不得不说，台湾称得上艳丽的女星，最漂亮的，是隋棠。好了，该说点电影的东西了，题材挺不错的，天才邪恶漂亮女医生从不得不说，台湾称得上艳丽的女星，最漂亮的，是隋棠。好了，该说点电影的东西了，题材挺不错的，天才邪恶漂亮女医生从小培养一批暴力倾向的孩子，为己所用，干起了杀手的行当。男主作为杀手，却看见了以前杀的人变成了鬼，只好去找仙姑解救，踏上了寻找雇凶之人，替鬼报仇的路，最后当然要和天才邪恶漂亮女医生翻脸...整个剧情其实挺吸引人的，只是没有把重点拍出来，而是走向了类文艺的方向。结局仙姑的身体被天才邪恶漂亮女医生的灵魂占据了，虽然说是想搞个反转，但，之前铺垫太少，有点不伦不类。小培养一批暴力倾向的孩子，为己所用，干起了杀手的行当。男主作为杀手，却看见了以前杀的人变成了鬼，只好去找仙姑解救，踏上了寻找雇凶之人，替鬼报仇的路，最后当然要和天才邪恶漂亮女医生翻脸...整个剧情其实挺吸引人的，只是没有把重点拍出来，而是走向了类文艺的方向。结局仙姑的身体被天才邪恶漂亮女医生的灵魂占据了，虽然说是想搞个反转，但，之前铺垫太少，有点不伦不类。

这篇剧评可能有剧透 一天刷完万国志，今天在二刷。看完的那一刻热泪盈眶。 07年我八岁，每天地方台六点会放《秦时明月》，从那时候就爱上了这种架空历史题材的艺术作品。秦时一追就是十几年，虽然后期越来越水，越来越拖，但是十几年的情怀在这里，《秦时》就是我心头的白月光。 直到我看了《万国...  (展开)

国内首部关注国民“幸福指数”的婚姻情感大戏《假如生活欺骗了你》值得期待。陆毅在接演《假如》之前，以往的许多作品都给人阳光帅气善良的形象。但在<假如>中，陆毅饰演的黎阳从小成绩优秀，全家寄予厚望。他为事业顺利和权欲私心，不惜背弃青梅竹马的多年女友，不择手段往高处攀爬的形象，在那样一个社会背景下，一个人的个人奋斗不好用简单的“好与坏”一个单纯的字来评价，带有社会角度的问题，陆毅是怎样来演绎的，有兴趣的不妨一看。

杰克布莱克或许是看到了摇滚校园的成功 想如法炮制再续辉煌 必然观众也会买账吧？
但是这部的立意和主题实在很糟糕———
1.本身宿命匹克这个概念就傻 吉他靠的是刻苦训练根本不可能有捷径
2.通篇看两个胖子卖基实在让人有点糟心 这都算了 一大把年纪居然还卖萌...
3.高度根本不能与摇滚校园相比 前者教会孩子们勇于创新和别去墨守成规的精神 但是也不要误入歧途（杰克布莱克去找小鼓手那段真的很有教育意义） 要开创个性培养爱好而不是成为乖乖学生；这部呢？除了两个屌丝整天幻想着成为摇滚明星却除了不务正业就是飞叶子 有诱惑和问题就心猿意马互相指责推卸 或许不该对一部恶搞屎尿屁太过认真 但自己只是对杰克布莱克深感失望
本片为数不多的亮点———
1.OST确实很好听 音色技术乃至编曲都是可圈可点 歌词为了配合电影不忍直视就略为不提吧
2.本斯特勒大部分是演相对一本正经的角色 在这部里客串了Guitar Center的店员一反常态的大长发和鬓角胡实在让人忍俊不禁
3.Dio本人客串的影片开头的海报还倾情献声实属意外




最后附上OST虾米地址
http://www.xiami.com/album/148629?spm=a1z1s.6659509.226669510.14.pWDFeN&from=search_popup_album

本片从拍摄 情节 语言等艺术角度来看，都是挺好的一部片子，可是结尾非常糟糕，如果直接删除给什么革命份子送枪交接这个情节，就完美的很，否则就变成一部赤裸裸的阴谋片，从皮货夹带玉石，到中途改变路线，这纯粹就是一帮阴谋家设计出点小钱让苦哈哈们拿着最原始的武器帮他们送货的故事。这让我想起以前拍的一个红军片，最后真实的为了拍片需要把狗给炸死，十来年后一帮子所谓的老演员，老师，说什么当时哭了，这种情况一样，让人恶心，请问这个社会怎么啦？还有点正确的是非观和民主观吗？我觉得二尕子应该直接一枪干掉那个什么老板比较合乎情理！还得加一句：“你们的命是命，我们的就不是命吗”。

这电影太棒了 由一个火星引发的核弹 如果在一个国家 把辱骂当做合理的言论自由 如果民众上诉维护自身权利被更高权利所限制——“我是总统我当然有权利这么做” 如果把对另一个人民族仇恨和歧视当做常态 尊重人的权利放下仇恨这就是电影所讲述的 开始我对男主这个人很讨厌 认为...  (展开)

这是一部非常欢乐又非常美的纯爱电影。 有校园初恋，却没有绝症，新郎不是我，却没有痛哭流涕。 尽管它一早就以片名预示了结局—— 2018年韩国新片《你的婚礼》，豆瓣评分7.1。 高中时懵懂的初恋不过是重复了前人的老套路——翘课、街头吃炒年糕。 被老师发现，东躲西藏。 在雨...  (展开)

如果让我打，我打4星，因为我不确定我看懂没，在我不一定看懂的情况下，我觉得不还不错。

我喜欢片子监狱的概念。“走得出赤柱这个监狱，你又走不出旺角这座监狱?”而走不走的出只有自己知道。牢笼是自己设下的套，唯有放下才是出路。

阿辉在监狱里二十九年十一个月三天十九个小时，依旧在看蓝气球。蓝气球代表自由吧。张家辉代表好人阿辉，细辉代表坏人阿辉（也是阿辉的爸爸吧），还有一个小孩阿辉（最真实的阿辉），最后坏人辉跪倒了，好人辉跪倒了，小孩辉拿着蓝气球走出旺角监狱，而跪倒在街上的阿辉才是阿辉真实的样子吧，一个沧桑颓废的胖子（这就可以解释为什么做了三十年牢好人辉还才三十加）。而阿辉的分裂究竟从什么时候开始的呢？我想是中弹后吧。不然阿辉如果最初就有精神病也没必要做这么多年牢了。那么是谁分裂了谁呢？张家辉和细辉都代表过去，小孩代表未来，小孩走出去了。过去就过去了，旺角已经不是原来的旺角了。很多惆怅来自于对过去的纠缠，于是分不清楚现实与虚构。阿辉一个，丁家一个，小凤一个。一个疯的，一个老人痴呆，一个弱智。但是平常人又分的清楚吗？枪王余不就是最好的例子。不过自欺欺人永远是个笑话。于是，丁家回光返照了，枪王余还债了，胖子爆发了，大小凤离开了，阿辉解脱了。

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文/Cinervous

自有声电影诞生以来，好莱坞各大电影公司的老板们便意识到：纽约百老汇戏剧舞台是个可加利用的宝贵资源。于是有数不清的舞台剧被搬上了银幕，这个传统一直延续至今。从百老汇带入电影界的不仅仅是故事题材，还有明星演员、著名导演，甚至是编剧。田纳西?威廉斯便是其中最为闪耀的一位人物。

纵观田纳西?威廉斯的戏剧作品，有人们耳熟能详的《欲望号街车》及《热铁皮屋顶上的猫》，更有更多在二十世纪四十年代至六十年代在百老汇和好莱坞大放异彩的各种戏剧电影作品。1955年，曾获得托尼戏剧奖最佳戏剧的《玫瑰纹身》被翻拍成电影，这部电影有着与威廉斯其它作品不一样的喜剧风格。

这就要从这部作品的创作初衷说起。1949年冬天，田纳西?威廉斯在他的助理兼伴侣弗兰克?梅洛的陪同下，前往意大利作长期旅行。意大利独特的风土人情深深地吸引了这位剧作家。这次旅行让他感受到他“从未了解的人性的另一面”，这里的人们就像“没有拘束感的美国南方人”，“诗意”而不带有“新教徒的压抑”。因此他先后写下了两部作品，一部成为了他的唯一一部长篇小说《斯通太太的罗马春天》（又译《罗马之春》,The Roman Spring of Mrs. Stone），另一部便是《玫瑰纹身》。这两部作品互相之间的对应关系也很有趣：一部讲述了百老汇过气女演员在罗马失去旧爱，又遇见新欢的悲情纠葛故事；另一部则讲述了西西里移民在美国失去丈夫，又迎来新生活的故事。两部作品一悲一喜，剧情模式却很相似。

随后，《玫瑰纹身》于1951年2月在芝加哥首演，并夺得了当年的托尼奖。在舞台剧创作阶段，田纳西?威廉斯就力邀意大利著名女演员安娜?玛格纳妮参与演出。安娜?玛格纳妮是当时意大利最为炙手可热的明星，曾主演过《罗马，不设防的城市》、《可尊敬的安杰莉娜》等影片。玛格纳妮以不懂英语、无法支撑一部剧的演出为由婉拒了威廉斯，而时隔几年后，在筹备电影项目之初威廉斯就与制片人哈尔?B?瓦利斯提出，邀请玛格纳妮出演萨拉菲娜一角。玛格纳妮也欣然接受了邀请。

萨拉菲娜人物形象分析

玛格纳妮所扮演的女主人公萨拉菲娜是一位性格热情、怪异、火辣的西西里女人。她体态丰腴、多愁善感。影片开场不久，萨拉菲娜在杂货店买鸡蛋的时候就声称自己的丈夫是“A级老公”，而“A级老公”必须吃“A级鸡蛋”。她面带喜悦地把再次怀孕的好消息带给丈夫，不料丈夫当晚就因走私货物而意外身亡。萨拉菲娜陷入了无止境的痛苦之中。

在她看来，“身如年轻男孩般，皮肤细滑如玫瑰花瓣”的丈夫罗萨里奥是神圣的，丈夫突然死去的消息令她万念俱灰，为此几乎三年闭门不出。萨拉菲娜总是沉浸于过去和前夫美好而愉悦的性爱回忆中不可自拔。尽管前夫已经去世多年，但她依然无法接受这个事实。萨拉菲娜如此压抑的个人精神状态很大程度上要归结于她对丈夫性爱的迷恋，而性爱的缺失等同于生活失去了荣耀。原舞台剧中，丈夫罗萨里奥没有出现在舞台上；而在电影中，导演和摄影师刻意用光影隐去了扮演丈夫的演员的样貌，却突出了演员健硕的身材以及胸前的玫瑰纹身。在萨拉菲娜眼中，丈夫即是上帝的化身。

同时，萨拉菲娜又是一名虔诚的天主教徒。当她女儿的男朋友来到她家时，萨拉菲娜竟要求对方跪在圣母像前发誓“尊重罗萨里奥的女儿罗莎的纯洁”。按西西里旧俗，男女未婚之前不能私下接触。萨拉菲娜不但自我封闭，还钳制着女儿的欲望。她祈求圣母自己丈夫出轨的事实不是真的，相信圣母玛利亚会在她迷茫无助之时给予她神的指引。她甚至认为风吹到蜡烛所留下的影子就是圣母玛利亚给予她的指示。而当得知丈夫确有婚外情后，她伤心愤怒地摔碎了丈夫的骨灰坛，对丈夫所代表的神的指引也随即破灭。

意大利图景与社会文化反思

说到萨拉菲娜这一人物形象产生的背景，就不得不提及田纳西?威廉斯个人的情感经历。威廉斯在自己的回忆录里表达了“《玫瑰纹身》是我给世界的一部爱情剧。弥漫在整个作品中的是年轻、幸福的我对弗兰克?梅洛的爱恋。我把这部戏献给他，并且写上‘献给弗兰克，感谢你让我认识了西西里。’”威廉斯在美国社会文化仍有诸多禁忌的情形下，选择这样一种方式表达出独特的性别意味。无论是罗萨里奥还是阿尔瓦诺，影片都着重于表现男性角色身上富含的性魅力。萨拉菲娜个人的情感困境其实也是威廉斯本人的痛苦经历：一方面他想抛弃信仰和社会的束缚去追逐个人的同性恋爱情；另一方面他又因为传统观念的影响而对自己的性取向感到自责与羞愧。威廉斯巧妙地把自己的情感隐含在异性恋叙事话语之中，使得在社会性别禁忌不断开放的今天，他的作品仍然具有可供读解的价值。

除了营造强烈的异域情调与欲望气息，威廉斯也通过创作这部家庭情节剧来引发大众对于美国社会文化的反思。在罗马的生活使田纳西?威廉斯本人回归到了人性的原始状态，他被意大利人身上的热情所感染，认为意大利人所具有的原始生命力是这个民族最为优秀的品质。相比而言，美国人在工业文明下逐渐失去了这种原始生命力，威廉斯认为美国的文化危机存在于“所谓正当合法的意识形态的人性的严重束缚”。此外，威廉斯还在剧中以隐晦地方式质疑人们对宗教信仰的盲目态度。他认为任何的宗教观念必须建立在对人类本性的正确理解之上。萨拉菲娜放弃了对丈夫的盲目信仰，放弃了对清规戒律的盲目遵从，最终获得个人幸福。

玫瑰意象的象征意义

玫瑰是这部作品中无处不在的意象，以至于玛格纳妮都打趣地说“我们应该在摄影机上也刻上玫瑰”。罗萨里奥的全名Rosario Delle Rose 中即带有玫瑰(rose),女儿的名字Rosa也是“玫瑰”一词的变体；罗萨里奥的胸前纹着玫瑰，他的情人胸前也纹着玫瑰；给情人做的衣服是玫瑰色的丝质衬衫，甚至萨拉菲娜后来的新欢阿尔瓦诺胸前也纹着玫瑰。玫瑰在传统意义上就是人类爱情、女性性爱和自然美的象征，作者在剧中将玫瑰意象神圣化，用以象征人类的欲望。美国戏剧评论家约翰?梅森?布朗认为：“对于威廉斯先生来说，玫瑰即是神秘的象征、欲望的证明、奉献的符号，新鲜的花蕾与刺一样多。”而吉尔伯特?麦斯维尔在其所撰威廉斯传记中指出，无处不在的玫瑰代表着威廉斯对他的妹妹萝丝(Rose)的个人悲剧命运的寄托。

威廉斯与他的妹妹萝丝关系亲近，他也深受她的影响。萝丝是位纤瘦美丽的女子，被诊断出有精神分裂症，大部分的时间都在精神病疗养院度过。经过几次的心理治疗均不见效，她变得更加偏执。她父母最后同意进行前脑叶白质切除手术。1942年，手术在华盛顿特区进行，但之后情况恶化，萝丝的余生就在没有行为能力的状况下度过。萝丝的手术失败对威廉斯是极大的打击，他从来不原谅他的父母同意施行该手术。许多偏执的女性角色出现在威廉斯的戏剧里，可能都是受萝丝的影响(如《玻璃动物园》中的劳拉，《欲望号街车》中的布兰琪)。而在《玫瑰纹身》中，取了与萝丝谐音名的女儿罗莎(Rosa)冲破了飞扬跋扈的母亲对她的束缚，获得了一份美好的爱情。这样的生活对于现实中萝丝?威廉斯来说是不可能实现的，田纳西?威廉斯用作品表达了他对妹妹的美好祝福。

拍摄风波与审查障碍

虽然有了内涵丰富的剧本作支撑，但《玫瑰纹身》的拍摄并非一帆风顺。田纳西?威廉斯在拍摄过程中享有较高的话语权，然而由于两大主演安娜?玛格纳妮与伯特?兰卡斯特是第一次合作，个性不同使得在拍摄内景戏时发生了不少冲突。田纳西?威廉斯在从好莱坞写给他外公的信中提到：“安娜?玛格纳妮与伯特?兰卡斯特昨天在现场发生了他们的第一次冲突，起因是安娜指挥着场面而伯特不喜欢这样。”根据他的描述，兰卡斯特离开了摄影棚，而拍摄在激烈地协商后才得以继续。威廉斯表达了他想留下来当调解人直到影片杀青的意愿，但他必须飞到纽约帮助伊利亚?卡赞为舞台剧《热铁皮屋顶上的猫》项目选角。“我只能盼望并祈祷导演丹尼尔?曼能维持他俩之间的和平直到完成影片。”

在《玫瑰纹身》的银幕改编过程中，威廉斯不得不为通过审查而对剧本作少量修改。为了应对海斯法典办公室的审查，编剧做了一个显著的变化便是去掉了萨拉菲娜确信前夫不忠后与阿尔瓦诺发生一夜情的情节，变成阿尔瓦诺喝醉了卧倒在萨拉菲娜家中的客厅；此外，为了防止 “风化军团 ”(the Legion of Decency) 【天主教电影审查组织】可能造成的麻烦，又对剧本作出了两处改动：一是删减了萨拉菲娜对圣母不满的台词，二是改变了对神父的人物设定。原作中将神父塑造成有些霸道、没有同情心的形象，萨拉菲娜的家庭医生请求神父对她予以更多的理解。而电影隐去了医生的话，对神父的形象也变得更加正面。田纳西?威廉斯似乎很喜欢在剧本中贴近现实地去表现小乡村的神父，他们显得既像父亲又有浓厚的家长作风。而类似对乡村教会神职人员的现实化描写到了十多年后才出现在了银幕上——可参见大卫?里恩《雷恩的女儿》(Ryan’s Daughter,1970)中特瑞沃?霍华德扮演的乡村牧师形象。

电影上映之后，影评人如同当初戏剧上演时的剧评人一样，对威廉斯这部糅杂着闹剧与悲剧的作品感到心神不安。安德鲁?萨里斯便是这种观点的典型。他认为安娜?玛格纳妮用她卓越的表演“瞬时间将戏剧性的场面撕成了碎片”，创造出崭新的喜剧风格。同时他又认为，“威廉斯在构思中将（悲剧与喜剧）分得很清楚，但除非他有一个像卡赞那样的导演能把台词排练精准，否则他的剧本就有退化之虞。丹尼尔?曼在电影媒介领域相对而言是个新手，尽管他的导演展现出了些许希望，但在训练演员培养一致的创作观念方面他还显得比较稚嫩。”

丹尼尔?曼在拍摄这部影片之前已是相当成功的百老汇戏剧导演。他先后导演了威廉?英奇戏剧作品《兰闺春怨》(又名《回来吧，小希巴》Come Back,Little Sheba)的舞台剧版和电影版，夺得托尼奖的同时也将雪莉?布思(Shirley Booth)推向了奥斯卡影后的宝座。《玫瑰纹身》是他第三部电影作品，同时他也是舞台剧版的导演。戏剧导演转做电影导演的例子在古典好莱坞时期不胜枚举，然而他们对电影媒介形式的经验不足，常常需要找一位懂得电影视听手段、资历深厚摄影师来协助执导影片。而这部影片的摄影指导便是美国著名华人摄影师黄宗霑（James Wong Howe）。

“低调布光大师”

黄宗霑于1922年进入好莱坞，在拍摄本片之前就已四次提名奥斯卡最佳摄影奖。他合作过的大导演诸如霍华德?霍克斯、萨缪尔?富勒等人，并与制片人哈尔?B?瓦利斯从二十世纪三十年代起开始合作。本片是他与导演丹尼尔?曼的第二次合作（上一次是《兰闺春怨》），目的就是协助电影拍摄经验不足的导演完成影片。

摄制组选择在弗罗里达州的基韦斯特（Key West）进行拍摄，原因是这里比故事原来设定的“新奥尔良至莫比尔之间的墨西哥湾海岸”阳光要来得充足。由于整个故事的大多数场景局限在了萨拉菲娜的家中，为了不使画面单调沉闷，黄宗霑精心选择了低调布光(low-key lighting)的照明方式，因此被业界称作“低调黄”(“low-key”Howe)。比如罗莎带着她的男朋友杰克回家见到母亲萨拉菲娜那场戏，当两人刚走进屋子里时是一段浪漫的爱情场面，光线打在两位年轻演员的脸部轮廓上，营造梦幻的感觉；而当他们突然意识到屋子里还有人时，通过合理的光区设置，两人的形象迅速变成了剪影，萨拉菲娜一个人寂寥地隐藏在阴影之中。

类似的例子在影片中还有很多，不胜枚举。黄宗霑着力用阴影来表达人物的精神状态的同时，也擅长使用自然光来为影片增色。由于影片是实景拍摄，主场景——萨拉菲娜的家场地面积过小使得照明工作比较困难，不得不将光打在地板上以反射到演员身上。而外景的空旷、明亮与内景的幽闭、黑暗形成了鲜明的对比。随着剧情的发展，外部世界的光亮逐渐渗透到萨拉菲娜阴沉的屋子里。当男主角阿尔瓦诺第一次来到萨拉菲娜的家中时，他打开了一扇百叶窗，窗外的阳光瞬时间就照到了萨拉菲娜的身上，成为主人公命运的转折点。黄宗霑努力使一个场景与人物都受到限制与束缚的影片呈现出更多细节，也让女主演玛格纳妮的表演更具有说服力。

纵观20世纪40年代至60年代的美国影坛，戏剧界的优秀作品一再被改编成电影，这与当时美国社会的文化环境不无关系。田纳西?威廉斯、阿瑟?米勒、威廉?英奇、爱德华?阿尔比等一批剧作家的作品使得美国戏剧创作似乎处在第一个黄金时代的边缘。当时美国的电影消费者以中老年、社会中上层观众为主，对作为精英文化的戏剧有着较高的接受度。然而随着战后婴儿潮年轻一代的崛起，新一代电影观众在电视、漫画等流行文化的影响下对电影的需求和口味趋向大众化、泛娱乐化；加上大制片厂制度的解体、新好莱坞的崛起，剧作家对电影的影响力日趋式微。而田纳西?威廉斯作为戏剧作者进入好莱坞的代表性人物，其作品的影响力最为广泛，也为我们观察古典好莱坞时期的电影文化提供了一扇窗口。

（文/杨时旸）
    原本，《我不是潘金莲》属于北方的粗粝和尘土，一个哀怨又执拗的农妇，穿越一道道人墙，耗尽时光奔赴她心中认定的真理。在电影的呈现中，冯小刚做了一次大胆的挪移。他把平铺直叙的北方变成了幽深婉转的江南。看起来，这种转化更多的是出于视觉上的考量，但最终，这个故事的内逻辑和发生的外部环境产生了一种奇妙的互文关系，隐喻又印证着彼此。
    潮湿的空气、拱桥与奇石，成为了电影中那些人物心理景观的外显，微妙的官僚系统，就如同那些幽秘的曲径，被长久的时间塑造成复杂的结构。那个孤独、执着、单纯甚至有些愚蠢的女人，被置于其间，形成了一幅残忍山水画。远观柔媚安逸，近看冰冷绝望。
    《我不是潘金莲》是那种典型的“中国式故事”——它只会发生在中国，就如同冯小刚所说，“既不可能出现在美国，又不可能发生在朝鲜”——这种故事的背景必须处于某种剧烈又独特的转型期，有些东西已经松弛自由，而有些东西仍然冥顽不化，这二者之间的拉扯形成了一种古怪的力道，进而塑造出了独特的人格、内心、语言、关系以及那些令人不可思议却又无比真切的故事。通常，这一切最终被归纳为荒诞。这类中国式故事梦幻又写实，迂回、曲折却也粗蛮，一秒钟之前令人啼笑皆非，一秒钟之后让人万念俱灰。任何经验与总结，在它面前都迅速失效。
     客观地讲，刘震云的这部长篇小说并不太适合用影像的方式加以呈现。它有着漫长的序言和短暂的正文，显然，这是一个作家的文学野心，他用一种不激烈、不批判、不俯视甚至不悲悯的态度呈现了一桩悲剧，语调悠缓、松弛，掺杂着戏谑，它达成了刘震云心中的一种理想状态——“这一地悲剧掰开揉碎了都是一地喜剧”他曾这样说，这句话反过来依然成立，他在《我不是潘金莲》的原作中还原了悲喜交加的生活本相。冯小刚的影像化改编，必须付出裁剪掉大量起承转合作为代价，那些幽暗的心理动机都被粗暴地省略，只剩下最终的决定和结果。所以，冯小刚加入了画外音，想由此部分找补回话本式的舒缓节奏，这是他的又一桩用心的心思。
    “上访”是中国式的“在路上”题材。誓不回头地奔赴一个可能空幻的终点，一路上历尽磨难，看透人心，也拷问自我。这或许是这个电影类型最旁逸斜出的分支，却也是读懂中国最重要的路径之一。
 无论从外部呈现形式还是内容题材上看，《我不是潘金莲》都是一部和这个电影盛世格格不入的作品，可以看做是冯小刚多年来与票房、资本、广告植入以及观众趣味迎合纠结之后的一次不吐不快。如果说，之前的冯小刚是服务型导演，这一次的冯小刚则更偏重于表达。某种程度上说，这更像是对他做导演之初那些被幽禁或者被忽略的作品的一次呼应。在之前的那些用来仅供消费的“行活儿”里，他谨小慎微、妥协又逢迎，但在这部作品中，有时尖锐得令人震惊。更重要的是，他的尖锐并非亮出刀尖和利刃，而是笑着掀起对手的某些常年的伪装，向人们轻轻地抖落，那些不便言说的真相，那些幽暗明灭的心思都大白天下。
    当更多的电影人愿意拍摄流光溢彩，冯小刚赌气一般地把自己扔向了另一端的灰霾。这部电影沉重又危险。更重要的是，它呈现的还并非中国地下纪录片中的脏乱差与表面化的残酷景象。这个故事描摹了一种封闭的死循环，建立在浮华又兴旺的经济美景之上，一种被虚伪滋养起的、每个人都参与构建的茁壮生态，但最后，每个人都成为了这个生态的殉难者，“死”得不明就里。
    为应对这个沉重的题材，冯小刚选择了微妙的呈现方式——圆形构图以及江南风光。大银幕上的那个圆圈其实是对中国主流观众的一种冒犯。这是一个把方画幅尽量扩大的巨幕时代，一个不是3D都不好意思投进院线的时代，在这样的背景下，冯小刚的反叛立场被普遍地理解为故弄玄虚，乃至于在拍摄之初，他就需要不停地向各方合作者进行解释，最终以激烈争吵和坚持己见告终，但实际上，从结果来看，这种构图模式和他所讲述的故事确实相得益彰——和事件本身的意味相得益彰，和他与刘震云不急不缓又调侃嘲讽的讲述口吻相得益彰。
    圆形构图和江南蜿蜒的树枝、拱桥和奇石，构成了标准的中国画形态，这些宋元古画的构图几乎在明确地向观众不停地提点“这故事只会属于中国”，这是一种外部形式上的强调。更重要的是，这种古画形态让观众达成了一种旁观和审视的视角，它像慢慢展开一幅手卷，人们俯身就投入其中，起身也就抽离事外。它婉约、隐匿、蜿蜒、从不直接了当，这个圆圈可以把残酷的现实小品化、品读化，范冰冰和大头躺在床上，它变成了春宫；当张嘉译出演的新领导和下属站在桥边煞有介事地分析形势时，又变成了反讽。当一切真实被圆形框定之后，真实也就变得暧昧起来。不知道这与冯小刚的爱好是否有关，中国当代艺术是否对他产生了构图上的灵感激发，你去观看的时候，总会发现诸如艺术家周春芽之类的作品的影子，影影焯焯地反射在其中。
    除了这种精神意趣上的原因，圆形画幅显然还为了聚焦，这种构图粗暴地框定了观看者的视野，这成为了又一重隐喻，每个人都只能看到自己视野里的东西，在自己看到的事物和逻辑里打转，与他人的经验和视角无法联通共享，人们彼此间由此陷入死结。
    画幅第一次变回方形，是从李雪莲首次进京开始的。车出了隧道，圆圈就随着天光大亮变得有棱有角，江南的阴柔变成了北京的方正，格局和人数就变大变多了。大型的会议，多重的领导，复杂的关系，方画幅的北京显然比圆画幅的江南复杂、坚硬又现实，它适合另一套凌厉又明确的硬逻辑，江南那里互相太极推手，来到这里都变成了硬碰硬，比如，没有身份证的坚决抵挡在城外，有了问题，一连串的人就突然都没了工作。如此而已，没有商量的余地。
     这部电影从一降生，尺度就成为了被广泛讨论的问题，并非因为它有怎样的从外部发出的抨击，反而是熟稔地从内部加以呈现和开掘，比如，极少有电影用如此郑重地方式重现中国大会的会场、秩序和生态，这是我们第一次从中国大银幕上看到这样的情景，鱼贯而入的和尚与道士，身着少数民族服装的代表，那些在头顶拍掌又双手缓缓向下压的首长，这是冯小刚作为委员多年来的切身感受和深刻记忆，不知道他在心里深藏的镜头中私下演练过多少次，这一次才得以如此流畅地呈现。在中国，有一些场景是具备视觉垄断性的，大会的会场算是一个。冯小刚的这次操练是戏剧化的重现，但正是这种郑重的排演和虚构的重述才让一切更具备力量。以往，人们看到的这种场面都是固定的视角和机位，显示庄严和整齐划一，表达信念与团结一致，但冯小刚用虚构的故事，切近了这种庄严场面的后台，让人产生了一种窥探最核心私密的复杂感受。更重要的是，他呈现这一且不是为了八卦，而是为了一探究竟，探究更靠近顶端的那一层所思、所想、所为。从这个意义上讲，这比任何地下电影都来得更加猛烈。除此之外，还有那么多第一次呈现在大银幕上的东西——比如，高高的灰墙之外排着长队要说法的人们，还有时刻想把他们送回故乡的工作人员，他们都有着焦急、困惑和愤懑的表情，在冬日北京的雾霾中彼此对视，他们到底被什么力量塑造成敌对的双方，从此势不两立？在此之前，人们只能在隐秘的影像中偷窥这一切，而这一次，它终于可以被大张旗鼓地敞视。
    冯小刚更广受欢迎的前作都是那种让人捧腹大笑的东西，虽然也憋着一股讽刺的坏水，但说到底仍然是消费主义的欢笑，通常目的明确，一切到欢乐为止，最好还有个温暖的结局，但《我不是潘金莲》不同，相比于以往的冯小刚，它并不密集的笑点背后都是黑灰色的人性坑洼。
    所以，它点破了很多事，很多不便言明的事，比如官场的两套语言系统，一套用于场面，一套用于操作。两套语言各司其职，通常配合紧密又顺畅。但李雪莲的较真却从这两层心照不宣的系统中穿过，说到底，她的问题，必须要言行和一才能解决，而那些长久沉溺于两套话语体系的人已经把那种虚伪内化了，他们真的不知道该从哪里入手，也不清楚到底哪里出了错漏。他们弥补、糊弄、和稀泥的过程当中，说着场面话，做着场面事，尽了全力，但就是无法深入核心。所有人都制造问题，所有人又都被蒙在鼓里，最终所有人本身都成为问题的一部分，成为彼此的麻烦。他们在表象上无谓的打转，与根源离题万里。在此之前，几乎从未有一部院线电影能够如此清晰又锐利地划破这层现实的帷幕。这也是为什么，在这个人间烟火升腾的故事中，却也能够始终弥漫着一种微妙的反抗，一种不动声色的冷静旁观。
    不知道有多少人注意过，范冰冰饰演的李雪莲几乎是整部戏唯一的女性，领导是男性，法官是男性，连最后李雪莲寻死时劝诫她的人也是男性。这个为自己要说法的女人，成为了一个被雄性动物环伺又围猎的对象，她是个外来者、闯入者，有着一种完全不同的思维方式和处事方法，所以她成为了戏剧化的引信，正是这个突然介入的、与众不同的“弱者”让整个“强者”系统陷入了迷惑和慌乱。
某种程度上说，这算是冯小刚和刘震云合作史上的一次回归，对接和回应着《一地鸡毛》之类的中国式故事。很多人走向商业成功之后，都会变得愈发远离最初的起点，其实，在众多导演之中，冯小刚是最早“下海”的一个，当更多的人都秉持着导演的表达欲时，他主动成为了服务商，而当大多数人都向市场跪拜的时候，他又突然转身上岸。这个时代，有人选择腾挪，有人选择闪躲，冯小刚选择穿墙而过。从这个意义上说，他比很多同行都可爱。
（本文首发《新京报》书评周刊）

先说一下，电影完了以后大家都很懂似的站那儿等彩蛋。
然后不负众望地全场笑趴了。所以提醒各位观影时，务必多呆一会儿别找急忙慌走，你会有惊喜的。

我可以很负责的说，全片绝无尿点。
感情线这次占的分量并不多，但是该交代的都交代了。龙王奇案的前因后果也都在剧终前解答完毕，剧情紧凑，绝无拖沓，也无虎头蛇尾之感。为了不剧透情节方面我就不多说了。
在我的印象中，早年的徐克是很擅长在诡谲的乱世中创造桃花源。他的江湖有风有雨，他的江湖也有情有义。而徐克讲情也从来不是小情小爱的格式，我将那理解为一种情怀，一种始终与梦飞行在同等高度的情怀。近年他回归之后，电影市场的格局已然大变，很多人觉得徐克也变了，下意识的把“变化”或者说“进步”当成了“失去”，可我不认同。
如果说当年的徐克是用他那种标签般孤高凄美至极的风格立下了名号，那么如今的徐克是用他日臻完美的技术和成熟的电影语言圆满完成了自我进阶，至于风骨这种东西，那岂是会轻易丢失的？
看电影有时候心态其实才决定一切。如果心态不正确，看什么都不对劲看什么都负分。
作为一本以讲故事，摆场面，力求达到视觉盛宴又可回味一二的商业电影，私以为神都龙王这样的作品已经给了观众所有想要的了。
你当然可以找得出毛病来，但是你不能否认这样的作品有足够的诚意。只要你不是奇葩，你就别担心会浪费你的金钱和时间。

下面就只谈一些自己个人的感受。
场景，太典型的徐克风格，美轮美奂仙气十足。爱徐克多年，最根本的原因就是我臣服于他的电影美学，华丽而不堆砌，精致而不空洞。这方面用言语是很难表达清楚的，你必须用眼睛用心自己去感受，
3D方面，徐克真不辜负他技术控的称号！必须大大的给赞！！！这绝对是我看过的最美最逼真最宏大的3D动作电影，没有之一！
开头和结尾的两段海战尤其震撼，音画效果惊艳到逆天啊。我选座早，坐在最中间位置，今晚几乎满场，海战部分时各种尖叫把我包围。实在不能怪观众们不够高贵冷艳，除了各种兵器往观众头上飞，更有惊涛骇浪一个接一个打过来，战船木头碎片砸过来，各种海鲜跳过来，最后甚至还有个英俊威武的大理寺卿同学瞪着眼珠子直接扑过来....这叫人怎么受得了嘛！ ≧ε ≦

打戏部分是我大爱，最爱！徐克的打戏从来都只需要一个字形容足矣“美”！
神都龙王比之同系列前作，我觉得区别最大也最出彩的部分除了技术方面的成熟，就是那一幕幕接踵而至令人叹为观止的打戏。
所有的打戏都被赋予了浓厚的徐克美学特色（感谢上帝这就是我爱徐克的初衷啊）看徐克的电影你才能明白一个有梦的电影人对自己的作品可以控制到怎样程度的极致。他将自己对美和梦的理解，融化在了每个镜头里。那每一个布景每一个造型每一件服装每一个角度每一段配乐....乃至到所有细节的用心，他的审美渗透了一切，因为如此统一才能让风格鲜明而自然。
香港拍武打片的导演有那么多，可是除了徐克，谁还能在疾如闪电的动作戏中拍得出如此衣襟当风举重若轻的美？他掌握了虚实之间的度，以实的布景道具服装等营造出纯中国古典的奢华和唯美；动作设计如飞天飘飘欲仙，每一招式都可定型入画，然后以无瑕疵的剪辑连贯，最后镜头前以极速呈现出一种令人血脉贲张的力度之美。
看徐克电影的打戏你永远不会满足，总想看到主角们再多打几场，这种内外兼备张弛有度而且能把人美哭的打戏，舍我大徐克其谁！

作为重头打星，尉迟真金的打戏更是潇洒至极，用华丽不堪来形容都不为过。
冯绍峰确实亮眼，而且他在片中的扮相比起之前曝光的剧照不知要好看多少倍，全无憔悴黑面，只见一个红发金瞳长得很俊就是很凶的小伙伴整天自己跟自己找别扭也找狄仁杰别扭o(≧口≦)o 但这个小伙伴只要打起架来就将那股很欠扁的官二代气质一扫而空，顿时变得狂霸酷拽叼帅亮瞎眼！(?????)? (?????)? (?????)? 只因他打得太tnnd漂亮了，身手矫健当然有赖于武行师傅的指点，但边打边横眉竖眼一脸狰狞还是帅得我一脸血这就是先天基因作祟啊！ o(*￣▽￣*)ブ看他的打戏简直就是视觉享受，总之鱼翅就是一个强悍地让人想抱大腿帅地让人不能忍傲娇得没朋友的存在。

至于笑点是真心有的而且大大的有...这个真心不能说，说了就不好玩了，自己看去。
嗯别的可以不说但是这个忍不住要说———光是大唐朝文武百官齐齐喝尿这一幕就太壮观了呀！

明天我就去杭州唯一的IMAX影城再看遍IMAX版，这样的片子看一次怎么够。

Laughting哥的死令TVB想不到会在港人的心中引起这么大的反响，以致促使TVB竟为了害怕会激起民愤而临时把已经拍好了的Laughting哥被苗老三和钟立文抛尸于大海的镜头删掉，好换来一个Laughting哥没有死的强硬剧情篡改，让他在剧中大结局最后几秒的时候突兀地现身出来，身穿一套超帅警服，说出一句让全港黑社会都应当心有戚戚焉的话。颇为具有一些后现代的即兴拼凑色彩。这让我想起了《阿飞正传》里的最后几秒梁朝伟的粉墨登场。《阿飞正传》的结尾无疑是充满了象征色彩的：阿飞是打不死的；一个阿飞死了，会有千万个阿飞站起来；一只没有脚的小鸟死了，会有千万只没有脚的小鸟飞起来。以此观之，《学警狙击》的结尾亦是：Laughting是打不死的；一个Laughting死了，会有千万个Laughting站起来。

因此，《学警狙击》的结尾事实上处理得颇为模糊，即你可以认为Laughting哥已经死了，也可以认为还没有；若没死，则最后突然登场的那个就是Laughting哥本人，若死了，则最后突然登场的那个Laughting哥当然就只是一个象征物了。TVB就是通过这样的强硬临时剧情篡改而平息了港人的那点莫须有的民愤。

如果按照点现实主义精神，我们都知道Laughting哥应该是已经死了的。港人盼望他没有死，或许是与希望有关，尤其是在如此这般的经济危机的背景下。多少有点这边厢的心理投射。其实客观一点来看，Laughting只不过是一个普通的无间道警察，而且按照先前他的形象和所作所为完全与一个古惑仔无异，只是随着剧情的发展才在后来勉强解释他是一个无间道；若无如此的解释，那么把他当作一个完完全全货真价实的古惑仔来处理也是误伤剧情的。只是现在流行无间道无办法。但事实上亦正是由于他之前的演绎太像是一个古惑仔了，所以才反而在观众的心理激起了对他的同情，因为这种无间道竟然做到了这样的一种地步就更是印证了一个有着良知的警察的内心苦难；而临到他的死，这种同情就更是让观众走到了一个精神崩溃的地步。死亡是一种奢华，更是一条通向偶像之路，尤其是一种悲剧性死亡。古今中外概莫能外。

Laughting哥亦正是通过这样的一种悲剧性死亡而由一个普通的无间道警察走上了偶像之路。电影《无间道》里的梁朝伟也是死了的，虽然也颇具悲剧性，可是却没有像Laughting哥这样通向偶像之路，甚至产生了一点莫须有的民愤，就是因为观众早就知道了他是一个警察的，并没有像Laughting哥这样让人意外。《无间道》里梁朝伟的死，在观众的心里多多少少是心中有数的，甚至，亦只有这样才符合逻辑，才符合来自梁朝伟本人的那一点悲剧性气质，才符合观众的期待视野。

最先开悲剧性死亡而通向偶像之路先河的，无疑就是两千多年前的上帝之子耶稣基督了。基督若没有死，若没有被钉上十字架，若没有这一种悲剧性的诗意的死亡，若他一生都顺顺畅畅然后寿终正寝，那么可能他终其一生就只不过是一个普通的异端传道者，而不会在人们心中的心中激起那样的巨大的震荡从而又引发更多的信众，而不会由一个普通的异端传道者上升到一个信仰崇拜的偶像的地步。可以说，正是这样的一种悲剧性的被迫害的非正常死亡成就了耶稣的。因为死亡即是一个结束，耶稣都用自己的死亡来践行到底自己的一生的传道了那么他所宣讲的教义还会不是真的么？有什么大得过自己的死亡呢？若为一件事情可以奉上自己的生命那就是非同小可了。正所谓生命的力量需要生命去撞击。

其实从某种意义上，死亡又可以说是一种美学。而美，也是可以诱人“犯罪”的。而且还是一种非常强大的诱惑性力量。伊甸园里天真无邪的夏娃之所以会受到邪恶的蛇的引诱而吃了智慧之果，而事实并不仅仅在于那被禁止的诱惑与想得到如上帝一样的智慧的狂妄，而是因为爱美之心，谁叫上帝把那果子造得太好看太漂亮太美了呢？“于是，女人见那棵树的果子好作食物，也悦人的眼目，……”若上帝把那果子造得难看些就不会引起这样的恶果了。

我们都知道失败往往并不是一件事情的结束，而是一件事情的开始。我们就先不要说中外古往今来的那些革命事件了，被屠杀的仁人志士并没有使革命的火种熄灭，反而是撒下了更大的革命的火种在民间。并不是所有的失败都是见血的，但无疑失败亦是另一种形式的死亡。这就让我想起了在电视上看到的当年陈水扁与马英九竞逐台北市长的事。陈水扁已经做了一届台北市长了，他所要竞选的是连任。在竞选的结果出现之前，从民调来看，陈水扁的支持率一直以来都是非常的高的。而陈水扁和他的绿营支持者们当时可能都非常的踌躇满志。因此结果出来时都大为出乎所料。陈水扁落选了。

那一刻陈水扁的信众们可以说是群情汹涌，怎么也不能相信这样的一个结果。他们聚集在台北市政府门前久久不肯离去，他们痛哭流涕，失败的现实把他们的心中失望和悲愤推向了极端，于是陈水扁在他们的心目中就成了一个圣徒，一个悲剧性的英雄。他们当场就喊出了要竞选总统的口号。虽然竞选台北市长失败了，但我们可以竞选总统！我想若不是这样的一种失败，可能还不会那么快就把陈水扁推向了总统的宝座。若他没有做总统，那么他可能也就不会从“台湾之子”而成为了“台湾之耻”。当然这些都是马后炮，而且按马克思偶然性与必然性的理论，一件事情是不会因其偶然性而改变其必然性的。一切都皆有定数。然而从此亦可看出了一种悲剧性失败的强大力量。所有“悲情城市”的故事的秘密亦就在于此。

许多年前，谭嗣同说出：“没有行者，无以图将来；没有死者，无以酬圣主；各国变法无不从流血而成，今未闻中国有因变法而留血者，此国之所以不昌也；有之，请自嗣同始！”梁启超是图将来的行者，自当令人尊敬；而谭嗣同是酬圣主实质为酬变法的死者，却在大众的心目中受到更多的怀念，而且亦果然因他的死而感动了更多的仁人志士起来。星星之火可以燎原。由此亦可见，失败，更悲剧的失败，即流血、死亡，往往并不是一件事情的结束，而是一件事情的开始。人们会随着死者的足迹继续前进。死者，这时就是一种榜样，一种让人崇敬的偶像。

悲剧性的死亡往往是会通向偶像之路的，现代的掌权者已经熟谙了这样的一套游戏规则，因此他们在对待异见领袖的时候就不会再像以往的掌权者那样粗暴地把他杀了自以为这样就一了百了高枕无忧了，他们不想为那些异见领袖的信众们造就一个悲剧英雄、一个道德殉道者，他们不想因此而激起这些信众们的内心的更为强大的悲愤力量。他们一般都是把他软禁了，或顶多投进监狱，遭遇前者的如缅甸的昂山素姬，遭遇后者的如南非的曼德拉。而他们即使是要杀戮，也肯定是不会就这样开枪的，他们一定会先用他们所掌控的舆论工具把他们所要杀戮的人的名声搞臭。美国佬至今仍后悔的就是当年怎么就那样地把切?格瓦拉杀了。二十世纪有几多这样的世界级的道德偶像呢？甘地和马丁?路德金亦与一种悲剧性的死亡有关。（二零零九年四月五日）

看完#彼岸1945# 哭死~~~%>_<%
为什么最后让苏台英那么惨？好不容易找到妻儿，就算生活再艰难好歹一家人在一起，为什么偏偏是他亲手送妻儿上了太平轮？？
如果非要有太平轮事件，我宁愿他也上去了，一家人死在一起也比自己孤独一生强啊啊啊！！！抓狂