这篇影评我不知道怎么开头，想来想去切入的角度，其实可以说的有很多，然而如果有友邻和我一样是先阅读了原著漫画再来看电影的话，相信会有同样的感受吧。简单而言整篇就是来自原著党的吐槽～

《波丽娜：舞蹈人生》怎么也绕不开的一点是，会和原著漫画《波丽娜》进行对比。对比可以有几个方面，我们先从作者与导演的视角差异开始。《波丽娜》是一部有着完整故事情节的图像小说，从波丽娜小时候开始，直到功成名就以后，成长的曲折之路描写充足，人物是充满灵动活劲的。当时就有友邻指出讨论法文版和后浪版的区别在于，后浪的封面从法文版博金斯基和波丽娜双人变成了波丽娜单人，意在希望表现波丽娜的作为一个小女孩慢慢成长成熟的经历。在阅读完整个图像小说之后，你会发现故事情节围绕的可能还是老师与学生：在初进芭蕾学校时；在巡回演出中途偶然遇到；在故事结尾还是博金斯基与波丽娜。所以我猜测作者的想法依然是强调老师的影响。我猜想作者是不是童年里同样有一位严格要求的老师，以至于让作者不喜欢，然而等到长大后的人才明白当年的种种用心良苦。

如果说书籍的封面作为出版商想让读者发生视角的改变，那从观察波丽娜自身的成长的角度来看换封面也是没有问题的。电影的视角，然而，发生了较大的改变：波丽娜是作为绝对的主角，从摄影机一直在追踪波丽娜演员的就能看出。故事情节也戛然而止在波丽娜在独立舞团的大获成功的演出中，而没有描写功成名就之后的种种。除此以外，电影里有较多的情节删改，用来突出波丽娜个人成长。同样是来表现成长，小说里更加侧重的老师施加的影响，而电影则是切换到了家庭的因素占主要，主旨已经发生了变化。也没有谁说侧重的方向哪个更好吧，我猜测电影导演是想表达家人在一个艺术家的成长过程中，就和普通人一样，有着很大的推动力或者阻力。然而在艺术生的修养中，寄宿的环境下，言传身教的老师应该是对学生最有影响力的。这也是为什么漫画中几乎没有出现波丽娜的父母，他们也不起着主要推动情节发展的作用的原因。从这一点来说，我不喜欢电影的改编，因为芭蕾舞跳得优美还是糟糕，翩翩还是僵硬，都是指导老师的事情，父母在这方面能提供多少有意义的指导呢，让人怀疑。家庭教育，很可能很大程度上，都不是专业上，而是在于如何成为一个合格的人。如果老师能够在专业上提供做人的指导，那最好不过了。

电影的后半部分，已经是波丽娜在solo（独舞了），又要打工赚钱养活自己，又要担当编舞排舞，从生活里寻找灵感，进行创作，归根结底是波丽娜一个人的路。如果说电影要表现女性成长的力量来励志的话，那干嘛要花前半篇幅来描写学校老师的事？干脆描写“考了一年没考上，第二年才考上”、“在学校里受到欺负，老师又不喜欢，但是经过刻苦练习终于获赞赏”、“生活好艰苦，爸爸妈妈离异还欠债，只能去酒吧打工睡大街”之类的打怪升级，然后开挂一路走上巅峰的套路不就好了。干嘛主角要起名叫“波丽娜”，还和一本漫画小说有着某种相似的情节？算了算了息怒息怒，再说下去，估计就变成本片中借名头打酱油的朱丽叶老师的另一电影《合法副本》的经典问题了。只能坐实改编剧本的坑爹差劲之处。只能叹息，好好的一个文艺向得奖热门，被弄成赔本货。这部电影国内一点水花都没有，可想而知有多么不著名。（本人著名论调：世界人口五分之一的人口中大多数没听说过的，就是不著名的）真心呼吁国内文艺片导演，可以尝试完成符合原著的电影或者短片纪录片，少点国产青春片里的狗血撕逼故作年轻跌宕起伏的套路，多一点平淡无奇。是的，多一点平淡与无奇吧。

最后是情感线，波丽娜和男友分手就分手呗，怎么最后又找了一个，跳个舞就要成朋友啊（特指男女朋友），原著里可是相当克制的，最后波丽娜还是独自一人，和独立剧团的保持着朋友关系。总有人臆想，生活不如意，就是你不找对象、不结婚、不生孩子…找了、结了、生了，就能包治百病。???改编剧本差评又＋1。还不如干脆改成《阿黛尔》，跳着舞突然发现自己内心与对女孩的吸引，然后波丽娜与女友两人改编经典的芭蕾桥段《睡美人》与《天鹅湖》，王子的角色变成女人，然后在世界舞台上大放光彩。简直不能更赞是不是。

对这部电影，我只能这么说：没有看过原著图像小说的，可能觉得这电影还有点意思，关于成长，关于努力。但是无论你看前还是看后读了原著，你一定会有和我一样的心情，那就是吐槽电影。

第二点，大家也能最直观的感受到的，电影的画面与分镜与原著小说差了不知多少。电影刚开始的画面还是比较好还原了原著的，然而剧情改编以后，从波丽娜回家在雪天雪地里尬舞开始，整个画面就自成一体了。本来以为小说里已经画好了的可以直接拿来用的，结果导演还是有自己“个人特色”的拿掉了。芭蕾里的灵动、轻盈、活力，对不起，我没有在电影中看出来，连专注刻画舞姿优雅加上优美配乐的环节少之又少。只能说在最后编排的双人舞里面才有那种流动的力量的体现。

或许真的大家可以去看看原著小说里到底是怎么来完成的。

【详细】

88652291

怎么说呢……从上一季开始就逐渐变差。之前牵扯了很多问题问题我都觉得是浅尝辄止地讲一下，没太深入。比如之前关于堕胎的话题，还有克莱尔的离开，包括林医生的前男友，都没有一个很完整的讲述，对于人物的发掘也完全不够。这一季更明显了，连故事的完整性都很碎。关于林的那场手术中间到底发生了什么的讨论根本没有具体深入进去，感觉就是为了增加人物之间的冲突而硬塞的一段剧情，无那个大语。

对墨菲这个角色的探讨也逐渐走向平庸。每一季都有几个季抛型角色，然后就要有一段爱情故事的展开，然后又要莫名其妙地终止。

这个剧本来最开始对医院里面的各种政策的讨论和办公室政治其实还很值得一看，但是上一季那个收购的事情就是生拉硬拽，为了塑造坏人而塑造坏人，反派角色根本不立体。然后又为了增加一点看透，硬让负责收购的人和Andrew谈了场恋爱。Dr. Glassman的恋情和对他的后续影响也都没有进行任何深入探讨。

这一点真的很烦人，角色被写得支离破碎，每个人都有个既定框架，所有人就在这个框架里面活动，几年过去了就真的感觉对任何一个角色的讨论都没有再深入过哪怕一点点。

然后第六季第二集真的是到了一个顶峰。有一个极左素食主义非得跳出来说“不可以虐待动物”，然后Murphy来一句：这比我想象得要困难。就结束了，就这么凑巧，就这么幸运，这个时候刚好有了一个新的可用心脏，然后这个问题就到此为止。

我都想不明白编剧在干什么？所有的问题全都隔靴搔痒提一嘴过去，仿佛拿了个大纲就直接开拍。人物要动机没动机，要立体不立体，戏剧冲突全靠掰，没点天灾人祸这剧就进行不下去了是吗……本来第一季内容和节奏都很有意思，越往后走就越不行了。明明还有很多可以挖掘的点，现在就干脆不讲了，仿佛摆烂。

看得真的难过，在这么下去真的离弃剧不远了。

观众对于喜剧的要求往往高于其他类型片，《缝纫机乐队》是我今年喜欢的国产喜剧。国内现在的喜剧电影总是偏浮夸，而大鹏的喜剧始终都在关注平凡的小人物，落脚于现实，总能透出几分可爱与不易。

网络剧《屌丝男士》是大鹏喜剧的雏形，段子加明星，最后沿用到银幕处女作《煎饼侠》上。还是用客串明星串成段子集，将演员的个人形象与银幕身份重叠，就像现在的“真人秀节目”，凸显真实又不断自黑，令观众有代入感，优缺点都很明显。

《煎饼侠》讲的是拍电影，《缝纫机乐队》说的是组乐队，都是一撮人干一件事，实现自己的价值，无不透着创作者现在和过去的自传色彩（大鹏上大学时曾组过乐队），这次还回到了家乡集安。构建了以集安为意象的乌托邦世界——“摇滚之城”，这里成为他青葱岁月的缩影。

影片不再依靠大鹏个人，他以经纪人程宫的角色身份，与主唱胡亮、贝斯手丁建国、鼓手炸药、吉他手杨双树、键盘手希希组成一个整体，“同是天涯沦落人”的遭遇也如出一辙。不再让个人成为观众投射的对象，而是让集体焦虑由集体呈现。当摇滚公园的大吉他被拆时，观众感受到的也不止是“中国摇滚”的屈辱与没落，还有梦想的忿忿不平。

组乐队开演唱会，和组剧组拍电影一样，是能够产生戏剧冲突的动因。乐队中的成员由男女老少构成，是千千万万乐迷的代表。他们有各自的现实问题——精神的瓦解（胡亮）、母权的压制（希希），孩子的操控（双树）、失恋的打击（建国）、爱情的盲目（炸药），不过他们的共同驱动力是这场演出。加上乐队自带的属性，可以用音乐串联全片，架构起的草根梦引发共鸣。

胡亮代表的是一种纯真的理想。剧情先以童年胡亮开场，引入在那个即将迎来风暴的贫瘠年代，以孩童视角见证能真正表达人类情感的音乐——摇滚。用矗立在家乡的摇滚公园的大吉他作为“摇滚不死”的精神图腾。斗转星移，大吉他因为新城改造面临拆除，创作者藉此传达出人们对于摇滚的衰落及摇滚精神的遗忘。胡亮作为生活在其中的人，心有不甘，独自上路寻找机会。组乐队开演唱会的目的是为维系住他的精神图腾，也是一种现代化之下个体的卑微存在。

悲剧就是把美好的东西撕碎给你看。随着图腾成了历史废墟，胡亮的梦想幻灭，那块搬回家的碎石开始代表“摇滚已死”。破吉他乐队的老宋留给童年胡亮的那枚拨片，曾被程宫当作“人质”，在关键时刻起到了转嫁作用，唤醒了胡亮已死的精神寄托，成为新的“摇滚不死”的图腾。拨片这个功能性用的好，多次出现且一直具有升华的力量，也经由三个人的手达到传承的目的。

程宫代表一种外来者视角（建国父亲也称他“大城市来的孩子”），审视着“摇滚之城”的没落和一群人的浮沉。他为“摇滚之城”带来满是金钱与欲望的交锋，同大吉他雕塑一样，被现代城市的铜臭腐蚀着。这个角色是有成长属性的，在被建国的父亲收买后，他刚建立起的爱情苗头被浇灭，乐队瓦解，更从理想幻灭的胡亮身上看到了自己的初心，愧疚通过一场雨来洗涤。直到在摩托老两口那里看到了纯真（一度误认为他们骗了胡亮的钱），此时，金钱被理想彻底打败。

大鹏和乔杉的cp已经相当默契，从《父子雄兵》起，开始强化乔杉的喜剧功能，自己仅作为平衡搞笑（乔杉）与温情（范伟）的桥梁。此次依然由乔杉担当搞笑，大鹏作为煽情与燃情的推动力，在影片的后半段持续发力，着重表现现实与梦想的落差。

“做人如果没有梦想，跟咸鱼有什么区别。”星爷在电影《少林足球》里说出了这句经典台词。“梦想”是大鹏从星爷喜剧中继承过来的，在片中贯穿始终。电影的主题十分清晰，就是鼓励观众勇于追寻梦想，勿忘初心。程宫有句对白：“我以前盼望的是演出快点开始，现在想的是快点结束。”点出梦想在金钱面前的不堪一击，梦想时常被挂在嘴边，但一会儿就被抛在脑后，一时贪念毁一生。梦想的结果不重要，重要的是实现它的过程，以及坚持的恒心。大鹏用他的家乡来代表这份“初心”，他的角色程宫“成功”最后勿忘初心，就是作为演员的大鹏回馈家乡的诚挚表达。

不过程宫和建国的那点爱情戏是软肋，还好只是点到即止。不过这场戏是为接下来“银行卡”的转折戏做伏笔的，由此，影片的基调也从喜剧转为悲情路线。

说完感情，再说笑点。片中安排了许多前后呼应或具备反差笑果的段落，包括胡亮现实与想象中两次骑车上台的对比，希希母亲对女儿走音乐路的改观。不过我觉得最好笑的还是胡亮和建国偷看“吉他界中的柳岩”所引发的窃听误会。听觉判断出错是喜剧片里常见的做法，许氏三兄弟的经典喜剧《半斤八两》，许冠文看电视里的烹饪节目学做鸡，孰不知电视已经被许冠英换成了健身频道，他依旧拿着鸡来做运动；周星驰在《国产凌凌漆》中扮演的凌凌漆到赖有为的别墅参加派对，寻找恐龙化石，窃听时被排骨汤食谱和足球赛转播串台，也引发了误会。

周星驰对大鹏的喜剧影响是很大的，《少林足球》对本片尤甚。组乐队唤醒摇滚梦与组球队振兴少林功夫是多么相似。“黄金右脚”曾是叱咤风云的球星，因为一时的贪婪成为球坛的笑柄，从此一蹶不振。《缝纫机乐队》将“黄金右脚”拆分成了破吉他乐队和经纪人程宫，破吉他乐队走向衰落，程宫也被金钱迷了眼。吉他手变成剪刀手，也是对“黄金右脚”被打断腿的借用。《少林足球》中的主角是阿星，配角是黄金右脚。在《缝纫机乐队》里则把这种主配关系——经纪人程宫（教练）和主唱胡亮（前锋）对调了过来。还有似《长江七号》、《食神》的发型，《功夫》中的棒棒糖都有所致敬。

除此之外，片中还有很多乐迷才懂的笑点，比如《都选C》的前奏是涅槃的《Comes As You Are》前奏的变形，歌词里还藏了很多歌名梗和乐队梗。正片里还唱过麦田守望者的《顶嘴》、新裤子的《没有理想的人不伤心》等歌。如果你们留意街上的风景，也不难发现一些和音乐有关的店名。

大鹏喜剧的一大特色是情怀，《父子雄兵》里就有很浓厚的港片情结，本片的情怀则是怀旧的摇滚梦。黑豹、超载、二手玫瑰、麦田守望者、新裤子、痛仰、唐朝等各时期的摇滚老炮纷纷客串路人甲乙丙丁，特别是近期因为“保温杯”而被乐迷感叹已是中年大叔的黑豹鼓手赵明义。《煎饼侠》片尾用古惑仔引发港片情结的共鸣，这次则请来Beyond的黄贯中和叶世荣参与结尾的大合唱《不再犹豫》，更将气氛推向高潮，这歌本身就是一首能够引发共鸣的热血金曲，符合众人摇滚的精神。当然，群歌群舞也是星爷喜剧的一贯特色。

摇滚对于“摇滚之城”的影响，不止是音乐本身，也是对于人的本质的追寻和坚持，是老一辈摇滚人最值得珍惜的地方。