Ain't no Cassiopeia In Washington Heights, But ain't no food En La Vibora.在华盛顿高地看不到仙后座,但在拉维伯拉没有食物。奶奶临终前唱的这段说出了移民的终极困扰。
Usnavi们的父辈用尽办法来到遍地黄金
Ain't no Cassiopeia In Washington Heights, But ain't no food En La Vibora.在华盛顿高地看不到仙后座,但在拉维伯拉没有食物。奶奶临终前唱的这段说出了移民的终极困扰。
Usnavi们的父辈用尽办法来到遍地黄金的美国,而Usnavi却想念多美尼加德海滩。当你拥有天空和海洋,你会更想吃饱。当你不再挨饿,你想多看看星星。
对于美国的少数族裔来说,最难的不是生活,而是身份认同。所以Nina在斯坦福被无端怀疑搜身,她会下意识的不断道歉,而后盼望着回到自己的安全区。Usnavi想回多米尼加,也并非为了那破败的草屋,而是自己无忧无虑的童年。
Usnavi留了下来,但留下和离开都只是选择而不是答案。Nina也坚定了要继续深造,为少数族裔的福祉努力,但这也只是愿景而不是确实。
我更愿意把这群人面对苦悲喜乐的顽强看作一种生活态度。努力去改变,努力去争取,但不要因为收效甚微而垂头丧气,生活永远应该阳光向上,永远应该在喷水的消防栓旁快乐起舞。
因为两部连着看,自然就要对比。和第一部相比,总感觉人设都不太成熟,细节和感情线的穿插也不自然,也不是严格的一集两个案子,看着有点难受。
前边有一集,杨震假身份和人家说自己住东方宾馆,半路还回队里开会,季洁还到宾馆送枪,就不怕人家有人监视你们吗?毕竟对方也是个团伙啊也太不小心了。
17集,一个毒品案一个炸药案,一边季洁一边杨震。结果季洁半路就去炸药案现场了。就不怕那边突
因为两部连着看,自然就要对比。和第一部相比,总感觉人设都不太成熟,细节和感情线的穿插也不自然,也不是严格的一集两个案子,看着有点难受。
前边有一集,杨震假身份和人家说自己住东方宾馆,半路还回队里开会,季洁还到宾馆送枪,就不怕人家有人监视你们吗?毕竟对方也是个团伙啊也太不小心了。
17集,一个毒品案一个炸药案,一边季洁一边杨震。结果季洁半路就去炸药案现场了。就不怕那边突然来消息说要交易吗?这算怎么回事?这集常宝乐和田蕊都没怎么出镜,镜头偏重也很严重。
18集,第一遍检查现场发现了汽油桶,简易衣柜里的衣物用品不检查了?后来再去检查,丁箭拿起一件摸完了放床上,又拿起一件摸完了放床上。结果等杨震来喊他又说等等,放在床上的西服又拿起来,发现了口袋里的一条领带和一个眼镜盒,这又不是羽绒服,薄薄的西服口袋里一个眼镜盒都摸不出来,这个细节真的太差劲了。
20集的一句台词,郑组长去常去的饭馆吃饭,吃完饭一边掏钱一边说“这顿我请了”。你自己吃饭请谁呢?
除此之外,还有好几次找凶器不戴手套。
我看着看着就要怀疑一下难道是我自己想太多?年轻警员也看不太出来成长和进步。不过案子也都蛮有意思的。也有很多话让人感慨。郑组长说“从今天起又上班没下班了”,我就特想说你们经常没下班啊这么辛苦。还有很多全民参与的场景,让人很感动。总体只能是还行。
相较于第一部的惊喜,第二部就趋于平淡甚至平庸!场景从泰国曼谷换美国纽约,看似格局变大,其实换汤不换药。王宝强和闫先生的舞蹈变成王和白胡子老大的舞蹈,最后请三轮车阻止警察变成摩托车阻止警察…基本很多场景都可以在前作找到影子!而且一开始的左撇子的定义,到医院一个特定镜头基本上可以确定那个院长就是凶手!Q的出现(到后来才说肖不是Q)到最后的反转之前的铺垫太过于明显,给不了观众足够的惊喜!第一部的医
相较于第一部的惊喜,第二部就趋于平淡甚至平庸!场景从泰国曼谷换美国纽约,看似格局变大,其实换汤不换药。王宝强和闫先生的舞蹈变成王和白胡子老大的舞蹈,最后请三轮车阻止警察变成摩托车阻止警察…基本很多场景都可以在前作找到影子!而且一开始的左撇子的定义,到医院一个特定镜头基本上可以确定那个院长就是凶手!Q的出现(到后来才说肖不是Q)到最后的反转之前的铺垫太过于明显,给不了观众足够的惊喜!第一部的医院枪战配上邓丽君的BGM足以令人笑破肚皮,而第二部剧中的梗以及笑点都太过于勉强,甚至于没有一幕可以令人大笑的场景!最后的最后也就最后一句话引人深思:人在眺望深渊,深渊也在看你,千万别看太久!总体评价两颗半,模仿前作太多,剧情案情不够惊喜…
我特别喜欢浩哥的作品,他的电影里拍出了我小时候幻想的那种江湖和社会兄弟情,各种天马行空和不切实际,电视剧里有生活中为人处世很无奈的地方和很真实的人性,在《二龙湖爱情故事2020》这部剧中,很多人都不喜欢艾晴晴这个人设,其实每个人看待问题的角度不一样, 我是比较喜欢艾晴晴的,我喜欢她的坦率和洒脱,有时候爱上一个人真的那样,在某一瞬间某个举动触动了你的心,真就可以不管不顾一味的去付出,艾晴晴和张
我特别喜欢浩哥的作品,他的电影里拍出了我小时候幻想的那种江湖和社会兄弟情,各种天马行空和不切实际,电视剧里有生活中为人处世很无奈的地方和很真实的人性,在《二龙湖爱情故事2020》这部剧中,很多人都不喜欢艾晴晴这个人设,其实每个人看待问题的角度不一样, 我是比较喜欢艾晴晴的,我喜欢她的坦率和洒脱,有时候爱上一个人真的那样,在某一瞬间某个举动触动了你的心,真就可以不管不顾一味的去付出,艾晴晴和张立东之间他两相处很自然很合拍,也有很多话题,很多事情都能够挑明摆在明面上说开的,我不喜欢春花的唯唯诺诺,有点太过于没有个性,王春花和张立东之间的感情维持的很费力,感觉他两在一起的时候两个人不熟,于感情都太过于闪躲和沉默,两个人都很纠结很犹豫,很多时候都是刻意的去寻找话题,不懂得经营爱情,对彼此都不能敞开心扉的去沟通这就导致了两个人在生活节奏不在一条线上,有很多人觉得浩哥在这部剧里犹犹豫豫一点也不果断,可这才是普通人的真实生活,成年人的世界要顾虑的东西有很多,成年人解决问题的方式是不可以像小孩子一样什么都不考虑的什么都不在意的,虽然这部剧的结尾几集有些不着边际,但是整体来看还是OK的
我想写一篇影评,是因为要说的太多。造成评分如此的原因,其实是因为译名的问题,这个译名着实毁了整部电影,因为它和《蓝调天后》这个名字根本无关,而名字只是一个噱头。看完电影的朋友们,你们会觉得我起一个叫《黑人的地下录音棚》这样的名字能吸引观众吗,而事实就是:故事就发生在这样的一个小的空间,讲的是纯粹的黑人生存问题,而蓝调只是他们共同服务的工作和职业罢了。
我不太了解电影有没有一个在博
我想写一篇影评,是因为要说的太多。造成评分如此的原因,其实是因为译名的问题,这个译名着实毁了整部电影,因为它和《蓝调天后》这个名字根本无关,而名字只是一个噱头。看完电影的朋友们,你们会觉得我起一个叫《黑人的地下录音棚》这样的名字能吸引观众吗,而事实就是:故事就发生在这样的一个小的空间,讲的是纯粹的黑人生存问题,而蓝调只是他们共同服务的工作和职业罢了。
我不太了解电影有没有一个在博斯曼去世前成片的完整版,如果有,那么那个版本无疑会更贴合目前的片名;如果没有,那么中文译名就是彻头彻尾的灾难。考虑到故事本身发生的背景和讲述的剧情,我更倾向于维奥拉的戏份有部分删减,所以营造出博斯曼是男主、维奥拉是女配的效果。由于维奥拉是奥斯卡得主,所以把她的名字放在了前面,而博斯曼的角色确实也只是一个打工人,所以他的名字在后。但无论怎样,我觉得本片还是应该抛开片名来单独讨论。
首先我是被预告片的内容所吸引。我个人非常喜欢蓝调,这是其一;致敬博斯曼,这是其二;预告片将演员、音乐的部分结合得非常好,这是其三。而事实证明,几位演员的表演都非常出色。博斯曼的角色很复杂,但是他的演出可以在多重风格中自由切换,表演时的投入、创作时的享受、向别人介绍自己音乐时的满足感、对上帝的厌倦、对同行的不屑、对家庭遭遇的愤怒,都完全和角色融为一体。他口口声声说着我知道怎么对付白人,但当老板可以提供给他一个录歌的机会时,他卑微地像一个乞讨者,只是没有从身体上低下头而已,那是他保留的仅存的一点人格。
格林?特鲁曼饰演的托雷多,是本片最出彩的配角,说实话我不太明白他那段独白是什么意思,但我仍然觉得他的表演也是相当不错的,而他也是三个乐队成员中与勒维相对关系较好的一个。在歌曲录制完成后,勒维主动拍了拍他而不是别人;劝架时,他拉住了勒维,还告诉卡特勒,他的话没什么意思。但讽刺的是,最后他还是因为无意中踩到了勒维的鞋,而被他那种可悲的自尊心杀害;而勒维甚至不敢在老板面前,掏出那把刀子,他所谓的“勇敢”,仍然只能在黑人面前发酵。鞋是片中很重要的一个意象,那意味着尊严,而每次当他的“尊严”被乐队成员取笑时,勒维都会格外珍视。直到最后,当他觉得所有人都无所谓他的那点尊严时,他也让自己彻底失去了尊严。
我认为老板最后不选择发行勒维的歌也是可以理解的。之前他其实一直欣赏勒维的音乐,还嘱咐经纪人说,那个小号手一定要来,他的音乐很棒,而他也愿意使用勒维的改编版本。但问题在于,玛说的那句话“他们只在乎我的声音”,老板也只认可勒维的音乐,所以当玛有着比勒维更大的商业价值时,面对这两个同样爱惹麻烦的人,他自然会有所取舍。
相比较博斯曼,维奥拉的角色并不复杂,但她的表演也非常自然,并且她更准确地传达了黑人在那个社会的处境:没有人权。更准确地说是,除了声音之外,一无是处。声音是她唯一向老板要挟的资本,其实她的要求和无理并不过分,而是这个社会逼着她成为了这样的人。而当她两次义无反顾地离开录音棚,她最终也选择了妥协,我想也只是因为当白人(经纪人)都在求着她完成她的工作,她的尊严至少已经得到了挽回,或者说,她也只是为了看见白人如何乞求她。两个主角本质上都还在这个没有黑人人权的社会妥协,只不过玛还可以用声音挣扎,而勒维却几乎一无所有。
因为改编自戏剧,所以电影带着浓浓的舞台剧气息,会让人觉得不像是电影。但其实在这个狭小的空间中,黑人和白人、黑人和黑人、各阶级之间的对立与冲突并不简单,可谓戏剧感十足。两个主要人物的塑造十分成功,而他们的表演也自然为本片增色不少。我私心还是希望博斯曼拿下影帝,但确实难度不小,不过能够在生前的最后完成这样一个出色的角色,他一定也有着自己的考虑。我甚至觉得影片中的很多台词都是在描述他自己,从如何一步步走向好莱坞,到知道自己生命将逝,留下了那些誓言。他知道自己在做什么(即使身患重病仍然坚持对电影的执着和热爱),他的机会就要来了(虽然他已经永远看不到了,但我想《黑豹》和本片已经足够让他名垂青史),他不屈服于上帝(癌症可能会带走他的生命,但他不会怕,因为我正在完成一些伟大的事情,而那些作品和角色是上帝偷不走的)
最后,请不要把他简单地视作一部音乐片,事实上这本身也只是一部将音乐作为背景的剧情片。我本身是冲着蓝调而来,但其实音乐的部分完全不是核心,但几首简单的旋律也仍然扣人心弦。从这一点来看,不过分渲染音乐而简单讲好剧情,导演在90分钟的片长中做的已经非常成功了。
“其实,外国的月亮也并不是那么圆。”终于拿到担保函后,叶问用一句玩笑化解了尴尬氛围。在《叶问4:完结篇》中,这是一句很容易被忽略的台词,却是全片支点,甚至可视为整个“叶问系列”中,最重要的一句台词。
与前三部相近,《叶问4:完结篇》依然以平民化故事为开始——身患癌症的叶问远赴美国,试图帮儿子叶正获取美国某私立中学的入学资格,但该校要求,必须拿到中华总会(当地华侨组织)会长的担保函
“其实,外国的月亮也并不是那么圆。”终于拿到担保函后,叶问用一句玩笑化解了尴尬氛围。在《叶问4:完结篇》中,这是一句很容易被忽略的台词,却是全片支点,甚至可视为整个“叶问系列”中,最重要的一句台词。
与前三部相近,《叶问4:完结篇》依然以平民化故事为开始——身患癌症的叶问远赴美国,试图帮儿子叶正获取美国某私立中学的入学资格,但该校要求,必须拿到中华总会(当地华侨组织)会长的担保函。因叶问的弟子李小龙在美国开馆授徒,其中有洋弟子,违背了中华总会“不教洋人武术”的原则,而叶问又对李小龙的行为表示支持,使他与中华总会会长万宗华产生矛盾。
在生活中,这种普遍原则与具体经验之间的冲突,带有普遍性。与以往影视作品中营造出的民族英雄形象(如霍元甲、陈真、黄飞鸿等)不同,“叶问系列”呈现的是一个另类英雄:他很少谈家国天下,绝不主动出手,对所有人都以礼相待,不太看重胜负或“武林盟主”地位,只为捍卫道义底线,才不得不施展拳脚。
俗话说,文无第一,武无第二。叶问这种“不尚争”的风格,或可称为儒侠。
这与叶问本人的经历有关。叶问出身于富家,妻子张永成出自晚清名臣张荫桓(著名作家张爱玲的祖父)家族,虽处乱世,却始终保持着传统教养。据叶问的高足梁绍鸿回忆:“师父特别整洁,他不多说话,但很明显,说话时很简短很完整,说话前肯定是经过深思熟虑。他对我家里那些用人,酒楼餐厅的侍应、服务员,从来都很客气。”
在武术比赛中,叶问平生未取得值得一提的成绩,但桃李满天下,去世时,港埠同行皆为之落泪,共推他为一代宗师。在叶问身上,展现出传统儒家人格中最灿烂的一面:自尊、善良、严于律己、平等待人、重视气节。
然而,在“三千年未遇之大变局”的冲击下,这种曾被我们民族奉为典范的儒家人格遭遇空前困境,其中不通时变、拙于沟通、过度强调家长权威的短板,被充分显现出来,而《叶问4:完结篇》中并未回避这些缺点。
叶问拖着病体远赴异乡,自以为是在帮助孩子,却忽略了叶正的兴趣在习武、不喜欢上学。叶问从个人经历出发,认为习武没有前途,认为孩子的反抗只是经验不足,随着年龄增长,自然会明白自己的一番苦心。这种自说自话、自我神圣,确是传统儒家文化的一个BUG——儒家强调等级观念,长辈对孩子承担无限责任,因此享受无限权力,使父辈与孩子间很难平等对话。
这种迂阔也体现在叶问对中华总会的理解上。
儒家是一种伦理至上的思想体系(李泽厚先生称其为“泛伦理主义”),一切行为必须以符合道德为前提,这就很容易走入教条的误区。因为没有在海外生活的切肤之痛,没有饱受欺负却无处哀告的体验,叶问从儒家“有教无类”原则出发,认为万宗华等人不教洋人武术是心态狭隘,希望他们转变思维,通过推广武术改变洋人的误会。这种想法因过于天真,很难与现实相匹配,却占据着道德制高点,令万宗华无法应对,只好讽刺道:您想教我怎么做事?
显然,叶问遭遇的是一个标准的现代化问题:当传统失去效用时,我们是该放弃传统,一切以现实功利为指针,还是应不惜粉身碎骨,去捍卫前辈们几千年所珍视的原则?
坦率说,这是一个直到今天仍没解决的问题。一方面,为更好地走向世界,不惜对传统过度否定;另一方面,在我们的心中,又有一种反复纠结、挥之不去的文化乡愁。身为炎黄子孙,我们无法说服自己:难道历史上的那些英雄豪杰,那些仁人志士,那些慷慨激昂、忠诚无畏,都已失去意义?都与我们的人格不再产生关联?
是做传统的遗民,还是做文化的孤儿,这是一个两难选择。
《叶问4:完结篇》给出了自己的回答:虽然万宗华努力用现实主义态度来化解危机,以保留最后的生存空间与荣誉感,但结果适得其反,小孩子间微不足道的纠纷,竟演变成赤裸裸的挟嫌报复。身陷囹圄后,万宗华终于明白:“忍无可忍时,便不需再忍。”当万宗华走上角斗场时,不再只为自己,而且自觉地承担起民族尊严的重任。而他的失败,给了叶问一个契机,即:突破个人修养的小格局,将修身、齐家升华到更高的公共层面。
没必要强调叶问的取胜,虽然这是《叶问4:完结篇》全片的高潮,但它并不是一场正式比赛,且对手未必能代表空手道。这场胜利的结果绝不是打倒一个人,而是改变了一个群体的偏见,使“通过推广武术改变洋人的误会”的道德设想变成现实。
换言之,叶问赢了,不等于“咏春拳天下第一”,而是意味着,以“天下大公之心,求共同进步”的儒家立场取得了胜利。叶问所捍卫的,是站在人的立场上,不同文化能相互尊重、相互包容。正如胡适先生频繁引用的那句名言:“万国之上还有人类在。”而这,正是儒家思想中最有生命力的灵魂。
非常赞同这样的看法:《叶问4:完结篇》是《叶问》系列中最优秀的一部。它不仅有更好的视觉效果、叙事节奏、动作设计等,且与前三部相比,更加从容。《叶问4:完结篇》没有回避儒侠精神的短板,并通过精描叶问的转化,给出它与现代精神融合的解决方案。
在前三部中,较少呈现叶问性格中的负面因素,而《叶问4:完结篇》则更坦率:叶问在处理与儿子叶正的关系时,儒家式的内敛使他无法理解儿子,以至掌掴叶正,父子二人陷入“冷战”。他斥责儿子,与斥责来捣乱的空手道教练,用的是同一句话——“够了”。这种“适可而止”“中庸之道”,不仅难以跨越文化的隔阂,也难跨越年龄的差距。
这既是叶问的困境,也是儒侠精神的困境。
然而,儒侠精神还有“吾日三省吾身”“苟日新,日日新”的一面,通过与万宗华女儿的交往,叶问意识到“仁者爱人”更高于道德矜持。爱最终战胜了骄傲,在越洋长途电话中,叶正对儿子说:“爸爸错了。”这背后,是一个漫长的心路历程,表达出《叶问4:完结篇》的创作者们对儒侠精神可以与时俱进、可以融入现代生活的信心。
在影片结尾,叶问亲自教叶正习练咏春拳,并让叶正将自己的动作录成视频。此处是向一段史实致敬:李小龙当年从美国专程到香港,想录制叶问的演示视频,在美国发售。叶问予以拒绝,表示咏春拳是公器,不能自己拿去卖钱。李小龙抱憾而去。
叶问当时经济条件不宽裕,其长子叶准后来说:“我家当时的生活,远比电影里颠沛流离得多。”《叶问4:完结篇》加入这一桥段,展现出叶问淡泊名利的同时,还有儒侠精神中普遍关怀的一面。这就可以理解,曾被误会成“女人拳”的咏春拳,为何能在全球已拥有500万练习者,与太极拳的国际影响力不相上下。
近年来,传统武术的实战能力如何,成为热门议题,连累功夫电影的影响力也在下降,体现出现代人内心的焦虑:片面崇尚力量,一切以胜负为准绳。
这种心态的形成,与传统功夫电影有一定关系。在亡国灭种压力下,老一代艺术家将家国情怀寄托在武侠身上,塑造出霍元甲等英雄形象,他们激于民族大义,对“东亚病夫”等符号深恶痛绝,拼死抗争。遗憾的是,一些观众因此产生误会,以为打赢才是骄傲,忽略了传统武术还有更丰富的侧面,它本可以超越对抗,成为全人类共同的财富。
霍元甲等大侠所处的是一个特殊时代,他们被传诵至今,恰恰是因为,他们回应了时代的具体需要。随着时代变迁,和平发展已成今天的主流,在全球化浪潮中,不同民族间既相互依靠又彼此竞争,既有合作又有对抗,在此背景下,功夫电影是否也应与时俱进,是否也能回应时代的真问题?
显然,“叶问系列”,尤其是《叶问4:完结篇》做出了有益尝试。它不是从概念出发,而是从具体的生活实践入手,刻画的是市井中的人,而非超人。作为侠者,叶问也要面对生活琐事,也会被环境、经验、偏执所误导,但只要以儒侠精神为指引,终会成就崇高。
《叶问4:完结篇》的魅力在于,通过对儒侠精神的塑造,为儒家的现代化提供了一个解决方案。从这个意义上看,该片是一个巨大的隐喻。通过隐喻,我们才能明白,“外国的月亮也并不是那么圆”既不是嘲讽,也不是自闭,而是一种朴素的认知,这为日渐走向世界的人们提供了有益参考。
“叶问系列”已落下帷幕,儒侠精神却应长存。功夫电影不是“功夫+电影”,它同样要去探寻人间之路,同样要去设想共同的未来。惟此初心不变,则功夫电影将持续辉煌。
从大圣归来开始,国人对于动画的画风,特效就彻底被刷新和禁锢了,从而接二连三的动画都是如此彪悍的表达方式,但是我个人认为动画真的不是这样,故事内核当然都没有问题,但是这画风,这表达方式他是游戏,不是动画,满满的游戏质感,最近的几个动画作品连海报都是妥妥的游戏风格。我们需要认识到自己的不足,我们改进就是,但这不该是个标准和天花板,来限制住关注对于动画的初衷。<
从大圣归来开始,国人对于动画的画风,特效就彻底被刷新和禁锢了,从而接二连三的动画都是如此彪悍的表达方式,但是我个人认为动画真的不是这样,故事内核当然都没有问题,但是这画风,这表达方式他是游戏,不是动画,满满的游戏质感,最近的几个动画作品连海报都是妥妥的游戏风格。我们需要认识到自己的不足,我们改进就是,但这不该是个标准和天花板,来限制住关注对于动画的初衷。
第七集是BCS系列迄今为止时间叙事跨度最大的一集,同时还是本季以来拍摄炫技最多的一集……因此,本文导语也会是写最长的一次。
片头是长长的一段对比拍摄,BGM名叫 第七集是BCS系列迄今为止时间叙事跨度最大的一集,同时还是本季以来拍摄炫技最多的一集……因此,本文导语也会是写最长的一次。 片头是长长的一段对比拍摄,BGM名叫《something stupid》,即“一些蠢事”,与本集的标题一样。这首歌是妮可·基德曼和罗比·威廉姆斯唱的,旋律中男女声调鲜明又绵长的和唱,与镜头画面非常贴切。 前面还凑合可以看,到第78集看的人满脸问号,一群人装b一样在酒吧里把警察引过来然后把警察团灭了之后一段大仇得报的样子,我拜托,警察烧死你全家了?警察查到你们你们自卫杀警察我都能理解,请问现在这是什么操作,编剧脑子进水了??8集更是离谱,为什么要换成邻居的名字,为了装逼?乐队在这件事之后要是追杀幸存者,那我能理解,你换个名字自保,不然你换名字干啥??没看懂,一个小孩召集了一大群比他大的多的人作 前面还凑合可以看,到第78集看的人满脸问号,一群人装b一样在酒吧里把警察引过来然后把警察团灭了之后一段大仇得报的样子,我拜托,警察烧死你全家了?警察查到你们你们自卫杀警察我都能理解,请问现在这是什么操作,编剧脑子进水了??8集更是离谱,为什么要换成邻居的名字,为了装逼?乐队在这件事之后要是追杀幸存者,那我能理解,你换个名字自保,不然你换名字干啥??没看懂,一个小孩召集了一大群比他大的多的人作为领导组建了复仇者联盟,什么鬼呀!!一惊一乍的配乐也就算了,中国人说蹩脚的日语英语,日本人说蹩脚的中国话也就算了,作为一个悬疑片,逻辑都不能自洽。就算接受了你这什么意识控制得设定,在棒球场所有人都被控制了,男主没有,然后跑出去在出租车已经开走五分钟之后径直跑到路口被车撞,这是怎么设计的?既然乐队的人这么多年都在背井离乡躲起来,那交通事故是谁引起的?那个大魔头既然那么恨那个乐队,为什么又要用他们的音乐杀别人??一团乱麻狗屎一堆,难看 《蛇蝎女佣》轻松的氛围、充满异域风情的配乐很适合下饭 但相比《绝望的主妇》相差太远 1.人设、情节与《绝望的主妇》相似 2.台词、剧情比较表面 没有《绝望的主妇》引申内涵多 3.挖坑多 填坑不够 导致很多bug< 《蛇蝎女佣》轻松的氛围、充满异域风情的配乐很适合下饭 但相比《绝望的主妇》相差太远 1.人设、情节与《绝望的主妇》相似 2.台词、剧情比较表面 没有《绝望的主妇》引申内涵多 3.挖坑多 填坑不够 导致很多bug 尽管有怀疑Marc Cherry自2004年创作绝望主妇系列后“江郎才尽” 导致蛇蝎女佣不够出彩 但这并不影响其2019的《致命女人》 在创作女性爆款上令人瑞思拜 《审死官》已经是很老的片了,不记得多少年前看过一半,所以最近又翻出来仔细的品味了一番,星爷的电影好评度基本都是非常的高,电影,无论是政治或者搞笑亦或者是无厘头,观众看完都要有一种脱离社会且不高于社会的体验感,这一点星爷做的非常好,宋世杰被利益所诱惑却在拷问人心良知上的大公无私,在大难临头时却依旧不离不弃,在强权下对公正的不依不饶,在感情中对夫妻间的信任等等 我们放入社会来看星爷的 《审死官》已经是很老的片了,不记得多少年前看过一半,所以最近又翻出来仔细的品味了一番,星爷的电影好评度基本都是非常的高,电影,无论是政治或者搞笑亦或者是无厘头,观众看完都要有一种脱离社会且不高于社会的体验感,这一点星爷做的非常好,宋世杰被利益所诱惑却在拷问人心良知上的大公无私,在大难临头时却依旧不离不弃,在强权下对公正的不依不饶,在感情中对夫妻间的信任等等 我们放入社会来看星爷的电影,在现实社会中官官相护,利益熏心下的人性,大难临头的舍去,电影无一不在嘲讽社会的面貌,看完后观众们会说,宋世杰,只能是一个出生在电影里的人物。 最为欣赏的剧情 “老婆,这一票都是些什么人啊?” “官啊!” “官啊,好厉害哟!” 扬长而去 《小舍得》中,张国立虽然不是主演,但是他在剧中起着非常重要的作用。剧情的发展,以及南俪和田雨岚的“较劲”皆是因他而起。 当年他为什么离婚呢? 《小舍得》中,张国立虽然不是主演,但是他在剧中起着非常重要的作用。剧情的发展,以及南俪和田雨岚的“较劲”皆是因他而起。 当年他为什么离婚呢?
在《西风烈》以前,我想不出中国内地有完全类型的警匪电影,时至今日中国观众所能接触到的华语警匪电影还是基本上来自香港,这对于即将进入世界第二大电影市场的中国电影来说,不能不说是个尴尬。而从《风声》到《西风烈》,高群书所确立的主旋律与类型化相结合,在主流价值观体系下放大电影商业元素的创作模式,对于与观众需求相背离的现行审查体制下的中国商业电影创作来说是具有破冰意义的。也许《西风烈》放在好莱坞的话仅仅是一部中等投资规模的常规警匪片,但对于习惯了本土化叙事和人物的中国观众来说,这里有更多让他们感到亲切和意会的元素,所以当《西风烈》中出现“史上最牛钉子户”、拆迁办和城管大队等社会符号式的字眼时,我仿佛看到了创作者在银幕背后媚眼如丝:“这些,你懂的……”这与我们在美国大片中寻找中国元素的欣喜是不可同日而语的。
《西风烈》是高群书对于标准好莱坞商业片模式的一次勇敢的全面尝试,影片主体全部由动作段落组接而成,而每个动作场面又突出不同的元素,拳脚、飙车、枪战、爆破……这也是《西风烈》最抢眼的部分,奠定了影片狂飙突击的刚猛火爆风格。文戏穿插跑位的功能性很强,就是高效率地推进情节和塑造人物。一个追杀与反追杀的故事,《西风烈》的情节并不复杂,于是影片更多地将笔墨用在了刻画人物上。可以说《西风烈》最难能可贵的是其中八个主要人物全都立住了,通过道具细节或首尾呼应都有个性的充分展示,是内地电影中难得一见的丰满的群像戏,其中吴镇宇扮演的杀手麦高让我想起了高群书当年电视剧《征服》中孙红雷扮演的刘华强,同样是将反派做大做强的路数,正邪的较量被推向极致,十分过瘾。
《西风烈》用四个与动物相关的绰号来指代四大名捕,并赋予各自不同的技能和特长,这种人物设定是标准的好莱坞超级英雄电影的套路,而在人物的辨识度和立体化上,远超前不久上映的美国影片《敢死队》。从观感上来看,《西风烈》是一部标准的好莱坞风格的爆米花电影,用强势的视听效果来占据观众感官,用连续不断的小高潮来制造保持观众持久的兴奋点,人物设定走的是美式超级英雄的套路,狂飙突击的主线情节,以及奇诡险绝的自然环境所营造的末世废墟氛围,让观众接受了影片的架空感,那种生死关头的调侃和置之死地而后生的对抗方式,都与现实的警察办案方式离得很远,这与高群书早期的公安题材影片《千钧,一发》的写实风格形成有趣的对比。在美国大片占据中国银幕的今天,中国的电影应该也必须走出这一步,以满足观众日益趋高的视听要求,包括前不久的《精武风云》也是一部本土化的好莱坞模式的爆米花电影,不管是否成功,这种尝试的勇气都是值得嘉许的,毕竟是在为中国电影走出一条新路。
曾经有人用“尽皆过火,尽皆癫狂”来形容全盛时期的香港电影,其实《西风烈》是也带有这样的过火气质的,无论是人物塑造还是桥段设计,都显得用力很猛,这在当下的审美趣味关照下,也许会显得有点过犹不及,比如几个动作段落的节奏把握有失精炼,略显冗长拖沓。而且动作和转场的剪辑并不精准,过渡不自然,给人跳戏的感觉。也可以看出这是高群书试图确立风格的一部影片,融入了很多个人趣味,如崔健的音乐,但这毕竟不是一部作者电影,有些东西出现的时机和动机未必恰当,比如吴镇宇和着《红旗下的蛋》的歌曲第一次出场,整体的氛围和节奏都显得很牵强。另外觉得影片最大的败笔是音乐,太缺乏想象力了,激昂有余而肃杀不足,对画面的烘托作用远未达到应有的力度。
感情戏就不说了,恩,再战明天的主题还是要得的。明天,是有对比的明天。有希望,有盼头,有信念,才可能留住今天,来日再战。只能说好的希望和坏的希望就是有没有未来,可不可以坚持的问题。
囚禁的到底是人还是欲望?
是人自己选择了囚禁还是被动的?
身体的囚禁与心
感情戏就不说了,恩,再战明天的主题还是要得的。明天,是有对比的明天。有希望,有盼头,有信念,才可能留住今天,来日再战。只能说好的希望和坏的希望就是有没有未来,可不可以坚持的问题。
囚禁的到底是人还是欲望?
是人自己选择了囚禁还是被动的?
身体的囚禁与心的囚禁,影响的又是什么方面?
说不好,但是可以留给思考吧。
最后,觉得没有死刑不是一件好事。哎
张家
张家辉饰演的宗华是戏班班主的儿子,他本在大陆做出版生意,结果被骗财后狼狈逃回,女友也跳楼身亡。他回来后同父异母的妹妹晶晶对他态度恶劣,戏班里的其他人也对他不太客气。然而老班主被女儿气的住院,神功戏开台在即,当家花旦小燕姐便让宗华当代班主,撑起戏班。
孰料怪事开始接二连三的发生。先是晶晶被附身,继而宗华开始看到许多异象,随后小燕姐也失了神,整个戏班被异界骚扰不得安宁。终于宗华从戏班老员工那里听到坊间传言,戏台所在的地方在四十年前曾发生一场大火,死伤无数。老班主觉察事情不妙,从医院跑回来救自己的儿女,结果非但无力回天,还被鬼附身差点掐死儿子。危急关头,宗华大喊一声你们冲我来,被鬼上身后他终于知道了戏班闹鬼的缘由——四十年前那场火,是宗华的母亲、当时神功戏班的当家花旦艳秋姐放的,当时的她因为伤病被还年轻的老班主禁演,取而代之的是她的跟班小徒。艳秋姐为了重返舞台不惜委身班主,可谁知班主也同时与那小徒有染,艳秋姐失身又不遂愿,不甘催生报复,于是一把火烧了正在演出的戏台,那些作祟的鬼怪,正是当年枉死的女小徒和其他冤鬼,趁着鬼月重返人间,它们想找替身,它们更想报仇,最后宗华重演了母亲当年自尽而亡的场面,以死了断了这场盂兰神功。
因为片子的叙事手法并非平铺直叙,而是以插叙的方式将四十年前的起承转合不断呈现,令人以为是同一时空的双线叙事,直到快接近尾声的时候,宗华是当年艳秋姐之子的身份才大白于天下,而他所遇上的怪事倒也有了一个稍微符合逻辑的解读。然而,如果深究因果,这电影就有太多遗憾之处,很多桥段本应有更亮眼的展开,比如被附身后渴望登台的晶晶,老班主与儿子的爱恨纠葛,宗华商败,甚至于宗华那位往生的女友(究竟是不是她先附身于小燕与宗华尽鱼水之欢,而后小燕再被怨灵附身双灵争风?)······很多本能让电影更饱满的细节,最后只是起到了一个吓人的作用便“一吓了之”,为吓而吓的布局,未免有些可惜。
片中最亮眼的部分为张家辉通过监视器看到自己跳楼,之后看到女鬼逐渐向他靠近并通过监视器看他的那一段独角戏。无论是镜头表达,还是张家辉本身的演出,都让整部电影进入一个被恐惧包围的高潮。这种观看与被观看的拉锯关系令人毛骨悚然,而通过特写镜头与音效逐步将观众拉入到这一关系中,更添惊惶。另外晶晶被附身的那一段则化用了“蓝可儿事件”,以电梯监视镜头角度呈现,话题性十足。作为恐怖片来说,《盂兰神功》不乏吓人之处,不断利用音效、镜头、人物特写,一点点勾勒恐怖氛围,表现中规中矩,尚算合格。
演而优则导,这似乎是很多影视圈人士的必经之路。作为张家辉的导演处女作,《盂兰神功》在剧情上差强人意,不过镜头语言上可圈可点。毕竟身上带着幽默细胞,电影里同样有些桥段令人莞尔,但总的来说,在这应景的鬼月,参加完热闹的盂兰盆节,再体验一下告祭亡灵的《盂兰神功》也不妨,当然,这第一排的座位,就让它空着吧。(综合)
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