因为徐静蕾，自己看了这部电影。感觉真的很不错，徐静蕾很有气质的女性。上个世纪能拍出这样的电影，感觉是相当不错的。
电影氛围五个场景的描述，囊括了青春、新婚、中年、老年等，诠释了各个阶段的爱情：

《声音》一段，以一段年轻人特有的单纯来对待感情，缺乏理智却十分鲜活，让人向往，年轻时不成熟的，但是是热烈的。背景音乐很好。
《玩具》一段，很有创意的一段婚后生活描述，生活的单调枯燥被玩具给打破了，是一种无稽又是一种无奈，最后的不舍表现出了应有的亲情与融合；
《十三香》一段，离婚的不舍与眷恋是必然，因为习惯与熟悉，但是结果很好，因为它离了，这才是正常的，小孩的那段还是感人的，因为有家的温馨；
《麻将》一段，虽是一场闹剧，但是也是能给我们一些完备一些思考的，因为他是我们的将来，亦是我们当下的长辈，他们或者将来的我们需要的是一个说话的人而已，因为害怕寂寞。
《照片》一段，徐静蕾的出场，充满了艺术创意，满足了我们的幻想，因为她的不真实，最后的一个镜头让人充满思考，一种茫然，一种期待，一种未来——————

悬念不是很够，但是也让人茶前饭后多了又一讨论话题。笑，是缓解压力的方式之一，而本片就有此功效！开心一点，笑容多一点，工作事业也顺心点，笑对人生！

这篇影评可能有剧透 在观影之前，对本片没抱什么期望。如果知道这么有趣的话，当时真应该在公映前去参加一下业内场，好有时间做个深度评析。 《碟中谍》系列是后冷战时代的产物，虽然他的电视剧原作处于60-70年代，但是首部电影版已是1996年的作品。这个系列最初的意识形态介于007和《谍影重重》之...  (展开)

本只是想在短评里面大概抒发一下感情，但是一说就打不住了，于是转到这里写一篇长评吧，大家请拍砖。

这是我第一次到fox LA的总部看screening，很是兴奋。绕过大大的studio，到了不起眼的剧院，因为我们卡点去的，所以剧院里已经坐了满满的人，来这里看screening的人都是“关系户”吧，哈哈。

很快剧院的灯就熄灭了，剧院一片漆黑，然后屏幕亮起，没有预告片，直接进入了电影。

其实epic的故事很简单，不过故事虽然简单但是又非常的奇妙，很多想法都很特别。这里就不剧透了，大家可以自己去发现~

我一向都是对大自然题材的动画特别偏爱，宫崎骏的动画中有许多描绘大自然的画面，那些巨大的树，仿佛有生命一般保护着这个世界。这部动画更是赋予了森林里的每一个生物以生命，那充满色彩与生机的画面，深深打动了我，让我同时也非常佩服制作这动画的工作者们丰富的想象力。

另外，还要表扬的就是，电影里无处不在的幽默，我也可以说这是美国动画的一个共同点吧，总是在细节处加入许多幽默的对话、桥段，让人捧腹大笑。不过，美国人本身就是挺有幽默感的，所以写些这些有趣的片段应该也不是难事~

除此之外，电影里也充满了正能量，父女之间的，朋友之间的，长辈与晚辈之间的。虽然说故事很离奇，但是角色所经历的情感的波动并不特殊，其实就是我们平日生活中能经历的事情，所以让人也非常有共鸣。让我看得几度也感动得热泪盈眶。

电影结束，大家都没有走，我也一直看到了最后，这部电影前前后后的制作一共有1万2千人的参与，真的算是很大的制作了。我真的非常感谢并且佩服他们，给我们带来了这么棒的电影，它不仅是给孩子看的，更是给大人看的。

看过之后我相信大家会更加热爱大自然吧，我看的同时也想到了我们中国的动画，且不说文化的差异，但是我想对自然的热爱与崇敬应该是共通的，我相信我们也可以做出这样感动人心的动画。

P.S. 电影结束之后，顺便转了转fox总部，很漂亮，真想在这里工作呀。

首先说明一下 这片出自无声的坍塌 我只是转过来 看了七月与安生，被安利的片子。 有几点想说的。 电影乱拍，导演恶意乱搞，故意美化安生。 开始还有些代入感，直到七月在新婚前夜让家明离开自己，就知道这是导演的矫情。 很多人说看哭了，但我没啥感觉。眼泪本来就是廉价的东西...  (展开)

Q：張三【「一時半刻」公眾號主編】
A：徐迎利【電影《東莞女孩》出品人】



Q：
很难得，徐先生联系「一時半刻」，面对面闲谈。
恕直言，前几天我编发了一篇文章《抽东莞水，还是正东莞名？》，直接批评《东莞女孩》的电影海报「俗」。听说这篇评论还引起了一些要紧的争议？

A：
这篇文章我认真读完了，主要指我们的海报是一幅水彩的裸女，而且还露点，让人觉得低俗。但文章作者之所以这么批评，我想他应该没有看过我们的片子。
其实这幅裸背女孩的水彩画，正是影片一个很重要的「纽带」，它可以说是男女主角（男画家和东莞女工）的爱情证物，也间接令女主角受过很深的误会（就像被那篇文章批评低俗类似的误会），但画作最后的去向给我们带来惊喜，在片中帮助更多人改善生活，背后反而是一种无私的施予。
另外，其实在此之前我们在莞城做过一场试映会，请一些从事文化、影视和媒体工作的朋友来看片，片子在做后期的阶段，我都很重视搜集各方意见，及时修善。
有一点你有所不知，我本人就是一个画家，我们学画，要临摹各种各样的男女人体，在我眼中这是创作的主题，而不是欲望的对象。所以，到时你们去看完这部《东莞女孩》，我真心相信观众回过头来看海报，不会觉得「低俗」。

Q：
我不知道你看到这样的批评有没有生气，或者叫冤明明我的出发点不是这样。
但每个事物都脱离不了自身的「语境」，不同人在看同一个事物时，得到的观感自然也很难跳出社会环境的「上下文」，包括东莞经历扫黄风波这样的社会内容。我看过《东莞女孩》的两款海报，一款是女孩半露背影的黑白照，一款就是这幅水彩裸女，这对很多观众来说，难免会引起联想，即使大家心里都明白，这可能只是宣传的噱头罢。
但我很高兴徐先生重视通过本地的自媒体，用更平易近人的形式，分享自己筹备这部片的一些想法，这可能比千篇一律的新闻通稿更有传播力。而我一直以为，对事不对人的评论应该是自由的，「一時半刻」这样的丁点小号在东莞微不足道，但自由评论的空间不应该微不足道。尤其对文艺作品而言，我们都期待看到城中好作品，而民间评论的土壤不可或缺，我觉得它就是创作人、评论人、观众乃至作品市场共同发育成长的桥梁。

A：
其实这两款海报只是初期宣传阶段的设计之一，我们同时委托了好几家公司去设计，目前我们敲定的版本是不一样的，我把最新这版海报附在这里给大家看看，也欢迎提意见。

实际上，我在取名《东莞女孩》和设计海报的时候，并没有考虑要用所谓的身体消费来吸引眼球，这种路线不是我想走的；另一方面，我也不会在海报上印东莞中心广场纽带雕塑的标志，政府宣传式的路线也不是我想要的。我想让大家感受到，这是东莞民间个人自发投资的电影作品，选的是自己的构思，就是要反映电影故事的本身。
我听到不同的声音，没有生气，但是很着急，自己第一次出品电影，就像自家孩子一样，非常在乎。

Q：
第一次投资拍大电影，为什么取材东莞？

A：
因为我对东莞太有感情。
我是陕西人，1992年来东莞，到今天23年，也算老莞人了。当时刚到东莞，我在附城梨村当厨师，炒菜，接着自己出来做馒头卖，后来做些小生意，再到做广告牌，再到现在做商务酒店，我个人的奋斗历程就在东莞这片热土上，伴随着东莞社会多年的起伏和变迁。现在我一家大小都住在长安，有朋友劝我搬到其他大城市，劝我出国，我发现自己已经离不开东莞了，它就是我的家乡。
业余我酷爱艺术，当然包括电影，之前我也投资过几部本土的微电影，后来在朋友那里听到《东莞女孩》这个故事的原型，很受感动。其实类似的故事很多，陕西的河南的安徽的女孩来东莞打工，她们把青春和汗水付给这座城市，但怎么变成要她们承受起这么多舆论包袱？
我敬重这样的打工群体，很希望给这些在莞打工的女孩拍故事，拍她们当主角的大电影。还有一个插曲就是之前有个全国范围的美术水彩评奖，东莞就我一个人获奖，这启发我把画画这件事揉进剧情里面。

Q：
很多投资人觉得我只管投钱就行了，具体怎么做我不管，反正最后能赚钱就行。你觉得你是怎样的投资人？

A：
我是一个相当操心的投资人。你不知道，我筹拍《东莞女孩》到现在，白头发多了不少。因为我这性格和对自己的要求没法撒手不管，我在乎能不能把想拍的内容尽力拍好，我不想辜负这个东莞女工的题材，我会沉下去跟进具体的工作。
比如《东莞女孩》的主题曲，我找了上海的音乐人创作词曲，一开始让一个音乐院校的女孩唱一版，但始终觉得不到位，那女孩太年轻，唱不出歌曲的感情。后来机缘巧合，我通过朋友联系到毛阿敏，我三顾茅庐过去跟她谈，诚意说服了她来演绎。她相当敬业负责，一开口跟我拿的不是歌词谱子，而是剧本，她说要先看过剧本。直到要进录音棚的那天，她才问我要歌词，但那时对歌曲和电影的整个感情基调，她早已了然于心。
还有电影里面的配乐，本来用的是电声乐队的配器，直到年初看了《狼图腾》，觉得交响乐真的好听，震撼人心，我又要改了，就去上海请了一个交响乐团给《东莞女孩》配乐。没别的，就是为了把这部东莞题材的大电影制作得更加精致，更加拿得出手，你说我算不算不惜工本。



Q：
可以透露你个人在这部片子上投了多少钱？

A：
一千多万，快两千万了。但交了很多学费。感觉自己到了就算砸锅卖铁也要努力做好的地步。所以那篇文章批评我「抽东莞水」，可我怎么觉得抽的是自己的水，自己的血？

Q：
有没有后悔的一时半刻？

A：
在东莞这么多年，我学到的一样东西是敢做敢试。
东莞是制造业名城，但不要做文化沙漠，民间的文化艺术就要发展，如果仅仅想赚钱难道没有其他更稳当的投资吗，为什么剑走偏锋，一心「触电」？因为我就是想为东莞的文艺创作出一份力，因为我就是想拍出东莞女孩的故事，我想让全国观众都能看到，打工女孩在东莞是自珍自爱的，是自强不息的，难道这不是我们东莞这座城市的青春缩影吗？我想让全国各地的乡亲父老看到，年轻人来东莞打工，是可以让你落脚的，是有奔头的。

影片一开始还是讲述10个高中生被抓到一个封闭的楼房，每人脖子上都带有项圈，根据后续片子的讲述有两个作用，杀人和使他们因窒息晕倒，到最后可以分析出的狼人配置：短发女，眼睛女，还有天然呆预言家，电影版的狼人游戏是没有女巫角色的，因为真人死了不能复活，有守卫还有巫女能知道被杀的是狼人还是村民，但是在电影中出现两个预言家对跳的情况，竟然连续两个晚上都没有投出狼人，而狼人也没有杀死真预言家，刚好吻合电影的设定，这帮人都不会玩，但是狼人迷就看的难受了，在这种配置下，狼人是不可能卖掉自己狼同伴的，所以当有一个预言家验出狼人票死后，巫女又得知被票死的确实是狼人基本就可以坐实真预言家身份了，而另外一个预言家是直接可出的，可是居然让那个假预言家活到最后一晚，只能说编剧的目的就是想让所有人死。另外，电影中有几个不合理的桥段，其实仔细分析也有其合理之处。一、丸山兄弟的哥哥，为什么项圈摘了之后要逃跑，通过电影可以看出楼层并没有其他人，每次票死的尸体都是由这些游戏者收尸，幕后人只是通过摄像头和项圈来控制他们，但是被发现逃跑后很容易引起警觉，所以最好的办法就是让自己被票死，然后装死，最后悄悄逃走，可是电影中哥哥摘下项圈后竟然直接逃走了，根据之前的表现可以看出哥哥并不是一个笨拙的人，我分析电影中给出的解释就是他疯了，由于处在这种随时会被杀死的抑郁环境中，所以当获得自由的那一刻他疯了，才会疯狂的大笑，跑的时候也笑（不会低调点→_→），最后被撞的渣都不剩。二是，真预言家为什么不归票假预言家，因为游戏中有一个重要的角色-暴民，电影中真预言家也就是丸山兄弟的哥哥也说过，姑且认为你是暴民，在狼人和暴民并存的情况下，肯定先出在晚上能够杀人的狼人，所以丸山哥哥也不用去验天然呆，在最后没人可出的时候出他就行了，只可惜最后他逃跑了。三是，为什么狼人杀的都是女生，两个原因：1，女生比较好杀；2，天然呆狼人的特殊癖好。通过电影可以看出悍跳预言家的天然呆验人也是一直只验女生，而天然呆，短发女，眼睛女这样的狼人配置中肯定以天然呆为首，所以杀人也只杀女生，这些村民是真的设定愚，这么明显都没有看出来，顺便说一句，短发女口口声声保护女生可是杀女生又杀得那么欢，人性真是可怕。
当然除了这些片子也有些许亮点，比如相马守卫无视游戏规则通篇守女主，最大的亮点就是最后女主拿到的是狂人也就是暴民身份牌（差点看成狼人了），用计引出了真正的狼人天然呆，可喜可贺。
但是这片子的槽点也是满满，槽点一：女主路人脸，通篇都在一副很惊恐的样子，虽然可能是想表现出这部电影的氛围，但是出于演技方面的原因只会让人觉得很浮夸看的很难受。
槽点二，丸山哥哥一跑出去就有货车把他撞死了，最后男女主角当着摄像头的面扯掉项圈，一没有人进来惩罚他们，二没有人追他们，两个人就顺着小路跑啊跑，电影就结束了，导演你特喵的真不是在逗我？你以为在拍黎明杀机，逃避了万恶的农场主的追杀？
好了就说这么多，片子通篇没有什么特别亮眼的地方，也没有犯很严重的逻辑错误，给个三星吧，建议如果手贱不小心点开了这篇影评的小伙伴就不要去看电影了，没有特别亮眼的地方╮(╯▽╰)╭

黄昏里一盏明灯:他们在岛屿写作
文 / 蒋斐然

“是谁传下这诗人的行业，黄昏里挂起一盏灯”。

在这文学阅读日益衰退的年代，《他们在岛屿写作》挂起了黄昏里的明灯。

我们不禁感叹，台湾啊台湾，台湾啊台湾。看似被政治力搅和得乌烟瘴气的台湾，看似民风日下乐娱表浅的台湾，却从不叫人真正失望，因为在这个岛屿的某个角落，某个时刻，总是不期涌现这样那样充满力量的的影音创作与文学记忆，无法被乱流冲走，无法被历史埋汰，让人重新坚信美好的存在。这个市井与纷争的小岛，像极了春秋战国时期的中国，乱力之下有自由，自由之下放百花。

他们在岛屿写作。他们是谁？“他们”指向的是一个漂浮游移却隐然成形的时代群体，既有历史时间的距离，又有美学感性上的回眸。“岛屿”作为一种历史地理的指称，潜藏了在地思考的逃逸路径，跳脱省级，无关统独，抛却了僵硬的国族符号，抛却泛政治化的情感动员。而“在岛屿写作”则形构出一种当下此刻的书写进行式，贯穿过去与未来，以写作的创造性能量，标记岛屿之浮光掠影，“岛屿写作”，让岛屿不先于写作而存在，让“写作”无法离开岛屿而成立。

六位文学大家，来自四面八方，出生地殊异，成长地殊异，但都在岛屿写作，都在书写岛屿，都在以文学书写作为逃逸陈规范式的路径。值得思考的是，其中的几位作家都是从大陆过去台湾的。余光中曾这样描述他所经历的地方：大陆是母亲，台湾是妻子。何以母地的生子都绽放在他乡的爱情里，而后又缱绻于怀乡的诗情里。不论时事，搁浅政治，但省两地的人文落差，便叫人戚戚。

《他们在岛屿写作：文学大师系列电影》创造了文学纪录片的一个奇迹，成为去年台湾一个重要的文化事件，让人唏嘘之余感到欣慰——还好，文学还在；还好，读者还在。这套影片的奇迹在于，它以非凡的诚意打动了六位文豪的联袂出镜，以纪录片的预算制作出了电影规格的影像，以文学电影的姿态站上了公映院线，以低调的妆容赢得了高调的票房和口碑。虽非商业片，却敢于挑战观众的口味，不得不敬佩，作为发行方和制作方的目宿媒体确实具有过人的胆识和先天下之忧而忧的人文情怀。但谁也没有想到，在这样速食消费的年代，悠长缓慢的诗歌又唤起了人们心底对文学的柔软记忆，真诚朴质的影像挖掘了字里行间的乐趣，拉近了观众与诗人的距离，抵抗了阅读衰退的忧虑，这表明不管时代怎么变，人性最初的那份纯洁与美好是不会消褪的。

你看到诗人的生活，看到他们作为一个人是如何存在，然后你突然就读懂了他们的诗。比如，我看《化城再来人》时非常惊讶，或许之前听说过在武昌街摆书摊的周梦蝶，但并不知悉他原来人如其诗，早已老僧入定，生活作诗仿如修行。再如余光中先生的诗应该为大陆观众所耳熟能详，但在纪录片《逍遥游》中，我才完全地尝到了乡愁的滋味，也才明白之前脑海里的余光中并不是真正的他，他的诗我也并非真的懂。这不就是纪录片的意义所在吗，带领观众进入和理解一个未知的世界。

《他们在岛屿写作》成功了，在台湾，第一次有这样的纪录片能够在院线联映五周之久，怀揣着所谓的传说中的“纪录”与“文学”两大票房毒药，却眼睁睁地火爆了市场，成为一种奇特的现象。不论是文艺界还是非文艺界，都不断有仁人志士站出来鼎力相荐。张艾嘉为首映站台，马英九看后将预告片投上FACEBOOK大力夸赞，又有多少民众一看完片子，就涌起一股满满的冲动，奔向书店购买诗集。也就是说，人们又开始读诗了。这难道不是最大的奇迹吗？

若说以上是电影之于文学的奇迹，是电影为文学的普世化和复兴作出了贡献，那么反过来，其实文学也同样滋养了电影。《化城再来人》和《如雾起时》的导演陈传兴说，文学总能给电影注入大量新鲜的内容。文学电影的类型在亚洲尚未流行，在世界范围内，其实BBC早已拍摄过很多系列的作家纪录片，美国的大学也设有文学电影的课程。但在整个大中华地区，《他们在岛屿写作》是第一个做这件事的人，若这一波电影的佳绩能兴起整个文学电影类型在亚洲的发展和崛起，那就丰富了我们的电影市场和电影创作，不论对影人还是对观众，都是打开了一个多元化的出口。从纪录片的意义上说，也是对纪录电影创作现状提供了一种激活的可能性。当然这需要所有人的协助和推广，而我们，正是在做这样一件事。

在宝岛，有人在努力的保留纯文学的火种。而中国大陆，也曾像这个岛屿一样，经受过动乱对文学的摧残，如今却少有人以主动的姿态践行对文学的热爱。但我相信，这里同样潜藏着一大批坚定的文学青年，而台湾文学正是他们成长路上的重要养分，只是在这样的时代背景和社会风气下，他们选择了隐藏这份欲说还休的炽热。此番在HAFF能够一瞥这些文学大师在银幕上巨大的身影，必定会振奋这群长久遭边缘化的文青的心。而那些许久未拾书卷的人，或也会在看完这一系列的电影之后，重新回归读者的身份。另一方面，也是给大陆电影单一乏味的商业趋同提供一种反思，为食之无味的观影市场注入一剂新鲜的青草味。这里的观众已坐在黑暗的影厅里等候许久，等待着在大荧幕上看到不一样的电影，等待着在从电影里找回久违的感动，等待着恢复封存多年的文艺味蕾。

《两地》分属的风景

《他们在岛屿写作》展现出的是影像威力下的时代感性。

六部电影有叙事结构上的繁复，有影音调度上的别出心裁，更有美学与伦理上的巧妙幽微。有别于传统“作家身影”的拍法，六部纪录片的每一部片都有两个创作心灵的呼应与頡抗，一个是使用文字的作者，一个是使用影像的导演，彼此之间的微妙张力，让影像不再是文字的二次表述，让文字跳脱怀旧氛围，重新展现当代感性。

《两地》，台北和北京，台湾和大陆。此片在构思上颇有深意的地方在于，导演杨力州在片中彻头彻尾地将“两”的概念诠释到底。他将林海音的女儿去北京探寻母亲旧地的过程拍下来，与早前林先生自己去北京寻访的影像并置，两次的镜位和路线都很相似，甚至女儿和母亲都问了一些一样的话，由此两两相望的感觉就浮现了，暗示着代代相传，也暗示着两地纽带不断。配乐师柯智豪为了呼应“两”的概念，将俄系与欧陆两大乐种的旋律和节奏调配在一起，但其实所有场景的主旋律又都暗藏着《送别》的音符，因为它是此片音乐的主轴。剪辑上也频繁地展现出两两对立的撞击。比如说，叙事说到了林海音先生因为刊登了风迟的文章而被免职时，画面首先是当年“文学须服务于政治”的宣导片最后会场鼓掌的一幕，紧接上的就是严肃沉重的字幕，告知观众，在这个掌声底下，林海音被免职，在这个掌声底下，风迟被判三年六个月的徒刑。像这样的例子比比皆是。另值一提的是，《两地》中有大量的动画。动画部分并不疏离出戏，它是精致温馨的，因为原画取自于林海音最喜欢的关维兴水彩大师的插画《城南旧事》，而京剧的实现方式又让人感受到这个在老北京发生的故事。我看完动画的感觉是，跟林先生的世界又近了一步。《两地》也采用了不少稍显矫情的特效渲染手法，比如翻页的老报纸配上动态的新闻报道，这些是刻意、煽情而炽热的，而纪录是淡然、诚实而冷静的。导演也意识到了这一点，所以有意时不时地曝露一些“穿帮”镜头，或是让摄像机入镜，或是保留一些晃动不已的画面，为的是将观众从故事中推出去，回归纪录的客观姿态。

《化城再来人》的一天

《化城再来人》时长163分钟，六部中最长的一部，以我浅见，也是最有深度的一部，也可以说是最靠近电影的。它的叙事定点有如《尤利西斯》，一整部纪录片讲述的是周梦蝶的一天的回忆，但叙事线条并不单一，其中叠合了回忆的多重时间点，显示出周公本身性格的复杂性。第一次看这部纪录片的时候，令人印象最深的是周公的声音，他一直在不紧不慢却又用力地嚼着他的诗和尺牍，仿佛诵读也是一种修行。

周公的诗中呈现的是一种不纯粹的语言，旧诗，禅诗或偈语，全部糅杂在一起，而《化城再来人》将这些不纯粹凝结在一起的纽带就是周公的声音，包括它的质感，快慢，节奏等等。而声音就是时间的另一个指标。我们听着周公的念白，就真真切切地体会了他那句“只有时间嚼着时间的反刍的微响”。导演陈传兴说，“周公平常说话经常陷入一种独白的境况，即便与人对话，对面的人于他而言也只是回声墙。而念诗的时候却大不一样，念诗的时候是他与他的诗对话，你观察他特写的脸，感觉声音在他好似山脉的一起一伏的肌肤上流动。”这本身就是一种梵文的心境，这种诵读是一种非人间的与神对话。除了周公的声音之外，潜伏在影片始终的另一个重要的声音就是水流的声音，当然是隐喻时间的纵向宽度，对于周公这样一日如一生的文人来讲，这水流声又添无限禅意。

完整看过此片的人绝不会忘记开头和结尾呼应的江面，那过去的江面要去向哪里，谁都无解，就像时间要流向怎样的未来，我们都无从知道。为了反应周公这样的犹疑而不确定的生活在在台北城里的“悉达多”，导演甚至将周梦蝶的淡水河比作印度的恒河，拍摄了两地的画面混剪在一起，有意让人分不清到底是淡水还是恒河。

全片的叙事非常从容，毫无夸张矫饰之处，但阅毕周公的印象已如烙印般深铭心中，那样的气质不只是“入定”或是“出世”可以简单形容，他可以随时对外界打开，也可以随时关闭。陈传兴将周公比作漏斗，外界的事物可以经过他的身体，然后完完全全地流过去，不留下一点残余。而《化城再来人》最出色的地方在于，他没有只顾着刻画周公这种外界既定的佛者文人形象，它呈现出了一个真实的人内心的矛盾，对男女情感的期待和纠葛，对宗教的坚定与不坚定，对人生取向的来回摆荡。比如周公谈三毛那段，我看到是觉得惊异又觉得真实。再如谈到周公去电影社看电影时，投影在斑驳墙上的影片是卡尔?德莱叶的《吸血鬼》（1932），那一幕讲述的正是一个男人救赎了女人，这样细腻的安排归功于导演对周公复杂性格准确而敏锐的捕捉。这其实是非常难的事情，因为周公不是剧本里被塑造出来的人物，而是创作团队在有限的时间里新认识的活生生的人。

此片的剪辑非常尊重时间上的连贯性，未有打动干戈，自然而有力，体现了纪录片剪辑最好的状态。尤其开头周公起床、吃面、上厕所、洗澡那一长段，几乎没有话语也没有配乐，非常漫长，但周公的生活状态和精神世界已赫然显现，因为时间在他身上本身就走得比较慢。同样周公所有讲话的速度和长时间的停顿也被充分地尊重，包括他偶尔瞬间入定而长久静白的沉默，动人深刻。

《逍遥游》是一出自由的纪录剧

《逍遥游》的特色在于有一个完整的剧本，陈怀恩导演是电影出身，拍摄的时候就有分镜了，因而系统性非常强，当然也有精心雕琢之感。片子定位在余光中四十岁左右“你不知道你是谁，你幻灭”的人生阶段的议题上，进而引出诗人一生不停地自我争论，与自我对话的主题。

由于是年轻余光中，所以有大量搬演的部分，用以再现余先生当年读书写诗的场景，是六部纪录片中编剧搬演最多的一部。除了搬演部分的编剧，他们也有让年轻的台大诗社成员热烈讨论余光中的诗这般的情景预设。所以这部纪录片其实采用的是比较剧情片的构思和制作方法，包括预设主题，到实现方式，都有许多企划的痕迹在里头，也就是说，是纪录内容在跟着主创走，而不是主创跟着纪录内容走。但这样的高控制力的企划对于观众来说还是有效的，观者能很好的进入故事，进入到导演预期的情绪里。旁白声音挑选和剪辑节奏都精心设计。比如《沙浮投海》这首诗是由万芳来朗读的，沙浮尸一个女诗人，这是一个女诗人投海自杀的故事，所以由一个悲伤的女低音来朗读就仿佛第一人称演绎了这首诗的故事。全片影像风格唯美写意，旁白的交错与视觉搭配，就已经奏出一曲漂亮的诗歌。

《如雾起时》是一曲哀歌

《如雾起时》拍郑愁予，同样出自陈传兴导演之手，但与《化城再来人》是完全不同的调性。我觉得《如雾起时》是一曲哀歌，它的气质是比较沉重的，是围绕着诗与历史展开的。比如他采用了大量客观性陈述的旁白，选取了一个低沉的女音代表一个第三人的角度，一个在故事之外的全知全能的角度，讲述一些关于诗人的事实。

全片的架构清晰可见，前半部分比较男人戏，有很多史料影像，回顾诗坛文坛的几次论争，而后郑愁予结婚成家，影像转到了非常有生活气息的家的空间里，转到了美国的宁静薄雾里，转到了郑先生夫人和其他几位女性知识分子的视角里。这种性别视角的转移与时间线性的发展相吻合，不知不觉中也就完成了影片气氛的转变。另外一个转变是相对于主人公的镜头机位的转变。开片访问郑愁予的一幕是在小河边的一个推轨镜头，镜头一直处在诗人的背后方，随着叙事的展开，机位慢慢地转到传主的正面，观众对郑愁予的认识也慢慢加深。

陈传兴对很多意象和动作都有非常主观而深层的解读，但全片的影像还是采取了一种比较遥远的观望姿态，并未作过多注脚。在《如雾起时》里，他更多的是在呈现一种诗的历史，所以前半段使用了大量史料报章，蓝星旧刊等过去的实物来目击历史。后半段是郑愁予在美国的工作和生活，于是出现了毕业证书，学位证书，荣誉证书等见证物。这些统统被端端正正地放大在镜头前，诉说诗与历史的关系，因为历史说到底是以一桩桩的事件来标记的。

影片前前后后充满了呼应和对照，比如美国1970年爆发的反越战学潮的新闻影片和保钓行动的影像都对照了台湾50年代八二三炮战前后肃杀和动荡以及六七十年代中国的文化大革命的激进。陈导有意识地在用各种方法加重片子的严肃气氛，呼应那个时代的沉重。比如全片处处有字幕（侧标），有的是史实，有的是观点，有的在黑幕时出现，有的甚至就打在人物脸上。而这些侧标字数多，速度快，观众根本来不及读完，而导演就是有意为之，有意让你负荷过重，从而体会那种硬质的沉重。但有时，你不得不承认，陈导因为将其丰厚的艺术电影的涵养都呈现在画面里，其中的深意和过多的隐喻并非一般观众能够消化领悟。

《寻找背海的人》是现实主义的浪漫纪录

林靖杰导演的《寻找背海的人》是极具现代性和艺术性的一部纪录片。王文兴本身是现代主义风格的作家，因此影片呼应这种形式上的对接是非常恰当的。

《寻找背海的人》有非常细密的线索和严密的架构，也有很多创举和巧思，属于比较非传统的纪录片。因为王文兴是小说家，为了将小说的故事诉诸视觉，林导干脆将《家变》改编成了一个十足现代性的舞台剧呈现在片中。另一个构思是“牢房”，王文兴将其每日写作的那间房比作牢房，林靖杰就拍摄了他在牢房里的真实写作过程。这对于作家本身来说是不易的，要做到放松地在摄影机的监视下工作。对于导演来说也是不易的，因为其间需要大量的磨合和沟通。最后呈现出来的那种真实的状态是令人动容的，当你看到作家握着笔竿不断地敲打着桌面和稿纸的时候，你也能感受到他正在敲打自己的灵魂。再如此片的动画，明显区别于其他几部片中的动画，实验性很强，像《草原底盛夏》有着超现实的调性，《背海的人》和《星雨楼随想》则有着十分先锋的气质，单独拿出来看，都已经是很棒的作品，所以整个片子的完成度也就显得非常高。配乐非常吻合王文兴的文学气质，有苦涩沉闷的味道在里头，尤其是动画的配合，充盈着机械主义的幽默和残酷在里头。

这六部电影虽然出自不同的导演之手，风格各异，但在整体上竟然也呈现出了巧妙的统一性。影像画质都很相近于5D Mark II的风格，都采用了读诗和念白的手法，也都围绕着作家本身展开叙事，配乐几乎一致地采用了无调性的现代弦乐，非常贴合诗文的气质。这一套非常高质素的文学纪录电影，值得每一位电影观众和文学读者细细咀嚼和珍藏。

《朝向一首诗的完成》是个未完成的朝向

《朝向一首诗的完成》取名于杨牧《一首诗的完成》，但杨牧认为，从泛义来讲，写诗并没有完成，何不加上“朝向”二字，于是有了“朝向一首诗的完成”。此片是温知仪导演的，是六部片中唯一一部由女性执导的片子，十足的女性色彩，手法比较阴柔。这当然也是女性导演的一个特色和优点。

影像部分印象比较深的是介绍反越战的《十二星象练习曲》这首诗时搭配了现代舞和越战资料重叠的画面，非常柔美和实验，我觉得这是男性导演绝对不会采用的手法。影片有加入搬演的部分，由一个小孩子来演绎杨牧小时候在花莲的时光，也有像《两地》一样，采用动画来诠释杨牧的诗歌，也做了很多跟杨牧先生有关的人的访谈，这些都是纪录片常用的实现方式。诵诗部分请来了很多其他诗人和学生分别念诗，寓意杨老师的诗影响了世世代代的人，但影片是以杨牧先生自己朗诵自己的诗作为影片的开篇和结尾，听来叫人非常感动。这部片子跟其他五部片子一样，很好的一点在于，他们把重心放在诗人本身上，而并非单单在他的诗作上，于是整个片子就很贴近诗人本身的气质。

A Beacon in the Dusk: The Inspired Island

Jiang Feiran

“Who left the profession of writing poetry, hanging up a beacon in the dusk”.

This generation witnesses a gradual decline in reading literature, The Inspired Island hangs up a beacon in the dusk.

We cannot help sighing with emotion: Taiwan, oh Taiwan; Taiwan, oh Taiwan. Taiwan, which seems to have been polluted with a foul atmosphere by political power and filled with a decaying folk custom and a superficial entertainment circle, never truly disappoints people, for at a certain moment from a certain corner of this island, there would always unexpectedly spring up some powerful video or audio creations and literary memories never washed away by turbulence or weeded out by history, bring back people’s belief in the existence of beauty. This island, with its marketplace culture and disputes, resembles the old China during the Spring and Autumn Period, showing in the turbulence freedom, under which bloomed all flowers.

They are writing in the Island. Who are they? “They” refers to drifting but invisibly formed generation group, which boasts not only a historical distance, but also an aesthetic and emotional back-glance. “Island”, a historical and geographical nominatum, conceals an escaping path of thoughts regardless of provincial class, unification or independence and discards the rigid national symbol and politicalized emotion movements. And “writing in the Island” forms a current proceeding of writing what connects the past and the future, skimming over the surface of the Island with the creative energy of writing. “Island & writing” makes “Island” exist not prior to “writing” and “writing” unable to exist without “Island”.

Six literary giants, coming from various backgrounds with different birthplaces and places where they grew up, are all writing in the Island, writing the Island, and escaping from the stereotyped forms by writing. What is worth thinking about is that some of them all came to Taiwan from China’s mainland. Yu Kwang-chung, one of the six, once described the places where he experienced his life: China’s mainland is the mother, while Taiwan is the wife. How come that children born in the mother’s land are blooming in the love of a place away from home, and then deeply attached to the nostalgic poetry? Regardless of the current events and the politics, only the cultural divergence between the two places could already make people sorrowful.

The Inspired Island: Series of Eminent Writers from Taiwan is a miracle of literary documentaries, making itself an important cultural event last year in Taiwan and bringing delight to sighing people—it is well enough that literature and readers are still here. This miraculous documentary aroused the feelings of six literary giants with extraordinary sincerity, made the image with the form of films by using the budget of a documentary, released to the public with a literary attitude and won a high box-office and a great reputation with a plain appearance. Though not a commercial film, it delivered the courage to challenge audience’s taste, which irresistibly generates our admiration for Fisfisa Media, the issuer and the producer, for its super courage and selfless humanistic feelings. However, it is out of all people’s expectation that it this age of fast food consumption, long and slow poetry has re-aroused people’s tender memories for literature, and sincere and simple images have excavated the interest among the words and between the lines, shortened the distance between the audience and poets, and resisted the worry of reading decline. This indicates that in whatever way the times changes, the original purity and beauty of human nature would remain unfading.

You would suddenly understand their poems by observing poets’ life and their ways of existence as a human. For instance, I felt rather surprised when watching The Coming of Tulku. Perhaps I had already heard about Chou Meng-tieh who had a bookstall at Wuchang Street, but I did not know that he was just like his poems, regarding life and versifying as cultivating himself, very calm and without worldly passions. Also, the poems of Yu Kwang-chung must be very familiar to readers in China’s mainland, while it was in The Untrammeled Traveler that I came to fully sense the nostalgic feeling and came to realize that the Yu Kwang-chung existing in my mind before was not the real him and that I never truly understood his poems. And this is where the significance of documentaries—leading people into and then to understand an unknown world— can be found.

The Inspired Island was a great success. In Taiwan, it was the first time for this kind of documentaries to be shown in cinemas for five continuing weeks. With so-called two poisons for box-office, “documentary” and “literature”, it became surprisingly hot in the market, marking a miraculous phenomenon. People with lofty ideals showed their great recommendation in succession, no matter from the literary and art circles or not. Sylvia Chang, an actress, showed her support by attending the first run; Ma Ying-jeou, the Taiwan Leader, posted the prevue onto the FACEBOOK after watching it and revealed great appreciation; many other people, after watching it, all flooded to bookstores for collections of poems with enormous passion. In other words, people begin to read poems again. Isn’t that the biggest miracle?

If the aforementioned is the miracle brought to literature by films or the contributions made to literature’s popularization and rejuvenation by films, the following could be regarded as the nourishment that literature has in turn provided for films. Chen Chuanxing, the director of The Coming of Tulku and Port of Mists, said that literature could always inject abundant fresh content into films. Viewing worldwide, we may see that BBC has produced many series of documentaries for writers, and there are also courses on literature films in American universities, but literature films are still not popular in Asia. In the whole Great China, The Inspired Island was the initiator of that. If this achievement can generate the development and expenditure of literature films in Asia, it would enrich our film market and film creation, opening a diversified exit for both filmmakers and the audience. Viewing from the significance of documentaries, it would also be stimulus for the current creation of documentary films. That surely needs all people’s support and promotion, and this is what we are exactly doing.

In Taiwan, some people are striving to keep the kindling of pure literature, while in China’s mainland, where literature once experienced similar damages due to turbulences, there are few people initiatively practicing love for literature. But I believe that there also incubate a multitude of literary youths, and Taiwan literature is the very nutrition during their growth. It is just that under this background and social morality, they choose to conceal the fervor of keeping what they are eager to express. This time, a glance of the greatness of these literary giants on the screen during the HAFF would surely inspire those literary youths who have long been undergoing marginalization. Also, those who have not read for long would probably win back their identity of being a reader after seeing this series of films. On the other hand, it also provides an introspection for the dull, stuffy and commercialized films from China’s mainland, bringing the tasteless film-seeing market fresh energy. The audience here have long been waiting in the dark video halls for showing up of “different” films on the screens, for the long-awaited touching affection from films, and for the recovery of artistic taste that has been sealed up for years.

The Separated Sceneries of Home in Two Cities

What The Inspired Island reveals is the emotion of times under the power of images.

The six films boast complexity in narrative structures, uniqueness in video or audio adjustments and wit and profoundness in aesthetics and ethnics. Unlike traditional filmmaking of “writer’s silhouette”, each of the six films has two creation souls echoing and clashing with each other. One is the author who uses words, and the other is the director who uses images, both of whom show subtle tension between each other, making images not just the second expression of words and words jump out of the nostalgic atmosphere and display the modern emotions.

Home in Two Cities refers to Taipei and Beijing, and Taiwan and China’s mainland. This film delivers profound meaning in its meditation that Yang Li-chou, its director, made a complete interpretation of the concept of “two” throughout the film. He photographed the process of Lin Haiyin’s daughter’s visiting her mother’s former site in Beijing and then co-arranged the image of the earlier visit of Ms. Lin herself. The two shoots were quite similar in both camera locations and routes, even the daughter and the mother both asked some same questions, as a result of which the feeling of the two shoots’ echoing emerged, suggesting the transmission from generation to generation and the strong connection between the two places. In order to echo with the concept of “two”, Ke Zhihao, the background music controller, mixed the melodies and rhythms of Russian and continental music, while the themes of all scenes conceal the note of Seeing Off, which is the principal axis of the music of this film. Also, collisions are frequently seen in the editing of the film. For example, when it came to the narration that Lin Haiyin was deposed for publishing Fengchi’s article, the frame was at first the applauding scene in the meeting place of the guiding video of “literature should serve the politics” in those days. What followed was solemn and serious subtitles informing people that it was behind these applauds that Lin Haiyin got deposed, and it was behind these applauds that Fengchi was sentenced to three and a half years. Examples like this can be found everywhere. Another point worth mentioning is that Home in Two Cities possesses many animations, which are exquisite and comfortable and not isolated from the film, for the original painting was taken from My Memories of Old Beijing, Lin Haiyin’s favorite illustration by watercolor master Guan Weixing, while at the same time, the realizing approach of Peking Opera can make people truly feel this story that happened in old Beijing. I felt I was closer to Ms. Lin’s world after watching the animations. Besides, Home in Two Cities has adopted quite a few such slightly affected depicting approaches with special effects as matching dynamic news report to the page turning of old newspapers. This is deliberate, sensational and fiery, while documentaries are indifferent, honest and calm. Having realized this, the director deliberately revealed some “goof” scenes now and then, either showing the camera in the scene or keeping some shaking scenes, the purpose of which is to push the audience out of the story and back to the objective attitude of the documentary.





The Man behind the Book is a romantic record of realism

The Man behind the Book directed by Lin Jingjie is a documentary with both modernity and artistry. Because Wang Wenxing is a writer of modernism, so the film is very appropriate to echo this form.

The film has the detailed clues and rigorous framework, and of course, there are a lot of initiative and ingenuity, making the film a non-traditional documentary. In order to transform the novel into a visual story, the director simply adapted 《Festen》into a modern drama presented in the film because Wang Wenxing is a novelist. Another idea is a "cell", Wang Wenxing compared the room where he writes everyday to the cell, and Lin Jingjie shot the writing process of him in the cell. To be honest, being relaxed in front of the camera is quite hard for the writer. And it’s same for the director, since it needs a lot of communication. The scene of writing presented finally is touching, when we see the writer holding the pen beat the desktop and the manuscript, we can feel that he is beating his own soul. As to the animation in this film, it is significantly different from several other film animation, It is experimental. 《The summer at the foot of the grassland》is realistic,《Find the man back to the sea》 and 《Capriccio at Star Rain House》 just like a pioneer. Take them apart, they are all great work, so the whole film is of high quility. The soundtrack suits the literature temperament of Wang Wenxing, it has the sense of dreariment, with the animation, it impresses us with the humor and cruel of mechanical materialism.

Although this six films are directed by the six different directors, vary from style, they have something common on the whole. First, Image quality is similar to the style of 5D Mark II. Then, they all read poets or narration, they all tell a story about writers. Besides, they all use modern string music as the soundtrack, fitting the temperament of poem. These high quality literature documentary films deserve every movie audiences and literature readers experience.

Towards the Completion of a Poem is not a completed toward.

It is named from the work《The finish of poem》by Yang Mu. In his opinion, in terms of pan-righteous, writing the poem has no end, in other words, never completed, so why not add" towards "to the title, so we see this name. This film is directed by the WEN Zhiyi, the only woman in the six directors of these films, the film is relatively feminine. This, of course, is the feature and advantage of the female director.

What impressed me most is the introduction to the poem 《twelve astrological Etude》 about anti-Vietnam War. The introduction mixs the modern dance with the picture of Vietnam War ,it’s full of soft and experimental, I think this is the approach what male directors will never adopted. The film has the scene of performance, a child interpretated the childhood of Yang Mu in Hualien. The film also use the animation to explain the poem by Yang mu like the film Home in Two Cities, and lots of interview of the people related to the Yang mu as well, these are the common approaches of documentaries. A plenty of poets and students read the poems in the film, meaning that Yang's poems affect generations of people, but the director let Yang Mu read his own poems as the opening and the end of the movie, making us moved. The film focus on the poets rather than the poems they write, just like the other five movies, and that’s good. Thus the whole film is close to the poet's own temperament.

谈到杰哥饰演的英雄，《中南海保镖》中的许正阳无疑是我心中最完美的角色。他干净的发型，他利落的身手，他的白衬衫，初来乍到时他面对杨倩儿的不配合所表现出来的宽容与责任感，他阻止杨倩儿出门时无意中触伤了杨倩儿默默地敲打着车身递给倩儿纸巾擦干眼泪，他在因为延期出庭错过了南巡任务很懊恼时被杨倩儿吵着“我要出去玩！”更加心烦意乱抛出一句“去吧！去玩个够！”后却依然默默保护着她，他在商场对杨倩儿的舍命相互，他用自己的故事教育和安慰偷换了手枪而导致梁胖受伤的小Billy，他在杨倩儿跟他真诚的说“对不起”之后的舒心一笑....

最爱《中南海保镖》，不仅是因为许正阳这个角色深得我心，更是深深的被许正阳和杨倩儿之间没有甜蜜的对白和过多的承诺却愿意为彼此付出生命的爱情所感动。

商场枪战是两人关系的转折点，从这之后杨倩儿对许正阳没有了不耐烦和刁难，开始靠近他、配合他、关心他、甚至开始依赖他。她爬上扶梯给冒雨修监视器的正阳撑伞，她没话找话问正阳一大堆问题，她故意摔倒让正阳抱住她，她试探性的问正阳“你有没有女朋友？你肯定说没有，那我当你女朋友好了”，见正阳不语，她又自打圆场说“其实你也不太适合我”。

如果说商场枪战是杨倩儿对许正阳萌发感情的铺垫，那么杨倩儿生日那天的三人晚餐便真正让杨倩儿确定了对许正阳的感情。忙于生意的宋世昌专程赶回来为杨倩儿过生日，在点餐时他握住杨倩儿的手，这个情侣间平常的举动却使杨倩儿有些不自在，杨倩儿却下意识的把手收了回来，面对宋世昌的询问杨倩儿因为走神完全答非所问，她假意去厕所舒缓一下自己的心情，不料却被和正阳一起扶起的不小心摔倒的外国女人误解“your boyfriend is very gentleman”，她在宋世昌说“我不能送你回去了，我要到下星期才会回来”时一改往日对宋世昌的万分不舍和埋怨轻松的答道“不用了，好啊”，她在回程的车上把眼神投向正阳，正阳也刚好从后视镜中看见微笑着凝视自己的倩儿，短暂的四目相对后正阳马上移开了自己的眼神，整个车里顿时充满了暧昧的气息，连小Billy都有所察觉捂着嘴偷偷地笑了。

再后来，终于到了那个让人难以平静的夜晚，正阳一个人坐在沙发上，喝着水若有所思，拿起了监视器寻找着什么。切换了好几个地方都没有发现杨倩儿的身影，最后竟发现杨倩儿就站在自己的身后。看着倩儿脉脉含情的一步步向自己走来，他紧张的不知所措，来回切换着画面，用“监视器坏了，我出去修理”想逃避正面相对的倩儿。倩儿给正阳温柔的戴上了她送他的表，欲言又止，只是一句简单的“晚安”。在告别正阳走上扶梯时，不甘心的倩儿又一次试探性的问“你觉得香港有没有什么让你留恋的？”却被正阳的回答“我想没有”，把想说的话又生生咽了回去附和道“我想也是，晚安。”

“晚安。”倩儿走了，剩下正阳孤零零的坐在沙发上，他静静的看着倩儿房间的灯灭了，思绪万千。此刻，抒情的背景音乐响起，“你还有什么怀疑，你还要怎样来逃避，难道你只懂保护自己，再拿不出一点勇气……”正阳看了看自己的两块手表，默默地拿下了自己戴了多年的那块表，看到这，我不禁悲悯，难道就只是这样了么……然而，一片寂静中正阳的呼机响起，那是倩儿的呼救讯息，他敏捷的爬上楼梯冲进倩儿的房间，一片漆黑中他在把倩儿误当做敌人摔倒发现是倩儿后迅速躺倒在地接住摔下的倩儿，他在倩儿说不小心按到开关想要离去时被倩儿牵住后的一脸惊愕，“ 有些话我一直想跟你说，却不知怎么开口，I love you”，倩儿终于鼓起勇气向正阳告白。短暂的震惊过后，他深情地凝视着倩儿缓缓走到她跟前，正当我们都以为下一秒就是我们期待的那个理所当然的情景时，画风突然一变。只见正阳绕过了倩儿走到窗前拉下了百叶窗，被倩儿误会后慌乱的解释“我不是这个意思，你不要误会”，而倩儿也打开了门走到他跟前轻轻说“我也不是这个意思”。

那一刻，他们之间靠的那么近，近的彼此都能感受到对方的呼吸，可是，他们之间却又那么远，近在咫尺却无法触碰。倩儿退到门口，关了灯，一席白色长裙的她在黑暗中格外亮眼，只见她粉面含羞、眉目传情地一步步走来，正阳被逼到窗前，一手缓缓拉下百叶窗，银幕也在一格格的变暗，当我们都屏住呼吸以为正阳终于不再逃避自己的感情勇敢地迈出了那一步时，画风再一次骤变，“太晚了，早点睡”，正阳快速绕过倩儿离开了房间，徒留倩儿落寞地靠着门还没从这一连串期待和失望中缓过神来。

其实正阳何尝不爱倩儿，他明明在无意瞥到宋世昌抓住倩儿的手时连忙不自然的移开了视线，他不断切换着监视器只是为了看一眼倩儿的身影，他发现倩儿向自己一步步走来时的不知所措，他在倩儿离去过后失魂落魄的呆坐在沙发上回想这天晚上的一幕幕，他在听到倩儿对自己说“I love you”后的浑身一颤……可是他极力压抑着自己的感情，我能看到他绕过倩儿时眼里闪过的煎熬，我能听到他面对倩儿时急促的呼吸声，正阳，他不是对爱情不勇敢，只是他背负了太多道义和责任。此时倩儿还是宋世昌的女朋友，自己只是暂时保护她的安全，“我保护证人是不可以分心的，工作就是工作，不可以有私人感情”。看到这我不禁为他们感到惋惜，保镖就不是人么？就不能有私人感情么？两情相悦，何不抛开那些死板的所谓道义，勇敢地去爱自己心爱的人呢？

但后来我发现我错了，爱一个人并不一定要将她占为己有，而是真心希望她能够过得更好。就像《那些年》里柯景腾参加沈佳宜的婚礼时说的“我错了，原来，当你真的非常非常喜欢一个女孩，当她有人疼，有人爱，你会真心真意地祝福她，永远幸福，快乐。”所以，我们看到正阳离开时宋世昌想起正阳对自己说过的话“女人是需要花时间陪的”，一句简单的话语折射了正阳从心底希望倩儿能够过得幸福。

最后正阳和倩儿互为彼此挡子弹的一幕可以说是他们之间感情的确定和升华，也恰到好处的呼应了这首《不要逃避我的眼睛》的背景音乐的那句“愿意付出生命的爱情”。不曾有过一个爱字出口的正阳，不曾对所爱的人有过芳泽之亲的正阳，情最深处，用生命为爱做了最绚丽的绽放。这般平常小心翼翼、默默守护，关键时刻奋不顾身、豁出生命的爱情，成了我心中永不能忘怀的绝唱。

断断续续花了三天时间，终于把自己心中最感动的那份感情写了出来，致不可磨灭的经典——《中南海保镖》。后面还会努力写杰哥的黄飞鸿系列，超喜欢他和关之琳这一对荧幕情侣，写这几部也是个大工程，今天就酱，晚安~

去年的夏天，眼光极准的芒果台播出了一部军旅剧，《神犬奇兵》并无当红演员的加入，最大的卖点就是“萌犬”。令人意外的是这部卖相平平的剧，取得了收视大捷。今年的夏天，擅炒冷饭的芒果台如法炮制，用《神犬小七》接棒都市偶像剧《冰与火的青春》。

“萌犬+军旅”换成了“萌犬+都市”，阵容平平也变成了金世佳+郭碧婷的偶像组合，你完全可以把《神犬小七》当做升级版的《神犬奇兵》。考虑到芒果台正在热播的《爸爸去哪儿第三季》，你不难理解《神犬小七》“卖萌”定位的精准。

从剧作角度说，《神犬小七》是都市爱情喜剧，金世佳和郭碧婷的贫嘴男+高冷女的定位都是熟口熟面。凭心而论，这部剧的制作并不糟糕，演员贴切萌犬讨喜，乍一看简直是暑期合家欢的佳作。

凡事就怕“但是”，《神犬小七》固然不错，但是才第一集就有两场戏让我愣住了。自打小七的主人带着它出场，它就变成了一部无法接受的电视剧，因为三不五时这只狗就会进入到各种公共场合，而且它总会因为种种原因，完全不受到狗绳的束缚。

看起来这是小事，但这背后不只是涉及到养犬法规，更加是一个公共安全的话题。我以北京为例吧，根据现行的《北京市养犬管理规定》第十七条的规定：不得携犬进入市场、商店、商业街区、饭店、公园、公共绿地、学校、医院、展览馆、影剧院、体育场馆、社区公共健身场所、游乐场、候车室等公共场所。

就在小七几次三番大发神威之际，我实在不能不注意到，剧中的这些场景都命中了点名禁犬的地点。非只如此，官方规定“携犬出户时，应当对犬束犬链，由成年人牵领。”然而在剧中，狗链却是可有可无的，但凡有剧情的需要，主人就会放任小七去奔跑甚至追击。

更不提政府规定“对烈性犬、大型犬实行拴养或者圈养，不得出户遛犬。”我们不去纠结神犬小七是不是大型犬了，但事情实在不复杂，爱狗者想要遛狗，一定要拴好狗链，并且由成年人牵领。当然了，假如爱狗者养的是烈性犬、大型犬，那么抱歉了，压根儿就不容许出门。

我们知道法律和条例是行为底线，之所以会如此规定，说到底是因为人权高于狗权。无论是牵绳，或者是禁止出户，都是基于人员安全的考虑，犬只威胁到人身安全，那是绝对不能接受的。

在《神犬小七》里，小七不但能出入各种公共场所，而且女主人被抢包之后，甚至能化身执法者去追回。男主角和情敌在发生争执之后，狗主人一怒之下直呼“小七，咬他！”这种纵狗伤人的行为居然也出现在一个“卖萌”的电视剧中，简直让人匪夷所思。

要知道，牵绳不但是文明养犬的提倡，更加是法规条例的要求。非只我们国家的多数城市均有规定，在其他的国家和城市也有类似的法律。例如美国著名的“三吠”原则（犬吠超过三声，狗主人就要受到惩罚）；法国犬只要挂名牌，否则会被当做无主犬收容。在中国香港，不牵绳的就算是无主犬。

所以《神犬小七》我只会看一集，因为它只应该播出一集，小七在主人的纵容之下，已然违反了相关养犬规定。以北京市为例，小七的主人应该被处500元以下罚款；情节严重的，没收其犬，吊销养犬登记证。

值得注意的是，针对犬只的执法权属于公安机关，在《神犬小七》里民警不但没有执法，反而为不牵绳的小七叫好。这种神剧情，我只能理解为剧方不但不懂法，而且还污蔑我公安民警也不懂法了。

@澎湃

这篇影评可能有剧透 就看你的戲真的是，有沒有那麼戲劇化的。 十一點的早場，快開場了，工作人員走進來說機器壞了，這場放不了了，可以有退錢或者改場兩個選擇。 這是我人生第一次遭遇回水好麼？？ 沒想過對你喊了那麼多次回水居然有天能夢想成真好麼？？？ 全場人當時都傻了，這是早上11點的早場...  (展开)

    跟不知道的人推荐这部片子，说这是我最喜欢的片子的时候，许多人都会以为是那部大陆所谓的偶像剧，诧异的说：“你居然会喜欢看那么...的片子呀？”只好在那解释此片非彼片，然后又有很多人会说：“我对那种题材不感兴趣...”于是我就只能处于失语状态了。
    这部片子里，让我印象最深刻的就是主演们的笑。其实我并不是很喜欢看同志片的人，总觉得那些片子的内容或背后太过沉重。爱情无关男女，只是感觉对就好，而由于世俗或其他，一个个导演、编剧以及作家总让它涉及太多太多的社会、舆论等因素。可能个人还是喜欢把世界看的太过的简单，喜欢一切美的圆满的东西，而这部片子恰恰迎合了我的心理。
    其实脱离同志题材，这部电影其实讲述了一个简单的故事。两个人，从不认识到相恋再到误会再在最后走向幸福的明天。但不知道为什么，看似这么简单的一个故事却深深吸引我看了一遍又一遍，让我深深地喜欢上了片子里的每一个演员，DD、YOYO、金勤以及里面的所有所有。整部电影给人的感觉是那么的舒服，不时让人莞尔，憨憨傻傻的小天，骨子里呆呆却故作世故的小宇，可爱的CC...当然还有我们重要的男主角“不锈钢”(Duncan)。
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《父女大战：解放布兰妮 》作为纪录片，本作在技术层面上以及内涵上都表现得相当平庸。唯一的亮点是其原英文标题：Britney vs Spears 这味道很难翻译出来，就只能意会了。 不过平庸归平庸，作为一个对布兰妮完全不了解的路人，这部影片还是帮助我大致明白了这些年再这位世界巨...  (展开)