原文链接 原文链接原文链接:又甜又悸动的“炎夏之夜”,却糟蹋了“甜茶”的唯美! 初看电影前几分钟,以为是恐怖片,在犹豫着是否看下去的时候,片中母女的争吵场面似曾相识,让我忍不住继续看了下去,就像看到了自己与妈妈的缩影,叛逆、嘴硬着,那或许也是自己的青春吧!片子中的故事都很温情,让人心里忍不住有一股暖流。小庆为母亲捡垃圾,就只是想在妈妈生日的时候送上一支康乃馨;小女孩见妈妈总是因为道路不平摔跤,想着能为妈妈把道路铺平,那是她最大的愿望,这让我感觉人都是善良的,值得信任的, 初看电影前几分钟,以为是恐怖片,在犹豫着是否看下去的时候,片中母女的争吵场面似曾相识,让我忍不住继续看了下去,就像看到了自己与妈妈的缩影,叛逆、嘴硬着,那或许也是自己的青春吧!片子中的故事都很温情,让人心里忍不住有一股暖流。小庆为母亲捡垃圾,就只是想在妈妈生日的时候送上一支康乃馨;小女孩见妈妈总是因为道路不平摔跤,想着能为妈妈把道路铺平,那是她最大的愿望,这让我感觉人都是善良的,值得信任的,对当今我们重新塑造对这个世界的认识尤为重要,可能当今负面效应太多了吧,大家彼此之间总是怀疑着,猜测着…彼此内心都有了屏障,怎么敞开心扉去相信他人呢?这部片子取材算不上新颖,也确实很小众,但仍有着它的发光点,最后一个故事,儿子为患尿毒症的母亲捐肾,毫不犹豫的,大义凛然的去救自己的母亲 虽说燕儿最初对这个举动很反对,可是自己儿子乐乐的话语又让自己所感动,最终同意了老公为母亲捐肾,是爱。父母对孩子的爱是无所保留的,而反射到孩子这里 同样是这样的,这是爱最大的回报吧。当然或许当下的我们仍然叛逆着、继续和父母顶撞,但也希望看过这部电影的人都能内心有所触动,哪怕只克制住自己一次的暴脾气呢,愿我们最后都像结尾母亲与女儿相拥的那样,冰释前嫌,总算懂得她的良苦用心,走向青春的最后阶段——成熟。 今天我写下这篇文章想要聊聊陪伴我结束2018年的最后一部电影——杨弋枢导演的《之子于归》。非常感谢厦门双栖的邀请函,让我有近距离了解厦门艺术电影及其主创的机会!单纯怀着一颗热爱电影的心写了以下文字,不会有太多言语上的矫饰,不会刻意美化影片的内容,只想平和的分享,如果你也关注艺术电影,欢迎留言交流。 今天我写下这篇文章想要聊聊陪伴我结束2018年的最后一部电影——杨弋枢导演的《之子于归》。非常感谢厦门双栖的邀请函,让我有近距离了解厦门艺术电影及其主创的机会!单纯怀着一颗热爱电影的心写了以下文字,不会有太多言语上的矫饰,不会刻意美化影片的内容,只想平和的分享,如果你也关注艺术电影,欢迎留言交流。 【8月29日中午12:55追加更新】啊对对对,你说的都对,我没读过985211我不配看这片,我给这片的评判标准是参照《让子弹飞》的,反正我说不好就是没看懂,就是在发泄情绪,我只配看琼瑶,我让你懂完了,你非要说这不是问题是我推开了,你又举证不出来这些个问题答案在哪,铺垫了什么,反倒搁这赖我没读书,老强盗逻辑了,还搁这拉黑人,反正你win麻了,咱也没必要讲下去了,你开 【8月29日中午12:55追加更新】啊对对对,你说的都对,我没读过985211我不配看这片,我给这片的评判标准是参照《让子弹飞》的,反正我说不好就是没看懂,就是在发泄情绪,我只配看琼瑶,我让你懂完了,你非要说这不是问题是我推开了,你又举证不出来这些个问题答案在哪,铺垫了什么,反倒搁这赖我没读书,老强盗逻辑了,还搁这拉黑人,反正你win麻了,咱也没必要讲下去了,你开心就好,毕竟傻人有傻福。 话说2.5也不低了吧,我可给足宽容了。 看完中字的第三集很多生肉时七零八碎的对话终于看懂了周围逛了一圈发现一堆不知道是不是剧情上头的在逼逼叨的人这剧情有什么问题吗?一会说友情线很突然没有铺垫,一会说男二发癫虐男主,一会让女主男二离开男主,男主和那个同样聋哑的女生在一起之类话说这种剧他的目的性不是很强吗?不就是呼吁关爱残障人士,用爱来包容一切的典型治愈性走向纯爱剧?男二说白了就是以前夹在友情爱情之间,躲在角落暗恋。别人分手了呢,又因 看完中字的第三集很多生肉时七零八碎的对话终于看懂了周围逛了一圈发现一堆不知道是不是剧情上头的在逼逼叨的人这剧情有什么问题吗?一会说友情线很突然没有铺垫,一会说男二发癫虐男主,一会让女主男二离开男主,男主和那个同样聋哑的女生在一起之类话说这种剧他的目的性不是很强吗?不就是呼吁关爱残障人士,用爱来包容一切的典型治愈性走向纯爱剧?男二说白了就是以前夹在友情爱情之间,躲在角落暗恋。别人分手了呢,又因为自己暗喜而受到道德感的谴责然后又放下。现在在一起了发现当年的朋友原来有那么大的苦衷,背叛朋友的罪恶愧疚但还不想放弃女主。这不是挺现实吗?女主吧,她在咖啡店那一通哔哩吧啦我喜欢,我不喜欢听的我是精神一振,这种仿佛自我暗示给自己洗脑的话,第三集女主就敢说,这不就是妥妥的暗示男女主最后He?这后面不得冲破一切艰难,摒弃世俗的谈一场夕阳奔跑的恋爱?还有男主,我只能说,这个角色真的太好了,目黑莲表现的也很不错,但主要还是剧本写的好,男女主这几次咖啡店的对话什么的可真是刀刀致命,而且插叙这种前后对比呼应真是要了亲命希望编剧水平继续稳定发挥,加油 文/关影人 由李佳航,王玥兮和陈希郡,盛朗熙等人主演的解压拌饭喜剧《猎心者》已经播了一段时间,目前可以超前观看大结局,而按正常集数播出的也开始临近尾声,剧情越来越精彩。 文/关影人 由李佳航,王玥兮和陈希郡,盛朗熙等人主演的解压拌饭喜剧《猎心者》已经播了一段时间,目前可以超前观看大结局,而按正常集数播出的也开始临近尾声,剧情越来越精彩。 "大学老师最装了"(印象最深刻的电影台词)一部实验性的电影,改编自《西游记》第九回至第十一回。古今结合,将古代的人物(李世民、龙王、魏征……)套到了现代生活化的场景中,里面人物说话都是湖北方言。整部电影都是黑白色调,并采用了文字、连环画等辅助叙事,节省成本,还能弥补一些拍摄、演员演技上的不足(学姐提供的思路)。影片里面的隐喻挺多的,讽刺了一些官僚的做法(阎王并不真的关心李 "大学老师最装了"(印象最深刻的电影台词)一部实验性的电影,改编自《西游记》第九回至第十一回。古今结合,将古代的人物(李世民、龙王、魏征……)套到了现代生活化的场景中,里面人物说话都是湖北方言。整部电影都是黑白色调,并采用了文字、连环画等辅助叙事,节省成本,还能弥补一些拍摄、演员演技上的不足(学姐提供的思路)。影片里面的隐喻挺多的,讽刺了一些官僚的做法(阎王并不真的关心李世民是不是还有阳寿,判官可以在生死簿上随意修改,阎王也没有过多的询问),手握权利翻云覆雨,让人感受到了权力的可怖性(从一位同学学到的新词汇)。个人感觉最后一段挺精彩的 用DV的形式拍了一段"李世民"酒后批判中国的一些社会现状,(如 大学老师最装了、中国是农民社会)这些批判、讽刺也不具有鲜明的指向性,可以让观影者从前面的剧情中抽离出来,自行思考影片想要表达的思想。 这部电影是通过微博看到的介绍才看的,剧情还可以,反派就是一帅比,帅就完了,《星际穿越》的慈父形象在这部电影里大转变,人狠话不多,电影里有一个韩国妹子长的很漂亮,可惜戏份不多,但很让人印象深刻,起初还以为是全智贤,偶尔在一部电影里发现一个喜欢的演员是件挺幸福的事,总的来说电影比较平稳,高潮部分不多,一定要说的话也是奔着反派男主去看的 这部电影是通过微博看到的介绍才看的,剧情还可以,反派就是一帅比,帅就完了,《星际穿越》的慈父形象在这部电影里大转变,人狠话不多,电影里有一个韩国妹子长的很漂亮,可惜戏份不多,但很让人印象深刻,起初还以为是全智贤,偶尔在一部电影里发现一个喜欢的演员是件挺幸福的事,总的来说电影比较平稳,高潮部分不多,一定要说的话也是奔着反派男主去看的 为什么better call saul比breaking bad好看? 因为bcs里的主要人物(jimmy、mike、gus以及女律师等)都是一些努力解决问题,不愿意给别人制造烂摊子,有自理能力的人。每个人身上都有闪光点,都make sense,这样的人更容易让人喜爱和接受。 而bb里的那一大家子加上jessi,每一个人都是麻烦制造机,big trouble,个个自私 为什么better call saul比breaking bad好看? 因为bcs里的主要人物(jimmy、mike、gus以及女律师等)都是一些努力解决问题,不愿意给别人制造烂摊子,有自理能力的人。每个人身上都有闪光点,都make sense,这样的人更容易让人喜爱和接受。 而bb里的那一大家子加上jessi,每一个人都是麻烦制造机,big trouble,个个自私愚蠢,不考虑后果。这样的人当然现实中也不少,但是全聚在一块儿,就显得过于戏剧化。 再有,毒师的剧情集中于两年左右的时间内,整整五季都主要围绕制毒吸毒复制复吸这点儿事儿。而律师跨越的时间更长。从小jimmy到以后的saul,再到隐姓埋名的甜品店员工,这样长的时间跨度能让我们更好的了解这些人是怎样面对生活的变化,怎样逐渐成长的。所以,在细节丰富程度上,bcs显然更胜一筹。 毫无疑问,bcs延续了bb的拍摄手法、意境等等,但从人物和剧情上来说,真的已经青出于蓝而胜于蓝了。 讲述客家人革命道路的艰辛,客家人不亏是几千年来都是力揽狂潮的角色,孙中山先生客家人推到了封建王朝,太平天国也是客家人,反正每一次革命都能看到客家人,天下安定后客家人又四处散去,听说客家人全球有一亿多人,有祖训精忠报国 爱国爱家,很心酸的革命历史,特别是大埔县红色苏区如果没有这些客家人保护重要人物跟海外华侨支援那么真的历史就不同了。毕竟客家人是国内华侨最多的种族而且非常爱国,洋装穿在身我心中国 讲述客家人革命道路的艰辛,客家人不亏是几千年来都是力揽狂潮的角色,孙中山先生客家人推到了封建王朝,太平天国也是客家人,反正每一次革命都能看到客家人,天下安定后客家人又四处散去,听说客家人全球有一亿多人,有祖训精忠报国 爱国爱家,很心酸的革命历史,特别是大埔县红色苏区如果没有这些客家人保护重要人物跟海外华侨支援那么真的历史就不同了。毕竟客家人是国内华侨最多的种族而且非常爱国,洋装穿在身我心中国心。还有一部电影也是大埔县拍的三河坝战役《建军大业》。故事全部都是真实事件拍摄并非虚构,绝命使命里面的所有事情都是真实存在的,因为我爷爷活着的时候跟我说过。 前段时间,感觉大街小巷都能听到一首歌的旋律,不知是新歌还是旧歌,不知是谁唱的,不知什么内容,只感觉听不腻。偶然知道那是一首筷子兄弟唱的歌曲,名叫《父亲》。筷子兄弟这个组合,走的一直是平民路线,比凤凰传奇还接地气,虽然可能大家都叫不出他们的名字,却一定为他们的歌流过不少眼泪。当初大学的时候,那首《老男孩》就勾起无数人青春的追忆,毕业晚会上还成为我们纪念视频的背景乐,不管何时听到 前段时间,感觉大街小巷都能听到一首歌的旋律,不知是新歌还是旧歌,不知是谁唱的,不知什么内容,只感觉听不腻。偶然知道那是一首筷子兄弟唱的歌曲,名叫《父亲》。筷子兄弟这个组合,走的一直是平民路线,比凤凰传奇还接地气,虽然可能大家都叫不出他们的名字,却一定为他们的歌流过不少眼泪。当初大学的时候,那首《老男孩》就勾起无数人青春的追忆,毕业晚会上还成为我们纪念视频的背景乐,不管何时听到总是鼻子酸酸的,朗朗上口的旋律,朴实真诚的歌词,就这样,可以走进每个人的心里。而这首《父亲》,当我终于下载来,边看歌词边听的时候,也再次成为泪人了。 这才知道,《父亲》不止是一首歌,还是一部微电影,筷子兄弟演的。故事内容还是没怎么跳脱旧情节,而且相对平淡甚至不怎么合理有点喜剧成分,可能再怎么悲伤的剧情,只要是筷子兄弟的脸出现都会变得诙谐。唯有最后,当《父亲》这首歌曲作为背景乐响起时,我还是落泪了。 以前,老爸很爱卡拉OK的,家里也有设备。拿着麦也好,清唱也罢,常常唱阎维文的《父亲》,激情澎湃,热血沸腾,声音高亢,听得我也陷入对父亲的热爱中,是那种深沉的爱,不同于母亲。这个世界总是更多地在宣扬母爱的伟大,其实我们每个人心里都有对父亲的感恩之处,总有一些难忘的故事,总有一些不会像去跟母亲腻歪一样的爱。 《父亲》,单曲循环。 《你是我的美味》定档11月2日。这是一部以美食为媒介,讲述美食从业者在职场上披荆斩棘和遇见爱情的故事。男主郑道(张赫 饰)在人设方面是高冷自恋,毒舌龟毛的犬系男,因为他对待食物的严谨态度,以及他对待味道的完美要求,他被封为餐桌上的绅士。他的职位是空降总监,做事精益求精,属下们都怕他。 《你是我的美味》定档11月2日。这是一部以美食为媒介,讲述美食从业者在职场上披荆斩棘和遇见爱情的故事。男主郑道(张赫 饰)在人设方面是高冷自恋,毒舌龟毛的犬系男,因为他对待食物的严谨态度,以及他对待味道的完美要求,他被封为餐桌上的绅士。他的职位是空降总监,做事精益求精,属下们都怕他。 老子服了,先看原著好人组杨明变二五仔和色情狂还有傻子最后还被写死了,杨大海变修车的还老是和杨明吵架还被改造最后被杨明杀死,蓝凌变腻歪还变无理取闹,还代替被下春药的林芷韵!张斌居然爱上孙洁还进入主线剧情,还被判杨明!原著张斌完全没参与杨明和厉害的反派的都在好吗孙洁原著可是杨明后宫好吗!还有人家可是孙家大小姐居然成了王志涛父亲的情妇还帮雄风集团工作。。。。最离谱的是周 老子服了,先看原著好人组杨明变二五仔和色情狂还有傻子最后还被写死了,杨大海变修车的还老是和杨明吵架还被改造最后被杨明杀死,蓝凌变腻歪还变无理取闹,还代替被下春药的林芷韵!张斌居然爱上孙洁还进入主线剧情,还被判杨明!原著张斌完全没参与杨明和厉害的反派的都在好吗孙洁原著可是杨明后宫好吗!还有人家可是孙家大小姐居然成了王志涛父亲的情妇还帮雄风集团工作。。。。最离谱的是周佳佳居然爱上了王志涛,原著周佳佳可是没正眼看过王志涛好吗!周佳佳爷爷居然成了校长老子醉了。还有陈梦妍也是她从来没和王志涛关系很好过,也没被他绑架过强吻过。肖晴完全成了路人还成了MBI,夏雪也是她可是警察好吗!陈飞居然也是MBI,他可一直都是警察好吗!夏冰雹成了黄毛!像个地痞一样!还爱上王笑嫣。四娘应该是孙四孔吧!变女的就不说了!还变脆皮!暴三立候震撼也变坏人了,一个暴力狂一个色魔!原著他们可是主角小弟好吗!柳画眉也变坏人了原著里她也是主角后宫之一,王笑嫣居然是方天干女儿,方天也变坏了!原著可是主角师傅好吗王笑嫣变坏又变好!原著可是主角后宫蝴蝶家族大小姐好吗!最可怕的是苏雅也变坏了还爱上了班杰明。。。再看原著坏人组,李博亮居然贯穿整部剧,原著李博亮可是最后才出现的好吗!王志涛居然变成虐待狂,还强吻陈梦妍我真的醉了,而且他是个瞎子还有原著他陷害一次杨明被抓后就放弃了陈梦妍转成追周佳佳了好吗!金刚居然成了他小弟我也是醉了金刚原著可是老师好吗!而且基本后期没出现过!福禄寿原著只有阿福,他和右长老有关,这部剧里居然成了活宝。右长老我也是醉了原著最后才露出真面目好吗!班杰明原来居然是个好人结果还被别人扒了皮。。。。这部剧很多好人成了坏人,坏人还是坏人!怪不得杨明得死!身边没几个好人。。。只有陈梦妍人设正常点其他都是渣!这部剧简直毁我原著!毁我青春!老鱼真不知道为啥要买版权给他们唉!真是钱多真好啊! 【简介】 两个印度男孩,一个天赋异禀、一个后天苦练,在名师的指导下,终于得到了美国名校的芭蕾录取通知书,殊不知更大的困难还在后面,宗教的冲突、身边人的背叛、金钱的打击……终于,功夫不负有心人,三个人的命运都因为芭蕾得到救赎。 【简介】 两个印度男孩,一个天赋异禀、一个后天苦练,在名师的指导下,终于得到了美国名校的芭蕾录取通知书,殊不知更大的困难还在后面,宗教的冲突、身边人的背叛、金钱的打击……终于,功夫不负有心人,三个人的命运都因为芭蕾得到救赎。 【真实的人物,现在大家都过得不错】 影片是真人真事改变。 1、阿西夫名叫阿米尔丁·沙阿(Amiruddin Shah),他在英皇学习芭蕾,然后被ABT录取了!彻底改变人生,成为了印度贫民窟里飞出的芭蕾王子。 片中演员身材比较干瘪,但现实生活中沙阿本人身材更帅。感觉肌肉素质更好 雾笛,在雾中吹笛子的人,视觉虽然模糊,但听觉依旧穿透某些未知的空气,她虽然看不见船长,船长却分明已成为了她生活的一部分。在列车开动之时,以迅雷不及掩耳的速度,夺走了她手上的手帕,她先是一惊,尔后眼睛向下一撇,露出难以形容的笑容,他留在原地,闻着手帕的芳香。对话太多了,后面可以多加几个时段的,应该学学《返老还童》。这片子原本可以拍得完美,女主第二次躺在椅子上,窗户不应该是关着的,应该是开着的, 雾笛,在雾中吹笛子的人,视觉虽然模糊,但听觉依旧穿透某些未知的空气,她虽然看不见船长,船长却分明已成为了她生活的一部分。在列车开动之时,以迅雷不及掩耳的速度,夺走了她手上的手帕,她先是一惊,尔后眼睛向下一撇,露出难以形容的笑容,他留在原地,闻着手帕的芳香。对话太多了,后面可以多加几个时段的,应该学学《返老还童》。这片子原本可以拍得完美,女主第二次躺在椅子上,窗户不应该是关着的,应该是开着的,她把它关上,重复当年的动作。如果,最后窗户再次开了,倒可以造成亦真亦假的幻觉,屋内的人在特定的时期共同创造了一个角色,然而,角色存在于否,就像虚拟和现实是混淆的一样,达到那种创作元叙事,很大的启发。可怜我的蒂尔尼,老演这种还没好好感受年轻就老了,而且每次都得死。这种死后在一起的结尾,编剧真的该吃刀片了,也许,可以从幻想和现实的混淆程度,来概括好莱坞的历程。和爱的人在一起生活也未必就不孤独,那么反之一个人生活也未必就是孤独。 那些还不太久远的历史我们是否已经往开始忘记。 王小波说,中国的历史以30年为极限,人们不可能知道30年前的事情。这种乍听起来有些魔幻的说法,在20岁的时候未必相信。但过了30,有那么一刻,你突然发现那些你认为的“常识”,却有人一本正经的以一种或怀疑或怀念的语气进行着“解读”。从那时开始,你与当下的时代生出一种疏离感,你终于 那些还不太久远的历史我们是否已经往开始忘记。 王小波说,中国的历史以30年为极限,人们不可能知道30年前的事情。这种乍听起来有些魔幻的说法,在20岁的时候未必相信。但过了30,有那么一刻,你突然发现那些你认为的“常识”,却有人一本正经的以一种或怀疑或怀念的语气进行着“解读”。从那时开始,你与当下的时代生出一种疏离感,你终于实实在在的感受到岁月留下的痕迹,仿佛摩挲着用旧的木质沙发扶手。这种疏离感将使你变得更加坚硬,也更加脆弱。坚硬的一面中,你开始不自觉的对自己的晚辈、下属甚至是长辈们——那些在信息交换过程中,与你相比处于弱势的一方——更加蛮横、专治。柔弱的一面中,你开始不停地怀旧、不停地惊讶、不停地寻找生活中的小确幸,却渐渐失去了对世界的好奇心。这是一个与衰老同步,几乎不可逆的过程。 ↓幻.生幻灭皆为幻,幻人哀乐系何情?↓梦.过百花蝴蝶飞,可堪朝暮子规啼!↓山.外青山楼外楼,西湖歌舞几时休?↓海.鸥伴云有情天, 燕泥又搭谁檐前?↓谣.姬一去一千年,丁香筇竹啼老猿! ↓幻.生幻灭皆为幻,幻人哀乐系何情?↓梦.过百花蝴蝶飞,可堪朝暮子规啼!↓山.外青山楼外楼,西湖歌舞几时休?↓海.鸥伴云有情天, 燕泥又搭谁檐前?↓谣.姬一去一千年,丁香筇竹啼老猿!
小提琴手小影搬进了一个四室一厅的合租房,娘娘腔的健身教练林郁、“微博网红”莫正和交际花妹子婉苏,看似相处融洽,其实各怀鬼胎。笔记本上惊心动魄的记录一幕幕重新在小影生活中发生,玻璃突然出现一道碎裂,半夜厉鬼撕烂脸孔,她自己也仿佛变了一个人,还有前任租客惨死的真相,整个合租屋笼罩这阴森诡异的凶险之中,让人难以猜透剧情发展。
开端那翩翩飘舞的蝴蝶在字幕穿梭,通篇美轮美奂的影像风格,瞬间让人有种文艺片的意境。美术钟诚、摄影陈诚,真不愧是业内高手,《合租屋》画面造诣让我赞叹。身为惊悚悬疑题材,必有让人惊掉下巴的恐怖桥段设计:压抑诡谲的紧张感,神情冰冷的女主角疯狂目睹恐怖事件;除了半夜女鬼撕裂脸,那个神秘莫测的日记本,记录每件毛骨悚然的事,居然都跟现实很相似;于对方背后我们看不见的那个“人”?是你?是他?还是她?....让观看之人产生一种不适的紧张感,仿佛隐私被一点点揭穿,充分吊起了观众的胃口。
如今,卢杉、吴谨西、丁绮三大美女坐镇《合租屋》,或冷淡纯美、或性感风骚、或柔弱可人,满足各个阶层影迷的眼福。走出《夏有乔木》“雅望姐姐”卢杉一人分饰三个角色,尝试了人格分裂的极端表演,从吓得惊慌失措,到疯狂逃脱,反差极大。傅亨在片中首次挑战演绎“阴柔”健身教练林郁,没想到娘娘腔举止与好色笑点设定,颠覆角色如此之彻底。个人认为丁绮的表演绝对一个惊喜,她扮演瘸腿残疾美女,谨慎善为、与世无争地拉着小提琴,本来我见犹怜的天真妹子,偏偏遭遇非人道的禁锢,还被畜生们逼迫拍了艳照门,寒心地走向绝路。
制片方表示,“希望把《张震讲故事》系列打造成为中国恐怖片的翘楚和典范”。此言不虚,年国产恐怖片总票房为2.02亿元,《张震讲故事》系列第一部《张震讲故事之鬼迷心窍》就以2093万的不俗成绩,位列2015年国产恐怖片票房第二。《张震讲故事之合租屋》则在讲一个深刻道理:“人为什么总是这样,做错一件事情,要用其它错事来掩盖” !人人自危的故事中,丁绮的表演是成功抢镜,那双无助、失落、恐惧的大眼睛,将这个弱势女孩的痛苦细节,都演绎得有分寸感,让人唏嘘不已。希望《张震讲故事之合租屋》能像《笔仙》那样打造高票房,如果真的是那样,丁绮的惊艳表演,功不可没。
上面已经跑偏了,下面接着跑偏……
生活就是一场场接连不断的“秀”,我们都在不断地赶场子。如果有片刻休憩在这些“秀”之外的话,那么一定仅仅是作为一个动物而不是人而存在的。作有社会属性的人总是在种种或大或小的社会结构中扮演着特定的角色。
容易让人意识到的是公众人物的“秀”,他们作为有较大社会影响力的社会存在,更加无法回归到远离作秀的生活。 为了维持已有的社会公信力和其它的虚荣与光环,他们的生活受到了难以想象的限制,的确就像是一只只笼中歌唱的鸟。
常常被忽略的是每个平常人物的“秀”,他们在自己平凡的人生中扮演着各种各样的角色,甚至是冲突的角色。一个人在家庭中是一个父亲,但同时是一个儿子,一个丈夫(在别人的家庭里又是一个第三者),在单位里是一个下属也可能同时是一个上司,某一天他成为若干亿奖金彩票的中奖者同时也可能成为某次“天灾”的受害者……把他们的社会存在分割来看,确实是像一个个“社会主义的螺丝钉”一样机械的存在,然而正是这种种不同的社会存在成分杂糅在一起才构成了一个社会的人。我们很少除却附加在人们身上的种种角色去剖析一个人,很少注意到除了社会存在之外还有一些独立而私密的的自我存在,这种存在常常只存在于人们不自觉的意识之中,而较少落实成为现实的存在。我这里强调的是作为自我的存在,一种较为自由的状态,它可能出现在你红果果在浴室里凝视着镜子中自己的躯体片刻,也可能出现在躺在草地上仰望星空的片刻,也可能出现在你咀嚼着可口的饕餮的时刻……当然这些自我存在也是相对的,因为无法隔绝对物质的依赖,所以这种自由也是相对的、受节制的,消极自由是不存在的,恶无限式的存在也是不可能的。仔细想发现,这种存在其实就是作为动物的原始存在。它是感官的,却又不仅仅是感官的,它是一种思维的、智慧的感官存在。
我尤为强调人需要回归这种自我存在,在某些场合里它被认为是自私的,个人主义的。然而又不得不承认只有如此才能回归真我,人性中被压抑的本能得以释放,获得更大的自由。人自从从动物进化为社会的人以后,这种存在变得尤为稀有,感受到它的时刻,我们常常是处在一种逃离社会存在的现实中。而且当道德的内疚和自我谴责来临时,它已经远去了,因为道德是属于社会的,而非自我的。当人有了对自我存在的意识与追求时,人会变得自由得多,会更加容易摆脱那些浮躁的、虚华的诱惑,成为一个“……一个纯粹的人,……一个脱离了低级趣味的人,……。”
小时候应该看过这片子的,不过印象不是太深刻了。在2015年重温这部片,真是别有一番感慨。
这是一部20多年前的
小时候应该看过这片子的,不过印象不是太深刻了。在2015年重温这部片,真是别有一番感慨。
这是一部20多年前的影片,那个时候的生活节奏和现在相比,慢了不只3,4个档次。在慢生活里长大的人,对现在的快餐生活总感到不是很适应。还是更喜欢那时候的生活,色彩像旧相片一样,透出点淡黄,总觉得温暖,有人情味。
影片讲了一个类似乡下人进城的故事,乡下呢,变成了大陆,城呢变成了香港,我说在2015年再看这片子,别有味道。这是因为,今天,乡下已不再是乡下了,而城也不是以前的那个城了。那些高级黑的桥段,在今天看来,更像是一种自嘲。
不谈太多政治和文化,这只是一部喜剧片,那些黑出翔的桥段,看着笑笑就好,反正中国大妈在卢浮宫门口跳广场舞也算国际新闻了。
许氏喜剧和周氏喜剧在风格上明显不一样,看惯了周式喜剧,不妨偶尔看看更早的许氏喜剧。影片的美女很多,好意外。
心情看得反反复复,为里面的搞笑情节而笑,为里面痴情的爱情桥段而哭,心里想,偶尔做过的心理测试题是对的,我还对美好浪漫的爱情抱有希望(或者是幻想,我不知道)。心里想,如果真有这样的彼此相爱,真的想男女主那样,让我做什么都愿意,甜的时候好甜好甜,苦的时候也当做好甜好甜。而也恐怕只有爱情这东西能如此左右一个人的喜怒哀乐,甚至是一秒钟的万变。可看了女主在病床前哭了半天悲痛欲绝的样子脸上却没有眼泪,不尽又觉得演得好假。几秒钟瞬刻拉回我的理性,想到一些周围看到如此的我会“鄙视”不行的几个人。他们如果看这片,评价也是中肯的,我知道。不过也就几秒而已了,我又接着抽纸巾,管她女主如何演绎,真哭假哭。我是真的,哪怕只是为那一个多小时的编造。
我终究还是我。
刚看到一个人的影评,说“很搞很煽情,这就是电影,这就是爱情”。
其实不无道理。这是电影,这是爱情。很多人看电影的时候思考太多,包括我有时也这样,于是很多电影变得很烂俗(虽然评价也不为过)。可是,前几天,一个师兄写的一段话给我很深启发。他说,很多人说《杜拉拉升职记》是烂片,但他觉得很好,电影何必那么较真,生活本来也没那么较真,就是这种傻吧啦几的,偶然的发生了。
是啊,生活不容易,我们都不容易。可谁不希望能过上轻轻松松、有悲有喜、傻吧啦几的生活呢。生活何必较真,不过转眼几十年,尤其是花样年华的时候。是的,今天还看了《花样年华》,时代不同不可论,不过遇到真爱就用另外一张船票让他带你走吧,不去理会世俗。
原本就是想给午餐加道菜,从列表里找这部无论从名字还是阵容还是剧情大纲都很“爆米花”的电影。结果我错了,它充其量也就是罐咸菜,还是没腌好的那种。
大概这部片子80%的成本都用在特效和演员上了,编
原本就是想给午餐加道菜,从列表里找这部无论从名字还是阵容还是剧情大纲都很“爆米花”的电影。结果我错了,它充其量也就是罐咸菜,还是没腌好的那种。
大概这部片子80%的成本都用在特效和演员上了,编剧导演什么的都是打酱油的。背景啥的就不说了,科学在这部影片里是不存在的。逻辑啥的也不用考虑了。故事内容实在是干扁无味,好人先被坏人压制,又爆出坏人其实是有原因的,最终好人战胜坏人,再奉上个大团圆结局。OK,一切搞定。能不要这么敷衍么?!能不要这么苦逼么?!能不要这么狗血无边么?!奥特曼都比这个有意思好吧,人家起码还需要变个身啥的。
通常来讲,虎头蛇尾是一个贬义词,但对于这部影片来讲已经算是不错的称赞了,谢天谢地总算还有头有尾。虽然我看到三分之二还不太明白它想怎样。。。哈利波妹的这段实在是不知所云,突然有魔法大家都不惊讶的,很哈皮的去开啥“必胜会”了,你丫怎么不叫“必胜客”呢?!这就不说了,中间硬生生强势插入的MV算怎么回事?你以为你是印度阿三啊?
本人向来对内地加大陆阵容很不看好,前浪都死在沙滩上了,后浪也没能幸免。闫妮演的那个教练我无语了,尤其还配上粤语,哦,天哪,还我佟掌柜。当然,一切的一切都敌不过脑残粉的威力,吴尊、古天乐算是最大的票房号召了。但是古天乐大哥,被关镜子之前还不忘顺瓶酒,危机关头还要跳段舞,虽然您是打酱油的,但是能不要这么悠闲咩?会显得别人更苦逼的好吧。。。
总之,作为一部脑残片,请在最需要的时候选择它吧!哦,我不行了。。。
文 / 蒋斐然
“是谁传下这诗人的行业,黄昏里挂起一盏灯”。
在这文学阅读日益衰退的年代,《他们在岛屿写作》挂起了黄昏里的明灯。
我们不禁感叹,台湾啊台湾,台湾啊台湾。看似被政治力搅和得乌烟瘴气的台湾,看似民风日下乐娱表浅的台湾,却从不叫人真正失望,因为在这个岛屿的某个角落,某个时刻,总是不期涌现这样那样充满力量的的影
文 / 蒋斐然
“是谁传下这诗人的行业,黄昏里挂起一盏灯”。
在这文学阅读日益衰退的年代,《他们在岛屿写作》挂起了黄昏里的明灯。
我们不禁感叹,台湾啊台湾,台湾啊台湾。看似被政治力搅和得乌烟瘴气的台湾,看似民风日下乐娱表浅的台湾,却从不叫人真正失望,因为在这个岛屿的某个角落,某个时刻,总是不期涌现这样那样充满力量的的影音创作与文学记忆,无法被乱流冲走,无法被历史埋汰,让人重新坚信美好的存在。这个市井与纷争的小岛,像极了春秋战国时期的中国,乱力之下有自由,自由之下放百花。
他们在岛屿写作。他们是谁?“他们”指向的是一个漂浮游移却隐然成形的时代群体,既有历史时间的距离,又有美学感性上的回眸。“岛屿”作为一种历史地理的指称,潜藏了在地思考的逃逸路径,跳脱省级,无关统独,抛却了僵硬的国族符号,抛却泛政治化的情感动员。而“在岛屿写作”则形构出一种当下此刻的书写进行式,贯穿过去与未来,以写作的创造性能量,标记岛屿之浮光掠影,“岛屿写作”,让岛屿不先于写作而存在,让“写作”无法离开岛屿而成立。
六位文学大家,来自四面八方,出生地殊异,成长地殊异,但都在岛屿写作,都在书写岛屿,都在以文学书写作为逃逸陈规范式的路径。值得思考的是,其中的几位作家都是从大陆过去台湾的。余光中曾这样描述他所经历的地方:大陆是母亲,台湾是妻子。何以母地的生子都绽放在他乡的爱情里,而后又缱绻于怀乡的诗情里。不论时事,搁浅政治,但省两地的人文落差,便叫人戚戚。
《他们在岛屿写作:文学大师系列电影》创造了文学纪录片的一个奇迹,成为去年台湾一个重要的文化事件,让人唏嘘之余感到欣慰——还好,文学还在;还好,读者还在。这套影片的奇迹在于,它以非凡的诚意打动了六位文豪的联袂出镜,以纪录片的预算制作出了电影规格的影像,以文学电影的姿态站上了公映院线,以低调的妆容赢得了高调的票房和口碑。虽非商业片,却敢于挑战观众的口味,不得不敬佩,作为发行方和制作方的目宿媒体确实具有过人的胆识和先天下之忧而忧的人文情怀。但谁也没有想到,在这样速食消费的年代,悠长缓慢的诗歌又唤起了人们心底对文学的柔软记忆,真诚朴质的影像挖掘了字里行间的乐趣,拉近了观众与诗人的距离,抵抗了阅读衰退的忧虑,这表明不管时代怎么变,人性最初的那份纯洁与美好是不会消褪的。
你看到诗人的生活,看到他们作为一个人是如何存在,然后你突然就读懂了他们的诗。比如,我看《化城再来人》时非常惊讶,或许之前听说过在武昌街摆书摊的周梦蝶,但并不知悉他原来人如其诗,早已老僧入定,生活作诗仿如修行。再如余光中先生的诗应该为大陆观众所耳熟能详,但在纪录片《逍遥游》中,我才完全地尝到了乡愁的滋味,也才明白之前脑海里的余光中并不是真正的他,他的诗我也并非真的懂。这不就是纪录片的意义所在吗,带领观众进入和理解一个未知的世界。
《他们在岛屿写作》成功了,在台湾,第一次有这样的纪录片能够在院线联映五周之久,怀揣着所谓的传说中的“纪录”与“文学”两大票房毒药,却眼睁睁地火爆了市场,成为一种奇特的现象。不论是文艺界还是非文艺界,都不断有仁人志士站出来鼎力相荐。张艾嘉为首映站台,马英九看后将预告片投上FACEBOOK大力夸赞,又有多少民众一看完片子,就涌起一股满满的冲动,奔向书店购买诗集。也就是说,人们又开始读诗了。这难道不是最大的奇迹吗?
若说以上是电影之于文学的奇迹,是电影为文学的普世化和复兴作出了贡献,那么反过来,其实文学也同样滋养了电影。《化城再来人》和《如雾起时》的导演陈传兴说,文学总能给电影注入大量新鲜的内容。文学电影的类型在亚洲尚未流行,在世界范围内,其实BBC早已拍摄过很多系列的作家纪录片,美国的大学也设有文学电影的课程。但在整个大中华地区,《他们在岛屿写作》是第一个做这件事的人,若这一波电影的佳绩能兴起整个文学电影类型在亚洲的发展和崛起,那就丰富了我们的电影市场和电影创作,不论对影人还是对观众,都是打开了一个多元化的出口。从纪录片的意义上说,也是对纪录电影创作现状提供了一种激活的可能性。当然这需要所有人的协助和推广,而我们,正是在做这样一件事。
在宝岛,有人在努力的保留纯文学的火种。而中国大陆,也曾像这个岛屿一样,经受过动乱对文学的摧残,如今却少有人以主动的姿态践行对文学的热爱。但我相信,这里同样潜藏着一大批坚定的文学青年,而台湾文学正是他们成长路上的重要养分,只是在这样的时代背景和社会风气下,他们选择了隐藏这份欲说还休的炽热。此番在HAFF能够一瞥这些文学大师在银幕上巨大的身影,必定会振奋这群长久遭边缘化的文青的心。而那些许久未拾书卷的人,或也会在看完这一系列的电影之后,重新回归读者的身份。另一方面,也是给大陆电影单一乏味的商业趋同提供一种反思,为食之无味的观影市场注入一剂新鲜的青草味。这里的观众已坐在黑暗的影厅里等候许久,等待着在大荧幕上看到不一样的电影,等待着在从电影里找回久违的感动,等待着恢复封存多年的文艺味蕾。
《两地》分属的风景
《他们在岛屿写作》展现出的是影像威力下的时代感性。
六部电影有叙事结构上的繁复,有影音调度上的别出心裁,更有美学与伦理上的巧妙幽微。有别于传统“作家身影”的拍法,六部纪录片的每一部片都有两个创作心灵的呼应与頡抗,一个是使用文字的作者,一个是使用影像的导演,彼此之间的微妙张力,让影像不再是文字的二次表述,让文字跳脱怀旧氛围,重新展现当代感性。
《两地》,台北和北京,台湾和大陆。此片在构思上颇有深意的地方在于,导演杨力州在片中彻头彻尾地将“两”的概念诠释到底。他将林海音的女儿去北京探寻母亲旧地的过程拍下来,与早前林先生自己去北京寻访的影像并置,两次的镜位和路线都很相似,甚至女儿和母亲都问了一些一样的话,由此两两相望的感觉就浮现了,暗示着代代相传,也暗示着两地纽带不断。配乐师柯智豪为了呼应“两”的概念,将俄系与欧陆两大乐种的旋律和节奏调配在一起,但其实所有场景的主旋律又都暗藏着《送别》的音符,因为它是此片音乐的主轴。剪辑上也频繁地展现出两两对立的撞击。比如说,叙事说到了林海音先生因为刊登了风迟的文章而被免职时,画面首先是当年“文学须服务于政治”的宣导片最后会场鼓掌的一幕,紧接上的就是严肃沉重的字幕,告知观众,在这个掌声底下,林海音被免职,在这个掌声底下,风迟被判三年六个月的徒刑。像这样的例子比比皆是。另值一提的是,《两地》中有大量的动画。动画部分并不疏离出戏,它是精致温馨的,因为原画取自于林海音最喜欢的关维兴水彩大师的插画《城南旧事》,而京剧的实现方式又让人感受到这个在老北京发生的故事。我看完动画的感觉是,跟林先生的世界又近了一步。《两地》也采用了不少稍显矫情的特效渲染手法,比如翻页的老报纸配上动态的新闻报道,这些是刻意、煽情而炽热的,而纪录是淡然、诚实而冷静的。导演也意识到了这一点,所以有意时不时地曝露一些“穿帮”镜头,或是让摄像机入镜,或是保留一些晃动不已的画面,为的是将观众从故事中推出去,回归纪录的客观姿态。
《化城再来人》的一天
《化城再来人》时长163分钟,六部中最长的一部,以我浅见,也是最有深度的一部,也可以说是最靠近电影的。它的叙事定点有如《尤利西斯》,一整部纪录片讲述的是周梦蝶的一天的回忆,但叙事线条并不单一,其中叠合了回忆的多重时间点,显示出周公本身性格的复杂性。第一次看这部纪录片的时候,令人印象最深的是周公的声音,他一直在不紧不慢却又用力地嚼着他的诗和尺牍,仿佛诵读也是一种修行。
周公的诗中呈现的是一种不纯粹的语言,旧诗,禅诗或偈语,全部糅杂在一起,而《化城再来人》将这些不纯粹凝结在一起的纽带就是周公的声音,包括它的质感,快慢,节奏等等。而声音就是时间的另一个指标。我们听着周公的念白,就真真切切地体会了他那句“只有时间嚼着时间的反刍的微响”。导演陈传兴说,“周公平常说话经常陷入一种独白的境况,即便与人对话,对面的人于他而言也只是回声墙。而念诗的时候却大不一样,念诗的时候是他与他的诗对话,你观察他特写的脸,感觉声音在他好似山脉的一起一伏的肌肤上流动。”这本身就是一种梵文的心境,这种诵读是一种非人间的与神对话。除了周公的声音之外,潜伏在影片始终的另一个重要的声音就是水流的声音,当然是隐喻时间的纵向宽度,对于周公这样一日如一生的文人来讲,这水流声又添无限禅意。
完整看过此片的人绝不会忘记开头和结尾呼应的江面,那过去的江面要去向哪里,谁都无解,就像时间要流向怎样的未来,我们都无从知道。为了反应周公这样的犹疑而不确定的生活在在台北城里的“悉达多”,导演甚至将周梦蝶的淡水河比作印度的恒河,拍摄了两地的画面混剪在一起,有意让人分不清到底是淡水还是恒河。
全片的叙事非常从容,毫无夸张矫饰之处,但阅毕周公的印象已如烙印般深铭心中,那样的气质不只是“入定”或是“出世”可以简单形容,他可以随时对外界打开,也可以随时关闭。陈传兴将周公比作漏斗,外界的事物可以经过他的身体,然后完完全全地流过去,不留下一点残余。而《化城再来人》最出色的地方在于,他没有只顾着刻画周公这种外界既定的佛者文人形象,它呈现出了一个真实的人内心的矛盾,对男女情感的期待和纠葛,对宗教的坚定与不坚定,对人生取向的来回摆荡。比如周公谈三毛那段,我看到是觉得惊异又觉得真实。再如谈到周公去电影社看电影时,投影在斑驳墙上的影片是卡尔?德莱叶的《吸血鬼》(1932),那一幕讲述的正是一个男人救赎了女人,这样细腻的安排归功于导演对周公复杂性格准确而敏锐的捕捉。这其实是非常难的事情,因为周公不是剧本里被塑造出来的人物,而是创作团队在有限的时间里新认识的活生生的人。
此片的剪辑非常尊重时间上的连贯性,未有打动干戈,自然而有力,体现了纪录片剪辑最好的状态。尤其开头周公起床、吃面、上厕所、洗澡那一长段,几乎没有话语也没有配乐,非常漫长,但周公的生活状态和精神世界已赫然显现,因为时间在他身上本身就走得比较慢。同样周公所有讲话的速度和长时间的停顿也被充分地尊重,包括他偶尔瞬间入定而长久静白的沉默,动人深刻。
《逍遥游》是一出自由的纪录剧
《逍遥游》的特色在于有一个完整的剧本,陈怀恩导演是电影出身,拍摄的时候就有分镜了,因而系统性非常强,当然也有精心雕琢之感。片子定位在余光中四十岁左右“你不知道你是谁,你幻灭”的人生阶段的议题上,进而引出诗人一生不停地自我争论,与自我对话的主题。
由于是年轻余光中,所以有大量搬演的部分,用以再现余先生当年读书写诗的场景,是六部纪录片中编剧搬演最多的一部。除了搬演部分的编剧,他们也有让年轻的台大诗社成员热烈讨论余光中的诗这般的情景预设。所以这部纪录片其实采用的是比较剧情片的构思和制作方法,包括预设主题,到实现方式,都有许多企划的痕迹在里头,也就是说,是纪录内容在跟着主创走,而不是主创跟着纪录内容走。但这样的高控制力的企划对于观众来说还是有效的,观者能很好的进入故事,进入到导演预期的情绪里。旁白声音挑选和剪辑节奏都精心设计。比如《沙浮投海》这首诗是由万芳来朗读的,沙浮尸一个女诗人,这是一个女诗人投海自杀的故事,所以由一个悲伤的女低音来朗读就仿佛第一人称演绎了这首诗的故事。全片影像风格唯美写意,旁白的交错与视觉搭配,就已经奏出一曲漂亮的诗歌。
《如雾起时》是一曲哀歌
《如雾起时》拍郑愁予,同样出自陈传兴导演之手,但与《化城再来人》是完全不同的调性。我觉得《如雾起时》是一曲哀歌,它的气质是比较沉重的,是围绕着诗与历史展开的。比如他采用了大量客观性陈述的旁白,选取了一个低沉的女音代表一个第三人的角度,一个在故事之外的全知全能的角度,讲述一些关于诗人的事实。
全片的架构清晰可见,前半部分比较男人戏,有很多史料影像,回顾诗坛文坛的几次论争,而后郑愁予结婚成家,影像转到了非常有生活气息的家的空间里,转到了美国的宁静薄雾里,转到了郑先生夫人和其他几位女性知识分子的视角里。这种性别视角的转移与时间线性的发展相吻合,不知不觉中也就完成了影片气氛的转变。另外一个转变是相对于主人公的镜头机位的转变。开片访问郑愁予的一幕是在小河边的一个推轨镜头,镜头一直处在诗人的背后方,随着叙事的展开,机位慢慢地转到传主的正面,观众对郑愁予的认识也慢慢加深。
陈传兴对很多意象和动作都有非常主观而深层的解读,但全片的影像还是采取了一种比较遥远的观望姿态,并未作过多注脚。在《如雾起时》里,他更多的是在呈现一种诗的历史,所以前半段使用了大量史料报章,蓝星旧刊等过去的实物来目击历史。后半段是郑愁予在美国的工作和生活,于是出现了毕业证书,学位证书,荣誉证书等见证物。这些统统被端端正正地放大在镜头前,诉说诗与历史的关系,因为历史说到底是以一桩桩的事件来标记的。
影片前前后后充满了呼应和对照,比如美国1970年爆发的反越战学潮的新闻影片和保钓行动的影像都对照了台湾50年代八二三炮战前后肃杀和动荡以及六七十年代中国的文化大革命的激进。陈导有意识地在用各种方法加重片子的严肃气氛,呼应那个时代的沉重。比如全片处处有字幕(侧标),有的是史实,有的是观点,有的在黑幕时出现,有的甚至就打在人物脸上。而这些侧标字数多,速度快,观众根本来不及读完,而导演就是有意为之,有意让你负荷过重,从而体会那种硬质的沉重。但有时,你不得不承认,陈导因为将其丰厚的艺术电影的涵养都呈现在画面里,其中的深意和过多的隐喻并非一般观众能够消化领悟。
《寻找背海的人》是现实主义的浪漫纪录
林靖杰导演的《寻找背海的人》是极具现代性和艺术性的一部纪录片。王文兴本身是现代主义风格的作家,因此影片呼应这种形式上的对接是非常恰当的。
《寻找背海的人》有非常细密的线索和严密的架构,也有很多创举和巧思,属于比较非传统的纪录片。因为王文兴是小说家,为了将小说的故事诉诸视觉,林导干脆将《家变》改编成了一个十足现代性的舞台剧呈现在片中。另一个构思是“牢房”,王文兴将其每日写作的那间房比作牢房,林靖杰就拍摄了他在牢房里的真实写作过程。这对于作家本身来说是不易的,要做到放松地在摄影机的监视下工作。对于导演来说也是不易的,因为其间需要大量的磨合和沟通。最后呈现出来的那种真实的状态是令人动容的,当你看到作家握着笔竿不断地敲打着桌面和稿纸的时候,你也能感受到他正在敲打自己的灵魂。再如此片的动画,明显区别于其他几部片中的动画,实验性很强,像《草原底盛夏》有着超现实的调性,《背海的人》和《星雨楼随想》则有着十分先锋的气质,单独拿出来看,都已经是很棒的作品,所以整个片子的完成度也就显得非常高。配乐非常吻合王文兴的文学气质,有苦涩沉闷的味道在里头,尤其是动画的配合,充盈着机械主义的幽默和残酷在里头。
这六部电影虽然出自不同的导演之手,风格各异,但在整体上竟然也呈现出了巧妙的统一性。影像画质都很相近于5D Mark II的风格,都采用了读诗和念白的手法,也都围绕着作家本身展开叙事,配乐几乎一致地采用了无调性的现代弦乐,非常贴合诗文的气质。这一套非常高质素的文学纪录电影,值得每一位电影观众和文学读者细细咀嚼和珍藏。
《朝向一首诗的完成》是个未完成的朝向
《朝向一首诗的完成》取名于杨牧《一首诗的完成》,但杨牧认为,从泛义来讲,写诗并没有完成,何不加上“朝向”二字,于是有了“朝向一首诗的完成”。此片是温知仪导演的,是六部片中唯一一部由女性执导的片子,十足的女性色彩,手法比较阴柔。这当然也是女性导演的一个特色和优点。
影像部分印象比较深的是介绍反越战的《十二星象练习曲》这首诗时搭配了现代舞和越战资料重叠的画面,非常柔美和实验,我觉得这是男性导演绝对不会采用的手法。影片有加入搬演的部分,由一个小孩子来演绎杨牧小时候在花莲的时光,也有像《两地》一样,采用动画来诠释杨牧的诗歌,也做了很多跟杨牧先生有关的人的访谈,这些都是纪录片常用的实现方式。诵诗部分请来了很多其他诗人和学生分别念诗,寓意杨老师的诗影响了世世代代的人,但影片是以杨牧先生自己朗诵自己的诗作为影片的开篇和结尾,听来叫人非常感动。这部片子跟其他五部片子一样,很好的一点在于,他们把重心放在诗人本身上,而并非单单在他的诗作上,于是整个片子就很贴近诗人本身的气质。
A Beacon in the Dusk: The Inspired Island
Jiang Feiran
“Who left the profession of writing poetry, hanging up a beacon in the dusk”.
This generation witnesses a gradual decline in reading literature, The Inspired Island hangs up a beacon in the dusk.
We cannot help sighing with emotion: Taiwan, oh Taiwan; Taiwan, oh Taiwan. Taiwan, which seems to have been polluted with a foul atmosphere by political power and filled with a decaying folk custom and a superficial entertainment circle, never truly disappoints people, for at a certain moment from a certain corner of this island, there would always unexpectedly spring up some powerful video or audio creations and literary memories never washed away by turbulence or weeded out by history, bring back people’s belief in the existence of beauty. This island, with its marketplace culture and disputes, resembles the old China during the Spring and Autumn Period, showing in the turbulence freedom, under which bloomed all flowers.
They are writing in the Island. Who are they? “They” refers to drifting but invisibly formed generation group, which boasts not only a historical distance, but also an aesthetic and emotional back-glance. “Island”, a historical and geographical nominatum, conceals an escaping path of thoughts regardless of provincial class, unification or independence and discards the rigid national symbol and politicalized emotion movements. And “writing in the Island” forms a current proceeding of writing what connects the past and the future, skimming over the surface of the Island with the creative energy of writing. “Island & writing” makes “Island” exist not prior to “writing” and “writing” unable to exist without “Island”.
Six literary giants, coming from various backgrounds with different birthplaces and places where they grew up, are all writing in the Island, writing the Island, and escaping from the stereotyped forms by writing. What is worth thinking about is that some of them all came to Taiwan from China’s mainland. Yu Kwang-chung, one of the six, once described the places where he experienced his life: China’s mainland is the mother, while Taiwan is the wife. How come that children born in the mother’s land are blooming in the love of a place away from home, and then deeply attached to the nostalgic poetry? Regardless of the current events and the politics, only the cultural divergence between the two places could already make people sorrowful.
The Inspired Island: Series of Eminent Writers from Taiwan is a miracle of literary documentaries, making itself an important cultural event last year in Taiwan and bringing delight to sighing people—it is well enough that literature and readers are still here. This miraculous documentary aroused the feelings of six literary giants with extraordinary sincerity, made the image with the form of films by using the budget of a documentary, released to the public with a literary attitude and won a high box-office and a great reputation with a plain appearance. Though not a commercial film, it delivered the courage to challenge audience’s taste, which irresistibly generates our admiration for Fisfisa Media, the issuer and the producer, for its super courage and selfless humanistic feelings. However, it is out of all people’s expectation that it this age of fast food consumption, long and slow poetry has re-aroused people’s tender memories for literature, and sincere and simple images have excavated the interest among the words and between the lines, shortened the distance between the audience and poets, and resisted the worry of reading decline. This indicates that in whatever way the times changes, the original purity and beauty of human nature would remain unfading.
You would suddenly understand their poems by observing poets’ life and their ways of existence as a human. For instance, I felt rather surprised when watching The Coming of Tulku. Perhaps I had already heard about Chou Meng-tieh who had a bookstall at Wuchang Street, but I did not know that he was just like his poems, regarding life and versifying as cultivating himself, very calm and without worldly passions. Also, the poems of Yu Kwang-chung must be very familiar to readers in China’s mainland, while it was in The Untrammeled Traveler that I came to fully sense the nostalgic feeling and came to realize that the Yu Kwang-chung existing in my mind before was not the real him and that I never truly understood his poems. And this is where the significance of documentaries—leading people into and then to understand an unknown world— can be found.
The Inspired Island was a great success. In Taiwan, it was the first time for this kind of documentaries to be shown in cinemas for five continuing weeks. With so-called two poisons for box-office, “documentary” and “literature”, it became surprisingly hot in the market, marking a miraculous phenomenon. People with lofty ideals showed their great recommendation in succession, no matter from the literary and art circles or not. Sylvia Chang, an actress, showed her support by attending the first run; Ma Ying-jeou, the Taiwan Leader, posted the prevue onto the FACEBOOK after watching it and revealed great appreciation; many other people, after watching it, all flooded to bookstores for collections of poems with enormous passion. In other words, people begin to read poems again. Isn’t that the biggest miracle?
If the aforementioned is the miracle brought to literature by films or the contributions made to literature’s popularization and rejuvenation by films, the following could be regarded as the nourishment that literature has in turn provided for films. Chen Chuanxing, the director of The Coming of Tulku and Port of Mists, said that literature could always inject abundant fresh content into films. Viewing worldwide, we may see that BBC has produced many series of documentaries for writers, and there are also courses on literature films in American universities, but literature films are still not popular in Asia. In the whole Great China, The Inspired Island was the initiator of that. If this achievement can generate the development and expenditure of literature films in Asia, it would enrich our film market and film creation, opening a diversified exit for both filmmakers and the audience. Viewing from the significance of documentaries, it would also be stimulus for the current creation of documentary films. That surely needs all people’s support and promotion, and this is what we are exactly doing.
In Taiwan, some people are striving to keep the kindling of pure literature, while in China’s mainland, where literature once experienced similar damages due to turbulences, there are few people initiatively practicing love for literature. But I believe that there also incubate a multitude of literary youths, and Taiwan literature is the very nutrition during their growth. It is just that under this background and social morality, they choose to conceal the fervor of keeping what they are eager to express. This time, a glance of the greatness of these literary giants on the screen during the HAFF would surely inspire those literary youths who have long been undergoing marginalization. Also, those who have not read for long would probably win back their identity of being a reader after seeing this series of films. On the other hand, it also provides an introspection for the dull, stuffy and commercialized films from China’s mainland, bringing the tasteless film-seeing market fresh energy. The audience here have long been waiting in the dark video halls for showing up of “different” films on the screens, for the long-awaited touching affection from films, and for the recovery of artistic taste that has been sealed up for years.
The Separated Sceneries of Home in Two Cities
What The Inspired Island reveals is the emotion of times under the power of images.
The six films boast complexity in narrative structures, uniqueness in video or audio adjustments and wit and profoundness in aesthetics and ethnics. Unlike traditional filmmaking of “writer’s silhouette”, each of the six films has two creation souls echoing and clashing with each other. One is the author who uses words, and the other is the director who uses images, both of whom show subtle tension between each other, making images not just the second expression of words and words jump out of the nostalgic atmosphere and display the modern emotions.
Home in Two Cities refers to Taipei and Beijing, and Taiwan and China’s mainland. This film delivers profound meaning in its meditation that Yang Li-chou, its director, made a complete interpretation of the concept of “two” throughout the film. He photographed the process of Lin Haiyin’s daughter’s visiting her mother’s former site in Beijing and then co-arranged the image of the earlier visit of Ms. Lin herself. The two shoots were quite similar in both camera locations and routes, even the daughter and the mother both asked some same questions, as a result of which the feeling of the two shoots’ echoing emerged, suggesting the transmission from generation to generation and the strong connection between the two places. In order to echo with the concept of “two”, Ke Zhihao, the background music controller, mixed the melodies and rhythms of Russian and continental music, while the themes of all scenes conceal the note of Seeing Off, which is the principal axis of the music of this film. Also, collisions are frequently seen in the editing of the film. For example, when it came to the narration that Lin Haiyin was deposed for publishing Fengchi’s article, the frame was at first the applauding scene in the meeting place of the guiding video of “literature should serve the politics” in those days. What followed was solemn and serious subtitles informing people that it was behind these applauds that Lin Haiyin got deposed, and it was behind these applauds that Fengchi was sentenced to three and a half years. Examples like this can be found everywhere. Another point worth mentioning is that Home in Two Cities possesses many animations, which are exquisite and comfortable and not isolated from the film, for the original painting was taken from My Memories of Old Beijing, Lin Haiyin’s favorite illustration by watercolor master Guan Weixing, while at the same time, the realizing approach of Peking Opera can make people truly feel this story that happened in old Beijing. I felt I was closer to Ms. Lin’s world after watching the animations. Besides, Home in Two Cities has adopted quite a few such slightly affected depicting approaches with special effects as matching dynamic news report to the page turning of old newspapers. This is deliberate, sensational and fiery, while documentaries are indifferent, honest and calm. Having realized this, the director deliberately revealed some “goof” scenes now and then, either showing the camera in the scene or keeping some shaking scenes, the purpose of which is to push the audience out of the story and back to the objective attitude of the documentary.
The Man behind the Book is a romantic record of realism
The Man behind the Book directed by Lin Jingjie is a documentary with both modernity and artistry. Because Wang Wenxing is a writer of modernism, so the film is very appropriate to echo this form.
The film has the detailed clues and rigorous framework, and of course, there are a lot of initiative and ingenuity, making the film a non-traditional documentary. In order to transform the novel into a visual story, the director simply adapted 《Festen》into a modern drama presented in the film because Wang Wenxing is a novelist. Another idea is a "cell", Wang Wenxing compared the room where he writes everyday to the cell, and Lin Jingjie shot the writing process of him in the cell. To be honest, being relaxed in front of the camera is quite hard for the writer. And it’s same for the director, since it needs a lot of communication. The scene of writing presented finally is touching, when we see the writer holding the pen beat the desktop and the manuscript, we can feel that he is beating his own soul. As to the animation in this film, it is significantly different from several other film animation, It is experimental. 《The summer at the foot of the grassland》is realistic,《Find the man back to the sea》 and 《Capriccio at Star Rain House》 just like a pioneer. Take them apart, they are all great work, so the whole film is of high quility. The soundtrack suits the literature temperament of Wang Wenxing, it has the sense of dreariment, with the animation, it impresses us with the humor and cruel of mechanical materialism.
Although this six films are directed by the six different directors, vary from style, they have something common on the whole. First, Image quality is similar to the style of 5D Mark II. Then, they all read poets or narration, they all tell a story about writers. Besides, they all use modern string music as the soundtrack, fitting the temperament of poem. These high quality literature documentary films deserve every movie audiences and literature readers experience.
Towards the Completion of a Poem is not a completed toward.
It is named from the work《The finish of poem》by Yang Mu. In his opinion, in terms of pan-righteous, writing the poem has no end, in other words, never completed, so why not add" towards "to the title, so we see this name. This film is directed by the WEN Zhiyi, the only woman in the six directors of these films, the film is relatively feminine. This, of course, is the feature and advantage of the female director.
What impressed me most is the introduction to the poem 《twelve astrological Etude》 about anti-Vietnam War. The introduction mixs the modern dance with the picture of Vietnam War ,it’s full of soft and experimental, I think this is the approach what male directors will never adopted. The film has the scene of performance, a child interpretated the childhood of Yang Mu in Hualien. The film also use the animation to explain the poem by Yang mu like the film Home in Two Cities, and lots of interview of the people related to the Yang mu as well, these are the common approaches of documentaries. A plenty of poets and students read the poems in the film, meaning that Yang's poems affect generations of people, but the director let Yang Mu read his own poems as the opening and the end of the movie, making us moved. The film focus on the poets rather than the poems they write, just like the other five movies, and that’s good. Thus the whole film is close to the poet's own temperament.