非常非常疑惑这一点。

电影中最直白的说法是Valak想要杀死Ed，Lorraine八年前就预见到了修女模样的Valak，并把自己在房间里锁了八天。
但这条线非常的莫名其妙，Valak为什么想杀Ed想了这么多年？似乎完全没有交代啊？难道真是这对夫妇驱魔太多惹恼了Valak所以决定弄死Ed？这也说不通啊，Lorraine才是那个有通灵能力的人，没了她Ed都很难判定有没有超自然灵体存在，加之本身又是一个身体比较弱容易被吓到的女人，怎么说也是杀Lorraine更容易更合适吧。

那小女孩Janet呢？似乎也说不通。
Valak基本就没在她家里露过面，从头到尾都是操纵可怜的老爷子Bill，本体一直在骚扰Lorraine。结尾之前唯一一次的瓜葛就是Ed修洗衣机时在他背后闪了闪。如果想要的真的只是Janet，何苦从八年前就开始吓唬Lorraine？
我唯一能想到的脑洞就是，八年前Janet出生Valak就想要得到她，于是警告了日后可能会插手的驱魔夫妇，在八年后决定动手的时候再次骚扰Lorraine，希望吓得她不会插手这件事，事实上她确实也险些就不接案子袖手旁观了。但这个脑洞我自己都不信…而且Janet怎么看都不止八岁吧？？

最后一个则是我个人的脑补。
Lorraine曾对Janet说过，她第一次看到灵体是在医院里，看到了一个“天使”，而“天使”也看到了她。
很多影评中都提过，Valak这个恶魔本身的形象不是修女，而是一个长着翅膀的小男孩，骑着双头的龙。抛去坐骑不看的话，生着翅膀的小男孩可不就是天使的形象？而发现Bill老爷子的真相后，Lorraine对于Valak的描述是“它在用一种残忍的方式来攻击我的信念”——让她怀疑一切都是作假，让代表她信仰的修女变成恶魔，大概都是残忍的方式之一。而Lorraine最大的信念是什么？私以为，是终于遇到了相信她爱她守护她的人，是Ed。
如果这样看的话，从Lorraine小时候第一次看到了Valak的真身，Valak就开始纠缠着她，而不是Ed。Ed只是摧毁Lorraine信念的一个媒介。这也解释了为什么Ed只在梦中见过一次Valak，每次和Valak直面交锋的都是Lorraine，就连最后的结尾都是这样，Ed拉着Janet悬在窗边，Valak出现在他背对着的地方，他根本看不到恶魔现身。当然这个脑洞也有很多疑点。Valak之前还以什么样的形式纠缠过Lorraine么？为什么等八年再杀Ed呢，享受恐惧折磨Lorraine的感觉么？Bill老爷子倒是说过“我喜欢听他们尖叫”这样的话，Lorraine也的确每次遇到Valak必尖叫，笑。事实上这个问题放在每一种推测上都可以，无论想要的是谁，我实在是难以理解Valak等这八年到底是为了什么。

如果招魂还有3的话，希望温导把这个悬念解开吧~

没看过朱文的文字，却先看了朱文的电影。这样最好，避免以一种文学的眼光先入为主地去解构影像。可以这样说，朱文的影像是平实的、朴素的；也可以说它是普通的、无奇的。恰恰是平平淡淡的影像、不紧不慢的节奏，将人的精神世界转化成另一种可视化的现实，并且与现实世界并置呈现。在这里，现实世界与精神世界并不是对立的，而是拧着麻花劲儿般把人变老的，人最终也逃不脱得此岸则失彼岸的矛盾与尴尬。影片力求放大的正是这种人在现实世界与精神世界的双重生活状态下的二元矛盾。现实生活与精神家园究竟哪个更可求？朱文并没有对此表态，而是把问题交给观众去体会、去感悟。或许对于物质越来越富裕的中国人，这正是一个值得用来自警的问题。本以为左小祖咒的音乐在影片中随处可闻，没想到除了开场曲和结尾主题歌便无其他，或许观影时情绪难以提起可能与此有关。另外顺便说一句，影片是在中央六套里看的，心里不踏实。因为不管是否有删节，总感觉像是少了点什么。

《一个勺子》的海报风格来自中国传统的门神画，在这里，男女主人公似乎与门合为一体，成为门神画上的图案。他们身上农村风格的强烈造型，以及站姿和墨镜阐发出来的那种抗拒的精神，是传统对现代性的一种负隅顽抗的意念，在此处，他们成为门神的象征，对抗着外来的、现代性的层层侵蚀。然而这种对抗又是无力的，于是这张海报最终表达的意图，是他们作为旧物被裱入了历史，最终化作一种悲观主义的慨叹。

一、傻子与羔羊

在西北方言中，“傻子”称作“勺子”。《一个勺子》讲述的是关于一个西北放羊的农民拉条子（绰号）的故事：拉条子某天碰见一个傻子，傻子却跟着他回家，他拼命想甩掉这个傻子，中间却和傻子产生了感情。拉条子印了无数张招领启事，不久之后便有人认领了傻子，接着又有傻子的“家人”陆续出现，最开始被人嫌弃的傻子竟成了香饽饽。拉条子觉得事情有异，想办法要找回傻子，却被全村人嫌弃，成为他们眼中的“一个勺子”。

影片以一个固定镜头的全景拉开一个小镇的生活空间，陈建斌扮演的拉条子随后亮相，在他的羊皮口袋里装着一只小羊。这是电影中的第一个符号，象征着弱者的存在方式，在随后的一场戏里，拉条子邂逅了傻子，他们一起穿过狭长的隧道，在隧道内/外、明/暗的构图方式中，拉条子第一次完成了对傻子（或者对他自己）的审视。披头散发、满身乌黑的傻子头下脚上地躺在隧道口的雪堆上，这样黑白分明的强造型强化着傻子的存在。

拉条子的小羊构成了傻子的第一个参照物，片中的小羊被拉条子夫妇呵护备至，在炉边烤火和踱步，作为人的傻子却要被赶到室外、睡进羊圈。拉条子对傻子的处处提防被验证为多余的，傻子其实有一颗羔羊般的心，其渐渐被拉条子夫妇接纳的过程，实际体现了一种物以类聚、弱者相依的现实。在影片中，拉条子的儿子被判入狱六年，作为年轻人的傻子成为缺席儿子的一个情感意义上的替代物。

在原著里，拉条子的羊皮大袄是父亲留下来的，但现在人们都穿轻便的羽绒衣，羊皮袄便没了用途，傻子出现之后它便有了用途。在这里傻子对所有旧物的接受是自然的、无条件的，没有任何社会意识、审美的左右。拉条子给傻子剪发、洗澡，给他穿上儿子过去的衣服、鞋子，也完成了这种情感认同的可能。电影里最重要的一个道具是拉条子儿子那个残破的塑料遮阳帽，当傻子戴上它的时刻，就有了一种滤镜式的观察社会的视野，它呈现为“傻”或者“疯癫”，成为小孩子的雪球攻击的对象。在这里，傻子是弱者，有着羔羊般的赤子之心，也同样容易被社会践踏和宰杀。电影里反复出现的拉条子奔上的土龙坡，其实有如亚伯拉罕的祭坛，他最终用暴力的方式杀死了那只小羊，其实等同于亚伯拉罕杀死自己儿子的举动，这是询问信仰的举动，也是现实对凡人最大限度的考验。

二、 戏剧式的简约

陈建斌的处女作，体现了极简主义，以及最大程度的质朴。它处处呈现着戏剧式的简约处理，拉条子的家呈现为一个迷你的剧场，在全景的处理中，摄影采用手持的方式，带着一种呼吸感，和人物内心的烦乱有着相同的节律。

整个社会的微观模式被他呈现在这个看似简陋却又极其丰富的文本中间，体现着一种五脏俱全的结构性。电影里出现了政府-司法-平民的社会结构，也有暴发户与贫苦人口的道德冲突。反复出现的拉条子和傻子坐在马路牙子上的镜头，伴随着身后换来换去的名车的背景，以及身前熙来攘往的各种人物的调度，形成一种人物在时间变化中的“滞留”感。在处理所有大全景的时候，陈建斌的构图没有美感，镜头画面的边缘呈现一种“生切”的感觉，造成画面内的压力，成为对蝼蚁化的现代人的一种观看方式。

影片中的动作基本上是戏剧式的，人物之间倾向于建构一种强烈的冲突，陈建斌、蒋勤勤都以农村化的强造型亮相，而扮演暴发户大头哥的王学兵，被处理为瘦骨嶙峋的秃顶的颠覆性形象——这都是戏剧化的造型方式。拉条子与大头哥的对白，基本上都发生在后者运动的豪车之中，摄影机大部分时间都拍摄两人的后背，这也是戏剧化的调度方式。

在认领傻子的“家属”不断出现后，拉条子和自己的老婆发生了直接冲突，最终发展到床上的打架，陈建斌的处理是在两人缠斗都将蒋勤勤压在身下，打她的屁股。这也是戏剧化的处理，以造型化的动作替代日常行为。《一个勺子》的细节中处处流露的戏剧化的手法，是陈建斌常年舞台经验的无意识表述，在电影语言上，他却呈现出一种粗陋的质感。在电影后段拉条子爬上大头哥的豪车的一场戏，镜头笨拙地对准陈建斌入画的特写，“不藏拙”正是这部电影的特点，背后是一种素朴主义的书写。

三、一颗素朴的心

陈建斌多年前出演过孟京辉那部荒诞派的《像鸡毛一样飞》，像电影片头那样马雅可夫斯基画像被献血浸透的诗意处理（或者说是逼格处理），陈建斌不可能不懂。但《一个勺子》呈现出典型的毛边现象，它近似是一个家庭作坊式的制作，夫妻好友一起上阵。整个电影采用极小的成本、极简的资源，拍出一部极其粗糙质感的作品。

作为西北人，陈建斌令《一个勺子》显现了“山药蛋派”的文学特征，电影里出现的农村炭炉、小方桌、天蓝色椰子背景的墙纸（代表一种内陆人对蓝天大海的向往），还原着90年代城镇和农村的现实风貌，这是一种向前的“回溯”，仅仅抓住那个年代旧风物的“路标”，眺望着时代转型、经济巨变中的一种吞噬感。这是贾樟柯为代表的第六代电影人在初登舞台时最看重的东西，在贾樟柯的《小武》、《站台》做出此类表述之后，那“糙”的风格成为一代人的标志，然而随着这些人功成名就，在技术上褪去当年的“毛边”的时候，这样的力量也相应地萎靡了下去。于是《天注定》只能以振聋发聩的声音和频频植入的符号学元素来博取关注，这是一代人堕落的表象。

陈建斌的好处在于他拍摄这部处女作时候已到中年，在沧桑中有了阅历，决定了它对待文本的态度。对第六代来说，年轻时候他们是偏执的先锋派，中年过渡到圆滑，至少在镜头语言的成熟趋向于一种“装潢”的时候，他们和大众土壤的亲密度已经不再如前。陈建斌的经历，恰是反其道而行，先有半生哀乐的年岁，再去看这部电影的文本本身，从小小的故事和人物里窥到了那种别有洞天。

《一个勺子》没有玩弄任何形式的花活，也没有任何结构上的杂耍，它始终在有效、直接地，甚至有些笨拙地构造整个电影。它的素朴成为它的声音，这是一种还原电影本身的态度，也是一种直观。拍这种电影的人有一种素朴的心，在处理电影的时候，导演也在审视着自己。这种素朴的态度，令陈建斌的《一个勺子》在没有任何野心和企图的表述中成为一部标准的“作者电影”。

四、镜像，回溯的过往

陈建斌的电影仿佛回溯到贾樟柯等人的早年，但它将贾樟柯强化意义的漫天广播等元素也去掉了，这种还原更加彻底。流行音乐作为一个渲染时代的工具，在《一个勺子》里虽然得以保留，也没有僭越它自身的尺度。片中在这些流行音乐的伴奏中，拉条子一次一次地下车，在大头哥豪车的后视镜中回退，仿佛自身从一个时代大潮中抽身离去。

从镜像中的回退，是影片中主人公无可奈何的处境，这也让其从一个正常人，变成“一个勺子”。这是当代价值观的一种影射，全民逐利的时代，老实人成为傻子，价值观的堕落，化作后视镜里主人公脸上的无可奈何。在这里，胡学文原著（中篇小说《奔跑的月光》）中的社会观点，被陈建斌用一种极富象征性的影像语言表达出来。这是民间经济、法律和伦理的失范之后，一个普通人仍然在坚持的对抗现实的力量。

“原著像一个瓶子，容纳了我多年想要表达的东西。”电影中拉条子对待社会现实、对待经济时代的无力感，引向对人的“良知”迷失的现实表述。羔羊象征人的良知，它又是最容易被迷失的，土龙坡杀羊的一场戏，在一种充满仪式感的叩问天地的场景中流出的羔羊的血，其实完成了对自己剜心刺骨式的审视。影片中的另一个镜像来自梦境，拉条子穿过幽暗的羊圈，看到披着羊皮袄沉睡的“傻子”，摇醒却发现是自己，那种大惊之下对自己的“刺杀”，惊醒于自己对外部吃人社会的恐惧，也诉说着一个社会的精神问题，这是吉尔?德勒兹欲望-机器理论的核心表述：精神分裂者（傻子）才是疯狂社会里的正常人。

黄土高原的场景，电线杆构图下的全景强化了人存在的无力感。拉条子拿没有肉的牛骨打傻子的一场戏是一种回溯式的最后的嘻戏，随后熙来攘往的家属则压垮了他，最终令他和傻子“合二为一”，或者说傻子根本没存在过，他本身就是个“傻子”。在电影的最后，拉条子戴上傻子戴过的那个残破的遮阳帽，镜头模拟他的视点看到红色的世界——遮阳帽如滤镜般过滤了世界的表象，而呈现清晰社会的图景（这是傻子的视角才能看到的），在这个真实世界中，迎面走来一群小孩子，拿雪球丢过来，一边喊着“傻子”、“傻子”。在这里，傻子的视点道出了托马斯?霍布斯式的社会学观念：在经济社会里，人对人是狼。

五、金马的品味

《一个勺子》在金马奖获得五项提名，最终拿下最佳男主角和最佳新晋导演奖，陈建斌作为本片的导演、编剧和男主角都受到了认可。从整部影片的质量来看，他的表现也配得上所获得的荣誉。

但我们更该佩服的是金马奖的眼力，从大浪淘沙中筛出这样的珍珠，这样的例子数不胜数，仅以近几年为例，就有《钢的琴》、《箭客柳白猿》、《到阜阳六百里》、《爸妈不在家》等影片得到金马的肯定，这里面很多是青年导演的作品，是他们的处女作或者第二部作品。这种扶植幼苗的态度和善于发现的眼睛，相对于大咖分猪肉的联欢会来说，是一种更趋向于电影本身，而非产业的态度。

《一个勺子》讲述的是整个社会异化的故事，清醒者却被视为“傻子”，这就像金马奖和其他华语奖项的区别，金鸡、百花、华表、甚至金像奖都面对着意识形态的牵绊和商业侵蚀性，金马奖虽然也难逃这个经济大潮的压力，但是它至少懂得反省。

这种反省表现为任性，会经常性地给匪夷所思的结果，会把最佳剧情片颁给《可可西里》或者《神探亨特张》，但很多优秀的作品也经由它被发现、传播，而被当代观众接受。很长时间以来，因为造势不够、星光黯淡等原因，金马奖常常被人批为“low 咖”，意思仿佛是金马奖就是“一个傻子”（如吹风机事件）。但在这些熙熙攘攘的声音背后，金马奖仍然一如既往，坚定地扮演着如《一个勺子》海报上那 “门神”一样的角色。

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搜狐大视野中看过一则越战纪录片，故事和高山下的花环十分相似。兰州军区某士官所在部队恰逢各军区轮战，派到越南战场，接到命令吓到快尿裤子，后来生死经历多了，某次战役后一个人在战场上不愿意撤下来，坐在洞口内看守很多死难烈士的遗体，夜半常有幻觉以为尸体堆内有人活着，不过算是他的美好愿望了。
人皆畏死，其实也都有不怕死的血性的基因，和平年代都被深深地压在体内。
在那个年代算是五星的片子了。

网路剧近几年越来越盛行，越来越多的小说被改变，“IP”一词也逐渐走到人们的视野里。然而不可否认的是，在IP影视化的道路中，很多改编并不能说是完美，甚至被原著粉感动失望。
       正如导演五百说，一个故事好不好，要在于自己。制作要合乎清理，内容要真实合理。大IP影视化后，首要的观众自然是对原著的忠实的粉丝。高收视率可能是前几集的高峰，原著的粉丝会为了原著去追，但是如果影视化的作品不能忠于原著，或者不能进行比较好的改编。那对广大粉丝来说可惜和悲伤的。
      然而《超级小郎中》却是对原著进行了大幅度改编。在原文中，小郎中是人见人爱，花见花开，谁见了他都对他充满了好感的神奇男子。甚至可以说，原著是一篇开火车的小作品，但是不妨其内容的可取之处。网络剧版本的《小郎中》更现实，每个人物的个性更加鲜明，人物关系更加清晰。
       这是一部关于乱世的作品，这是一个被人写过来写过去的题材，这是一个不断改进的剧本。在近几年，《小郎中》就有了电影版本，也获得了一定的观众。但是电视剧版本的《小郎中》的情节更加饱满，更加吸引人。
        虽然在选取上没有尽可能的跟随原著，但是不得不说的是，这个改编引起了大家的关注。其实有很多的作品在原著中不可避免的遇到一些特定的场景。但是在改编中，《小郎中》很好的融合了原著，并进行特色改编。忘记了是在哪里看到的，记得一个原著粉说，他从来没想到小污文也可以改编成这样的正经剧。
      其实这就是一种成功。IP影视化的路上，改编势在必行，现如今很多影视化在改编中，并没有很好的效果。但是在未来，IP影视化的盛世一定在改编中获取能量。就目前来说，改编的好坏仍是很多人最关心的问题。
      原著粉，担心失去韵味。电视观众担心没有韵味。但是同时韵味，两者追求却大不同。在《小郎中》有着自己的特效，或许这些特效还很一般，但是这些特效都在围绕着所推崇的“萌汉剂”。改编虽大，题材虽老，但是不可否认的是，他所推崇的“萌汉剂”让人感觉眼前一亮。在剧中有有很多细节都让人感觉到很萌，很萌。
       说起来，电视剧，不免套路。但是这个套路确实在细节中让我感觉到新奇。例如方行长刚出先的时候。
       “方行长在那个乱世，他的成长还不够快，比起狠心，他不如少帅。比起亲和力，他不及小郎中。他是一个需要被宠爱的纨绔啊。正如每一个纨绔出场的样子一样，方行长作为站在食物链高层的人员是以恶霸的形式出场的，只不过这个是披着恶霸的小傲娇。方行长的的出场时伴随这一场小小的车祸，白笑天只是不小心蹭了他的车，他就不依不饶。
        实际上，白大哥看到车主人下来，只是用袖子擦擦车，就想完事。但是我们的方行长自然就不开心了，不开心怎么办？叉腰！这个套路第一次见，这个画风让我以为进错了剧。”
        其实说到也有道理，这个剧所创造下的方行长，虽然纨绔，但也有自己的内心的一些思想。相比慕容南，他确实了那份天不怕地不怕，所有在面对老百姓，他并不会特别残忍的去对待。但是乱世终是乱世，或许方行长会恶化，或许他一如初。
       乱世的剧很多，但是网剧的盛世在于你主打的是否够吸引人，是否角度新奇。当人们先入主观的接受你的主打主题，在他们眼里剧情的每一个设置都不一样了。这是一个在不断超越的网络剧，超越自我，超越尽可能。

想想我也算个F1的菜鸟级车迷，不过随着条条框框越来越保守稳妥的规定和制度出台后，我也逐渐从起初能精神奕奕通宵达旦兴奋看完一场比赛的狂热分子变成了如今只会偶尔瞄瞄结果和新闻的业余爱好者，近年来一家独大一马当先闭着眼睛都能预测出冠军的F1，越发失去了真正意义上“速度与激情”的核心目的，车手的价值也一落千丈，虽然将近四十年过去了，跃马和迈凯轮依旧是赛场上竞争最为激烈的对手，却失去了更为激动人心的引擎轰鸣声，少了命悬一线精彩纷呈你追我赶的经典戏码，没了吊人胃口不到最后一刻输赢难定的冲线悬念，以及旗鼓相当难分伯仲神一般惺惺相惜的对手。

对于上世纪被无数车迷视为黄金年代最带感的美好70s，我了解甚少，反倒得感谢这部电影，就像一台神奇有着巨大感染力的时光机，引领我身临其境般走进了昔日足以燃爆小心脏的F1，重回惊心动魄肾上腺素疯狂飙升的赛场，虽说当年的车速远不如现在风驰电掣，也没有高科技面面俱到的保护装备，惨烈恐怖的事故场面成了家常便饭，没法压低居高不下的死亡率，还得硬着头皮玩命的直面命运的残酷玩笑，含有一切未知危险因素的雨站更是一场难以预料的生死搏斗，但除了能给予观众足够的惊喜、快感和精彩外，车手的个人能力和魅力却能最大限度的放大和凸显，他们争强好胜亡命驾驶，有着发自内心的狂热和职业素养，在将这项急速运动的强大魅力发扬光大的同时，也一并造就了刻骨铭心的传奇时刻。

尼基和詹姆斯不仅在惊险万分的赛道上留下过惊人的战绩，同时还上演了玩命逆袭和险象环生的历史瞬间，而影片就是以他俩为原型，围绕着这对70s亦敌亦友的对手展开，这部电影并不像俗烂的爆米花电影那般，一门心思追求震撼逆天的视听效果，剧情却像豆腐渣一样不忍直视，从天不怕地不怕混迹于三流车队的毛头小子，到想尽法子挤进梦寐已久的F1大本营，成为无数人崇拜追捧的顶尖车手，一路看过来就像亲历了他们从失败到成功牵动人心的脱变过程，其中对于他们情感生活的刻画，更成了他们往后命运走向的重要因素，也使两人的形象看上去不再是简单空洞的赛车手，而是个性十足有血有肉立体丰满的男人，而之所以能给这部电影打上经典佳作的标签，除了紧张刺激的叙事节奏和形象反映人物心态的细节刻画（对詹姆斯玩转打火机的镜头印象最为深刻）外，锤哥和布鲁赫之间火花四溅的精彩演绎功不可没。

虽然都有着一颗争强斗胜雷打不动的决心和两条见面就异常亢奋的毒舌，冷嘲热讽的斗嘴数落起来完全不留情面（看得我直乐），在骄傲自负的性格特征上他俩或许还能达成一定的共识，但他们对待生活却有着天差地别大相径庭的态度和观念，詹姆斯就像个潇洒不羁的浪子处处留情，私下过着看似随意享乐的糜烂生活，到了赛场，就成了将生死置之度外不顾一切争分夺秒杀出一条出路的牛逼车手，这种鲜明的风格注定詹姆斯会是个不受束缚任意妄为的玩命之徒，而这种锋芒毕露存有隐患的危险个性虽然助他反败为胜从死神的手里拿下了世界冠军，但同时也为他绚烂缤纷的人生画上了令人伤感的句点，不过或许就如詹姆斯自己所说的那样，他所在意的并非结果，而是非凡的享受过程，虽然短暂，却足够的夺目精彩。

尼基则显得更加的踏实和稳重，对赛车有着超强而敏锐的调教能力和天赋，凭借这点不仅收获了美满的爱情，还从一位碌碌无名的付费车手一跃成为最牛车队跃马的头号车手，并轻松拿下世界冠军，但就在世事难料的经历了面目全非痛苦不堪的死里逃生和术后恢复后，虽然不顾医生劝阻咬牙忍痛回归赛场拿下不俗的成绩，决定和詹姆斯一决高下，但永远没法预知的可怕命运却有着让手握的幸福稍纵即逝的可能性，意识到这点的尼基做出了艰难的决定，不再横冲直撞的赌上性命，而是在关键的最后关头选择了退赛，把近在咫尺的胜利拱手让人，这股勇气和明智之举无疑更加令人钦佩。而这及时的收手并非退缩，反倒更多的是责任和担当的体现，也是为将来的胜利埋下伏笔，并也得到了时间的印证。而在后来创办的劳达航空发生坠毁事故中，从尼基的态度和行动中也可看出，他对于职责永恒不变的执着信念和坚定的处事原则。

表面看来他们从不放过讥讽和刺激对方的机会，但实际内心却是相互的敬重和佩服，在某一时刻，相信他们会由衷的感慨这辈子能遇到这样的一个对手是多么值得庆幸和自豪的事，就像最后尼基说的那番感人至深的话：“人们都说我们是死对头，可他是少数我喜欢过、敬佩过、甚至嫉妒过的人。”在F1这个用金钱堆砌起来的游戏中，在技术越来越发达和场外因素逐渐掺和进来的当下，必然的扼杀了理应拥有的精彩好戏，幸运的是还能利用影像的特性，回望当年那个让人激动不已痴迷疯狂的年代，一个个伟大的车手身影相信将会被永远的定格在辉煌的历史中，被永远铭记和怀念。上星期的巴林大奖赛，时隔多年，身穿红色战袍的莱科宁，再次站上了久违的领奖台，举起奖杯的那一刻，真心让人感慨万千。

抗日神剧何时休，导演和演员都是用屁股在拍戏，这都什么年代了，央视还养着这些垃圾神剧去给没文化的老年人去洗脑，不知道这种烂剧是怎么骗补贴 ，一部接着一部，很显然无利不起早，央视这种传统媒体不关闭，天理不容，助纣为虐，可能上面那群人真的老了 不理解青年一代需要的...  (展开)

开场一个小段子，前菜一样的提一点胃口顺便介绍一下人物，有惊无险，点到为止，顺便引出开场。

各路人马浩浩荡荡登场，然后筹划有条不紊，执行却总在要还地方出篓子；然后情况逆转，大帮人马被果断坑爹，甚至还有性命之忧；于是乎转身去找幕后黑手，然后黑手背后往往还有黑手。最后一干人马天崩地裂头昏脑胀人仰马翻一番，最后欢乐收场。

这种所谓的绅士大盗的类型片，可以算是好莱坞的保留节目了。看这里大家喜欢称之为韩版ocean's系列，但是世界上如果是顺着这个模式摸下去的话，这种模式的动作片遍地都是；007开始已经基本上是这种固定节奏，除了各方人马被简约成两到三方，其他照着期待基本上也没有什么差错；香港类似的盗贼类型片也算得上不胜枚举。

总而言之，这种类型算得上相当经典：各方人马个个来头十足，就算任达华任叔只走了半部电影，也算是形象非常到位；其他各位，诸如什么飞檐走壁的少女和飞檐走壁的大叔就更不必说。

于是乎，这种模式在商业上往往非常成功。只要演员阵容齐全，剩下的无外乎就是制作上规模，该刺激的部分刺激，如果在顺手插两个脱口秀的段子，那就更好；至于制作和剧本，如此多年下来也算是模式成熟：固然说好与坏是有区别的，但是像不像三分样总比万事从头开始要容易得多。

但是我要说，我仍然喜欢这种电影。

听说有美食家会到头来自己悄悄的猛吃猪油拌饭，相比之下很多人喜欢这种电影的原因大致也类似：固然你可以追逐更好的艺术形式，更好的表达，更好的表演，给电影更多的内涵，对那些艺术片的每一个细节都斤斤计较活像菜市场的老大妈，但是到头来，纵然是这些人，他们之中的大多数也会来看这种电影吧：讨巧的角色，有修长的MM和胡茬的大叔，还送点青春亮丽的帅哥；剧情虽然闭着眼睛都能顺着摸下去，但是真到了档口上还是免不了配合着深呼吸一口气，想上厕所的也八成会后悔自己喝多了饮料；盗窃桥段配合高空飞绳子，在加上亚洲动作片基本上少不了的高难度动作，这简直就是一锅什锦炖菜——你当然可以批评这种东西不上大雅之堂，但是在一群山南海北四面八方的人面前，这么一锅热腾腾的上来，起码也能让大家趁着热气每个人都吃到些自己喜欢的东西，让大家在热腾腾的食物面前慢慢熟络起来。

这也是为什么我很喜欢这种电影的原因。

琼瑶的片子，很少没有瑕疵的，从编剧，到表演……要拣毛病，太多了。
但是很奇怪，你就是会被它moved。
或许被感动的人都不是那么理性吧——不对，应该是：他们太喜欢另一方面了，以至于明明看到其它技术上的瑕疵，也要软心原谅。
因为喜欢的那方面，是我认为更加重要的一面啊！

这个故事本身，就是一个那么纯美的故事。台词亦有多处可回味。那些有启发的地方，我都一一把它们记下来了。其实很多地方，不过是一些至理名言的诠释和例证。像宏达在指责起轩的不敢站出来，以己之伤痛，换乐梅之解脱那一席话，就让我想到纪伯伦的“你无物可奉献，除了你本身”——若要奉献，取你最珍贵的东西，你自身。

戏剧到底是什么？如若不能勾起人追求心底最美好东西的渴望，它于这世界，又有什么意义？

所以，我们选择原谅那些技术上的瑕疵了。蔡明在一次什么奖项的纪念晚会上代表全体演员对观众朗诵时说“你可以怀疑我们的演技，但请不要怀疑我们的真诚”。是的，我们可以忽略技术，但是没办法忽略真诚，不是吗？你能忽略吗？

不止无法忽略，更值得感谢。我不知道如今还有多少人坚守一份承诺，坚信爱可以超越艰难阻碍，有多少人可以包容原谅，可以用自己切切实实的做着……我们听到看到更多的，是抱怨，不满，和斤斤计较。那种敢于为爱坚持付出的勇气，甘于此的勇气，秉持善的勇气，已消失殆尽。那么，这样的片子在今天就仍是有意义的——它能唤醒我们心底美好的东西。

有时候想想，琼瑶阿姨也蛮伟大的。一个人，一时坚信美好容易，一世坚信恐怕很难。她，也许就是这样的人吧。

另：她的心理分析总是很透彻。从她的人物嘴里吐出的话总是能一语中的的直击另一个人心底。直抒胸臆又毫不矫情。她笔下真是太多心理健康的人了……

红豆生南国，春来发几枝。 愿君多采撷，此物最相思。 这首诗从千年之前流传至今，红豆成了相思的意象。《莫相忘》的主人公们借由这红豆相恋，历经三世，成为眷侣。 第一世，他是赶考的书生，她是在家乡等候的小姐。时光拈指，她到了出嫁的年纪，可是，他还没有回乡。她结束自己...  (展开)