克林特伊斯特伍德这个老爷子,我真的没有办法不崇拜他。
对廊桥遗梦的爱已经不需我赘述了。甚至在看《骡子》时,老爷子饰演的Earl在行驶过程中接到外孙女电话时的神情也会让我不禁想起在雨中开着皮卡的罗伯特,并为之动容。
回归到这部电影,老爷子在88岁高龄导演并主演的这部《骡子》,应该是他的收山之作了。
电影是由真人真事改编,二战老兵为锡那罗亚集团运送毒品的故事。
克林特伊斯特伍德这个老爷子,我真的没有办法不崇拜他。
对廊桥遗梦的爱已经不需我赘述了。甚至在看《骡子》时,老爷子饰演的Earl在行驶过程中接到外孙女电话时的神情也会让我不禁想起在雨中开着皮卡的罗伯特,并为之动容。
回归到这部电影,老爷子在88岁高龄导演并主演的这部《骡子》,应该是他的收山之作了。
电影是由真人真事改编,二战老兵为锡那罗亚集团运送毒品的故事。没错,就是《毒枭墨西哥》里米格尔一手创立的贩毒帝国。Earl为之服务的那十年,集团掌控者正是后来多次因越狱轰动世界的大毒枭,绰号名为矮子的华金古兹曼。而抓住Earl的二号探员,正饰演过毒枭里被折磨致死的DEA探员Kiki。感觉真像一个奇妙的轮回。
落魄的二战老兵、不被家人接受,老无所依,沦为运毒人,这本该是个悲情角色,一开始我甚至担心颤颤巍巍的Earl会随时挂掉。哪晓得在剧中是个颇具喜感的老年花花公子,爱享受生活,爱辣妹,在运毒的路上开着车唱着歌,虽然没吃火锅,但一定不会错过最好吃的猪肉三明治。赚到的钱可以大手一挥就拿来资助退伍老兵小酒馆,如同当年在酒吧里请所有人喝酒一般豪气。
就是这么出彩的一个人物,但是与探员的交集,尤其是关于家庭的说教,有些略显刻意。反倒是被抓时那一幕,俩人的相认设计得很简洁,没有拖泥带水的台词和人物特写,也是加分项。
很多人说这部电影的意义是告诉观众家庭的重要性,然而,Earl就是一生放纵不羁爱自由的典型,比起他的事业,家庭只能靠边站。他的妻子女儿存在感就是不强,妻子弥留之际的陪伴可以弥补几十年的缺席吗,我并不认同。他就是个爱工作爱享受胜过一切的人啊,而这样的人也有他的可爱之处。
偏巧他也有这样的好运,最终被捕以后在狱中专心继续他最爱的花卉栽培事业,继续当一个快乐的老头子。而且这是真实结局。看着英雄迟暮、如风中残烛版的老爷子,这个结局给了我极大的安慰。
《请回答1997》虽然人人都在说,十年修得王小贱,百年修得柯景腾,千年修得李大仁,为什么自己就没有那么好的运气遇到一个肯为自己保驾护航,肯为自己做幼稚又可爱的事,肯默默守着最原本自己的男生。大概当你看过《请回答1997》以后也会觉得,程诗源还真是幸运又幸福,老娘怎么就碰不上一个青梅竹马。但,姑娘请相信,在你应该回答的“1997”里一定有一个男生默默的看过你最美得样子,就算在人生绵长又香甜的回
《请回答1997》虽然人人都在说,十年修得王小贱,百年修得柯景腾,千年修得李大仁,为什么自己就没有那么好的运气遇到一个肯为自己保驾护航,肯为自己做幼稚又可爱的事,肯默默守着最原本自己的男生。大概当你看过《请回答1997》以后也会觉得,程诗源还真是幸运又幸福,老娘怎么就碰不上一个青梅竹马。但,姑娘请相信,在你应该回答的“1997”里一定有一个男生默默的看过你最美得样子,就算在人生绵长又香甜的回忆里,你也以最美的姿态,最得体的微笑存在在那个男生的以前,现在和未来。只不过那时的你和程诗源一样迟钝又胆小,怎么也没有发觉那个男生的表白,还没长出充分的勇气从坚固的朋友变成复杂的恋人。感觉所有人都可以恋爱,而且为了一件小事赌上性命的年纪,18岁,大人们都说,我们这个年纪看到落叶也会掉眼泪,但那个年纪的我们。比任何大人都严肃、激烈、痛苦过。1997年,我们的18岁是这么开始的。 --------《请回答1997》原本在我们18岁的时候就有人告诫,好好珍惜吧,人生最美好的时候。现在三十几岁的人生也开是劝解青春期的孩子,好好珍惜吧,人生最美好的时候。18岁的人生里面没有关于凭什么物价飞涨工资不涨的怨念,没有一点多余的力气关心房子要多少大洋一平米,不会领着让自己肉疼的礼物跟肥头大耳的领导拍马屁。18岁的人生美好的像个镶着宝石的五彩泡泡。所以是我们忘记了,18岁的人生里讨厌每天早起集合跑步的程度一点也不输给30岁的上班族对星期一早上的厌恶,18岁还没学会佯装没关系,不懂得所有如今的害怕都会变成未来的甜,18岁的世界会常常暗淡无光,可能是因为好友没和自己一起放学,可能是因为暗恋的那个男生又收到了一封情书,可能是因为自己烦恼如何处理一个来自于自己不喜欢男生的追求。大概,现如今我们仍然怀念的18岁,是最横冲直撞外加懵懂无知。没有一个青梅竹马么,那么有没有一个男生是你一想到青春期,就最想到的呢?还记得你的初kiss么?有没有和云宰一样,喜欢了一个女生好多年,但那女生实在是太迟钝,一定要你清清楚楚的告诉她,她才会懂。你有没有苦笑过,自己喜欢上的是这个女生。你有没有同程诗源一样,接到过从空气到铃声都让人不爽的电话,那电话是来自神的电话。它是来抢你爸爸的,你要跟它拔河,你要拿出百分之两百的力气跟它抢。不然你就只能输,只能哭着跟爸爸说再见,在你以后的婚礼上不会有人牵手把你交给另一个男人。你有没有再还不懂什么是爱的时候,只是无条件的想要在一起。可你现在看看,在想要在一起的背后,大抵都是“为了我心爱的人,我们能做的就是完全舍弃自我的事情,能做不像自己的事情,那就是爱”。所以云宰去陪诗源排队,所以诗源妈妈给编剧一遍一遍的打电话,所以连不敢同女生一起坐的道何灿陪友珍坐在公车最后一排。有没有人无条件飞奔来救过你,像云宰的哥哥一样,像喜欢着诗源的云宰一样。你有没有无条件要保护的人,像云宰哥哥害怕云宰出事一样,像云宰担心走夜路的诗源一样。有没有接受过不能应答的一场告白,那告白执拗的太让人心疼,点头或摇头都配不上那告白的真挚,所以只能装作看不见,听不到。还记得背着行李上大学的时候么,你有没有在车上流泪?爸妈是不是装好了一袋水果给你叫你路上吃,是不是从一个月以前就开始收拾你的行李,你有没有看到妈妈在车子发动的时候转过身低下了头,你有没有想过他们回家的路上会说些什么?会不会和你一样流了两行心疼的泪?一定有一个小东西是你不愿丢掉的,虽然成年后你嘴巴里一直在讲有多喜欢钻石,但你看看你的柜子里,你的手指上,你的耳朵上,你的手腕上,你的心里,是不是有一个小小旧旧的小东西。它简单,廉价,甚至和现在的自己十分不相衬,但还是没有丢过,在你无数次的搬家,失恋后发泄的过程中它从没被丢掉过。有多少人会和韩寒一样,面对“如果时光倒退,18岁的你会怎么做?”这样提问的时候会平静潇洒的说,“在那年我喜欢的事我都做了,了无遗憾,真要回到那时候,也只是yesterday once more,再做一遍。”我的青春年少满满的都是遗憾和不完美,但是如今看来,这样的缺陷对我而言也是一场独一无二的圆满。但我还是愿意,回头看看我的青春,试着回答一下。当编剧带着程诗源一起回答她的1997的时候,来吧,让我们一起翻开脑海中的陈旧相簿。请回答,你的“1997”PS。以前问过别人对gay的观点,得到的答案是非常极端的那种不喜欢,往后就再也没有在讨论过这个话题。我自个儿是个喜好分明但绝不怀有偏见的人,追根究底大家伙儿都只是爱了一个人。俊熙只是喜欢了一个人,碰巧的是这个人和自己都是男生。《 请回答1997》大结局以后,好多人都在猜想最后俊熙上的那辆红色跑车的主人是男是女?是男的好还是女的好?但,这重要么?从开始到结束他也只是以一个天使的姿态真心实意的喜欢了一个人,但运气差了一点,他的初恋没有成功。这一点也不影响他在以后的时间里遇到真正对的人,在遥远的未来,牵手走到底。http://movie.douban.com/review/5568792/?start=100#comments
首先看这一部片子,我极力推荐先看他的上一部【镇魔司:四象伏魔】。
推荐的理由只有一个,那就是不看上一部,但看这一部会让人觉得莫名其妙,同时觉得这一部的人物发展脉络太模糊。
四象伏魔算是苍龙觉醒的前传。
简单概括一下四象伏魔到底讲了些什么。
往生教在人间为祸,皇帝派遣镇魔司前往打压,而往生教的教主早已经成为皇帝的国师。<
首先看这一部片子,我极力推荐先看他的上一部【镇魔司:四象伏魔】。
推荐的理由只有一个,那就是不看上一部,但看这一部会让人觉得莫名其妙,同时觉得这一部的人物发展脉络太模糊。
四象伏魔算是苍龙觉醒的前传。
简单概括一下四象伏魔到底讲了些什么。
往生教在人间为祸,皇帝派遣镇魔司前往打压,而往生教的教主早已经成为皇帝的国师。
萧震主角团四人大破往生教总部,带出一女萧玲,在回往京都的路上遭遇皇帝派遣的御林军伏击,原来萧玲的鲜血对于修炼魔功的人来说大有裨益,而国师/往生教主蛊惑皇帝萧玲乃长生药引。
于是皇帝派遣人出城接萧震等人,名义上是接送,实际上是要接手萧玲,但在这个时候萧震发现萧玲所修魔傲诀与自己有关系,而且发现她的血液可以镇压自己修炼魔傲诀带来的魔性,于是拒绝了。
后来他们也发现了往生教主的阴谋,在一番斗智斗勇之后,成功回到朝廷,打倒蛊惑皇帝的国师。
而后萧震和花无常并结连理在乡下疗伤数年,萧震上书请求让萧玲加入镇魔司。
剧情很简单,其中有几个关键剧情。
国师就是往生教教主;
萧玲是往生教用数十万人精血浸泡养育出来的至阴邪女,同时修炼了和萧震一样的【魔傲诀】;
关闯死于皇帝派遣的御林军围剿,宁无谋死于往生教顾念彤之手。
发现往生教总坛的是镇魔司的暗部也就是隐监,其中潜入往生教的碟子正是被以偃术做成傀儡的小瞳,剧中形容她是修炼妖术的隐监成员,因为萧震主角团忘了在往生教与她接头而被往生教众人感染(我实在不知道该怎么形容),并且被关闯所杀。
我梳理了一下四象伏魔主角团的特点:
萧震:和苍龙觉醒一样没有任何突出的褒义鲜明特点,在四象伏魔之中他的性格几乎都是在剧情的烘托下被动转变的。
花无常:比之苍龙觉醒要温柔得多得多,很女人。
萧玲:被缩在往生教总坛十几年,被救出来的时候只会在地上四脚着地地爬,甚至不会说话。天真、懵懂。
顾念彤:这个时候的顾念彤应该是个刚刚转正的往生教徒,是个称职的打手而已,哈哈。
在梳理一下主角团的关系。
萧震和花无常:两人早已经互相确认,只差最后一步的恋人,在结尾时结为夫妻。
萧震和萧玲:因为两人都修炼了【魔傲诀】所以从第一次见面就颇有心有灵犀的感应,在初期两人的感情颇为暧昧,但在结尾时确认为兄妹。
花无常和萧玲:花无常从一开始不太喜欢萧玲,首先因为她是往生教的魔女,对她心有芥蒂,中期更是觉得她害死了关闯和宁无谋,对她更加不待见,在整个过程之中也夹杂着一股吃醋的意味,直到萧震和萧玲确认为兄妹才好一些,在三人的生活之中,她一直都像苍龙觉醒中一样严厉地教导萧玲。
顾念彤:打酱油。
写着叶念琛的电影,也是因为叶念琛才看的,但是导演不同,味道还是差了好,刘心悠长得太漂亮了,没有亲和力,妆画的也是浓,还是喜欢邓丽欣很有亲和力,总感觉像刘心悠这样的美女总是那么点心机,爱情何尝不是靠心机来维持的呢,可笑的是一个爱泡吧爱滥交的人竟然平白无故的会爱上一个平凡的人,一直觉得她有什么目的,最后竟然因为爱情,啥年代了,能不能靠点谱,夜场还有傻白甜?连名
写着叶念琛的电影,也是因为叶念琛才看的,但是导演不同,味道还是差了好,刘心悠长得太漂亮了,没有亲和力,妆画的也是浓,还是喜欢邓丽欣很有亲和力,总感觉像刘心悠这样的美女总是那么点心机,爱情何尝不是靠心机来维持的呢,可笑的是一个爱泡吧爱滥交的人竟然平白无故的会爱上一个平凡的人,一直觉得她有什么目的,最后竟然因为爱情,啥年代了,能不能靠点谱,夜场还有傻白甜?连名字都不知道就爱上了,真的离谱,这部片子情欲的太过商业化,我差点以为自己再看三级片,看的我怪不好意思,这种剧情难道不像日本av片的剧情吗,男主因为性方面不行两个人不和谐,然后遇到一个女的教会了他技巧性功能就变强大了,这剧情有啥营养,还有一个女强人竟然还需要感情,我以为那个女强人多厉害,竟然会哭,正常应该笑吧,人到中年除了工作还要什么爱情,各玩各的,表面和谐就行了啊,生活在娱乐圈这个淤泥竟然还想忠诚和自律,后面的操作才是正常的不是吗,如果一个金牌经纪人能被一个不入流的演员随便拿捏,那她适合回家养老,至于男主对于女主看破不说破,怀了宝宝却还在搜宝宝到底是谁?婚姻中如果没有忠诚就算了,还不信任的话。那么婚姻还有什么意义,一具躯壳罢了,还是说只不过想活在别人看似美好的表象了。
算片说的最好的一句话就是这个世界的人只能看到别人有多幸福,说到底还不是你看我好我看你好,难道自己的惨到处跟别人说啊!每个人只不过活在别人的眼光里,没有人会把自己的苦和惨到处诉说,这部剧比叶念琛的其他剧差多了,1星给刘心悠的颜值
一个网大,演员比雪中好看,动作设计比雪中高档,特效比雪中精致我也是服了,如果忽略掉剧情的话!本来对雪中的期望很高,事实是往往期望越高的时候失望越大。本来对网大没有报什么好看的想法,往往这个时候会有惊喜。虽然唐门的演员都是没有什么名气,除了克拉拉,童菲还多少有点知名度,其他的演员反正就是比雪中的女演员好看。
一个网大,演员比雪中好看,动作设计比雪中高档,特效比雪中精致我也是服了,如果忽略掉剧情的话!本来对雪中的期望很高,事实是往往期望越高的时候失望越大。本来对网大没有报什么好看的想法,往往这个时候会有惊喜。虽然唐门的演员都是没有什么名气,除了克拉拉,童菲还多少有点知名度,其他的演员反正就是比雪中的女演员好看。
在影片最后,当女主角奥尔加即将被赶进毒气室前,她挣扎着在通道的墙壁上刻下了一个词——“Рай”。自此,电影的标题在一个残酷且讽刺的时刻得到了呼应。中文译者把它译作了“天堂”,但其实它更准确的意思是“乐园”。在俄语里,“рай”对应的是paradise而非heaven——后者是上帝的居所,而前者是一处上帝用来安放未曾堕落之人的永恒的乐土。在基督宗教里,人类的先祖曾因
在影片最后,当女主角奥尔加即将被赶进毒气室前,她挣扎着在通道的墙壁上刻下了一个词——“Рай”。自此,电影的标题在一个残酷且讽刺的时刻得到了呼应。中文译者把它译作了“天堂”,但其实它更准确的意思是“乐园”。在俄语里,“рай”对应的是paradise而非heaven——后者是上帝的居所,而前者是一处上帝用来安放未曾堕落之人的永恒的乐土。在基督宗教里,人类的先祖曾因偷吃禁果而被逐出乐园,这一事件便被称作“失乐园”(Paradise Lost),标志着人类的堕落和原罪;但相应地,经过“末日审判”(Last Judgement),适格的人又将重回那永生永乐之地,这一过程便是“复乐园”(Paradise Regained)。
《战争天堂》便是一个关于“末日审判”以及“复乐园”的故事。这一“末日”的情境被放置在了二战时的法国和德国。故事里,三个“灵魂”——俄国女贵族奥尔加、法国警察局长朱尔斯、德国贵族青年赫尔穆特——在审判者面前自述自己在战争中的所作所为,审判者借此“判定”他们是否值得拯救。至于这位审判者是谁,影片没有明说,只在宣判奥尔加的一刻出现了一名男性的声音;至于三人谁最终得救并复归乐园,影片也没有留下悬念。“救一人便救了全部”——代替狱友慨然赴死的奥尔加已然诠释了影片全部的道德力量。
不过,《战争天堂》的震撼之处并非只在于呼唤人性的道德说教,它的思想主题和宗教性背后有着对人性更为复杂的审视。“谁值得被最终拯救?”——这个问题并非从一开始就昭然若揭,尽管结果并不出人意料。这是因为电影超越了一般善恶对立的视角,始终强调着一个整体戴罪的下沉世界,一个被施加了集体原罪的“文明”世界:在这个“兽性狂欢的年代”里,雾中弥漫着幽灵,风中徘徊着哀嚎,党卫军敲骨吸髓,集中营里也相互倾轧,契诃夫的妻子死在了契诃夫崇拜者的手里;没有真正的无辜者,所有人都背负原罪,所有人都马不停蹄地奔向那个命运终结的时刻。
另一方面,接受“审判”的三个人物又各有复杂的内核,你很难说他们中谁代表了绝对的恶和善:朱尔斯是一个卖国贼和不称职的丈夫,却也是一位还算慈爱的父亲、一个憧憬爱情的男人;赫尔穆特虽然狂热地追随纳粹,但仍保有身为旧贵族的自尊和浪漫气质,这使得他和党卫军格格不入;而奥尔加虽然最终荣归“乐园”,但她在集中营里为了活命也做了不少龌蹉之事。电影并未先在地预设价值判断——它首先引导我们进入一个旁观的空间,此刻善恶的天平被藏匿于镜头背后,代之以冷静、中正的视角去审视三人的言行;在观看的过程中,我们不难感受到“审判”的困难。
作为抵抗组织成员的奥尔加简直就是一个从契诃夫书中走出的人物(甚至她的名字都可能来自《三姐妹》)——被时代的洪流驱赶着背井离乡,在仓皇落魄中勉力维持着一丝旧日的体面,饱含无用的尊严和怯懦的善良。她在面对朱尔斯咄咄逼人的审问时,所能想到的便是用肉体换来同伴的释放,以及一块香皂和一九一九年的罗曼尼康帝葡萄酒。这番交易——不免让人想起罗巴辛从柳鲍芙手里买下樱桃园的情景——随着朱尔斯被抵抗组织暗杀而告吹,奥尔加也锒铛入狱;事后来看,这可能也是奥尔加整个命运的转折点。间接地被同志的“义举”所害,恰似契诃夫剧作中那种常见的、突然闯进生活的“至暗时刻”。
值得一提的是,朱尔斯作为一个相对游离于主要剧情之外的角色,虽然早早退场,却仍被置身于审判桌前,获得了与另外两个主角几乎同等的视觉分量。稍作对比我们也不难理解这中缘由:朱尔斯是一个实实在在的“形而下”人物,贪恋物欲、野心勃勃、粗鄙不堪,确如罗巴辛那般代表着一个无孔不入的资产阶级官僚形象,理性而实用,在事业和家庭中都极具掌控感,唯独无法掌控自己的命运。这样的人物,在末日审判里也没什么特殊;虽然他可能是文明痂皮之下急欲生替的新肤,但终究并未超然于“失乐园”的意义结构。他是资本主义的,代表这个时代下“成功”的一般标准,但仍然是堕落的,是蛾摩拉和索多玛的。
进到集中营后,奥尔加为了生存不得不忍受种种盘剥,同时她又盘剥更弱者,偷盗死者的物品去换取片刻安逸。对此我们无法指摘什么,正如前文所说,这是一个整体沉沦的世界,所有人都以扭曲的方式存在着。也因此当她与昔日恋人赫尔穆特相遇时,求生的欲望和二人身份的落差进一步把这种扭曲推向极致,以至于我们在这段重燃的恋火中看不到任何倾心的温存,只有瑟瑟发抖的皈依者狂热。在影片的一个关键段落里,赫尔穆特为奥尔加搞来了逃出集中营的证件,奥尔加随即癫狂地感激赫尔穆特,言辞极尽谄媚,令赫尔穆特无所适从。
相比之下,赫尔穆特在三人之中无疑最有层次感也最耐人寻味。他极致优雅,热爱艺术,谙熟俄国文学,因而为契诃夫式的奥尔加深深吸引。他甚至在道德上也无可指摘,既不堕落,廉洁奉公,也不加害人,还救了自己佣人的亲戚。然而这样的一个人物,却是以非常令人不安的姿态出现在我们面前的。
一方面,在这位贵族青年身上,处处都显露着那种20世纪德国浪漫主义的典型特征:追忆着往日荣光,笃信着德意志民族的超凡使命,坚信自己目前事业的无比正确性,憧憬着一切政治问题如诗一般的解决,对粗暴的事件赋予一种崇高的解释。另一方面,他又不仅仅是一个纳粹的狂热分子,毋宁说他是一个偶像信仰的狂热分子。从他坚毅的眼神中我们看不出审判来临之际的自省和动摇,反而是被他挑衅一般的叙事所迷惑,进而感到一种敌基督式的叛逆诱惑。末世的预言在他身上与宏大叙事的感召发生了重叠;他宣告自己已成为超人,他那完美的事业仍将后继有人。对此我们虽难认可,却无从反驳(想想今天新的偶像狂热是如何滋长的)。
一个维希政府里的罗巴辛,一个契诃夫式的女贵族,一个查拉图斯特拉式的纳粹党徒,对他们的灵魂审判注定不可能像一般的法庭那样参考人世的道德法条(换句话说,奴隶道德于他们是无用的)。然而怪异的是,影片并未悬置这一点,它明明白白地给出了答案,同时这一答案也并非出人意料。拯救了狱友和两名犹太儿童的奥尔加在忏悔之中被重新纳入乐土,至于另外两个灵魂,我们则不知去向。这是电影向人性世界妥协的一刻,是它温柔的一刻,但也是虚弱的一刻。因为自此它把一个更深刻的问题抛了出来:究竟谁来审判,以及这个“谁”有无资格审判。
显然,演员直视镜头的处理以及频频出现的跳切,无不暗示着导演以及观众作为“观看-审判”者的二重性。然而我们知道这样的权力结构并不对等。导演内在的价值判决虽能借由外在的影像凝视实现,但这一判决的有效性十分可疑:他纵使全知,却未必全善,更不全能;再往外说,即便观众也无法做到这一点。我们能够感受到三个人物无穷的复杂性,我们被他们具体的生命本色所打动,却并不能判定善恶的彼岸在何处划界。最后这只能导致一个后果,那便是最终审判被无限推迟。
自然,我们不希望末世来临,可它总会来临;因为我们并不完美,却总是向往完美。
为了演员把重启之深渊疑冢看完了。抛开两位演员老师不谈,整个电影无聊至极。总共一个半小时电影,前半个小时铺垫背景,中间半小时地宫求生,最后半个小时,前面二十分钟试图极限反转,最后十分钟强行人工制糖。有一种打工人努力营业的辛酸。季晨老师的黑瞎子不多说,毕竟沙海瞎他值得。季肖冰带给了我一些惊喜,比如蝴蝶刀,比如粉色衬衫,比如跟黑瞎子旗鼓相当的实力(感谢榜一大哥黑瞎子放的海,开闸泄洪了属于)。“记住
为了演员把重启之深渊疑冢看完了。抛开两位演员老师不谈,整个电影无聊至极。总共一个半小时电影,前半个小时铺垫背景,中间半小时地宫求生,最后半个小时,前面二十分钟试图极限反转,最后十分钟强行人工制糖。有一种打工人努力营业的辛酸。季晨老师的黑瞎子不多说,毕竟沙海瞎他值得。季肖冰带给了我一些惊喜,比如蝴蝶刀,比如粉色衬衫,比如跟黑瞎子旗鼓相当的实力(感谢榜一大哥黑瞎子放的海,开闸泄洪了属于)。“记住,下次再来的时候,我只招待你一个人,连熟人都不行。”
原文链接: 翻译水平有限,如有错误,欢迎指出。 有律师原型钱德鲁出现的照片为文章本身有的照片,其它照片为译者添加的电影截图 ——————————————————————— “马克思主义帮助我更好地理解安贝德卡尔(Ambedkar)”:法官(已退休)K·钱德鲁(Chandru),《杰伊·比姆》里的英雄的真实生活 沙尔米·哈里克里希南(Charmy Harikrishnan) (译注:安贝德卡尔,印度宪法之父,现代印度佛教复兴倡导人,1956年发表“佛陀或马克思”的论文。) 提要 法官(已退休)K·钱德鲁当时是一名律师,他为拉贾坎努(Rajakannu)的案件进行了辩护,拉贾坎努死于警方的拘押中。在这部电影中,苏里亚(Suriya)扮演律师钱德鲁,曼尼坎丹(Manikandan)扮演拉贾坎努,利约莫·何塞(Lijomol Jose)是拉贾坎努为正义而战的妻子(电影里的森格尼,现实生活中帕瓦西)。 这部番的成功之处我认为在于塑造角色吧!没有伦也与惠的相遇,伦也不会创作游戏,加藤惠就会平凡的度过高中生活。一点点走来,惠不再是所说的感情没有波澜的少女,成为了在男主面前泄露感情的人,意识到后又捂住嘴害羞(真是令人喜爱)。又因为她是一个平凡的女高中生,也是我喜爱她的一个原因。逐渐展开心扉,有时也会腹黑,时不时撒娇也是令人由心感到甜蜜。到了第二季结尾,加藤惠收回了拥抱伦也的手,抑制住了自己的感情 这部番的成功之处我认为在于塑造角色吧!没有伦也与惠的相遇,伦也不会创作游戏,加藤惠就会平凡的度过高中生活。一点点走来,惠不再是所说的感情没有波澜的少女,成为了在男主面前泄露感情的人,意识到后又捂住嘴害羞(真是令人喜爱)。又因为她是一个平凡的女高中生,也是我喜爱她的一个原因。逐渐展开心扉,有时也会腹黑,时不时撒娇也是令人由心感到甜蜜。到了第二季结尾,加藤惠收回了拥抱伦也的手,抑制住了自己的感情,可是剧场版加藤惠不再这么抑制感情,不再是不起眼的女孩了,并且发糖了耶,超级期待剧场版!!!大爱加藤惠!!! 说实话,看过陆毅早期像永不瞑目之类的经典作品的我,看到他出演的那些于妈的雷剧狗血剧,内心是拒绝的?_?,因此,对于这部剧,一开始也没报多大期望,追完两集之后才发现又被打脸了?_? 看到第二集里面,旁白说,高把皮球踢给了新来的书记沙睿金的时候还是挺震撼的。说的可真直白啊。高意味深长地教育自己的学生厅长,不要冒得太快,暗示他不要自作聪明,不要过早地站队,李达康这个时候发生了丁的事情, 说实话,看过陆毅早期像永不瞑目之类的经典作品的我,看到他出演的那些于妈的雷剧狗血剧,内心是拒绝的?_?,因此,对于这部剧,一开始也没报多大期望,追完两集之后才发现又被打脸了?_? 看到第二集里面,旁白说,高把皮球踢给了新来的书记沙睿金的时候还是挺震撼的。说的可真直白啊。高意味深长地教育自己的学生厅长,不要冒得太快,暗示他不要自作聪明,不要过早地站队,李达康这个时候发生了丁的事情,对他是否能顺利上位省长一定会有很大的影响。高把皮球踢给了新来的沙书记,没想到沙又把皮球给踢了回去,让高决断,如果高决定此事交最高检严办,那就是等于在李达康和高之间的心中中了根刺。如果高决定省办,那么一旦将来除了纰漏,这就是个立威的把柄。一点点小细节就让我欲罢不能了,还能说什么呢?只求湖南台不要剪啊(>_<) 这部丧尸电影实在谈不上是一部好看的电影,话太多了,太过啰嗦,很多人都是来看丧尸和看打丧尸的,可是小卷毛的话实在是太多了,无聊至极。 另外我实在是搞不懂为什么小卷毛不跟金发妹子在一起,明明他们俩更合适,而且如果没有最后的那一段,跟黑发妹子压根就没什么可能的。我还是觉得黑发妹子太矫情了,太过形式主义,不肯面对自己的内心,更可恶的是留个纸条就不告而别了,还带丢了小石头 这部丧尸电影实在谈不上是一部好看的电影,话太多了,太过啰嗦,很多人都是来看丧尸和看打丧尸的,可是小卷毛的话实在是太多了,无聊至极。 另外我实在是搞不懂为什么小卷毛不跟金发妹子在一起,明明他们俩更合适,而且如果没有最后的那一段,跟黑发妹子压根就没什么可能的。我还是觉得黑发妹子太矫情了,太过形式主义,不肯面对自己的内心,更可恶的是留个纸条就不告而别了,还带丢了小石头,最后回来还一脸无辜,说是小石头被拐跑了,那是你带出去的啊,人家跟别人走你也没有很用心阻止啊,如果真的出事了呢?不用负一点责任的吗?虽然小石头也不是小孩子了,可是她的人设就是一个小孩子啊。这也就是小卷毛这种傻白甜能接纳她吧。虽然金发妹子笨手笨脚傻乎乎的,可是很可爱不是吗? 小石头可能是最可怜的一个,最后五个人,就单她一个,在巴比伦那么多人,也没有找到一个意中人。这个基本上就是原生家庭的影响吧,其他人都算是她的原生加人,整个可以看作是她的原生家庭,她未来的择友标准,很可能就是根据自己的原生家庭而决定的,即使她很抗拒,很想突破这个框架,可是真正能突破的还是少数。正如有些人十八岁的时候,母亲36岁,她说自己绝对不会像母亲那样早早就怀孕结婚,结果还是在十九岁的时候结婚生了孩子,这是一个魔咒,每个人都有一个束缚着自己的框框。 阿梵的前夫连戚是蔺王义子,参与沉银案,一直在破解沉银图。阿梵曾经看过沉银图,了解河道构造,也把破解后的沉银图绣出来了。连戚为了保阿梵性命,故意让其他人认为她知道沉银图在哪,知道沉银地位置。阿梵嫁了两次,丈夫都死了,虽然第二次是假死,她刚开始不知道。因为连戚救了她(其实是陶君然救了她),他正好需要人来掩人耳目,后面假戏真做动了感情,她们准备结婚的,大婚当天他听说大火去小妾那没有揭盖头,阿梵耿耿 阿梵的前夫连戚是蔺王义子,参与沉银案,一直在破解沉银图。阿梵曾经看过沉银图,了解河道构造,也把破解后的沉银图绣出来了。连戚为了保阿梵性命,故意让其他人认为她知道沉银图在哪,知道沉银地位置。阿梵嫁了两次,丈夫都死了,虽然第二次是假死,她刚开始不知道。因为连戚救了她(其实是陶君然救了她),他正好需要人来掩人耳目,后面假戏真做动了感情,她们准备结婚的,大婚当天他听说大火去小妾那没有揭盖头,阿梵耿耿于怀。她作为寡妇必须保护自己,不让所有财产被亲戚抢走,亲戚还想抢她做妾,毁她清白。她决定经营画舫赚钱,借助廖小六帮助装修旧船,为了画舫能获得画舫赛名次和新县令陶君然打好关系。她不知道的是,陶君然也在暗中观察她和保护她,她是沉银案的重要线索,可以顺藤摸瓜找连戚。阿梵祭拜师父的时候碰见陶君然和匪徒对抗,陶君然帮她投币破壶,撞破他和下属密谋的时候没有害她,救下差点被抢去侵犯的阿梵,看出阿梵去其它画舫挖墙脚。阿梵招了三月梅、卓季青、冯厨子,和王伯、容秀组成画舫班底。陶君然先是因为沉银案查了阿梵的画舫,又因为船被袭击被阿梵所救,阿梵精明会利用谣言给自己画舫造势,和陶县令传绯闻,去拜访大儒隐士认了个爹,和陶县令成为众所周知的一对。他们的船被包围攻击,阿梵落水,陶君然去救她受伤,在村庄养伤,陶君然想吃鸡,阿梵抓鸡,陶君然和连戚打架求和,对付蔺王特使。他们回到碧云县,阿梵碰上云三少,云三少住他旁边,他包了她的船去送人,其实是安排人蔺王的人杀阿梵,阿梵以为他们要伤害云三少,还好有新县令青桐相救。阿梵偷偷去找沉银被特使所抓,为了救阿梵连戚用假死药,不料云荷安把阿梵带到云家私宅,告诉云嘉玉,云嘉玉来准备好好利用她。陶君然和连戚里应外合去救她,不料阿梵好不容易救出来就被云嘉玉抓走被逼找沉银,陶君然赶来救人被射毒箭,为了解毒回京,因为玉石纲被连戚盗被云家说是他偷的,下大理寺狱,后又被皇上禁足。阿梵去京在将军府等了三日,求娶陶君然,老太太不允,阿梵回碧云县,陶君然去碧云县住下当太守。连戚找到哥哥让哥哥与燕七娘和离,带他离开。 前半段的剧情设置很有喜感。一个富有多金的“霸道女上司”,遇上帅气不羁的“猛男快递员”,会擦出怎样的花火来?喜感自然来自二人身份地位的反差。看过很多同题材影片,多是富家男和灰姑娘的爱情故事,《合约男女》则反其道行之,调换了个位置,遭遇劈腿和情伤的高冷成功女叶瑾,对爱情心生绝望,却希望有个孩子陪伴左右、填补自己的情感空虚,于是生出“明选助理,暗觅种马”的荒唐念头,爱财又帅气的“快递员”肖博一次无 前半段的剧情设置很有喜感。一个富有多金的“霸道女上司”,遇上帅气不羁的“猛男快递员”,会擦出怎样的花火来?喜感自然来自二人身份地位的反差。看过很多同题材影片,多是富家男和灰姑娘的爱情故事,《合约男女》则反其道行之,调换了个位置,遭遇劈腿和情伤的高冷成功女叶瑾,对爱情心生绝望,却希望有个孩子陪伴左右、填补自己的情感空虚,于是生出“明选助理,暗觅种马”的荒唐念头,爱财又帅气的“快递员”肖博一次无心的英雄救美,使得他轻而易举地得到了这个机会,于是一纸“借精生子”的合约,让他们的生活开始有了令人啼笑皆非的交集。两个看似不同世界的人,自然无法一开始就展开浪漫故事,于是大量的笑点就从尴尬的“借种”关系中产生出来,当然,开场不久的“英雄救美”还是颇具情调的,面对被解雇的复仇女下属持刀相向,肖博英勇地救下了狼狈不堪的叶瑾,在你拥我抱、闪展腾挪的“伦巴舞步”中,化解了一场致命的危机,而入选“种马助理”的肖博,面对的却是一个被称作“四大名捕”的女人,所谓“四大名捕”,指的是“冷血、无情、铁手、追命”,有洁癖、强迫症、对人缺乏信任的叶瑾,对肖博自然毫不心慈手软,为了“精子质量”,不许穿牛仔裤,发现他偷跑去喝啤酒吃烤串之后,立刻逼迫他去“灌肠”……一方严加约束,一方囧态百出,各种接地气又逗趣的生猛桥段就在种种反差中接踵而至,而其中“借精生子”的话题又很是劲爆和大尺度,也令整个前半段的故事更偏向于“性喜剧”。如果一味搞笑,难免落入浅薄的套路中去,所以,编导在后半段很聪明地开始一步步将二人的关系引向温情。由几近失忆的父亲角色带出叶瑾的身世,才让一向高冷的她有了普通人的情感,而对于肖博的爱财如命,背后也是一段辛酸的亲情故事,复杂的经历,让两个原本略显浮夸的角色和人物关系慢慢回归正常,也让他们彼此的心逐渐接近,“借精成功”和“意外流产”的戏码,让有情人终成眷属,最终在浪漫唯美的法国诺曼底,一同跳崖又滑翔起飞的反转惊喜,完成了从喜剧到温情的转变,爱情当然不能靠“合约”维持,只有两颗真诚的心才能相互依靠,相信爱情,回归正能量,也是影片最终所要表达的主题。曾出演过《孤男寡女》到《瘦身男女》的郑秀文绝对称得上是华语都市爱情片首席天后,这次再度演绎“男女”爱情,完全是驾轻就熟,从头到脚的御姐风范和熟女性感,都很有吸引力,不过,这次她负责冷面,最大的惊喜在于张孝全,《被偷走的那五年》中英俊的白马王子,这次摇身一变,成了幽默诙谐的逗逼暖男和搞笑担当,但又不是肤浅的装傻充累,而是以走心的演技加持,呈现出角色的独特魅力,面对叶瑾的霸道强势,他步步退守,无奈又窘迫,产生出奇妙的笑果,无论表情还是肢体语言,都十分到位,让人捧腹之余,又无法不心生好感,而后面的温情转变,不用说更是他的强项,相信每个女生最后都会对他产生依靠感。尤其值得一提的是,片中他更是不惜“牺牲色相”,几近赤裸全身,大秀健硕肌肉,在更衣间对镜起舞的画面简直就是女生福利,充分展示了“猛男种马”的优越身体素质。从台片中的文艺男神,到港片中的亡命悍匪,再到喜剧片中的暖男笑将,看得出张孝全的努力和越加宽广的戏路,值得赞赏和肯定。看惯了刘德华、郑秀文CP的爱情片,这次张孝全+郑秀文的全新CP同样是养眼又登对,新鲜感十足。一众配角的表现也足够出色,在处理人物关系上都起到了重要作用,无论是扮演下属的冯文娟,还是扮演旅法闺蜜的金巧巧,乃至金牌配角林雪扮演的失忆父亲角色,都可圈可点。 开局两怪老头,在萝拉床底下那刻我真的笑疯,印象很深刻的是对学生说的那番话,大意是艺术家是自私的,他们干不了别的,对那些稳定善良的事物从不在乎,这是一种病,而学生太正常了,他无法像老头那样率性而为,向资本家的约稿献上诚挚的问候,在餐厅吃饭也敢明目张胆的赖账,蹭酒,从观影者角度来这确实是一种艺术的活法,我们多数人受到的是乐于助人,遵纪守法的观念影响,在艺术家 开局两怪老头,在萝拉床底下那刻我真的笑疯,印象很深刻的是对学生说的那番话,大意是艺术家是自私的,他们干不了别的,对那些稳定善良的事物从不在乎,这是一种病,而学生太正常了,他无法像老头那样率性而为,向资本家的约稿献上诚挚的问候,在餐厅吃饭也敢明目张胆的赖账,蹭酒,从观影者角度来这确实是一种艺术的活法,我们多数人受到的是乐于助人,遵纪守法的观念影响,在艺术家眼里这是一生平庸的。 影片后半段,老头艺术家车祸,躺在病床上开始明白了些什么,伙同好基友一起一起玩了一场骗局,死亡是对艺术家的最好成就,效果嘛,显而易见,大家都疯了一样的追捧死前的作品,老头在郊外创作着一副又一副的八十年代的作品,满足那些权贵阶层的艺术需求,靠着这些收益,两个老头过的风生水起,一时间觉得人生即将圆满,直到学生的出现,打破了平静,吵着要揭发他们的骗局,无论给多少钱都不愿意封口,这一幕让我想到之前老头为那个家族企业作画的那一幕,信仰绝不低头,下药哪一幕是对两老的一次加压,后来药效失效,学生回到城市进行检举,但却并没有像想象那样,老头的作品和人设反而因此更加出名了,呼应了那句现实总是一种另外的形式上演。 结尾两老头坐在地上,对着远处的戈壁聊起天来,喝着酒,那一幕真的有被触动到,忙活了大半生,才彻底享受了一点宁静。死亡,我现在反对它。 9月29日,时代报告剧《在一起》登陆江苏卫视幸福剧场。《在一起》参照了电影《我和我的祖国》的集体创作模式,每个单元故事都有独立的编剧和导演,演员也各不相同。 《在一起》以“抗疫”期间各行各业真实的人物、故事为基础,主要还原小人物的勇敢和平凡。 首先播出的是《生命的拐点》篇,不到90 9月29日,时代报告剧《在一起》登陆江苏卫视幸福剧场。《在一起》参照了电影《我和我的祖国》的集体创作模式,每个单元故事都有独立的编剧和导演,演员也各不相同。 《在一起》以“抗疫”期间各行各业真实的人物、故事为基础,主要还原小人物的勇敢和平凡。 首先播出的是《生命的拐点》篇,不到90分钟就讲完了一个故事。时间短,节奏快,人物密集,宏大的信息量让不少观众感叹跟不上剧情速度,必须二刷、三刷慢慢看。 这部剧,开播前笔者尝鲜看过前两个故事,首播后又重看两集,感慨颇多,不吐不快。 现实真实与艺术真实的高度凝聚 《在一起》是一部集体创作之作。“拼盘”类影视作品,拍好并不简单。相对大银幕而言,呈现在小荧屏的剧集更不容易出彩。 一来,是篇幅问题。《在一起》共20集,讲了10个故事。于文学范畴而言,这是超短篇概念,很容易跌入展开了收不住的困境。 二来,精彩程度难把握。影视剧不设置冲突是不成的,只歌功颂德还不如做成“春节大联欢”。然而,不到两个小时的时间,说好一个跌宕起伏的故事,很难。 《在一起》带来了不少惊喜。它走的是描摹现实的路子,却不给人以刻板印象。说的都是典型故事,又能举重若轻地劈开疏离,使你觉得这就是身边生活。它是对平凡岗位上光热之人的速写,也是难能可贵的文艺报告。在它身上,现实真实与艺术真实高度凝聚了。 就像《生命的拐点》这一章,就以两组对立冲突为基调,抖擞出了疫情爆发初期武汉江汉医院的众生百态。这一单元,导演是张黎、韩晓军,梁振华编剧,董哲担任文学顾问,张嘉益、周一围、谭卓、张天爱、何蓝逗主演。演得不错,拍得更不错。 第一组对立,是过往经验和当下现状之间的冲突。主角是一对师徒,前后两任院长。 老院长张汉清(张嘉益 饰)到医院的第一句话,就是问现任院长谭松林(周一围 饰),“急诊停了吗”。得知急诊仍在办公,更是教训道:“禽流感的教训还不够深刻啊”。你瞧,短短几句话,“有经验长者”的身份就立起来了。紧接着,就是要不要查传染源的问题。 江汉医院是传染病医院,张汉清又干了多年的院长,早就洞悉了一切。争分夺秒,人命关天。“遏制传染源,就是和时间赛跑,宁早勿晚。”谭松林想等疾病中心和病毒所的论断,张汉清等不及论断。甚至,他自己就下了论断。这一刻,老同志的宝贵经验就发挥了作用。 第二组对立,是既定目标和现实困境之间的冲突。主要围绕着陆曼琪(谭卓 饰)展开。 张汉清要查传染源,要封锁住院部,要诊治急诊病患,靠的是医院里的医护人员。可医护人员不是超人,他们也会被传染,也会担惊受怕。更可怖的是,防护装备的数量远远不够。缺口罩、缺防护服、缺床位甚至缺人。当全城的病患都聚拢到江汉医院,矛盾就出现了。 但矛盾的发生是有序的,戏剧的逻辑更是自洽的。《生命的拐点》中所有的冲突、所有的对峙,绝非为了让故事好看而设置;而是情感奔涌到那里了,故事才变得好看。 聚成时代报告的,就是那些活生生的人 《在一起》是一部“时代报告剧”。这是总局电视剧司新提出的概念,指的是以较快速度创作,以真实故事为原型,以纪实风格为特色的电视剧作品。这似乎与报告文学相似,但影像所赋予的力量更加直观可感。而聚成时代报告的,就是那些活生生的人。 人物戏又往往难拍得很,须将那些触动人心的新闻碎片,锤炼成复杂立体的戏剧人物。光抛概念是不成的,角色就成了扁平的符号,“人物说”就成了“编剧言”了。一味“填鸭”更不可取,不能磨灭原型人物的真实故事。就这一点来说,《在一起》勉力了。 最能彰显这一点的,莫过于《摆渡人》篇中的外卖员辜勇(雷佳音 饰)。《摆渡人》是《在一起》的第二个故事,由沈严执导,高璇、任宝茹编剧,雷佳音、倪妮、张静初和蒋欣主演,通过一名外卖员的足迹,讲述了疫情初期,武汉城里普通人抱团取暖的故事。 辜勇就是个在工作中奋进挣扎的平凡小人物。他有生活压力,也有七情六欲。由于职业的特殊性,在药店员工尚疑惑“怎么那么多人买口罩”时,他已经先知先觉了。机智的他,花了一笔大价钱,囤了不少酒精和口罩,幻想着过段日子赚笔钱。 但只写“赚钱”那一面,这个角色就“下行”了。随着城里的问题也越来越严重,生、离、死、别,他都见识到了。医院大厅里的一片哭嚎,让他的灵魂战栗了——得尽自己的力量做点事。这一刻,没有盖世英雄,但平凡人迸发出了不平凡的勇气。 离汉高速的“逆行”之举,是这个人物的高光时刻。最初留在武汉,只为平台春节假期的高额补助。而如今,必然没人再笑他的小心思了。“君子论迹不论心”,大抵如是。小人物是雷佳音的拿手好戏,他是天生自带喜感的演员,辜勇的所作所为却每每令人垂泪。 文静(张静初 饰)和平小安(倪妮 饰)也值得一提。前者是辜勇的妻子,一个卖面膜的电商主播;后者是偶遇的医生,刚刚毕业不久。与妻子约定好的“回老家”作废了,她虽有气恼却也理解;平小安对辜勇所说的一番“扪心之问”,让她一下子立体了起来。 至于上文提到的张汉清、谭松林、陆曼琪等角色,更是各有自的味道。张嘉益本是多演“大叔”的实力派,这次将老院长演得又嘉又益。周一围演绎的谭松林一身正气,与柳小可(张天爱 饰)的情感线温暖可感。谭卓又美又飒,脸上口罩的压痕见证着人物的不易。 其实,剧中的角色,几乎都在现实生活中有原型可寻。张汉清的原型是武汉金银潭医院的院长、“人民英雄”张定宇;谭松林的原型,是金银潭医院的涂盛锦医生;辜勇的原型则是滴滴司机王利等4位疫情最严重时期的“摆渡人”……时代记录着他们的平凡而伟大。 打动人心的,还有切中肯綮的真实细节 我还想聊一聊《在一起》的细节。 张汉清拖着一条病腿上楼梯的场景,始终在我脑海中挥散不去。他是渐冻症患者,本不能长期工作,家中的家务妻子从来不舍得交给他做。但在医院里,他是主心骨、定风珠,虽“重伤”却不下火线。焚膏继晷的日夜工作,已然令他的腿不听使唤,爬楼梯更是困难。 于是,他遣走了陆曼琪,迟疑了半天,一瘸一拐地爬着楼。坚强的人永远不愿向生活认输,纵然有百般不得已想要诉说,也要把一切委屈憋在心里。更遑论,如今正生死关头。 外卖小哥小帅(朱俊麟 饰)也是真实的身边人。别人都驰车逃离武汉了,他却反其道骑了两天一夜的车返回城中。辜勇问起原因,他自吹自擂说武汉很多人都需要我。却被辜勇直接戳穿:现在呢,接一单平台多给五块钱……一个春节能多赚个两三万呢。 何其活泼的角色!何其真实的角色! 疫情面前,的确有舍生取义的英雄,但更多的是这种怀揣善良又有小心思的普通人。还有许清如(吕中 饰)的舐犊之情,毛真真(何蓝逗 饰)的莫名恐惧……这些或熟悉或陌生的细节,以一种身临其境的在场感,穿透了观众的疫情记忆,展现着真实的你我。 事实上,《在一起》的相关特质,也和播出平台江苏卫视的自身属性完美契合。自今年暑期档以来,江苏卫视的排播策略便具有相当的前瞻性和现实观照。 《三叉戟》聚焦警察故事,写出了人生复杂感和粘稠感;《局中人》瞄准了烧脑谍战,CSM59城首播收视率就达到了2.01%;《爱之初》与《幸福还会来敲门》都是情感大戏,前者关注当下海归创业,后者则演绎了生活中的平凡故事;刚刚收官的《蓝军出击》,更是以单集收视最高2.78%的优异表现,成为秋季荧屏的一抹亮色。如今,《在一起》又来了。 几部剧作虽题材各异、类型不同,但都凭借趣味的故事与现实的议题,揽获了观众的青睐。不俗的收视成绩、激烈的讨论热度以及正向价值的引导,也彰显出江苏卫视幸福剧场的深耕品质。未来,相信幸福剧场将继续发力,承载着观众的希冀与期待继续远航。 clit2014, jan 2, 晚交了20天,我再也不想上gender studies了我要吐了,写这篇paper不知道经历了多少mental breakdown Women’s Experience Matters: Redefining Feminist Cinema through Claire’s Ca clit2014, jan 2, 晚交了20天,我再也不想上gender studies了我要吐了,写这篇paper不知道经历了多少mental breakdown Women’s Experience Matters: Redefining Feminist Cinema through Claire’s Camera As Laura Mulvey points out in “Visual Pleasure and Narrative Cinema”, traditional narrative cinema largely relies upon the practice of a gendered “gaze”, specifically, male’s unconscious objectification of female as erotic spectacle from which visual pleasure is derived. Her account draws attention to the prevailing feminist-unfriendly phenomena in contemporary cinema, one that resides in the language of patriarchy, privileging man’s experience while making woman the passive object deprived of autonomy. Many feminist filmmakers and theorists including Mulvey herself urge a radical strategy that dismantles patriarchal practice and frees woman from the state of being suppressed by the male-centered cinematic language.To conceptualize a mode of cinema that speakswoman’s language, or authentic feminist cinema, this essay interrogates the validity of Mulvey’s destruction approach in pursuing a feminist aesthetic. By making reference to Hong Sang-soo’s film, Claire’s Camera, I argue that feminist cinema needs to be redefined by neither the immediate rejection of gender hierarchy nor the postmodern notion of fluidity, but by perspectives that transcend the gendered metanarrative of subject vs. object, and that primarily represent and serve woman’s experience on both sides of the Camera. Earlier waves of feminism strived to call attention to, if not, eliminate the unbalanced power relation between men and women in the society, namely the dichotomy between domination and submission, superiority and inferiority, and self and other (Lauretis 115). Feminists such as Mary Wollstonecraft and Simone de Beauvoir radically interrogated women’s rights in the political arena as well as women’s relative position to men in the society at large. However, the approaches of the earlier waves cannot prove themselves sufficient in pursuit of a female autonomy, owing to the fact that they are constantly caught in the power-oriented metalanguage which inherently privileges one over another. While it is argued that the objectification of the “second sex” is oppressive in nature, for example, the assertion already marks the subject-object dynamics between men and women by default. It fails to propose non-power based gender narratives, while obliquely acknowledging that the language spoken in this context is inevitably characterized by phallocentric symbols, ones that prioritize self over other, subject over object, male over female. In thisregard, rather than rendering a perspective that exposes and dismantles patriarchy, the outcome of earlier feminist approaches inclines towards “replicating male ideology” (Mackinnon 59), reifying the omnipresence of the patriarchal language and reproducing the effects of patriarchy. A similar notion applies to defining feminist cinema. In terms of visual representation, feminist idealists encourage women to present their bodily spectacles, inviting interpretations free of erotic objectification. Despite the favorable receptions from the sex-positive side of the discourse, it is indiscernible as to whether these attempts truly free women from the dome of sex-negativism or reinforce the effect of the patriarchal language even more. This polarized debate, I believe, is due to the fact that the discourse is held captive by the language of patriarchy too powerful for one to extricate from, and that any rebellious gesture would appear to be an insufficient, passive rejection of the predominant ideology. To illustrate this point, Lauretis notes that Mulvey’s and other avant-garde filmmakers’ conceptualization of women’s cinema often associates with the prefix of “de-” with regards to “the destruction… of the very thing to be represented, …the deaestheticization of the female body, the desexualization of violence, the deoedipalization of narrative, and so forth” (175). The “de-” act does not necessarily configure a new set of attributes for feminist representation, but merely displays a negative reaction to a preexisting entity. It is important to be skeptical of its effectiveness in defining feminist cinema, as it implies certain extent of negotiation instead of spot-on confrontation with the previous value. A destructive feminist cinema can never provide a distinctive set of aesthetic attributes without having to seek to problematize and obscure the reality of a patriarchal cinema. In that regard, it is passive, dependent and depressed. More importantly, the question – how the destruction of visual and narrative pleasure immediately benefits women within the narrative and directly addresses female spectators – remains unanswered. TakingClaire’s Cameraas an example, the film destructs the notion of a gendered visual pleasure by presenting the camera as a reinvented gazing apparatus, one that differs from the gendered gaze, and instead brings novel perception into being. Normally, when characters are being photographed, mainstream filmmakers tend to introduce a viewpoint in alignment with the photographer’s position, enabling spectator’s identification; that is, the shot usually shifts to a first-person perspective so that spectators identify with the photographer gazing at the object who is in front of the camera. Claire’s Camera, however, abandons this first-person perspective while generating new meanings of the gaze. Claire ambiguously explains to So and Yanghye the abstract idea that taking photographs of people changes the photographer’s perception of the photographed object, and that the object is not the same person before their photograph was taken. The spectacle, although objectifiable in nature, is not so passive as being the object constructed upon, but rather constructs new signification upon the subject. The notion of the gaze is therefore re-presented with alternative insights. That being said, as I argued earlier, the destructive approach is not so sufficient an attempt at defining feminist cinema, because the way it functions nevertheless indulges feminist ideology in the role of passivity, deprived of autonomy and always a discourse dependent on and relative to the prepotency of patriarchy. In the conversation scene between So and Manhee, So, who is almost the age of Manhee’s father, criticizes her for wearing revealing shorts and heavy makeup. In a typically phallocentric manner, he insists that she has insulted her beautiful face and soul by self-sexualizing and turning into men’s erotic object. Despite the fact that the preceding scenes have no intention to eroticize the female body or sexualize her acts such that the visual pleasure is deliberately unfulfilled and almost completely excluded from the diegesis, So inevitably finds Manhee’s physical features provocative and without a second thought, naturally assumes that her bodily spectacle primarily serves man’s interest. This scene demonstrates that regardless of feminists’ radical destruction of visual pleasure, practitioners of patriarchal beliefs will not be affected at all; if any, the femininity enunciation only intensifies the social effects of patriarchy. The conversation between the two characters embodies the self-reflexive style of Hong Sang-soo’s filmmaking, in a sense that it fosters debates within the theoretical framework upon which it is constructed, and constantly counters itself in search of a deeper meaning, contemplating questions such as do we believe in what we practice, whether it is patriarchy or its opposite? And is anti-patriarchy feminism determined enough to prove itself a destructive force against patriarchy rather than a sub-deviant of a predominant ideology? The scene proves the drawback of a destructive strategy, that the way it operates nonetheless subscribes to a patriarchal manner, and that in order to escape the secondary position with respect to the phallocentric subject, more needs to be done other than problematizing the subject. To supplement the insufficiency of destruction, postmodern feminists such as Judith Butler proposes theoretical alternative to approach the discourse. Butler argues that gender is performative and fluid instead of a set of essential attributes. The notion of performativity indeed precludes the social effects of essentialism by introducing the idea of an identity continuum into gender politics, in ways that empower the socially perceived non-normative. On top of that, Butler believes that the categorization of sex “maintain[s] reproductive sexuality as a compulsory order”, and that the category of woman is an exclusive and oppressive “material violence” (17). Acknowledging the harms that essentialist perception of gender and sexuality entails, Butler bluntly negates the very categorization of woman. This radical negation, however, evades the reality that our whole understanding of the human race is based on gender categories, despite the corresponding inequalities generated from the instinctual categorization. In fact, it is when women as a collective community have come to the realization that the female gender is socially suppressed, that they start to strive for equality through the apparatus of feminism. Butler’s rejection of the gender categorization withdraws the sense of collectivism in the feminist community, which is “an important source of unity” for the marginalized (Digeser 668). Moreover, it deprives the feminist cinema of the necessity of delineating an authentic female representation, because within the notion of performativity there is no such thing as a fixed set of female representations but only distinctive individuals that conform to gender fluidity. Since identifying with a certain form of representation means to live up to a socially perceived norm from which one deviates, a performative cinema does not encourage spectator’s identification. The failed identification will not only drastically shift the spectator’s self-understanding but also cause more identity crises. Therefore, performativity is too ideal a theoretical concept to have actual real-life applications. Whether it is her body or her social function, woman has become the commodity of patriarchy. As Lauretis puts it, “she is the economic machine that reproduces the human species, and she is the Mother, an equivalent more universal than money, the most abstract measure ever invented by patriarchal ideology” (158). Woman’s experience has been portrayed in the cinematic realm nothing more than being the (m)other and the provocative body. Historical debates have proved that articulating the problematic tendencies within gender differences only results in skepticism rather than new solutions. Thus, in order to negotiate a feminist cinema, filmmakers need to abandon the patriarchal meta-language completely, and reconstruct new texts that represent and treasure woman’s experience more than just being the other, that “[address] its spectator as a woman, regardless of the gender of the viewers” (Lauretis 161). Similarly, what needs to be done in feminist cinema is more than just interrogating the gender difference between woman and man, but interpreting such difference in unconventional ways that liberate women from being compared to men and invite them to possibilities of having narratives dedicated to themselves. One of the ways, Lauretis suggests, is to regard woman as the site of differences (168). This signifies that the cinema needs to stop generalizing woman’s role based on her universal functions; rather, it needs to articulate her unique features, what makes her herself but not other women, from the way she looks to the trivial details of her daily life. In Claire’s Camera, the function of the camera conveniently transcends the diegetic space. In the narrative, it demarcatesthe “site of differences”, that is, how someone changes right after their photograph is taken, as well as how Manhee is presented differently each of the three times being photographed. The camera also magnifies her experience as a woman for spectator’s identification, mundane as it could be. In the last scene, the camera smoothly tracks Manhee organizing her belongings, packing box after box, casually talking to a colleague passing by, and so forth. Long takes like this fulfill what Lauretis would call “the ‘pre-aesthetic’ [that] isaestheticrather than aestheticized” in feminist cinema (159). Without commodifying or fetishizing woman and her acts, the film authentically represents a woman’s vision, her perception, her routines, and all the insignificant daily events which female spectators can immediately relate to. When a film no longer solely portrays woman as the “economic machine” that labors, entices men, and commits to social roles, it has confidently overwritten the patriarchal narrative with a female language. It fully addresses its spectator as a woman, appreciating and celebrating the female sex, not for what she does as a woman but for what she experiences. In conclusion, the essay first challenges the destructive approach in feminist cinema regarding its sufficiency in pursuit of woman’s autonomy and its indestructible destiny to fall back into patriarchy. The essay then argues that the rejection of gender categorization in performativity theory frustrates the mission of defining a female representation. Hong Sang-soo’s self-reflexive film, Claire’s Camera, offers an apparatus to delve into the drawbacks of destructive feminist cinema and simultaneously renders a new feminist code, abandoning the patriarchal metanarrative and constructing a new narrative that truly prioritizes woman’s experience. Works Cited Butler, Judith. “Contingent Foundations: Feminist and the Questions of ‘Postmodernism.’”Feminists Theorize the Political, edited by Judith Butler and Joan W. Scott, Routledge, 1992, pp. 3–21. Digeser, Peter. “Performativity Trouble: Postmodern Feminism and Essential Subjects.” Political Research Quarterly, vol. 47, no. 3, 1994, pp. 655-673. Lauretis, Teresa de. “Aesthetic and Feminist Theory: Rethinking Women's Cinema.”New German Critique, no. 34, 1985, pp. 154–175. Lauretis, Teresa de. “Eccentric Subjects: Feminist Theory and Historical Consciousness.”Feminist Studies, vol. 16, no. 1, 1990, pp. 115–150. Mackinnon, Catherine A. “Desire and Power.”Feminism Unmodified: Discourses on Life and Law, Harvard University Press, 1987, pp. 46–62. Mulvey, Laura. “Visual Pleasure and Narrative Cinema.”The Norton Anthology and Theory and Criticism, edited by Vincent B Leitch, W. W. Norton, 2001, pp. 2181–2192. 看到狮门,印象中就是那种重金属+血腥+暴力,而再看到梅尔吉布森,心中更加激动了,好久好久没看他的片子了,依稀记忆里面,还是他震天狂啸的“FREEDOM”。好久不见! 还没看五分钟,就猜到了后面,这类型的片真的太多了,比如飓风营救系列,而且说句实话,比起飓风,本片真的好弱,但是,我还是喜欢的看完了,因为演的很真实,更因为我有一个女儿。 而这些真实,在生活中看上去却是那么 看到狮门,印象中就是那种重金属+血腥+暴力,而再看到梅尔吉布森,心中更加激动了,好久好久没看他的片子了,依稀记忆里面,还是他震天狂啸的“FREEDOM”。好久不见! 还没看五分钟,就猜到了后面,这类型的片真的太多了,比如飓风营救系列,而且说句实话,比起飓风,本片真的好弱,但是,我还是喜欢的看完了,因为演的很真实,更因为我有一个女儿。 而这些真实,在生活中看上去却是那么的不真实: 父女俩一联系上,一大堆发克,舒特就跑出来了,其实就是这样,不要怪父亲带坏女儿,也不要怪女儿不学好,有多少父亲其实多么希望能够和女儿在同一个频道,然而事实并不可以... 女儿要放弃的时候,梅尔吉布森把他年轻年轻任性摔伤的头颅,割腕自杀的伤口给她看,没有任何的大道理,只是告诉她:也许你不想再看到明天的太阳,但是你要知道,后天的太阳是无比的美好!珍惜生命,这是每个父母都要教会孩子的。 去找大哥,因为坐牢太久竟然不会现代的沟通方式,而女儿却又如鱼得水,父亲的尴尬和不希望女儿如此的愤怒,梅尔吉布森表现得淋漓尽致。 他的监狱服刑,是为了帮一个视为父亲的大哥顶罪,而这个所谓的大哥竟然为了三万悬赏出卖了他。没事,走了就不回头。可是为了救女儿,他又回到大哥那里寻找武器,结果大哥拿着枪出现在门口,砰!干净利落,毫不犹豫,你可以让我替你背锅,但是你阻拦我救女儿,杀无赦! 最后在车上,咬下身边的混混的耳朵,让我想起行尸走肉里面瑞克为了救儿子,直接咬破对手的喉咙,这就是父爱,别碰我女儿,否则会让你看到最可怕的愤怒! 电影总是在一种极端的假设中展现情感,而现实中,我们会去阻止孩子做我们喜欢但是却不希望孩子做的事情,比如喝酒,比如抽烟,比如玩手机...也极少会出现电影中的威胁,所以,我们都喜欢用大道理去教育孩子,殊不知,在孩子的世界里面,那些是多么的不真实。 一直拒绝纹身,如果有一天我的女儿提出这样的要求,也许,我会一起,慎重的去纹一个有意义的纹章。 说说剧情。 这一季感觉真的是形式大于内容了,节奏很迷,案件之间的关联性不足。剧里还有一些很明显的bug,比如兰兰和丁卯开头假装势不两立,到后面连掩饰关系都懒得掩饰;肖秘书长假死再真死以后都督居然没有怀疑;有一集片尾小神婆中了银铃封,结果后面啥事也没发生……看得时候我真的满头问号-.-这一季里唯一拍的好的案子是黄金劫案,三集里有搜证、有推理、有诡计,还有完整经过,节奏紧凑,很吸引人 说说剧情。 这一季感觉真的是形式大于内容了,节奏很迷,案件之间的关联性不足。剧里还有一些很明显的bug,比如兰兰和丁卯开头假装势不两立,到后面连掩饰关系都懒得掩饰;肖秘书长假死再真死以后都督居然没有怀疑;有一集片尾小神婆中了银铃封,结果后面啥事也没发生……看得时候我真的满头问号-.-这一季里唯一拍的好的案子是黄金劫案,三集里有搜证、有推理、有诡计,还有完整经过,节奏紧凑,很吸引人。其他的案子就emmm 一直想着这剧挖了那么多坑,最后啥时候能填上,到了最后一集,终于等到了。最后一集,画面看着很棒,最终boss毫无悬念,讲了一堆案件回顾,但好像又啥都没讲。这一季的坑不填完也就算了,最后又挖了一个坑,到第三季播出的时候我可能又忘了之前讲得是啥故事了_(′_`」 ∠)_ 说说角色。 郭得友——第一季播出时我也当过李现的三月剧粉(虽然有一场哭戏我被尬到了orz),很喜欢小河神身上的灵气和痞气。这一季小河神换成了金世佳,可以看出来他对角色的理解和李现不太一样,他选择了重新塑造人物形象而不是硬去贴合第一季的人设,可惜这个改动不太容易让习惯了第一季小河神形象的观众买账。这一季小河神的存在感太弱,原本第一季的亮点点烟辨冤和水下剧情都没能有太多的发挥,角色的塑造也有编剧的锅。 丁卯——撇开私生活不谈,男二的演技比第一部好了很多,至少不会让人很出戏。但是加戏太多也让我疑惑这部剧是不是应该改名。 顾影——王紫璇的小神婆真的很有灵气,在我这里没人能替代王紫璇演出小神婆的形象。这一季顾影被迫成熟去安慰别人真好哭呜呜。 肖兰兰——兰兰这一季也比上一季成熟了许多,身份不再是秘书长的女儿,独立办报开创事业我爱了。但是这一季里兰兰的高光时刻不足,我总是会把兰兰、戎傲霜、王美仁弄混 |_?) 戎傲霜——我总是把这位姐姐和兰兰、王美仁搞混,抱歉 |_?)这位姐姐一直泡在水池子里,导演镜头又总是往引人遐想的地方带,搞得我老是以为这位姐姐是从事啥特殊行业的= =这位姐姐从出场就透露出反派的气息,结果还真是,一点都不反套路_(′_`」 ∠)_ 范君尧——爆赞一下大表哥的演技,最后一集的演技炸裂,为大表哥打call?( 'ω' )? 大表哥的演技真的绝了,案件回顾的戏里展现出了和前20+集完全不同的一面,和郭丁的对手戏完全压住了这两个人,那种变态的神态我好喜_(′?`」 ∠)__ 前20+集我对大表哥还很无感,最后一集我真的完全爱上介个角色啦(???????) 其他角色——《河神》系列的配角真的很出彩,除了老一辈的角色,一些小配角也很有亮点。付队长和他的两个小跟班——虾摸海和大晕头——是我第一季就很喜欢的角色,第二季也是我的开心果;付正队长和郑副队长的斗趣也特有意思。聂小秋抹花脸上油彩的镜头有戳到我,暗线里的都督禁脔身份让我好心疼QAQ白市长是第一季肖三的扮演者,白四虎是第一季小神仙的扮演者,不说我是真认不出来。铁牛、泥鳅和陆老板都是导演、副导演这些剧组人员扮演的,演技居然都还不错。不得不说配角比主角出彩很多。不过还是想吐槽一下,都督总是故弄玄虚唱戏词,白市长和伍作男也陪着都督演戏,这种场面多了就烦了。丁卯费了好大力气入了局,结果都督这边并没有什么特殊剧情。能理解编剧是想多一条线用来混淆观众耳目,但是最后boss揭晓仍然没什么新意。 最后说说喜欢的几个场景吧:日料店无限回廊、弹琴斗酒、小河神挣脱银铃封还有大表哥的案情回顾,这几幕的形式和转场我很喜欢。不知道会不会有第三季了,希望编剧能好好编故事吧。
还是回到剧情上吧,依旧是韩剧特有的风格,
还是回到剧情上吧,依旧是韩剧特有的风格,也是我格外喜欢韩剧的原因,画面干净,乃至唯美到透明,不禁令人想起一部小说的名字,“近乎透明的蓝色”,节奏沉着缓慢,当然不喜欢的人也可以称之为拖沓,那需要相应的心情才可以的,不是着急赶着看两眼,要慢慢地看。
以前不知道为什么韩剧中总是把爱情掺入复杂的血缘关系中,这部剧也是这样,一对相爱的男女历经生死考验,最终聚到一起,却被告知两人原来是兄妹,当然最终令人欣慰的是这原来是个误会,就连那男孩的妈妈也不知道,自己当年怀着的是另外一个男人的孩子。或许编剧只是要增加情节的复杂性,然而这何尝不是一个极好的警示:因贪瘨痴而造成的孽因,哪怕随着时间的流逝而消散,也会在遥远的将来,在子女身上尝到苦果,而不要怀丝毫的侥幸心里。
我们每个人都做过大大小小数不清的令良心不安的事情,无论是由于食荤无数而杀生无数,或者是撒谎,背叛,害人,怨恨,贪婪,追逐名利,但因为蒙昧而不知晓这些事情会一一现出后果,无论是当即还是日后,甚至是不为我们所知的往生。一旦知道了这些,才会生敬畏之心,所谓如临深渊、如履薄冰,才会守住自己的每一念,令念念清净。当我想起自己那些过往的作为,实在不由得心生悔恨与畏惧,随即也对那个自我心生悲悯。从此后,自当打起精神,践行佛法,度己度人。
给负分,1分的人只怕很多,其实从本质上是个好题材,只是章大国际范长的太高富美,根本没有屌丝的气质。
但是这个女主是纯屌丝有木有?
所以从选择女角上就会被喷,根本不是傻大妞的脸,怎么演的出傻大妞的精髓,如果是金三顺大姐来出演这一角色,肯定比现在喷的人少,为啥?人家就是靠傻,靠天真出名的啊。
可章大国际范
给负分,1分的人只怕很多,其实从本质上是个好题材,只是章大国际范长的太高富美,根本没有屌丝的气质。
但是这个女主是纯屌丝有木有?
所以从选择女角上就会被喷,根本不是傻大妞的脸,怎么演的出傻大妞的精髓,如果是金三顺大姐来出演这一角色,肯定比现在喷的人少,为啥?人家就是靠傻,靠天真出名的啊。
可章大国际范,人家演的都是国际范角色,味道,长相,根本与傻大姐几个字不靠边,更被说这部剧角色的融入了,不是她演技不好,只是长得太好。
王大帅哥在里面可以说是帅到爆啊,只是....好像不太入神啊,眼神飘离的好厉害,没有章大国际范有演技啊!!!!!
好吧,总体而言,不是编剧的错,也不是导演的错,从开始就是个美丽的错误,所以,看看得了吧,给个还行的评价足以,别太苛刻了,喂,各位。