的能力了，为了遇到正确 的那个人，所以才剩了下来，并不是自己愿意剩下来。
我姑姑今年43了，没有结婚，因为28岁的时候，与他即将举行婚礼的男人跑了，什么原因？？？公安局要抓他，姑姑等了他好几年，等着等着，看着看着，渐渐地就看透了，失去了爱的能力了。
所以电影情节只是在电影里，现实里，你真的能找到这样的？能遇见这样的？
其实这部电影里，我喜欢的是潘虹~~~~虽然她一直演反派，但是反派中的演技，真的是喜欢她呢。
我就看看不说话。

虽然我是一名中学生，但羊羊们带给我的是永不变的美好回忆：喜羊羊的聪明，美羊羊的娇气，懒羊羊的天真……这些足以对我产生吸引力。 这部动画电影以幽默的形式展现给我们，有足够创意：一个宏大精致的远古奇幻世界。新颖的剧情，全新的故事构架，看点十足！ 《...  (展开)

这篇影评可能有剧透 电影不如预期，这锅请导演丁晟背一下。 说是改编，其实并没有多少创新，并不是宣传所说只保留了原版的人物关系，其实基本情节都没有大变化。 那就不得不说说86版在我这个90后的眼中是什么样子的。86版我是看这部电影之前才看的，老实说，我并不喜欢，剧情不够饱满，故事太过简...  (展开)

《蓝色骨头》是一部不错的电影，无论放在中国还是世界论域，这部电影都可圈可点，是部诚意之作。他的不足之处在于表现形式太过『文艺』，表现形式选择本来不是问题，但在华语电影中的文艺腔被王家卫专权后，其它如此运镜和叙事的电影。文艺就成了原罪。崔健大可避开这种形式，把故事讲的更丰满一点，人物也不要那么脸谱。或者他可以像姜文的《太阳照常升起》一样，全部使用意像表达故事。但也没有，他安排了一把奇特的枪，可以发射子弹，可以拍照片（过去的权力，子弹。和现在的权力，艳照）于是夹在现实和抽象之间，使得这部电影令很多人产生了障碍，表示看不太明白。理解的人，到最后可能会哭。领会到导演的诚意以及努力的埋伏。

话说回来，崔健哪有不诚意的作品呢？我看不到。听不到，中国的明星里，崔健的才华影响力都是最大的，却也最低调。这一点，他和另一个惺惺相惜的大院子弟王朔很像。二人都是那个时代风头无两的人物，又都自愿选择消失在这个众生喧哗的网络时代。崔健和王朔，也是对我影响特别大的两个人。王朔在《无知者无畏》里有一篇谈中国现代文艺的文章，说崔健横空出世，『哑着嗓子一吼，就像天上下刀子，刀刀砍中人麻筋儿』。

时隔十几年，我又重新听崔健，还是这种感觉，热血沸腾，脑子发热，享受的起鸡皮疙瘩。这部电影整体给人种MV的感觉。还是个摇滚MV。他把曾经在歌词里出现的几个故事，意像，融合到这一部电影里。（《蓝色骨头》《迷失的季节》《超越那一天》《城市船夫》等）

它讲述了一个跨越几十年的，两代人的故事。文革时期的父亲母亲的故事，以及『红旗下的蛋』---儿子的故事。但此处有个硬伤，就是这个儿子年纪太轻。另外，崔健在《锵锵三人行》上公开辟了一次谣：他其实不是和林立果住一个大院儿的。年纪也对不上。

据说最早出自他的经纪人酒后戏言，后来越传越真，说崔健小时候和林立果住一个大院儿的，林穿军装抱吉它，听Beatles，完成了崔健对西方音乐的启蒙。

这是不确的传言，崔健是61年生人，林立果45年生人，71年就死了，林立果死时，崔健才10岁。但林立果喜欢摇滚乐是确有其事，我在《Mao, the Unknown story》里看到，林立果不仅喜欢摇滚乐，还团结了一批当时同类的军二代，组织过好几次秘密暗杀毛的活动，这些有为青年大多因为事败而亡，张戎根据访谈和其它佐证材料生动得写出这批人一起听西方音乐看西方电影，举事前饮酒宣誓的场面，当时看的挺感动的。---我们都在感谢蛋炒饭，其实如果林立果成功了。中国可能又是一番景象。

这是题外话，虽然是误传。但崔健表示他小时候的确在大院里见过军装抱吉它听摇滚的大哥哥大姐姐，也在空政文工团见过同性恋。


其实没有时代背景不影响欣赏，那个时代是什么呢？就是强调集体主义，为人民服务，禁欲，禁美。一切美好的，个人的，都是罪大恶极。这部电影里用《蓝色骨头》作为反抗，显得更加个人，只是为童年的委屈，洗脱童年的阴影。其实在表现这个主题上，崔健有一部更宏大的《快让我在雪地上撒点儿野》。

给我点儿肉
给我点儿雪
换掉我的志如钢意如铁
。。。


给我点儿刺激
大夫老爷
给我点儿爱
护士姐姐


快让我哭
快让我笑
快让我在雪地上撒点儿野。

这简直是一代人的心声。其实崔健这半生所有的作品，几乎都在表达着一个主题：脱赤。抹掉红色的记忆。用种种方法。


崔健在访谈中说起军队大院的生活，其实比大家的想象自由的多，摇滚乐，西方毒草书籍，内部参考影片，王朔也是一样，王朔曾说起那个时代偷听邓丽君，感觉太不同了，心慢慢融化。在一个不自由的年代里少有的可以享有部分自由的特权阶级。他们，还有姜文，都觉得童年少年生活挺幸福的。我们可以想象到那种真正的外部世界和一个疯狂中国之间的文化冲击。

这种冲击下，有了崔健的摇滚乐，王朔的『痞子文学』。在我们看来，压制越激烈，反抗就越有力。而直到今天我才忽然意识到，比之普通人的懵然无知，其实对他们而言，是没有压制的。他们表达的力量，来自对自身的困境，来自『天生骄傲』之后的失落与困惑。来自对那个时代的『呕吐』--因为早早醒觉却又无力反抗。

崔健说他一直在战胜自己（这一点我们在他作品里看得出），我觉得在这部电影里，崔健对网络的认识不像某些影评人说的那样低级。他只是用自己的方式做事而已。在访谈里他也重申，网络是什么？就是屁眼。Asshole，只要你受得了肮脏，你就知道这世界吃了什么和缺少什么。你不得不佩服崔健的理解力和概括力。

其实崔健的歌很多都是写给某一类人的励志歌曲--追求智慧和美的人。《蓝色骨头》里他把父亲安排成一个智慧的人，特工，发明间谍手枪，监控高手。把母亲安排成追求美的理想主义者。而在儿子的挣扎与妥协中，集成了母亲的艺术天分以及父亲的智慧（发明病毒）。《蓝色骨头》这首歌阐明了生活的三大要义：事业，健康，爱情。之后又申明了蓝色代表未来、理性和智慧，我觉得崔健是少有的认识到这一点的艺术家。大多艺术家太强调自己的天才和抑郁症了。崔健在很年轻就成名，但他一直都很清醒的分得清艺术成就和商业成就。这种尊重艺术和智慧的人才会老而弥坚。抑郁症们随着时代的流水逝去不见踪影了，留下来的是沙滩上这些坚硬、形状独特的石头。

妈妈，亲切又熟悉的名字，不光是赐予我们生命的挚爱，更是我们从小到大、相濡以沫的至亲；而摇滚，则深受特殊群体的喜爱，以颇为大胆的表现形式、丰富多彩的肢体语言、以及激情洋溢的节奏著称。当妈妈遇上摇滚，两个风马牛不相及的事物结合在一起，将是一种怎样的体验？影片《...  (展开)

这篇影评可能有剧透 两个小时的纪录片，感觉剪辑的主线并不很清晰，像单纯把录像拼起来了一样；但真的很好看，因为Bilie的歌太好听了，听了就不想停下来 看到这样的天才，你都会嫉妒不起来，因为她给出的是你太想要的，真的很好听。 创造的过程好自由啊，真好。她可以自由地展示自己的创作，任何东...  (展开)

《忠烈图》无好片源，录像带画质。

胶片在录像带上呈现模糊，似蒙一层薄雾，没时间概念，统统归为录像带盛行时代。小时候看录像是额外恩典，喜欢那种半自主性——电视是有什么看什么，录像资源虽然也有限，却随时喜好，翻来覆去，前后快慢。夏日晚上，西瓜中间剖开，拿小勺吃，闭了灯，连好录像接头，放进一盘带子，还要倒带，黑屏上先是横纹状的雪花斑点，后来出来电影公司Logo。现在还能嗅到高温时录像机与电视机发出的味道，很新很新的味道，富庶满足。

可能是因为画质问题，给《忠烈图》打了三星，“还行”而已。前松后紧，铺垫固然好，到了后来却匆匆忙忙，本期待更精彩的高潮更出人意料的结局，像是赶末班车，赶是赶上了，到底气喘吁吁全无姿态。配乐太糟心，为了迁就大海的波澜壮阔就得用钢琴？肃杀少了。出的外景都眼熟，海边景色和树林都是香港常见的。去海盗处经过的山石海景可以在《A计划》里见到。

还是老胡出品，前面场景干净利落，棋局做布阵，笛声能接应，亏他想来。几场打斗不花哨，心服口服，恨不得随了伍先生做练家子去，空手夺白刃呐。武术指导是朱元龙，上网查，哎呀呀，就是洪金宝啊！不知为何“朱元龙”三字出现在演员表里也觉扎眼，没细想“怎么没有洪金宝呢”。此片武指不同《侠女》和《大醉侠》，更“过瘾”些，但细致处不如《侠女》和《龙门客栈》，观者（我）只是看，而不会为之心悬。结尾大战时，博多津从天而降猛扎下来，镜头剪切变化，似《侠女》竹林一战徐枫从日月潭一个下来。空翻花样儿多了，这一点来说时代在进步。表现韩英杰轻功了得时，从座位上到伍先生夫妇前，无声无息，吓了我一跳，这才是轻功，不是空翻。

白鹰漂亮，一看不是俗人，当然也不是吃风屙烟的主儿。耍帅的人不帅，酷是骨子里的风骚闷不住往外冒，一个眼神就折服。白鹰在树林中一个特写，胜过邵氏不少大侠棚景里的刀光剑影。

乔宏有运筹帷幄之风范，粗鲁莽撞的外表，却自有一番机敏睿智。他是好领导，可惜不是党员，此人不用，是书记之过也。如果是诸葛之智近乎于妖，恐怕要倒胃口。

刘江还年轻，演王克俭绝了！虽然没多台词，可是模样衣着行为举止，就是大员旁边的亲随。简直想起《天下第一楼》里李大千饰演的王子西。这种角色易不受重视，我却常常要看这些配角来判断一部电影用心否。

看完此片，上纲上线——一伙儿与统治阶级猖狂反抗的强盗在强大的公权力面前其实是不堪一击的。一哄而散，用了点计谋就被一网打尽，博多津的“将计就计”是自杀，还自以为得计。

剧情整体还是合理和紧凑的，就是有些细节不太合理。 主角作为资深警察也太鲁莽了，每次都是直接一对多，而且武器也不带，这不太合理。 这么厉害的犯罪团伙连一把枪都没有，也是怪了。 最后打斗用花瓶碎片、刀鞘让人眼前一亮。 虽然影片有瑕疵，但比一些圈钱烂片还是好多了，能...  (展开)

流媒时代酷儿重启于对就一个美国总统任期前真实奥兰多枪击案的取材再造，这是性少数族群权益疯狂倒车就差集体驱逐出境的四年，是美国历史上单人恐怖袭击最多伤亡针对性少数族群的仇恨暴行，也是对老版暴力毁灭性与悲剧性结局的致敬重生，新角色团和故事也因此聚焦于此处酒吧和...  (展开)

不同时代的英雄们与“白日梦”
——从《叶问》系列看电影对社会心理需求的迎合

弗洛伊德认为，在梦中，我们的过往记忆、创伤刺激、白日经历等残片混合在一起，经过一系列无意识的加工之后，糅杂在一起，使我们在现实生活中无法实现的愿望在梦中得到实现。根据这一理论，我们不难发现，电影，尤其是如今的主流商业电影，与“梦”本身有着非常相似的特征和功能。事实上，早在电影诞生初始，便有人提出了电影就是梦工厂的说法。我们在电影中所观看到的故事，所获得的满足和快感，恰恰来自于我们现实生活中的缺憾和匮乏。通过一两个小时的观影活动，我们的缺憾得以补足，由此心灵得到慰藉，尽管仅仅是个美妙的幻觉。唯一不同的是，与梦的无意识相比，电影是人们有意识的造物，因此，它更加具有逻辑性和完整性，可以说电影是一出美满的“白日梦”。
自从卢米埃尔兄弟拍出第一部电影，短短的百余年间，电影迅速覆盖并取代了许多传统艺术的基本功能和社会位置。成千上万的人义无反顾的钻入电影所编织的“白日梦”中，获得教益，获得日常生活的信念和价值，获得生活的方式与时尚的信息，祈求从心理上逃离日常生活的繁琐与痛苦，遗忘世界的苦难与不公，从而进入正义永远战胜邪恶、爱情永远征服死亡的完美世界。于是，电影院成了跨越种族、国籍和文化的“教堂”，在电光幻影之间，人们进入一种集体的典仪，获得宣泄和抚慰，享受安宁与独处。
然而，大众的心理缺憾和需求，会随着时代的变迁而改变，成功的电影恰恰就是踏准了这样的节拍，适时的送上最符合时代心理的“白日梦”，填补缺憾、满足需求，因而为当时的大众所接受，收获不菲的票房与口碑。《叶问》和《叶问2》这两部从本质上讲并不太出色的影片，就是因为符合了这一规律，造就了成功的典范。《叶问》获得第二十八届香港电影金像奖最佳影片和过亿的票房，以及《叶问2》目前不俗的表现，就是最有力的证明。
纵观香港功夫片历史，几起几落，其每次勃兴，都无不与迎合了当时的社会心理需求有莫大的关系。
【马永贞】
60年代至70年代中上期，是香港制造业的成熟期和现代工业发展的全盛期。那时的香港人大多数都把全副精力用于奔忙事业和拼命挣钱，因此单打独斗经过艰苦卓绝的努力成为大佬的个人英雄形象成为那个时代的宠儿，而为人们炮制一个乌鸡变凤凰的“香港梦”则成为那个时期电影义不容辞的责任。同时，在那个男性占据统治地位的时期，影院的观众也以男性为主，因此，用男性的阳刚来适应占统治地位的男性观众的心理需求的香港功夫电影迎来了一个高潮期,其代表人物有张彻、胡金铨和李小龙。
以张彻的《马永贞》为例，山东小子马永贞独自来到十里洋场的上海打拼，虽然在社会底层做苦力，但因为身怀绝技，逐渐成为上海滩知名人物。有了声名之後的马永贞逐渐迷失了初到上海的本性，开始变得飞扬跋扈，并崛起成为大上海一帮势力。然而，猛虎终归山上丧，他也逃不过人在江湖、利字当头、惨遭厮杀的宿命。
那时的香港已逐渐由传统的农业文明背景下的“集镇”,发展为现代工商业文明的“都市”。它的强烈的世俗化、功利主义的价值观念,影响了功夫电影的价值取向及其发展流变。马永贞不再是老粤语武侠片中老成持重、行侠仗义的君子,而是年轻气盛、快意恩仇的“现代”青年。他的卑微出身和奇迹般的成功，无不令坐在影院里那些正在拼搏的年轻人们欢欣鼓舞，极其有效的预支了他们对于成功的喜悦。同时，对于那些在经济大潮中业已获得利益的人群来说，马永贞后半段的经历，则迎合了他们的迷茫与思考。在经济迅速发展的时期，面对诸多利益诱惑，他们为了自己的目的,为了实现个人的理想抱负,或者干脆说是为了向上爬,而难免以个人的欲望取代了正邪之分、是非之别。在传统与现代、理想与现实、道德与欲望、集体与个人的碰撞之中，这些人难免会产生一种无助的茫然感。马永贞的成功映照了他们的现实，同时马永贞失败也让他们寻求到了一种虚拟的赎罪感，如同在教堂中做礼拜一般一吐为快。人最恐惧的就是未知的不确定感，当电影为他们展示的最终结局出现在眼前时，他们的恐惧随之消失，得到的是一种确定的释然。同时，马永贞的失败也为他们敲响了一记警钟，他们一厢情愿地认为正是因为有了这样的提前警醒，可以让他们有所警觉，最终安然度过，从而内心得到了极大的安慰。
正是因为恰如其分的迎合了时代的需求，《马永贞》获得了极大的成功，将第16届亚洲影展最佳导演、最佳男主角奖收入囊中，同时成为香港电影里程碑级别的巨作，最终启发了一整个时代的香港黑帮电影。“马永贞”这一银幕形象也从此家喻户晓，他身上所具有的个人奋斗、迅速暴富、违背既定规则等等特质，也成了那个时代的标签。
【黄飞鸿】
80年代至90年代初，当年埋头打拼的香港人都已获得了不同的成就，开始走入中产乃至富豪阶层，褪去了当年的青涩和鲁莽，取而代之的是成熟和理性。他们开始关心更加宏大的主题，比如国家、民族等等，加之殖民地文化的影响，使得这样的思考更具复杂性。同时，男性在获得自身成功以后，开始需求感情的慰藉，追求美和浪漫。因为经济独立，很多女性也已不再是男性单纯的附庸，她们走上社会，并且越来越多地涌入影院，成为不可忽视的观众。这个时候，香港的不少功夫片导演便适时地随之转型，在自己的作品中塑造出一个个成功、有产、心怀天下的男性形象，同时为加强女性地位，又为功夫片增加入情感成分，因而大获成功，成为香港功夫电影的又一高潮，其代表人物有袁和平、徐克、成龙、李连杰等。
以徐克版“黄飞鸿”系列为例，黄飞鸿是个成功男士，拥有自己的产业——宝芝林，兼任当地民团教头，与黑旗军的林永福交情颇深，在佛山当地拥有着相当的社会地位，同时，黄飞鸿与十三姨的情感也经营得风生水起。可以说，这样的人物设置，完全符合了当时主流观众的心理需求。
其实以黄飞鸿为主角的电影早已有之，从1949年香港拍摄的第一部《黄飞鸿传上集之鞭风灭烛》开始，如今已经有100余部“黄飞鸿电影”问世。每部电影中的黄飞鸿都有着截然不同的解读，或是个严谨的老人，或是个顽皮的少年，或是个唯唯诺诺的闷瓜，或是个气度不凡的圣人，但无论如何变化，黄飞鸿终归是个武者、侠士。到了90年代初，这种定位发生了根本性的转变，由徐克操刀的六部《黄飞鸿》，将李连杰饰演的黄飞鸿真正推到了“侠”之大者、一代宗师的地位之上。
徐克版“黄飞鸿”秉承了“黄飞鸿电影”的内在精髓，但又完全再造了一个全新的“黄飞鸿”形象，并使之成为经典。相比关德兴版那个行侠仗义的严肃长者，徐克的“黄师傅”则处在青壮年，举手投足间没有了原本那个代表传统父权文化的权威形象，转而以另一种潇洒利落的风姿彰显他的“新一代”王者之风。相比成龙创造的欢乐英雄式的青年黄飞鸿，徐克的“黄师傅”则又多了成熟稳重，时时彰显一代宗师的气质，他是一个不折不扣的儒家之侠，正邪分明、忍而后武。徐克有意突出了黄飞鸿所处的时代背景，在这个内忧外患的社会转型期，黄飞鸿面对时代变化会有思考，面对愚昧落后的民众会有痛苦，面对新科技会有茫然，而面对爱情又会有无措。黄师傅不再是个只会好勇斗狠的青皮，而是一个处在社会变流中愿意思考、企图改变的中产阶级。他不再只是悬壶济世，而是忧怀国家，将原来的修身习武、为民除害提升到中华民族与外国侵略者的民族矛盾及国家存亡的高度之上，多了先天下之忧而忧的厚重感。虽然历史的局限注定他的眼界是狭小的，但他的人格和心境却使他本能地选择一条光明正确的道路，他对责任的承担也许是被动的，但一旦承担了就义无反顾，他也许无法改变社会，但却绝对是一个时代转变的见证者、参与者。徐克版的黄飞鸿揭示了香港与内地之间无法割舍的历史，并深刻地探讨了属于香港人的历史情结以及那个时代人们所期待的人格境界。
徐克版“黄飞鸿”从青年时代转向壮年心态的经历，迎合了香港的社会发展阶段，引起了普罗大众的共鸣，难怪连关德兴本人看后也惊讶得说不出话来。当年仅《黄飞鸿》第一部就狂收3000万港币，荣登年票房前十名，同时还获得了第十一届香港电影金像的最佳导演奖，真可谓是名利双收。新“黄飞鸿”身上所拥有的有产阶级、反思、理性、忧国等标签，成了那个时代香港人的写照。
【叶问】
1997年，香港回归祖国。随着时间的推移，因为政治和经济上的差异所产生疑虑和担忧在逐渐消除，香港人对自己的身份、文化寻求认同的心情则日益迫切。因此，渗透着浓浓乡土、家国的意识，彰显民族精神的电影作品，更能迎合此阶段香港人的心理需求。同时，在全球化的今天，无论香港人还是内地人，均感觉到来自西方政治、经济以及文化上的侵入压力，这样的痛苦也需要一种途径来进行消解。于是，在《叶问》及《叶问2》中，便不再有黄飞鸿那样对义和拳的反思和对中西关系的探究，转而变成了二元化的简单对立，在击倒外来的日本武士和西洋拳手的一刹那，国人集体释放抑郁胸中的苦闷。
在宣扬民族精神，迎合时代背景的同时，电影也在进一步的迎合大众的个体需要。这个时代，集体主义开始让位于个人主义，于是影片便同人们探讨起在一种民族的或更为普遍意义上的正义和个体伦理需求之间发生矛盾和冲突时，个人应该如何选择？在民族危难到来之初，叶问并没有想担当正义，他只想在乱世中保全家人，生存下去。但终究覆巢之下无完卵，叶问被推到了一个历史的也是他个人生命的风口浪尖，他必须用他的功夫，为生存而战，为妻儿而战，为朋友而战。也许观众会将他的行为理解成为人性尊严和民族正义而战，但这都不重要了，叶问已经成为一个英雄。而叶问走上英雄之路的心路历程非常丰满，塑造了一个有血有肉、有个体性情的真人，让他做出既合乎历史也合乎人性的选择。这一刻是一个普通人生命中的光辉一刻，它让我们感受到一种更为接近真实的人性因而感人至深的英雄主义。如果说我们这个时代是缺乏英雄的时代，不如说是缺乏真实可信的英雄的时代，以往的“高大全”形象已经败坏了大家的胃口，使得一个个英雄形象变得那般虚假，因此遭到人们的抛弃。但这并不证明我们不需要英雄，其实人们永远在期待一个英雄的出现。只不过，这个英雄不能再像从前一样从石缝里蹦出来，不是高高在上俯视着我们的神，他首先应该是我们当中的一分子。从这点来看，叶问爱妻、无不良嗜好、整天努力在外扒拉钱养家、并不像惹是生非，怎么看怎么像当代大多数工薪、小白领、小资的生活写照，小人物们忍气吞声、委曲求全，其实并不是无能，而是为了自己对家庭那点小小的责任。明崇祯年间，如果皇帝不搞驿站大精简，如果不裁掉一个叫李自成的小驿卒，那么历史上也决不会有“闯王”这个人物了，所以不要把大家逼急了，没准里面就藏着张问、李问什么的。
马永贞、黄飞鸿、叶问等英雄，与其说是电影工业制造出来的，不如说是不同时代的人们从自己内心中呼唤出来的。电影人只是迎合了时代的需求，将人们渴望的形象以技术手段投射到银幕上，使得这些“白日梦”看起来如此真实可信。当然，制造“白日梦”同时也是个技术活，影片获奖大卖并不一定能证明是你的活儿好，手艺上叶伟信要向张彻和徐克多多学习。


参考文献：
戴锦华 《电影批评》
蔡洪声 《香港电影八十年》
陈墨 《香港武侠电影的发展与衍变》
孙雁冰 《剑啸江湖侠客梦》
陈捷 《叶问：个体伦理、民族正义与历史选择》