刚好看到“闪光少女斯斯”对于复旦大学老师沈奕斐的采访(推荐大家观看)。巧了,这位沈老师也喜欢金秀贤,她在采访中说的一段话对我很有启发。
沈奕斐的这段采访讲的是独立女性要不要爱情。其中有两个论点用来讲《精神病》这剧再合适不过了。一个论点是,我们的爱情模版已经变了,老一套的模版已经不适用于今天的社会了。第二个论点
刚好看到“闪光少女斯斯”对于复旦大学老师沈奕斐的采访(推荐大家观看)。巧了,这位沈老师也喜欢金秀贤,她在采访中说的一段话对我很有启发。
沈奕斐的这段采访讲的是独立女性要不要爱情。其中有两个论点用来讲《精神病》这剧再合适不过了。一个论点是,我们的爱情模版已经变了,老一套的模版已经不适用于今天的社会了。第二个论点是,我们仅靠自己是很难从原生家庭带来的创伤里走出来的,通过爱情建立的亲密关系可以拉我们一把。
韩剧已经审时度势地换了一套模版
韩剧,在一段时间里几乎是无脑爱情剧的代名词。很多直男提到韩剧会翻白眼,觉得女人看那玩意就是傻。而从情欲的精神世界出发,大多数直男看的AV当然比韩剧无脑上一万倍,这跟男人“提裤就能干”的生理需求有关。而对于女人来说,韩剧,则是一场浪漫而缱绻的前戏。前戏并不需要多么完美的逻辑,女人们需要前戏,它越细腻,丰富,越能挑起女人的欲望。从韩剧出来的男偶像没有一个是只看脸就让女人浮想联翩的,绝对是由剧来搭建的这场前戏给予女人的抚摸让这些男偶像们变得魅力无比。
这几年,我虽然很少看剧,但也知道韩剧拍体制政治、职场、社会问题都有了长足的进步。爱情剧,作为韩剧的主体,发生的变化也是显而易见的。这种变化可以观察出两性关系的变化。
从《精神病》这剧看,韩剧赋予女性的幻想已经换了一套模版。或者说,女性集体的幻想产生了变化,这已经改变了韩剧的模版。过去的模版是,拥有一切的男主不顾一切地追求女主,有可能还有两个高富帅供女主选择。女主要么穷困,要么善良得令人发指,不通世事,要么受人欺凌,总之这里的女主是不占有社会资源的广泛女性的代入。“她”需要男人的爱来赋予资源,赋予活力。而愿意给予自己物质,以至把自己养起来的霸道总裁,更能令“她”产生幻想。
在老版本里,崇拜和依赖令女性幻想。而今,在韩剧里,这一套模版几乎已经失效。女性正在显而易见地进化。
《来自星星的你》里,女主虽然是有钱有颜的女明星,但和男主这种积攒了几千年的财富和学识且具有超能力的非地球人类相比,仍是弱势。都教授这个角色几乎是玛丽苏的巅峰,当时我们已很难想象韩国编剧接下来要怎么再突破这种偶像剧男主人设。
但接下来,韩剧男主并没有继续变异,飞到外太空去。
我们看到的下一部爆剧是《太阳的后裔》,在这个故事里,男女主已经势均力敌了,女主有能力、有学识、有勇气。男人以手里的兵器实现理想抱负,而女人手里也有手术刀。你去实现你的价值,我来实现我的价值,当我需要你的时候,你可以与我并肩,给我帮助。这时候,除去男性的雄性特质,责任与尊重,也成为了女性对异性产生幻想的因素。
这个幻想的模版是,我很好,你也很好,平等的好会让我们在一起更好。
到了今天,我们看《精神病》这部剧,会看到什么呢?我偶尔打开弹幕,会看到有人吐槽“这是我看过的史上最弱的韩剧男主”。
从世俗的角度来看,男主弱不弱呢?弱。没钱,没学历,甚至没有一份稳定的工作,还带着一个拖油瓶——自闭症的哥哥。这不活脱脱就是以前韩剧模版里的女主嘛。(从不世俗不男权的视角来看,男主并不弱。12岁就开始照顾哥哥的他,就像那些甘愿照顾儿女而放弃自我、不因为儿女的身心不健康就放弃的母亲们一样,内心何其不强大呢?)
而相比之下,女主有名,有钱,有社会地位。她看上文康泰,仅仅是因为“好看,想要”,她善良欠奉,强势有余,不具备人类基本的共情能力,嚣张霸道,粗暴野蛮,满口脏话,从不遮掩欲望,对着男主开黄腔没有压力,她完全就没有任何传统价值观认为的女性美好品质……
在这部剧里,男主住着女主的城堡,开女主的车,给女主做早饭,还被女主要求不能穿得太帅,你可以看到编剧一种接近刻意的性别反转,但这也正说明了,韩剧所代表的女性幻想中,女人对自己的投射,更自由了,对男性的投射,则可以是“可以牺牲自我照顾他人”的温和人格。
模版已经变成了——我爱你就好。
我常常在和朋友说,女性主义大势之下,越早意识到两性关系的模版已经改变了的男性,越早获得愉悦的关系。女性主义对男人当然也是有益的,但凡你知道它的本质。放弃老套的价值观,你才能和世界的趋势共融。
亲密关系可以拉我们一把
《精神病》这剧每一集都以童话主题做喻,讲成人世界的复杂。原生家庭的苦难,绑缚和创伤,父母的爱与控制,人的欲望,懦弱和恶……剧情在精神病院展开,三个主角(男主,女主,男主的哥哥)都有精神上的背负,除却设计上过于狗血的部分,精神病院每个人的境遇都距离现实很近。
不被父母喜爱,以夸张疯狂的行径企图得到父母关注的幼子,因为贫穷而失去快乐的能力对女儿恶言相向,却在女儿过世后不能接受事实而得了精神病的妈妈,因为被母亲家暴被父亲漠视送去女巫家里,从而心智不健全的中年女人。这些人在生活中并不少见,我们身边都可能存在或者我们本身就是……还有三个主角。男主以为妈妈不爱自己,生下自己只是为了照顾哥哥。哥哥心里有个噩梦,是弟弟想要自己死掉。而女主的妈妈,不仅是杀人犯,还是个从小要把她养成和自己一样反社会的变态。
这是一个救赎的故事。凭借自身,人人都很难从原生家庭的沼泽里走出来,朋友、爱人,是在接近溺毙时拯救我们的救生圈。而正如沈老师所说,进入亲密关系最容易的是恋爱,有时候用尽力量也无法挣脱的钢铁牢笼,在爱人的肩膀上,拥抱里可以缓慢地溶解,这是亲密关系的神奇之处。徐睿知演的高文英没有办法控制自己的情绪,她倾向于以暴力解决问题,在噩梦里,文康泰抱住了他,在现实里,文康泰拉住了她。没有这段亲密关系,高文英是强大又脆弱的,强大的是手段,脆弱的是灵魂,她是个“空罐头”。
这可以回答独立女性要不要谈恋爱的问题,当然要。独立不意味着灵魂没有软弱的部分,不意味着不需要亲密关系的滋养。
同样,没有高文英的文康泰也难以挣脱原生家庭的绑缚和痛苦。在拥有高文英之前,他根本不想再有下辈子。小时候,妈妈跟他说他的意义就是哥哥。妈妈死后,他必须为了哥哥而不断迁徙,不能读书,没有好的工作,永远在因为哥哥的情绪问题而道歉。他的生命从来不属于自己,因而也活不出生命的滋味。因为高文英,他开始活着了。高文英的引诱让他第一次有了自己的欲望,这欲望是鲜活的,让他蠢蠢欲动地要自由。于是他在稳固地被哥哥绑缚的人生里开始有了犹豫和撕扯,在两边纠缠,当他发现高文英也很需要他时,而他也很需要高文英时,和哥哥的绑缚松动了,在脸上第一次出现了“幸福”的表情。
互相拯救的亲密关系是最佳的爱情范本,韩剧把爱情解析到了这个程度,已经不只是一场幻想,它也在启发女性,我们需要什么样的爱情。不再是霸道总裁的pua,不是物质和生活保障,甚至不只是责任和尊重……
为什么总说看韩剧提高女性择偶的标准,我想是因为编剧对于女性爱情需求的挖掘走在社会普遍观念的前列。
金秀贤有一张藏着秘密的脸
最后留一段来讲讲演员。我看韩剧不多,金秀贤的《拥抱太阳的月亮》《来自星星的你》和这部《虽然是神经病但没关系》倒是都看过,我觉得,金秀贤的表演属于幅度不大,但可见的有内容。
执着于初恋的王,活了几千年的外星人都教授,被自闭症弟弟绑住人生的文康泰……把金秀贤的脸单截图出来,直男可能会说面瘫,但在看剧的女性的眼睛里,金秀贤拥有一张藏着秘密的脸,还有什么比一个藏着秘密又深情的帅哥更激发人的兴致呢。
金秀贤在接受媒体采访的时候说过对角色的选择,说希望自己演的角色是只有金贤秀能演的。新闻引用的原文是韩文,我看不懂。如果是真的,那我必须说,他还挺会选的。他演的角色都有着一段隐藏的故事,埋着隐忍的感情,非常符合他的表演方式,金秀贤与这些角色可以说是互相成就。
演女主的徐睿知表演幅度就相对很大了,一方面她演的角色本来就有夸张的人格,所以能够自洽,但另一方面,和金秀贤尤其是演自闭症哥哥的吴政世放在一起,还是能感觉出演技嫩了一点点,强硬和霸气演得比脆弱和缺陷的那一面要好得多。因为前者对表演的要求低,后者则需要很多层次。
《精神病》的每一集以暗黑童话主题做喻,用展示童年创伤的方式,讲的是成人世界的复杂。作为爱情剧,它有局限,对于精神创伤的展现是一种平面化的、碎片化的方式,最大的反派,也是一种难以进行逻辑推敲而存在的脸谱形象。但是,作为一个革新的女性幻想模板,探讨亲密关系意义的爱情剧,它是韩剧进化的典型代表。
在观影后想在豆瓣找个知音,未果。那么只好自己写,开始:
第一,篇幅安排。前面的铺垫过长,树立人物性格、感情线与现实状况,用了太长的时间,节奏上不够紧凑。小丑打怪出现一次就够了,后续的频繁切入有碍剧情的紧张感,这是整体上的一个不小的败笔。
第二,逻辑错误,本片一度让我以为是科幻片。一个智商比较高的男主,会在游戏厅做小丑,使自己入不敷出;会频繁相信背叛过自己的发小,且在深
在观影后想在豆瓣找个知音,未果。那么只好自己写,开始:
第一,篇幅安排。前面的铺垫过长,树立人物性格、感情线与现实状况,用了太长的时间,节奏上不够紧凑。小丑打怪出现一次就够了,后续的频繁切入有碍剧情的紧张感,这是整体上的一个不小的败笔。
第二,逻辑错误,本片一度让我以为是科幻片。一个智商比较高的男主,会在游戏厅做小丑,使自己入不敷出;会频繁相信背叛过自己的发小,且在深思熟虑后并且看过合同的情况下,以其母名义签下抵押担保,有违其智商较高的人设;发小用其母的270万市值房产抵押借款600万,除了还欠款的270万,其余竟然到账,至于发小又一次在澳门输光,这不合高利贷公司的基本原则;男主在第一次对阵boss时,竟然没有半分质疑其欠款的合法性,直接签字用性命赌博,不合其智商设定,毕竟按所有安排来说,在大陆这个公司是不敢明目张胆的作奸犯科的;在大陆坐船直接去公海,船是公司安排,不知道护照这个东西是为什么要出现的,boss会交代带护照?在大家接受麻药注射时,有一段男主逃跑戏份,从他上车打火挂档漂移出门起,我就认定这是一部科幻片,一个家境惨淡的小伙子,有这么娴熟的驾驶技术?且还能主动撞死追踪者,毕竟当时追捕方没有开枪等过激行为,我们的男主这个守法公民是怎么可以yy到这种真实场景的,注意一点,这里的想象没有用小丑与怪兽的渲染,所以,这一段只是导演为了打斗、飙车戏份而强加上的,果然,闪回了。这一段在整部电影里完全没有存在的必要。
继续,上船后,boss介绍完规则时特意提示牌与星星都是可以赠予与买卖的,后续显示,除了暴力伤害的硬抢,其余行为都被默许,那么问题来了,只要大部分人智商在线,按兵不动,等有人输星无牌时,把所有牌赠予出去,是不是就可以偿还债务安全下船?
这时候发小出现了,然而出现的理由十分牵强,他已找了担保摆脱了债务,为何干冒奇险来参与赌局?支撑的理由有点牵强
继续牌面游戏,男主交代了大家都以均衡论出牌,男主以这个逻辑赢到了第一个胡子的两颗星,且牌面显示器一直是按照三种牌差不多流失量来走的,为何突然之间布的消耗量大增?石头和剪刀却比较慢?按均衡论逻辑来说,这是不存在的,除非有人把持石头与剪刀的牌,然而并没有,从头到尾只有男主一伙在囤牌,所以这是一个自打嘴巴的逻辑错误。之后,男主三人囤牌被外国人盯上,外国人开始囤积布牌,并且主动出击找男主的两个小弟进行对决,当时时间还有很多,外国人的星星与牌都很多,三个人出现绰绰有余,第一赌徒心态不会这么早就收手、第二外国人三人组为了对平局消耗牌面不一定是布牌挂单,且有人配合就算一张剪刀一张布佯装输星都可消耗,所以外国人不是必要性出布,而会选择心理战,不会傻了吧唧一定出布,这个地方智商不在线
男主把外国人的两个同伙诓走之后,这里与外国人的交涉与交易是符合逻辑的,没有大问题
之后,男主一伙有了六十多张牌,西装魔术男想从中做鬼进行洗牌,并透露出男主的囤牌策略,男主不得已也来参与洗牌,后魔术男将男主牌洒向空中,借此时机迅速与人对决。男主在其他人牌越来越少时醒悟,拆穿了魔术男的换牌伎俩,开始摆石头剪刀布三张均衡牌局,此时以魔术男的智商只需与一人进行谈判对决,承诺不论输赢都送予两星的交易,或与任意剪刀牌换牌,保证对面赢一颗星,他即可安全晋级,而不会等到除男主外再没有其他人有牌的尴尬局面。这里的反转比较牵强
之后,男主赢了魔术男的五星,赠予两位同伴,自己由于持牌过多进入黑屋,发现刀疤男一伙儿的赚钱策略,这里有个大硬伤,纱布包钻石,先不论纱布包钻石的可行性,有多容易遗失、被发现、不安全性,这三人只需将本金存入某个银行、秘钥由刀疤男记住即可,为何舍本逐末冒这种风险。然后刀疤男的纱布与钻石被男主一把抢过,且刀疤男第一反应是去捡钱、完全没有感受背部更大财产的安全,不合逻辑。
小胖的背叛也是为了反转而反转,比较生硬。
男主出黑屋,打小胖未见保安任何阻拦,小胖的星星与钱都被抢走,这不合规矩。
第三,动物世界的第一要务是生存,并非利益,主题不对,且导演与编剧想把小丑的生存法则作为男主的座右铭,刻画还不够深刻。毕竟,经历过这么多冒险与背叛后,他回到了现实生活,还是那个流氓青年,没有任何改变与升华
第四,整部电影的画面表述和人物塑造都还不错,可以说在同类国产电影中算出类拔萃了,但是仅够及格,希望国产电影继续有所进益。
有什么不对的地方欢迎指正,另大家觉得有什么bug欢迎补充
近期任嘉伦和邢菲新剧《乌鸦小姐与蜥蜴先生》正在热播 ,该剧于去年拍摄完成 ,没有压播 ,一年不到的时间就制作完成上映 ,可以说平台还是非常看重任嘉伦的实力 ,相信作为一番男主的他抗剧的能力 。靠着《大唐荣耀》再到《锦衣之下》《暮白首》《秋蝉》这几部剧闯出一片属于自己天地的任嘉伦 ,演技在一众小生中绝对是有自己的特色 ,酥而不腻 ,情感细腻能够把握住角色的精髓 ,让人物生动有厚度 。同样 ,他
近期任嘉伦和邢菲新剧《乌鸦小姐与蜥蜴先生》正在热播 ,该剧于去年拍摄完成 ,没有压播 ,一年不到的时间就制作完成上映 ,可以说平台还是非常看重任嘉伦的实力 ,相信作为一番男主的他抗剧的能力 。靠着《大唐荣耀》再到《锦衣之下》《暮白首》《秋蝉》这几部剧闯出一片属于自己天地的任嘉伦 ,演技在一众小生中绝对是有自己的特色 ,酥而不腻 ,情感细腻能够把握住角色的精髓 ,让人物生动有厚度 。同样 ,他的火不是靠营销或者背景 ,完全是靠着自己的实力和一张极具辨识度的脸 ,是的 ,在娱乐圈不缺帅哥美女 ,很多人觉得任嘉伦本人没那么帅 ,甚至觉得他不够高 。所谓萝卜青菜各有所爱 ,每个人的审美不一样 ,有的人喜欢硬汉 ,有的人喜欢正统帅哥 。但是唯一不能否认的是 ,任嘉伦的好看是具有鲜明特色的 ,你不会觉得他和别人像 ,能一眼就记住他 。与其做一个千篇一律的帅哥 ,不如做一位“一人千面”的好演员 。同样一个人能接受多大的赞誉 ,同样就要接受多大的诋毁和批评 ,演员演出来的戏就是给别人看的 ,围绕在任嘉伦身上的几样诟病无非是“没有原音剧”“现代装不如古装惊艳“。这两个话题几乎可以说是老生常谈 ,任嘉伦团队其实已经下了苦心 ,新剧就是他本人的原音 ,当然原音剧一出 ,又有很多反对的声音 ,其实关于反对的声音我觉得可以理解 ,每个人对原音剧的要求和审美不一样 ,一些合理的声音 ,相信团队一定会吸收采纳 ,但是对于一些无脑喷 ,那么我觉得可以完全不用在乎 。为了黑而黑 是没有意义的建议 ,俗称无效建议 。看了黑子的言论 ,我笑了 ,你说他原音不好 ,那么请拿出有效建议来 ,不要轻飘飘的留一句言 ,连电视剧都没看过 ,估计只看了一点点片段 ,就开始做一个不用负责任的键盘侠。诸如“他原音好土”“喘不上气”之类的言论 。我真的很想问一下“原音好土”到底土在哪里?洋气的原音该是什么样的?“喘不上气?”这一句就更可笑了 ,任嘉伦饰演的顾川 ,他做过心脏移植手术 ,心脏是机械心脏 ,不能运动 ,不能大喜大悲 ,不能恋爱 ,是一名对生命充满了悲观的设计师 ,他处在生命的弥留之际 ,这样的一个角色 ,他说话肯定是丧丧的 ,你总不能让这样一个角色说话中气十足 ,听上去随时可以跑一千公里的样子吧 ,那样估计又要被说与角色不符 。好的台词应该是能够贴合人物的内心和身体状况的 ,如果觉得他台词不好 ,请给与有效建议 ,给他一些声音上的技巧和处理上面一些直接反馈 ,我觉得这样的建议任嘉伦肯定是会听取的 。当然仁者见仁,智者见智 ,我觉得任嘉伦在这部剧的表现是过关的 ,不管是台词还是表演或者是肢体语言都非常不错 。同样不管外面那些不好的言论怎样 ,不能否认的是 ,任嘉伦的演技不会让观众失望 。他的新剧成绩实打实的摆在那里 ,他收获的好评也实打实的摆在那里。新剧开播就荣升网络剧播放量的日冠军 ,在播剧演员榜快速飞跃至第一名 ,这个成绩不能说亮眼 ,但至少验证了他的实力 。不管黑子的言论和质疑有多纷扰 ,他的剧就是有一大批观众买单 。因为任嘉伦是靠古装剧起家 ,他的古装确实非常抢眼惊艳 ,但是现代装又有人说难看 。其实不管是古装剧或者现代剧 ,就重要的是什么, 是演技 。好的演技赋予角色生命和滤镜 ,撇开演技谈造型的美与丑这个观点是空洞没有意义的 。一位优秀的演员是有整容般的演技的 ,是的 ,他只要做到让观众觉得这个角色很帅就是成功 。至于私底下的帅与丑我觉得没那么重要 。毕竟每个人都有状态不好 ,造型灾难的时候 。我说一句任嘉伦有整容般的演技并不过分 ,因为他靠着细腻生动的眼神戏和与生俱来的苏感 ,赋予了角色动人心魄的魅力 ,这就够了 ,不管是现代剧还是古代剧 ,演技才是王道 。演员扮相十分好看 ,但是眼神呆板和木头一样 ,这样的角色会有人喜欢吗?绝对没有 。更何况任嘉伦的现代装并没有让人失望 ,顾川的西装秀和日常装都非常符合人物形象 。他把霸道总裁那种逼格拿捏的特别好 ,我觉得他特别适合演这类拽拽 ,又高冷又傲娇的角色 ,虽然他本人长得很温和秀气 ,但是两者之间的这种反差 ,真的特别吸引人 。写在结尾关于新剧《乌鸦小姐与蜥蜴先生》你有什么想说的吗?你觉得这部剧目前为止有没有给你带来惊喜 ,可以在评论区留言哦 。
文/攒钱猫猫
第四代导演的诗意手法描绘了一副秀美但又十分压抑的田园风景画。其中令人印象最为深刻的就是女主湘湘,她才十二岁就嫁为人妇,在懵懵懂懂的年纪莫名其妙的有了一个小她近乎十岁的丈夫,但是她勤劳淳朴,一如沈从文笔下的“翠翠”一样,恬静而美好。影片最唯美也最令人陶醉的一个镜头就是潇潇抱着春官一起看月亮,悠扬的民歌和皎洁的月亮融为一体,静止的时光在这一刻被无限拉长,一切都看似那么美好,可是这种平静只是暂时的
第四代导演的诗意手法描绘了一副秀美但又十分压抑的田园风景画。其中令人印象最为深刻的就是女主湘湘,她才十二岁就嫁为人妇,在懵懵懂懂的年纪莫名其妙的有了一个小她近乎十岁的丈夫,但是她勤劳淳朴,一如沈从文笔下的“翠翠”一样,恬静而美好。影片最唯美也最令人陶醉的一个镜头就是潇潇抱着春官一起看月亮,悠扬的民歌和皎洁的月亮融为一体,静止的时光在这一刻被无限拉长,一切都看似那么美好,可是这种平静只是暂时的,是在不平等封建制度下的短暂存在。随着潇潇长大,发育的不仅是她的胸脯,还有她与生俱来的女性意识。这时她生命中的第二个男人出现了,狗蛋,这个多才多艺的强壮长工,对潇潇也充满了渴望。虽然他之前挑逗过潇潇,但是那时候潇潇还小,对于男女之情毫无敏感程度,对他的挑逗躲避不及。而十七岁的潇潇,有了女性的特征,也有了女性的情感,虽然婆婆用布条裹住了她丰满的胸部,但是却阻止不了她对性的渴望与向往。于是在那个下雨的午后,在磨坊里,偶遇的狗蛋和潇潇偷尝了禁果。此后,两人的交往越来越频繁,直至潇潇怀了狗蛋的孩子,她想过与狗蛋一起私奔,那是她女性意识最为强烈的时刻,却因为狗蛋的懦弱,让她丧失了最后一丝勇气。狗蛋离开之后,她经常悔恨不已,独自流泪,抑或是保护肚子里的孩子,亦或是被那个偷情寡妇的下场吓到了,她最终选择独自逃跑,无奈却因为无人开船,不得不回到自己的婆家,在娘家人的求情下,她没有沉塘,反而生下一个儿子。几年后,故事又回到开始,她要为自己的小儿子娶一位媳妇。原来封建制度下的受害者,成为新一轮施害者。影片故事的结尾令人意味深长。正如影片开头所引用的沈从文先生的那句话:我只造希腊小庙,这种庙里供奉的只有人性。“人性”的本源一直以来也是东西方哲学家一直所争论的问题。我没有看过沈从文的原著《潇潇》,不知道原文中的潇潇是一种怎样的女性,但是在影片中,在谢飞导演的镜头下,潇潇是一个天真无邪的乡下姑娘,但这种天真在封建的礼教下,极易转化为无知和软弱的代名词,我认为在潇潇身上是有女性意识觉醒的那一刻,她并没有完全被礼教束缚,她与狗蛋发生关系,想过与狗蛋私奔,也尝试过自己逃跑。但是这种意识出现的时间太短了,短的可以忽略不计。因为真正考验一个人的心智不是在幸福的时刻,而是在灾难来临之时。沦陷在甜蜜的爱情里的潇潇会想尽办法与狗蛋幽会,但是当她知道自己怀孕的时候,她下意识的让狗蛋想办法,把依赖转移到另一个人身上,狗蛋逃跑后,她经常独自流泪,居然想到吃香灰掉孩子的办法,表现出她性格中的软弱与迷信无知。最后她一个人逃走时,就因为无人掌陀,她又推不动船功亏一篑,没有成功离开。在电影中,“船”不仅是寨子里面通向外界的交通工具,更像是潇潇命运的承载体,当初她被众人抬着,坐着这艘船走进杨家寨,现在仅凭她一个人却无法驾驶这条船离开,这个情景有两层含义,第一层,这船代表潇潇的命运,说明潇潇并没有掌控自己能力,阻隔这条船的不仅是可见的石头,他其实被一种更强大无形力量阻拦着,这种力量传承了几千年,维持着这个乡村部落所谓的秩序与和谐,礼貌与文明。仅凭潇潇一个人怎么可能与他相抵抗。令人悲哀的是不管她再奋力,这艘船仍然纹丝不动。第二层,是对男性权威的凸显,这艘船原来是由一个男人掌舵的,意味着男人的主导地位,现在这位船夫不在,船自然不能开,女性的弱势地位在此刻也得以体现。潇潇的女性形象刻画除了与人文环境息息相关外,也与第四代导演的艺术风格有关,第四代导演作为承上启下的一代,他们对于现代思想与传统道德有过激烈的矛盾冲突,他们具备反抗精神,但是又不十分强烈。因此,他们的作品一如他们的诗人气质,场面悠扬,诗意但缺乏深刻的批判性。
不可否认,电影界藏匿着各种各样的“艺术家”,及一批被称为“电影艺术”的作品,然而,仅仅有少量的作品被冠以“艺术电影”的称号。早在上世纪之初,商界就迅速掌握了“艺术”这个词的宣传潜力,用它来区分虚构的、戏剧化的作品和迎合潜在观众感官刺激与好奇心的作品。例如,法国“艺术电影”公司就期望那些品味高雅的观众慕名前去观看它所制作的影片,那些影片均由戏剧杰作改编,由那个时代的知名悲剧演
不可否认,电影界藏匿着各种各样的“艺术家”,及一批被称为“电影艺术”的作品,然而,仅仅有少量的作品被冠以“艺术电影”的称号。早在上世纪之初,商界就迅速掌握了“艺术”这个词的宣传潜力,用它来区分虚构的、戏剧化的作品和迎合潜在观众感官刺激与好奇心的作品。例如,法国“艺术电影”公司就期望那些品味高雅的观众慕名前去观看它所制作的影片,那些影片均由戏剧杰作改编,由那个时代的知名悲剧演员出演。
然而,电影产生的前二十五年,“艺术”并不是指电影化的手段,而是一部电影中的组成部分——著名的演员及严肃认真的故事情节。而格里菲斯于1916年创作的《党同伐异》(Intolerance)仅仅使这种情况在表面上有了肤浅的改观,尽管他凭借这部电影的构图以及其艺术性的建构获得了人们的关注,但是这部电影真正的艺术之处被认为是在严肃认真的道德片里生硬地“键入了”修辞手法,意欲加强电影的情节和提升其艺术高度,而导演本人也希望藉此获得更多美誉。
运用艺术来“强化和提升” 高尚的道德主题,这种观念长久以来在西方大有市场,至少从贺拉斯(Horace)和普卢塔克(Plutarch)开始,一直到中世纪以及文艺复兴。但它是浪漫主义者明确放弃的一个观点,他们将它应用于电影的前提是电影不卷入那套在当代被视为“高雅艺术”的价值体系。
当然,早期的电影也有自己的美学家,他们将一部电影中生动的元素称为“艺术”。于果·明斯特伯格(Hugo Munsterberg)和维切尔·林赛(Vachel Lindsay)就是如此。而直到1919年法国的印象派运动爆发,一个庞大的亚文化群体才开始习惯(不仅仅是理论上)将电影当作高雅艺术对待。各种俱乐部、出版物、宣言、小电影、讲座以及展览均开始对一些特权电影趋之若鹜,更重要的是,它们认为这些新电影必须基于当时时代对绘画、音乐和小说的品味标准。作为时代的精英群体,这些印象派吸引着当时社会的精英观众,为他们培养电影理念。
1919年,一种更精致、更具有自我意识的电影艺术观念被引入美国。如大家所料,这是由格里菲斯领军,而且仅仅由他的一部电影《凋谢的花朵》表达。诚然,这也许暗示着,正是格里菲斯在1916年成名以后的自我膨胀让美国观众接触到了这个更易于接受的艺术理念。在美国,法国印象派的子文化也许永远不会存在,而且电影体制的每一个改变都必须通过在美国占支配地位的好莱坞文化的批准。极少有制片厂老板能够理解这种电影理念,支持这种理念的更是凤毛麟角,唯有具备格里菲斯的声望和愚钝的人才能将某一种电影理念发扬光大。
毫无疑问,在格里菲斯早期的众多电影中,这部电影在资金方面所受到的压力使其显得与众不同,阿瑟·莱尼格(Arthur Lennig)和万斯·凯普莱(Vance Kepley)在相关论著中对此有详细的描述。《凋谢的花朵》片长仅85分钟,在这么短的时间内,它很难具备《一个国家的诞生》(Birth of a Nation,1915)和《党同伐异》中史诗般的风格。此外,此片还缺少那些影片中波澜壮阔的节奏。诚然,从制作的角度看,这部影片是小成本投资(7万美元),17天完成拍摄,仅仅几个场景,成本只是早期巨作的一小部分。
然而,格里菲斯决定将自己的金钱和名誉押在这部电影的宣传上。也许正是在宣传过程中受到的冷落和怠慢使他放弃了好莱坞的传统宣传渠道,而是亲自上阵,主管其影片——对他来说是心头之爱——的发行。这种与体制的冲突必然导致他自以为是的态度,而另一方面,这种态度也导致了一个观念的产生:即艺术可作为确定电影的价值和吸引力的标准,并将其划分为不同的类型。在如火如荼的市场争夺战中,如果观众认可“艺术”,“艺术”会成为一样新型武器。格里菲斯认定艺术是有市场的,因为他认为观众信赖他,相信他的才智,将继续追随他,他深信观众会在他的指引下达到一个更新、更好的体验境界。
对于放弃通往成功的捷径——叙事以及壮观的场景,格里菲斯感到非常满意。他要求《凋谢的花朵》拥有一批新的观众,这批新的观众能够对一种新的叙事风格给予关注、做出反应,他觉得这一做法使他将电影这种媒介推向了极致。对格里菲斯而言,这种风格的新意在于整部影片中精致的情调,且在影片结尾的悲情自杀中达到高潮。在这部影片之后,格里菲斯草拟了一份与观众的契约,“艺术电影”此后都是按此约定如此运作的:通过延缓和压制带来廉价快感的壮观场面和故事,而遵从于一种更高的感觉,这种感觉是诗歌、戏剧、绘画或音乐带给我们的灵感和触动。自杀作为不快乐的标志,确保了影片的严肃性;而平缓细腻的叙事作为敏感的标志,继续体现了作者不刻意迎合观众的高尚情操,即不去满足观众粗俗的感情和期望。
请勿将格里菲斯渎神的态度撇在一边,让我们客观地审视他的感知,理解《凋谢的花朵》风格的发展以及它如何影响了我们的体验。在格里菲斯绝对的二元世界里,艺术总是与安静、崇高、道德、精致以及女性特质(当然是他眼中的女性特质)联系在一起。他利用标题为影片的开场打下铺垫,这个标题指出了影片崇高的地位与宝贵的主题:这是一个关于泪水的故事。如万斯·凯普莱所记载,格里菲斯将大量的时间和金钱花在对影片的装饰上,以此吸引首批观众。他过多地在影片的音乐、色彩、灯光效果上大做文章,以至于影片首映时,整个屏幕都充斥着各种色彩。此外,为了填充影片单薄的内容,同时唤起电影所崇尚的高雅艺术的传统,他还安排了“生死之舞”作为现场影片放映的序曲。这支舞蹈总的哲学主题是为了吸引“那几百名收到首映式邀请的严肃艺术赞助人”。
格里菲斯认为他应该在戏院的气氛上做些文章,来强调艺术价值,使其高于娱乐。但其实他没有必要那么做。《凋谢的花朵》并未改变电影的本质结构,只是改变了一些格里菲斯在比沃格拉夫公司(Biograph)时就开始使用的传统情节剧词汇。一开始,电影就摆出相反的价值观,让观众认同于其中一方,然后朝着一个戏剧冲突方向发展,经历一些情节的曲折和延误之后,正确的一方和观众会得到回报。《凋谢的花朵》就是建立在以下这些冲突之上:黄种人和巴特林·巴罗斯之间,中英价值观之间,以及冥想、被动的方式与进攻、暴力的方式之间的冲突。为了宣传需要,格里菲斯可能会说,在这些冲突达到顶点后,观众便会感受到艺术和壮观的场景之间的冲突。这样,对他来说,电影成了对当时所处文化中艺术的脆弱(也是艺术家的脆弱)的情节剧式展现,而当时的社会文化正被一些粗鲁庸俗的人所操控。影片中的暴力情节本身,而非影片中的那些“装饰物”,就足以吸引一些对这个情节变化感到熟悉的观众。然而,格里菲斯和他犹豫不决的追随者们对影片中的暴力情节并没有足够的信心,担心观众所不熟悉的实现认同的所在(东方价值观、艺术)以及光怪陆离的情节变化(自杀的结局)会遭致观众的冷遇。但他们错了。随着情节的发展,艺术已经在冲突中胜出。但这是一种奇怪的艺术,也是一种奇怪的胜利方式。
影片一开始就将这种冲突置于一组人物缩影之中:一位安静的黄种人刚刚从寺庙诵经归来,而与之形成冲突的是易怒的美国水手们。水手们除了摔跤这种粗鲁的乐趣之外,并不懂什么生活中的规则,他们只遵循生理本能的需求,不喜思考。而这位黄种人则被描述为一种高深莫测的文化传统的产物。影片中,在他出场前,三个已至婚龄的中国女人——士兵们潜在的追求对象——出现在镜头中,她们和往常一样,正在街道上向算命者询问自己的命运。在女人们青春靓丽的身形的映衬下,这位黄种年轻人出场了,伴随着他的则是沉思的、柔和的光线和镜头浅浅的聚焦。他以及那三位中国女人要依靠他手指的那本书来判断他们的生活。此时,格里菲斯给了这本书一个特写镜头。同样,在一个既定的、安全的社会秩序中,这位黄种年轻人就会显得英俊潇洒、光芒四射。寺庙中,对称的剪纸装饰显示了他的内心力量以及这种力量的源泉。这个场景的中心是念珠的特写镜头,接着插入一个僧侣敲锣的镜头,以及另外几个在至尊佛像前的僧侣。这位年轻人的师父诵读着经文,格里菲斯随之切回了一个远景镜头,这个远景镜头带有结束功能。格里菲斯用剪辑的策略将场面调度双重化,让黄种人永远处于永恒价值的世界。正是他静止的状态证明了他们所属世界的正直、他本人正直的品性以及其值得尊敬的后代。
这一段落的静态画面由一些精致而安静的构图以及朦胧的摄影风格(这些稍后对这部影片非常关键)展现出来。更重要的是,它们作为静态画面而存在,即这一段落的剧情力量存在于这些静态的画面之中,而不是存在于一系列事件之间的纠葛之中。
此时,导演明确地将静物与佛的永恒以及古老经文的永恒联系起来——这一切统治着所有的臣民,特别是这位年轻黄种人。他们的这种生活方式及相关记忆会通过电影的方式(表演、灯光和摄影技巧)呈现于伦敦街头。亚洲人的温吞与影片稍后呈现的水手们言语手势间的咄咄逼人形成了强烈的对比。后来,这种行为法则发展成了这位黄种人和巴特林·巴罗斯之间近乎荒唐的对立:东方人似水般的委婉体现在其优雅的姿势和神态上剧情的能量似乎存在于其体格之内。而这些魁梧的“拳击手们”则是吆喝着、比划着,毫无优雅可言,把我们的注意力从其体格转移到了其动作的对象上。
巴特林·巴罗斯同样也与表现东方价值观的灯光和构图显得格格不入。跟随他的镜头始终是强光,而且他经常被置于有其他物体存在的长镜头之中。拍摄这个黄种人的镜头都是萨多夫式的景深镜头,或是弯曲的遮挡、浑暗的光线或黑色的背景。所有这些技术在某些关键场景中一齐出现,使得这位年轻人与镜头中的物质背景相分离,使他以及他所代表的生活显得超凡脱俗。
影片开场片段给了我们时间去适应这套新的价值体系,从而使我们能够情愿接受平静甚至停滞的画面,虽然我们更热爱和习惯于暴力和动态。这样,我们就可以成功地对构图的画面价值进行思考,从而获得愉悦。通过拍丽莲·吉许(Lillian Gish)的长焦距特写镜头,最后给我们传递了叙事快感,据说,这些镜头改变了特写的本质、明星的本质,或许还改变了电影快感的本质。
格里菲斯将观众对故事本身的兴趣转移到了对丽莲·吉许静止肖像的兴趣上。这种手法包括两个方面:一是她挣扎于两种截然相反的、对她具有压迫感的凝视中;二是在自我思考中,她投向二者的目光也变得越来越黯淡。这样,所有的视觉力量和剧情力量都聚集在她的身上,积聚于她的自恋感知之中。在残酷的世界中,她不敢抬眼去行动、去自卫,只是紧紧抓住脆弱不堪的自己,直到观众和剧中人物的利比多都倾注到吉许的形象上,使其充满生命力,并以萤火虫般的亮光照亮了整部电影。
从叙事到画面的转换始于对女主角活动范围的固定。首次出现在镜头中时,她正处于两难的境地:坐在莱姆豪斯区的茅屋外的碎石堆上,她正思考着,是继续受那些瘦骨嶙峋的淘气鬼的欺负呢,还是在大街上把自己卖掉。她当时的生活际遇就是一则悲惨的故事,别无选择:如果待在家里,就得忍受巴特林·巴罗斯的咆哮和毒打;如果离开家在附近转转,去当地的东方人居住区,则有可能遭遇危险。只有在找到一些类似于花朵和锡纸的美丽碎片时,她才会欣慰,她暗淡低垂的眼神才会变得明亮起来。
影片中一个片段极佳地表现了这种情况[1—8]。徘徊在年轻黄种人商店的橱窗边,露西并没有留意到有人正盯着她看,那两道凝视的目光足足可以将她钉在窗户上。年轻黄种人从窗户里向外凝视她,街对面邪恶的目光也正盯着她,他们的目光在露西身体上较量着。片刻之后,露西走到街对面站在邪恶的目光旁边,用她的锡纸换取花朵。而这时,年轻黄种人也跟着她走了过来,这样,两道扫视她的目光就处在了水平的位置。两人接连横穿马路使得这个场景紧张的气氛变得白热化,而对这两位凝视者来说,露西的位置也更加暴露无遗。巴特林·巴罗斯在当地一个酒吧里面安插了两个眼线,这也说明露西根本没有机会逃出魔掌。她挣扎在父亲和东方人居住区之间,现在来到东方人居住区的她只是换了个位置罢了。
幸运的是,露西并没有注意到那些密集而咄咄逼人的目光,她正沉浸于那些精致怀旧的小玩意:她从地板下挖出的皱巴巴的锡纸、这家商店橱窗里的一排小布娃娃(稍后,她会将其中一个娃娃紧紧抱在胸前),当然还有那些花朵——这与影片名相呼应。如果在电影传统中,目光的斜视打破叙事运动的序曲,并赋予角色和物体些许的价值,以及将银幕空间变为力量的线条,从一个地方穿越到另一个地方的话,那么,我们必须说,对露西而言,仅仅通过凝视她自己,以及通过那些最后浓缩到她手里的镜子中的、那些吸收了她的欲望的、那些自我指涉的物体的共同作用,她就已经内化了自我欲望。这种对外部世界的彻底的被动使她逆来顺受,面对外部的凝视,她会变得脆弱不堪——她会垂下眼帘。我们也必须承认,这使她成为我们激烈观点的牺牲品,我们赞同这激烈观点,就如赞同特写。
总之,作为大家凝视的对象,露西身上有着整部电影赋予她的叙事压力,她则将这些压力转移至一系列物体之上。这些物体和她极为神似,而最后将成为她自己的写照。这样就把欲望更明显地展现出来:露西身上聚集着众人的目光,她投向一个物体上的目光也可以反射到她自己的身上,从而看到她自己。电影画面的构图如此密封,又有镜头掩饰,再加上柔焦的着重庇护,我们可以肆无忌惮地凝视她。这部影片的结构促使我们对这种简单的、静态的表现方法心存敬畏,并将丽莲··吉许置于圣坛之上,在那儿,她为我们以及那位年轻黄种人展示了最终的价值。影片并没有在我们凝视的目光中平静地结束叙事,而是将我们的驱动能量变为了谵妄的、自淫般的崇高感。艺术——这部影片中永恒的、自恋的绘画价值,使用了叙事这一“道具”并超越了叙事,目的在于获得崇高这一“更高的”价值。
此处,格里菲斯本能地依附于艺术概念,意在规避好莱坞粗糙的、自娱自乐的运营模式。确实,弗洛伊德认为崇高,特别是艺术的崇高,可能是超我在对肉体欲望审查时做出的反应。弗洛伊德暗示,这是最为健康的方式,并将之与那些变态的行为相对立,比如虐待和受虐。当然,格里菲斯认为他给了好莱坞的情色主题一个健康的回应,而且在他的电影里,露西高雅精致而娇贵易碎的美被瑕疵所掩盖(她在片中寒酸而仓促)。露西被迫与好莱坞电影推出的肌肉男一起出现,等待着一批有能力欣赏她的纯洁的观众。一方面,被迫浸淫在这个充满欲望的娱乐业中,另一方面,观众那“邪恶的眼睛”也虎视眈眈,影片只能“垂下眼帘”,安心打造自己的美丽:它瞪着自己,瞪着处于其中心的吉许,以及上文提到的那个核心比喻。
吉许这个角色及其气质使我们想起其他影片已研究过的那些纯洁无辜的童妓——维多利亚风格的经典角色。二战后这种角色仍挑逗着观众的性幻想,低垂的眼帘仍吸引着淫荡的目光。主人公自我意识的缺乏使得性变得纯洁。而我们对此的反应,就像那位年轻黄种人一样,就是去保护她,使她远离那些她尚未发觉的贪婪眼神,使她无法获得对自己的了解。她的性,就像她的美一样,似乎被刻意地“隐藏”在一个她无法发现的地方,而只有艺术的敏感性才能使其旁若无人地显现并焕发出光芒。
格里菲斯精心呵护着他的《凋谢的花朵》,使其免受好莱坞风格的侵袭,他起初一定会为自己感到骄傲,而稍后对此心存怀疑——这是因为,尽管大众承认这部电影与众不同,但这部影片的竞争对手是好莱坞模式下的所有电影。尽管它被视为一部纯洁的影片,但只有从那些期望从电影中得到快感的赞助商那里拉来赞助资金时,它才算一部成功的影片;只有能从那些赞助商那儿拉来比那些好莱坞模式的电影——那些更为华而不实、更为直白的“拉客”电影——更多的赞助时,才算胜利。
当《凋谢的花朵》中精心设置的冲突解体,并分解为两股势均力敌的力量时,这种怀疑的迹象就曾出现。伦敦的迷雾里有着东方寺庙神圣的熏香的对应物。莱姆豪斯区那个长相俊美的淘气鬼令观众想起了影片开场时的三位东方少女。寺庙的高僧以及他正向黄种年轻人诵读的那本经书激发出年轻人对传教的狂热,而这种狂热却遭到即将前往中国的不列颠传教士们的嘲讽,他们随身携带的一本关于“地狱”的书。“监视物”只能是英国“邪恶的眼睛”,鸦片窟,堕落的东方圣殿。当然,最后,巴特林·巴罗斯咄咄逼人的淫欲退出了镜头,被那位年轻黄种人采取的行动所取代:他保护露西使其远离其父乱伦的淫欲,而这些行动则出于他自己的种族乱交的欲望。
这位年轻黄种人和格里菲斯不能够理解这种对等值,也没能够理解其实人类普遍存在着性欲,于是,在这种反身受虐的经典结构中,马上将这种欲望转移到自己身上。在佛祖的旨意之下,陶醉在来自东方的熏香中,这位年轻黄种人、格里菲斯以及我们观众通过一个自杀的结局消除了我们更低级的欲望。而这种自毁性结局的效果是诱人而令人满意的,因为喜爱的东西在遥不可及的远方。而在圣坛上的露西就是一个被人凝视的物体,是完全禁止触摸的。
继承了《特里斯坦与伊索尔德》以及《罗密欧与朱丽叶》的悲剧传统,格里菲斯意欲探索死亡和自杀那不可获得的境界。信仰万事万物转世轮回,雌雄同体的佛意味着永恒,而这一切正是那位年轻黄种人柔弱内心的追求方向,他的追求在切腹自杀时达到了高潮:他认为在刀锋之上终结了生命,灵魂便能得以升华。自杀的行为体现了东方和西方之间的不同,也保护了这种差异性。而同时,通过灵与肉最后的强制对立,自杀区分了黄种男人和他的动机。
这部影片,如同黄种人最后的自杀行为一样,从自我造成的“堵塞”中得到快感,同时为西方咄咄逼人的叙事风格以及直接展现壮观场景的方式画上了句号。影片期望通过自恋和受虐之间的相互作用达到崇高,同时提供了另外一种更为变态的方式,对其影像进行解读。弗洛伊德认为,自我被超我的残酷力量所降服,甚至最后残忍的自杀,这些都暗示了男主人公的一种欲望——期望在咄咄逼人的父亲面前取得一种女性顺从的姿态。自杀是影片本身最后的自恋,使露西的死亡具有双重意义,寻找一种在肉体与东西方差异之外的更高对应物(equivalence),它被动,而且属于灵魂。然而,正如弗洛伊德在上文提到的那篇文章结尾处写道:“如果不是性欲上的受挫,主人公的自我毁灭的行为兴许就不会发生。”《凋谢的花朵》力图通过一种幽回的方式达到这种“性欲”的满足。
然后,轮船驶入大雾弥漫的港口时的彼此呼应的镜头显得不知所云,却以柔和的语调叙述着:这位黄种人回到了真正的精神家园,影片也将观众带到一个陌生而古老的国度。中国是一方永恒的土地,一方没有冲突、不存在差异、有着母性关怀的土地。这部影片反过来讲述了一则主人公最后返回祖国的故事,因为这个黄种人最初离开了安宁的精神家园,开始一种分裂的生活,仅仅是为了最后返回佛的全能统治之中。
影片主体部分以时间为线索,记载了他从寺庙跌落到了鸦片窟里的自我快感,在那里,他获得了精神滋补的第二次快感,正如断奶的孩子从吮吸拇指中获得快乐一样。而后,在对自恋的重新简述中,这位黄种人突破自己选择了爱的对象,纯洁的露西——而对他而言,露西只是过去的他的重现。他给自己盖上包裹露西的长袍(这种长袍只在仪式上穿)走向死亡,就像我们给露西脸部一个特写镜头来结束这部影片一样。这是对纯洁的追求,为了一种更纯洁的电影或伦理,为了超越那种本质上是性欲的脚本的所有叙事。
此处,东方和西方各方面的对应物,肉体与灵魂之间的对应物揭示了影片的意图。因为,此片确实是一部故事片,其展现的内容也确实是为了迎合观众喜好。挣扎在各种冲突之中,年轻黄种人和格里菲斯在熏香的氛围中掏空了自己的内心,将自我扩展到整个宇宙。这就是反身受虐,即对“崇高”这一问题情节剧式的解决方式。然而,这种方法很简单,甚至是可预测的,与德米尔(Cecil B. De Mill)的宗教史诗片中对“神秘主义”粗俗的探索方式相似。而对美国电影“艺术”的探索,则需要冯·斯特劳亨(Von Stroheim)和茂瑙(Murnau)来开启另外一种更为健康的途径。
本文首发于:三号厅检票员工
作者:检票小哥
写在前面
今天的标题是我看《大象席地而坐》时在心里默念了好几次的话。
老实说,《大象席地而坐》这篇影评文从我来F
本文首发于:三号厅检票员工
作者:检票小哥
写在前面
今天的标题是我看《大象席地而坐》时在心里默念了好几次的话。
老实说,《大象席地而坐》这篇影评文从我来FIRST青年电影展的第一天就在脑子里转了,我给他预设过无数个标题。
可这些标题却又都在那四小时的放映里被炸成了一个又一个狗屁。
最后就只剩下今天标题里的这一句垃圾话,不停的在我大脑的沟回壑里,撒泼打滚。
一
《大象席地而坐》的导演叫胡波。
7分,为什么给4星?一个是豆瓣自己评分机制打不了三星半,一个是我看评论区有个小丑假扮小丑恶意给低分,那从我这里补0.5分送给小丑吧。
因为疫情,电影行业受到了不少冲击,而在这种环境下的影视作品想要
7分,为什么给4星?一个是豆瓣自己评分机制打不了三星半,一个是我看评论区有个小丑假扮小丑恶意给低分,那从我这里补0.5分送给小丑吧。
因为疫情,电影行业受到了不少冲击,而在这种环境下的影视作品想要谋生存,个人认为最重要的一点就是定位准确。比较有代表性的,是我并不喜欢,但收获不少票房的《哥斯拉大战金刚》。不得不承认,制作团队倾听了观众的呼声,紧凑实在的拍了一部怪兽乱战。票房回报利率也就很到位。虽然也被扣过扎斯林的帽子,但我依旧认为与本作品相关的正传是在作品定位上与观众期待有较大偏差的作品。想表达的暗线填充的过于隐晦和琐碎,相对直观的明线,角色塑造又不够丰满,新的拍摄手法普适性不够强,剧情节奏也不够流畅紧凑。这就造成了正传在观影时既没有无脑简单的视觉冲击、也缺乏深刻含义的剧情表达。
但是在本作这部电影中,正好因为拍摄手法有所收敛,剧情框架的保守与所谓的公式化套路,再配合出色的配乐。观众在观影过程中,不存在观影的不适应性,当然也不会有更深层次的观影收获。正是因为主演+导演本人对于作品定位的把控,造就了一部保守却有点小精彩的本作,如果你期待的是一部特效惊人,或者剧情逆转的大作品,那这部电影我不太建议打开。但如果一部简单又带着点小幽默的电影你不介意观看,或许看一遍也没有什么损失。
叙事节奏:
本作在叙事节奏上我认为有优缺点,首先导演用很常规的手法在前8分钟,就已经把主角的背景、性格、喜欢与厌倦的事物交代的很干净透彻。观众看了10分钟就知道,主角是一个在某些方面出色但是又平凡不过的小角色。这比正传在50分钟左右才进入赌城要简洁明了的多。半个小时的时候,主角已经开始进行主线故事的第一个保险箱了。但是同样本作的预算以及剧本我觉得不能支撑的起2个小时的时长的。如果没有预算支撑视效,那就还是需要再精简一下剧本,提升一下叙事节奏。但整体的观影体验,里面的小笑点还是挺好玩的。
拍摄视效:
正好本作的结尾再次使用了部分正传的镜头,对比下来,部分观众不适应的过分虚化减少了。导演自己的镜头语言还不错,并且在这种预算的片子下,竟然有几段效果还不错的打戏,但确实有一点短。
角色塑造:
在正传里,很多人诟病剧情不好,但其实剧情本身不是主要原因,因为正传的剧情已经足够简单了。更多不够好的的地方是角色塑造,太多人物动机没有解释清楚,太多人物像白纸一样空白。但是在这部电影里,让我觉得还不够的角色塑造就是警察本身了。男主的行为动机很合理,甚至小队里的“小狼叔”的很多行为在我看来不令人反感,因为整部电影为他的行为给出了解释。而且女二真的挺可爱的,我很喜欢。整部电影几乎没有废物角色。
配乐:
想啥呢?寂寞大师参与配乐,当然稳。我在看的过程中就觉得配乐很不错,原来是有寂寞参与,有一种当年看《犬之岛》喜欢女主配音,看完一搜才知道又是寡姐磁性嗓音的惊喜。
缺点:
1. 叙事还是有些松散,预算不足以支撑视效那就再精简下琐碎的点,紧凑的观影体验还是能提升观感。
2. 所谓反派也就是警察的内容有一点降智,确实也衬托出主角一伙挺有小聪明挺好玩的。但我更像看到双方甚至是三方互不扰让步的刺激感。警察能通过保险箱摸索出主角团,那就应该再多描写一些与他自己与四个保险箱的关联。
3. 男主在开锁时,虽然有很多精美的锁芯镜头表现,但是观众时缺乏足够的窒息感和紧张感,就只是看着男主专注的开锁,我却不能感同身受。
4. 男主甚至是主角团吧,对于4个保险箱的执着或者说目的我觉得体现的不够充分。男主为了开保险箱,交代的男主喜欢的理由没有很强的说服力。除了女主的其他人为了钱,连开三个每次只能拿一小部分岂不是太麻烦了吗?
如果是里面放的是价值更高的钻石,一次一包。女主等人刚开始是为了钱,男主是为了四个保险箱内部藏着的四把钥匙,四个钥匙可以打开的是最开始被沉在水里保险箱造物主的那个。后来女主转变慢慢开始欣赏男主而不是为了钻石,这种心态的转变。我个人会觉得更好一点。
总结:
虽然我很喜欢扎老头,但这部前传或者说外传电影观感比正传是要舒服的。优缺点都有,属于下限不低,但上限也确实不高的小惊喜作品。对于宇宙的扩展我认为并不多,但对男主的塑造确实更多,更有意思了。也是看完了这部电影,我能体会到男主在正传里对于第四个保险箱的执着所在。
更新:今天大概搜了下,有一个文章提了句,这部电影的预算可能不超过10e卢比,也就是大概1300w多美元。如果是真的话,那么导演压缩成本的能力还挺强的。但……我觉得应该不会这么少
11月9号更新:根据参与制作的艺术家的说法,这部片子的成本可能只有正传的7000w预算的1/10。如果真的是700w成本下出片,那么这部电影确实把能做到的都做到了。来源:https://www.artstation.com/artwork/xYAyq2?continueFlag=e9e39021f28b604d24bd06166c5257e5
纵火警方已经查到是蓄意纵火并告诉爸爸很快就能查明,后面爸爸接到一条警方发来的短信说很急要跟他谈谈明显就是告诉他她女儿是纵火的凶手 到最后邻居枪毙爸爸 警察来现场女孩啥事没有 跟姑姑说爸爸有病就完了?大写的无语
奖牌在家里被发现 难不成还是女孩的爸爸杀了她同学给女儿抢夺金牌?老师被马蜂叮死 难带也跟他爸有关系
纵火警方已经查到是蓄意纵火并告诉爸爸很快就能查明,后面爸爸接到一条警方发来的短信说很急要跟他谈谈明显就是告诉他她女儿是纵火的凶手 到最后邻居枪毙爸爸 警察来现场女孩啥事没有 跟姑姑说爸爸有病就完了?大写的无语
奖牌在家里被发现 难不成还是女孩的爸爸杀了她同学给女儿抢夺金牌?老师被马蜂叮死 难带也跟他爸有关系? 什么鬼….. 比起孤儿怨 真的差远了 不知道怎么有7.0分的
不得不佩服老谋子一辈子都在努力地突破自己,每一部片子都有新的惊喜以飨观众。《红高粱》有血气方刚的豪迈,《大红灯笼高高挂》则展现出了深宅大院里死一般的压抑。《我的父亲母亲》拍出了农村的质朴,《英雄》则又画出了古典的韵味与侠味。《满城尽带黄金甲》是错彩镂金之美,而在《影》当中,张艺谋又贡献了一种几乎与之完全相对的山水墨画的干净简洁之美。
不得不佩服老谋子一辈子都在努力地突破自己,每一部片子都有新的惊喜以飨观众。《红高粱》有血气方刚的豪迈,《大红灯笼高高挂》则展现出了深宅大院里死一般的压抑。《我的父亲母亲》拍出了农村的质朴,《英雄》则又画出了古典的韵味与侠味。《满城尽带黄金甲》是错彩镂金之美,而在《影》当中,张艺谋又贡献了一种几乎与之完全相对的山水墨画的干净简洁之美。
其他等不一一细说。
即便是面对同样的抗日题材,《金陵十三钗》和这部《悬崖之上》也都有完全不一样的东西。《金》讲的是社会底层女性为民族大义所作的牺牲,是对人性的讴歌;《悬》则是部彻头彻尾的谍战片,讲的是人心之间的博弈。《金》的故事发生在南方,骨子里就带着几分柔软的悲情;《悬》的故事发生在哈尔滨,在大雪纷飞里,人与人之间充满了冰冷的交锋。
《悬》讲述了在上世纪三四十年代的哈尔滨,四位在苏联受训过的我方特工来到此地,完成一项秘密的“乌特拉”行动。日寇在截获这个消息后,想要破坏我方执行任务。于是,一场关乎生死存亡的考验,就此拉开序幕……
很多朋友说,这是一部不用带脑子的超赞爽片。
对不起,我无法苟同,《毒液》设定上就超有意思,其次它对人性的理解也挺深刻。超凡入圣的各种情节运用,使得很多人觉得理当这样。
它是有内涵的,所以才让人觉得爽啊!
很多朋友说,这是一部不用带脑子的超赞爽片。
对不起,我无法苟同,《毒液》设定上就超有意思,其次它对人性的理解也挺深刻。超凡入圣的各种情节运用,使得很多人觉得理当这样。
它是有内涵的,所以才让人觉得爽啊!
看了本片,毫不夸张的说,感觉年轻时的黄建新导演在今天看来真可谓讽刺幽默的大师,较刚看过的《背靠背脸对脸》来说,本片的聚焦不在“职场”,而是在驾校训练中被分在一个小组的小集体,角度和前者不同,也更加表现了不同百姓阶层的人心百态,看片过程中我时不时会被一些情节逗笑,这种笑就像是在日常生活中看到听到身边一些或八卦或刺激的事时的反应,是真实的,来自内心的。本片之后的大约1
看了本片,毫不夸张的说,感觉年轻时的黄建新导演在今天看来真可谓讽刺幽默的大师,较刚看过的《背靠背脸对脸》来说,本片的聚焦不在“职场”,而是在驾校训练中被分在一个小组的小集体,角度和前者不同,也更加表现了不同百姓阶层的人心百态,看片过程中我时不时会被一些情节逗笑,这种笑就像是在日常生活中看到听到身边一些或八卦或刺激的事时的反应,是真实的,来自内心的。本片之后的大约10年,我才学的车,我印象中在驾校的状态和本片中的差别不是很大,只是本片的时代学车的人显然更少,一组才五个学员,还要各自报上政治面貌,我们那时人多了,没那么小集体化,但师傅和一众学员间还是个小社会,那时已经30岁的我,依然啥也不懂,毫无社会阅历,不晓得人情世故,完全不交际,人群中活像个木头,如果当时我看过本片并具备能欣赏这部电影的文化认知,我想我也许备不住会认识个把如本片中的狐朋狗友,体验下人与人之间时而乐呵时而算计的真实社会吧。
这个剧的台词真的太棒了
今天恩浩的告白 看的我哭的不行
真的是温柔的 持久的爱恋啊
而且男女主的演技都太在线了,这整个过程 都表现的太好了
幸好选了李奈英当女主而不是那些长得很漂亮但演技一般的人。她的眼神嘴角都有戏,实在是太厉害了。二硕在这部剧里演技也是超级好,超越了之前所有的剧!
感谢二硕入伍前的礼物,这部剧的很多很多台词,都太喜
这个剧的台词真的太棒了
今天恩浩的告白 看的我哭的不行
真的是温柔的 持久的爱恋啊
而且男女主的演技都太在线了,这整个过程 都表现的太好了
幸好选了李奈英当女主而不是那些长得很漂亮但演技一般的人。她的眼神嘴角都有戏,实在是太厉害了。二硕在这部剧里演技也是超级好,超越了之前所有的剧!
感谢二硕入伍前的礼物,这部剧的很多很多台词,都太喜欢了
陈嘉玲,39岁,生活在台北但永远买不起台北房子的台南女儿。