“The Founding Fathers gave the free press the protection it must have to fulfill its essential role in our democracy.The press was to serve the governed,not the governors”  (展开)

感慨一下不愧合作过是《legal high》的导演石川淳一+编剧古沢良太，鸡汤+剧情+喜剧的比例拿捏的很到位，不会让人觉得太过偏颇。而且几个配角的故事也交代的比较完整，有血有肉。我gakki演喜剧真的有股蠢萌蠢萌的戏剧，可爱又不做作，虽然有长相的成分在但是演技应该也很上线吧...  (展开)

如果想要更好地欣赏地球全貌，那么最好的视角是站在万米高空鸟瞰，或者在月球遥望。同样，如果想要更好地认识智人这种生物，最好的方法是通过一双充满好奇的外星人的眼睛。

《我的个神啊》是一部典型的闹哄哄的、甚至有点浮夸的三幕式宝莱坞喜剧。但透过主角沙米尔汗瞪得圆滚滚的大眼睛，这部喜剧却试图探讨历来被视为银幕禁忌的宗教问题。在影片中，这个被人称为醉鬼p.k.的外星人通过现代化的大众传媒，问了人类一个1517年马丁路德问过罗马教廷的问题：如果我们可以直接和神灵沟通，为什么要通过一些人间的中介呢？这个曾经掀起西欧宗教改革的问题同样在印度这个宗教盛行的国家引发争议。争议就是票房，这部影片在争议声中坐上了印度影史第一票房的宝座。

从叙事结构与视听风格上看，《我的个神啊》相对传统印度片并无太大突破。这种三幕高潮式的故事结构是符合人们欣赏天性的古老范式，再经过两段浪漫爱情的包装，配合饱满的色彩、到位地有些过头的配乐以及王宝强为全片强加的一层笑点，足以达到理想的娱乐效果。难能可贵的是影片主创团队具有让人在欢笑之余引发思考的立意高度与创作野心。虽然这只是真正意义上喜剧的创作常规，但被国内大银幕喜剧摧残已久的中国观众显然早已不敢奢求这一点。这也使得《我的个神啊》在国内公映的喜剧片中显得鹤立鸡群。

影片的成功很大程度源于话题选择的成功。外星人到访地球早已不是什么新鲜题材。新鲜的是这一次外星人来地球，不是来打架，不是来谈恋爱，而是像一个婴儿一样充满好奇地看这个世界。更新鲜的是他是来宗教这种人类文化最古老、最重要的组成部分的。由此，影片引出了一个极具现实性与争议性的问题，那就是在现代社会中宗教的价值与作用。

宗教，如同人类文化的其他组成部分一样，都是一种我们在漫长历史中自己编织出来的所谓的“想象的现实”。也就是说，我之所以相信神，很大程度上不是因为我真的相信神能帮助我办成什么事，解决什么困难，而是因为其他人，尤其是我周围的人都相信神。

如果一个涉世未深的小孩子走进一间神庙，那他的期许一定是神能给他糖吃，给他玩具玩。当他的愿望无法满足，他会产生和p.k.一样的问题。这时候他的长辈们就会开始给他讲故事，讲上帝七天创造万物，讲佛陀轮回转世，讲真主主宰宇宙万物……终于，即便没有被成功“洗脑”，也会耳濡目染，形成深受宗教传统影响的价值观念与行为方式。而p.k.的设定则是一个只会用脑电波交流的外星人，他们不会讲故事，因此也就不可能形成宗教观念。他与小孩子对宗教最初的期望是一致的，就是我花钱，你办事。而与小孩子不同的是，p.k.先在地球上经历了生命体验，再思考宗教信仰。而不是像大部分信徒一样，在儿童时期先接受了宗教信仰，再在宗教的指引下完成生命体验。

《我的个神啊》用一个本是两情相悦，应该收获幸福美满结局的爱情意外巧妙地批判了后一种宗教信仰的形成模式。在后一种模式下，宗教教条很容易在我们的生活中形成自我实现的预期（女主受宗教领袖影响以为男主逃婚差点错失一段良缘）。而大部分人包括影片的女主嘉谷却只能深陷其中无法自拔。p.k.从一个绝对抽离的视角，通过嬉笑怒骂使人们看清了这一切，并打破了嘉谷陷入的预言自我实现的圈套，从而实现了对宗教愚昧的有力批判。这样，在闭合叙事结构的同时，影片结尾达到了价值批判与情感抒发的双重叙事目的。这是本片对传统叙事模式的精妙运用。

宗教，或者更确切的说是不同宗教组织、宗教形式其实本质上是人们在社会活动中演化出来的秩序，是一种协调预期、提供激励的社会规范，也是一种分担风险，提供社会保障的社会组织。影片中p.k.对各种具体宗教仪式与宗教领袖的质疑，其实是大众媒体所代表的世俗社会对传统宗教仪式与宗教组织存在的质疑。

伴随着现代化过程，宗教无论作为一种促进合作的社会规范，还是一种分散风险的社会组织，其作用都已大大弱化了。我们现在有更多效率更高，更符合现代观念的制度、规范以及更强大的政府与非政府组织来约束人们的行为，为人们提供社会保障。臃肿、庞大的官僚化的宗教机构以及繁琐的宗教形式与现代社会显得格格不入。从这个意义上讲，p.k.就像是现代印度的马丁路德，他带领人们抛弃已经被时代淘汰的宗教教条，打碎已成为招摇撞骗的人造偶像，帮助人们找回信仰的初衷——对宇宙终极问题的思考与探索。作为一部娱乐性极强的影片，能够引发这种维度的争议与思考，无疑是值得票价与掌声的。

比较老牌（也可以说手法老套）类型片，叙事流畅、质感尚可。

约翰尼·德普 Johnny Depp这个时期确实该多演点“另类”大叔，很多乖戾的气质会自然作用于角色，但影片加成不大，奥斯卡影帝虽然现在处于前五战线，在我看来其实还是可提可不提的边缘。不过他人缘好，可观其后续进展。

配角亮点不多，喜欢的彼得·萨斯加德 Peter Sarsgaard戏份太少，朱诺·坦普尔 Juno Temple如今只能配些屌丝女实在可惜。

觉得很不舒服的：
方骏有多能说会道，就有多自卑。表现在稍微一有打击，他就不接电话。这同90后、00后们的“玩失踪”，又差得了多少呢？其实他们两个配不上，不是第一次。前面的那么多集都没看到要借时间，到了最后来了个借时间、“异地恋”，365天之内双方根本不联系。（想起了《新女婿时代》里面也有类似的桥段，不过那个更长，好像是3年？）别看两人在一起那么多的磕磕绊绊，分开了反而经受住了时间的考验，除了誓死捍卫忠贞不说，还借着思念的车轮，作为自己事业向上的动力。我并不是非要来个皆大欢喜的“大团圆”结局不可，只是觉得编剧们是为了不落俗套而不落俗套，反而让人心里感到腻歪得很。

觉得看懂了并欣赏的：
是片头曲有个精心刻画的镜头 -- 大画家、前任药剂师和现任经纪商在构图上组成了三角形，惟妙惟肖地表明了他们的关系。纠缠到了最后，终于各自都放开了。男的是经历了一次生死，年轻的女人是有了自己的孩子作为安全感，而年纪大的那个女人则是重新找了另一半作为归宿。

完全可以嗤之以鼻的设计：
北漂的草根们，不混成蚁族就要谢天谢地了，哪里还敢做在别墅里混吃、混住、还能认干妈的美梦呢？看来中国的电视剧就像中国人的体质一样，现实生活中缺什么，就要在梦境里补什么。这个干妈好得一塌糊涂，什么秘密都是她泄露的，从而极大地推动了剧情的发展。至于再次验证的“不是一家人、不进一家门”，那位梁大叔也不含糊，剃头不要钱不说，还兼心理咨询、指点迷津。这部戏里就没有一个多余的人。（所以导演汪俊还要身兼主演？）

认为无所谓的：
离婚后，都是男人对女人心存愧疚，所以都热心地为前妻们把关。前妻们对之毫不领情，但又摆脱不掉，情势如同水火。无论男女，只要是主角，都有备胎：方骏有严晓米，叶珊有ABC。配角呢，那就“一人一首成名曲”，一人搭配一个相爱的，不多不少。方依依和莫小康、严晓米和娘炮......里面的台词，文艺腔很浓，金句良言也多（有另文摘录）。

包含所有一切的生命可敬 温情的感动超出对现实的渴望 家庭为重是一直所表达的重要信息 向往般的生活越来越近只是心里都有说不出的激情 娓娓道出本身故事中带给你的惊喜 很反转一一讲述未知的小细节 重型暴力闪亮登场 一拨接一拨的恶势力全部浮出水面很有连锁效应 把每个环节接续的非常到位 每一次的重逢都像是最后的战场 而这一次是马路英雄 没有人比他（她）们更权威 这就是速度一半激情一半 合在一起就是一个整体.
速度与激情系列再次给影迷带来惊叹，本部驾车跳伞、莱肯超跑高空穿越两栋大楼，视效上的震撼。故事推进速度快，全程无拖沓。结尾See you again的旋律一起，致敬保罗沃克，让影迷满怀感动，不仅在多米尼克心中，在所有速激迷中，保罗永远是飞车家族的一员。

颜值养眼，演技过关，加分项 三人行，扣分项 先婚后恨，扣分项 没有逻辑，扣分项 只虐不甜，全剧0糖，扣分项 抄袭《如意芳菲》，扣分项 最后BE，扣分项 粗制滥造，鉴于是短剧，成本可以理解，不作扣分 前10集的欢乐愉快氛围，完全就是假象，只是为了把观众留下来，后面好虐你??  (展开)

20161016, s01e03, follow~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~

以事件发生在三个国家交界地来命名翻译是对影片最大的无知。 看懂了影片就明白冒险 犯罪 动作这些标签下实质还是Ben拿手的题材——中年危机。 行至事业，理想与家庭的交汇，迎面是过去，当下与未来在熔融， 每个老男孩难免这场断·舍·离的春秋大梦。 其实，人生哪有什么“不忘...  (展开)

       不同于那些我们经常看到的阳光热血的台湾电影，《念念》很潮湿，忽然的一个时刻心就像是浸在了水里，巨大的浪，深邃的海，充沛的雨水，探索着未知的美人鱼，那种刚刚好的冰冷和怅然宁静地湿润了时光。
       看罢电影，再来听刘若英的《念念》，忽然懂了。我想《念念》应该是个动静皆宜的词吧，故事里的人都一直念念不忘，同时又被执念纠缠。他们一直探索着出路，当他们与自己的过去和解，也终于获得了难能可贵的自由。
       《念念》充满了各种意象，贯穿始末。育美一直在画圈，暗沉的颜色处理彰显着压抑但又躁动的情感。美人鱼离开美人鱼宫去追随一道美丽的光的传说，把一个并不新颖的子女与父母羁绊的故事润泽得充满色彩和深度。电影里的每一个人都一直在寻找答案，他们充满不安和疑惑，我们见证着他们的彷徨和无助，每个人的心结都与他们的童年成长有关。终于，他们不再逃避，回望过去，这些离散的人和关系忽然有了联系，他们在挣扎中获得成长，而我们也感到释然。
       与现今大多只知道跟风贩卖粗制滥造的青春回忆的导演相比，张艾嘉脱离了自己可以信手拈来的类型，进行了更为深刻的探索，这种静下心来的思考非常珍贵。电影的观感非常独特，总觉得有些民族风情，而有些光影的处理非常有油画感，通透的海水，摇曳的烛光，昏暗的老街，古旧的食肆都成了表达最好的媒介。《念念》着眼于人物内心，自然会让一些沉下来的心觉得欣喜。
       故事的背景是绿岛，导演为电影加入了作家沈重这一个朦胧但是深刻的线索，虽然并不是浓墨重彩，但让电影变得不只是肤浅的个人小情绪，而多了些对于历史和社会的关注，电影顿时变得立体起来。他的作品《有罪》可以有几重解读，可以是他对于自己在绿岛岁月的思索，也或者是他对于育美母亲的歉疚。
       这样安静冷清的电影在燥热的当下尤为难能可贵，幸好依然有人喜欢。美人鱼的故事隐去了《海的女儿》里残酷的部分，那种对自由纯粹的追寻非常动人，这也是《念念》除却对亲情的表达外让我更为动容的部分。很多年前就很喜欢充满灵气的李心洁，现在的她依然在张艾嘉的电影里，但已经是努力摆脱命运的母亲，她有她的无奈和失望，但依然勇敢。据说电影里育美的画其实源自李心洁，忽然就觉得自然而然了。
       《念念》的宣传曲是《爱的代价》，那些在多年以后依然能够再次触动我的歌词与电影非常契合，多年后再次听张艾嘉的演绎，听到爱之广阔，也听到存在于世事无常里的一个安静小世界，《念念》几乎是具象化了的《爱的代价》。很多人说《念念》是那种很常见的台湾文艺片，但我依然能感受到它的与众不同，它需要你走进它来交换更多感受，这种需要思考才能获得的体验也更为宝贵。当然，这是我在电影院看到的第一部张艾嘉导演作品，自然会偏心一些。
       《念念》的票房和排期甚是惨淡，它的淡然淘汰了只渴望从电影中收获热闹的观众，但一旦接近它，你自然能感受到那份清凉，而这份清凉足以宁静这燥热夏天里的一刻时光。

这部电视剧还挺期待的，毕竟小清新的电视剧现在还真不多，尤其里面的拍摄场地我上个月班级旅行时刚去过厦大，所以感觉很亲切，里面的宿舍我感觉很好，是我联想到我自己的宿舍了，我就要实习了，不会再有机会住这种宿舍了，所以还挺怀念呢，里面的校园生活也是我所怀念的，最重要的是里面有小鲜肉尼坤，确实长得不错，好像是新人，演技还需提升啊，加油吧，很看好这部剧哦！

这篇影评可能有剧透 菜奈太让人生气了，嘴上说着相信翔太，实际上从头到尾都没相信过，最后发现是误会还强行挽尊，翔太也是舔狗一个，这个平行时空真是狗尾续貂啊。管理员的死和黑岛的死也莫名其妙，演技好的人镜头反而没几个。可能是因为拍惯了电视剧，拍电影就明显感觉功力不足，看着一半睡着了...  (展开)

自从皮克斯和梦工厂崛起后，迪士尼一直处于一种困境中。他们在努力找寻和其他Animation Studio相比，自己身上最独特的地方是什么，自己代表着什么。他们也比谁都清楚，没有创新就不会前进，但同时也不能丢掉自己的文化遗产。本片也算是真正做到了”keep moving forward”的承诺

其实和其他动画公司比，迪士尼动画最大的特点就是他们的音乐。每当观众想起那些经典的迪士尼动画的时候，音乐往往是他们第一个回忆起的元素。《小美人鱼的》”Part of Your World”，《美女与野兽》里动人的旋律，《狮子王》的”Circle of Life”，还有迪士尼公园里总在单曲循环的”A Whole New World”......往往是音乐让迪士尼动画有如此不朽的魔力。本片便是迪士尼又一次对音乐剧的拥抱。这也体现出了电影制作中的核心—合作。本片作曲家Robert Lopez和Kristen Anderson-Lopez(还竟然是夫妻)为本片创作的音乐可以说是令人印象深刻并且积极为电影叙事服务。开头短短三分钟的由“Do You Want to Build a Snowman”这首歌带领的montage干净利索的把Elsa和Anna从小到大的隔阂表现的淋漓精致，并且旋律令人心碎，节奏和情感把握的相当到位。很有《飞屋环游记》前十分钟的感觉。如果没有前期导演与作曲家的配合，这段剪辑是绝对不会如此有力。“Frozen”前身“Snow Queen”这个项目可算是历经坎坷。由于迪士尼当时的一个头头非常喜欢这个安徒生原版的童话，让这个项目立的很早，可是在故事上有很多挫折。原版故事中Snow Queen是个大反派，如果不改动的话就又会成为典型的女主为了救男主踏上一个旅程然后皆大欢喜归来，live happily ever after的片子，那和以前那些动画又有什么区别呢？这个项目后来被搁置，然后班底经过了大换血，换成了现在Chris Buck和Jennifer Lee带领的团队。（两位导演也是故事的创作者，但只有Jennifer Lee是编剧） 两位作曲家也是积极的与导演们沟通和创作音乐。有意思的是，本片的所有由配音演员唱的曲子都是夫妻俩人操刀的(他们是songwriter)，但是原声带(score)是另外一个人Chris Beck创作的。所以夫妻二人组也少了些压力，可以更加专心的创作有百老汇风格的歌曲。Chris Beck在自己的背景音乐加入了他们二人原创歌曲的一些旋律以保证整张专辑的连续性。比如说全片最结尾的音乐就是“Do You Want to Build a Snowman”的变奏版，这又体现了合作

Frozen豪华版原声带中的第二张碟收录了两位作曲家为本片创作但最终没有被采纳的曲子，我们也可以能从中瞥见这个故事在设计过程中是经历了多少的变动。这些被剪掉的“原型”曲子都是在两位作曲家自己家里录的，声音是他们自己的声音和他们孩子的声音。（由于他们小闺女的声音太萌了于是在最终版"Do You Want to Build a Snowman"中为童年Anna配音的就是他们的小闺女Katie）

他们写了一首关于Anna刚出生和Elsa一起表达自己怎么叛逆的曲子，

一首关于预言的曲子（最终的片子可是啥预言都没有），

一首关于Heir和Spare的曲子（有一版故事中将两姐妹关系重点放在Elsa是皇位继承人而Anna只是一个被忽视的备胎上。这首歌是Anna的独白，说自己不仅仅是一个备胎，有自己的价值。最终的故事没有把重心放在这个关系上，但Elsa仍然还是皇位继承人。Anna是备胎这个信息在最终版中没有被突出，但是从这首被剪掉的歌中我们确实可以更好的理解Anna这个人物），

一首Anna和Hans的爱情歌（最终的曲子完全不是这个调子），

一首Elsa和Anna的曲子（由于冲突，Elsa主动把Anna的心冻上。最终版中这只是个意外），

另外一首Elsa和Anna的曲子（Elsa在监狱里，Anna开始慢慢被冻死，这个时候两个人才开始慢慢的理解对方。当然最终版也不是这个样子的）

总而言之，从这些没有采用的曲子中我非常欣慰的看到两位导演在积极的和作曲家合作，让音乐成为叙事的一部分，而不是在一切都决定好以后再”通知“他们二位去写几首歌。事实上，“Do You Want to Build a Snowman”这首我认为是全片最催泪的曲子在一开始是没有被采用的。但是在试映给员工以后他们强烈要求留下这首曲子，连约翰拉赛特都说”我脑子里全是这首歌，我开车的时候都还在哼哼。” 后来这首歌也被留下，被制作成如此出色的一段montage。我完全无法想象本片没有这段的样子。所以作曲家也能成为叙事成分中的重要一员，这一首曲子由于广受喜爱，甚至改变了原先的叙事。这也是很欣慰的一件事，因为这体现了电影制作的核心：合作。导演不是独裁者，他们没有守着已经定好的创意一点变化不许有，而是积极的与其他艺术家合作，经常改变和尝试以达到更好的效果。估计这也是本片音乐为何能如此出色的达到叙事效果，而不是为了唱而唱。事实上，“Let It Go”是全片第一首确定的歌，也正是这首歌让导演们意识到，Elsa不是邪恶的反派，她只是一个压抑的青少年，因此他们也决定放弃反派这个设定。导演Chris Buck一开始向迪士尼老总们pitch故事的时候影片名是“Anna and the Snow Queen”，Elsa还是反派。因为这首歌和约翰拉赛特的缘故，导演们打算把俩人变成姐妹关系，这样观众才会开始关心他们，然后所有问题都迎刃而解。估计没有一部迪士尼动画中songwriter会如此紧密的参与故事创作过程。金球奖的获奖感言里两位导演也都特别感谢了夫妻二人组，更体现了他们对整个故事的贡献

其实在动画片里用大量人声演唱的音乐也是双刃剑，因为会对国际市场有影响。我觉得当初之所以“Tangled”《魔发奇缘》没在大陆引进就是因为里面英文歌太多了，孩子们伤不起。去年的《无敌破坏王》绝对是看中文配音版的孩子们更多，因为好多小朋友还认不得字幕呢，你说再加上英文歌，然后就损失了好多儿童观众群，损失了孩子就损失了更多的陪他们的家长的票钱；就算引进字幕版，唱歌的时候大家都忙着看字幕了，对画面观赏绝对是有影响的。就想象Elsa建城堡那一幕，如果有字幕的干扰，观众是不会对画面百分之百集中注意力的。如果集中注意力看画面却又忽视了Elsa歌词里放开羁绊释放自我的信息，那又会缺点意思；除此之外，歌词一开始的韵律都是英文，翻译成别的语言真不见得还有原先的味道。本片的歌词还有叙事的作用，你要是为了韵律但翻译错了不行，意思翻译对了搞不齐韵律就没了。举例："Let it go, let it go, can't hold it back anymore; Let it go, let it go, turn away and slam that door." 你看anymore和door押韵，所以唱起来很有感觉，如果翻译成中文会成什么样子......《悲惨世界》去年在中国上映了，不管获了多少奥斯卡提名，在大陆的票房不是那么理想，很大程度上就是这个语言的问题。《悲惨世界》比《Frozen》可能还更严重点，恨不得全片都在唱歌，所有的剧情交代，情感宣泄，人物描写统统都需要通过音乐歌唱来表现。海瑟薇的那首歌你只听旋律也就是优美悲伤而已，只有和歌词结合才能变成对命运的呐喊，对生命的绝望。但是在大家都忙着读字幕，弄懂你唱的是啥意思的时候就会有个delay，造成脱离感，把音乐的力量削弱了。这也是没办法的事，每种语言都有自己的独特性，就像我们可以把古诗词翻译成英文，但是那种意蕴是根本无法翻译的

Elsa在“Let It Go”这首曲子中用自己魔力建造起冰城堡的montage也是非常令人惊艳，这也是一个音乐和画面无缝衔接，各自给对方锦上添花的体现。迪士尼把这部电影改变成百老汇音乐剧的野心也是可见一斑，一是作曲家Robert是托尼奖的获得者（The Book of Mormon），二是Elsa的配音演员Idina Menzel本来就是百老汇火很多年的“Wicked”中Elphaba的扮演者，她自己也因为对这个角色的出色表演获得了托尼奖。所以估计改编成音乐剧也不是什么难事。据说迪士尼已经开启《冰雪》的音乐剧版的制作了，不过是不同的班底。百老汇版的《阿拉丁》今年也要演出了，不知道怎么样呢

两位作曲家对于频率配合的掌握也真是很棒，让音乐嵌进人声。如果各位只听“For the first time in forever”的卡拉ok伴奏的话，会发现基本上没有和人声旋律相似的旋律，这就意味着不会重合，不会相互抵消。Kristen Bell的声音频率很高，如果背景音乐频率也高两者就会相冲，对于乐器的选择也很重要。虽然是个正常的作曲家都知道这个法则，但是这个合起来最终的成品令人满意。“Let it go” 也是。据说夫妻二人写歌的时候是专门为Idina写的，脑子里有她的声音，因此最后成品的频率配合也很出色，感觉也有点像同是Idina演唱Wicked中的“Defying Gravity”这首歌。很多编剧写剧本里某个人物的时候，会把某个演员（比方说皮特）想象成这个角色再写对话。就算最后没有cast皮特，也可以让自己写的角色有独特的voice。不过对于音乐而言，专门为某个演员的声线写歌也确实可以让最后的配合很和谐。点赞

不管怎样，迪士尼这次真的是守住了自己的音乐遗产，为本片增加了不少情感维度。我想他们也清楚和竞争对手的动画相比，自己的音乐是最大的优势吧

*据说现在本片的原声带专辑已经排到了Billboard第一了。史上进前十的动画电影原声带中迪士尼占了六部，分别是《阿拉丁》(No. 6 in 1993)，《狮子王》(No. 1 in 1994)，《风中奇缘》(No. 1 in 1995)，《泰山》 (No. 5)，《汽车总动员》(No. 6 in 2006)。非常凶猛啊

配音演员的演出也十分出色，Anna的配音演员Kristen Bell将Anna那种有点大大咧咧，又囧又害羞的特质表现的淋漓尽致，完全和角色融于一体。Elsa配音演员那出色的唱功必定会让“Let It Go”这首歌成为High School Musical这种场合下的炫技神曲。提到动画片的配音，我又要说几句。本片的cast是：Kristen Bell, Idina Menzel, Jonathan Groff, Josh Gad, Santino Fontana。各位认出了几个人名？估计相对最有名的就是Kristen Bell了吧。我们再对比一下Rio(蓝天工作室)的cast: Jesse Eisenberg, Anne Hathaway, Jamie Fox, Leslie Mann。各位认出几个？肯定比一个多吧。梦工厂就更别提了，每部绝对都有几个超级大腕的电影明星。梦工厂CEO是从迪士尼愤愤出走的，想打败迪士尼，因此在建立初期desperately要吸引观众，认为有明星演员作为配音演员可以吸引更多成年人观众，有更多的话题。这也似乎成为了每一部梦工厂动画的特色。皮特，朱莉，威尔史密斯，成龙，凯奇......但事实上，配音这件事和拍电影是非常不同的。拍电影是片段性，讲究live in the moment，所以电影演员习惯的工作状态是拍一条，休息一会，溜达溜达，剧组人员准备好以后再拍下一个。而配音要在一个封闭狭窄的录音室一路录到底。很多电影演员根本受不了，经常要过一会就出来溜达溜达。再加上动画片配音经常同样一句话要用不同语气不同强调点录很多次，所以也是一件非常辛苦的事，同时也很需要技巧。比方说你和麦克风该保持怎样的距离，你该怎样对着麦克风说话，你怎样用身体的不同发声部位等等。仅仅是因为你是出名的演员并不代表你在配音上就很优秀。比方说本片中Olaf的配音演员Josh Gad在配音领域就小有名气，但是人家整体的名气肯定比不上皮特，可是他作为一个配音演员技巧上说不定比皮特好很多，还省钱很多......使用名人演员的另外一个弊端就是让人出戏。我看过中文配音版的《无敌破坏王》，谢娜其实配的挺用心的，但是由于声音辨识度太高再加上偶尔的东北味总是让我穿越到快乐大本营，完全毁掉我的观影体验(不过幸好先看过英文版)。用一个没有太多名气的配音演员其实还可以让声音和角色更好的融合，让观众忘掉角色背后的明星，而集中在故事上。所以从选角上可以看出迪士尼的那股绅士劲，只选最合适的(很多本片演员都有百老汇演唱经历)，而不是最大牌的。 和梦工厂这种花大价钱请大牌电影演员的土豪不一样。 Kristen Bell被选上也是因为她给导演寄了自己唱“Part of Your Wold”的带子，让导演很有信心，所以才选了她，不仅仅是因为她的名气。或许明星可以给片子带来短期的话题效应，但是真正最后靠的还是故事。

回到本片的故事本身，虽然和所有迪士尼影片一样，爱是解决一切问题的方法，但是角度已然不同了，不是靠男主亲女主这种“真爱之吻”的狗血剧情，而是亲情。其实爱情这种东西不是理性的，而你想要令人信服的在一个半小时说出为什么男女主相爱，而且爱的那么深其实是很难的一件事。尤其是动画片，所以它们很少会探讨爱情背后的理性(俩人为什么相爱，为什么爱的这么深)，而是直接就让俩人爱上了，也不用多解释什么，所以就会很陈词滥调。本片妙的地方就是从片子开始就是从姐妹情入手，从俩人的亲近到隔阂再到敞开心扉的团聚，这种姐妹情一直贯穿到结尾，我们都可以看出俩人对对方深深的爱。Elsa为了保护Anna而让自己受尽感情折磨，Anna也是从头到尾对自己的姐姐不离不弃，一直到后面的牺牲自己，一切都显得合情合理，没有往常童话中两个没爱多久的人就为对方死的那种“不合理性”。毕竟，爱自己家庭的那种爱要比爱一个陌生人的爱根基更牢固。这种新颖的角度也让这部看似很公主很迪士尼的片子脱离了公主的俗气，有了独特的味道，也是一种敢于革新的勇气。

故事上其实还有很多隐喻和女权主义色彩。姐妹俩人的隔阂和他们父母对问题的处理方式也有很大的关系。童年的Elsa在差点用魔法杀掉自己的妹妹之后，“爱”她的父母把她关了禁闭，让她把自己特殊的一面隐藏起来，”conceal, don’t feel, don’t let them know”，这难道没有在隐射同性恋群体吗？同时也在影射女性在社会中被强迫着适应某种准则。而Elsa父母这种处理方式的后果就是Elsa常年处于恐惧和自我怀疑中，这种恐惧也是后来一切事件的导火索。纸终究是包不住火的。我也很喜欢Elsa的设定，她不是邪恶的反派，在不小心流露魔法后她逃到了荒郊野岭为了不伤害人，她的种种经历也让她成为全片观众最同情的人物。影片名“Frozen”也因此达到双关，同时指代Elsa魔法导致的冰冻，也代表了Elsa和Anna姐妹两人从小到大一直被冻住的这段姐妹情。

好像一提到“女权主义”就会有很多人表示反感，这并不是倡导女性比男性强，而是在提倡女性和男性平等。比方说结婚生孩子后，女性往往会“自动”辞掉工作留在家专职照顾孩子（美国这种现象仍然非常普遍）。女性也应该有追求自己理想的权利，有勇气独立自主，有能力掌握自己的命运。这是女权主义倡导的。从迪士尼的公主史也可以看出女权主义发展的缩影。最初期的公主比如白雪公主和睡美人，都好像在倡导“快去森林里瞎溜达这样你可以艳遇高富帅王子然后幸福的生活在一起”。她们的命运不是自己的，是要靠男人拯救的，婚姻是她们的归属。小美人鱼可能是第一个迪士尼现代女性，开始离经叛道。她父亲的苛刻要求也是社会准则压抑的缩影，但是她不妥协，硬是要打破常规，但是仍然有局限。比如说和反派在高潮的决斗中很少是由这些公主亲自打败反派的（花木兰除外，不过反正人家也不是公主）。在好莱坞传统的三段式剧本结构中，最后的高潮永远是要涉及主人公和反派的最终大战。迪士尼的高潮设计总是有点避重就轻，为了获得圆满结局而让高潮很奇怪。比方说《小美人鱼》中巫婆是被王子的船撞死的，《美女与野兽》反派是自己摔死的，《魔发奇缘》中女反派也是自己摔死的，都和女主角没关系。电影的高潮在理论上是用来体现主人公为自己目标做出的最后的牺牲和奋斗，但是这些公主片都没有体现这点，而是为了创造一个反派被打败的高潮而创作，而不是为了体现主人公的挣扎与付出。这些公主也许有自己的想法，有渴望自由的欲望，但是总是要有外界的刺激才能做出行动。小美人鱼一直向往人类生活，但只有花痴上王子并和父亲大吵一架才有变成人类的决心；长发公主一直想看孔明灯，但只有一个熟悉外界的盗贼送上门才能给了她离开家的勇气。她们有自己的目标，但她们并不是在一直为自己的目标努力，也没有付出太多代价。这是这些公主的不足之处。她们有女权主义的苗子，但是她们仍然还需要外界引导。而《冰雪奇缘》女主安娜可以说目标非常明确并且一直在努力。与其说她的目标是找到真爱，不如说是想修复和姐姐的这段感情。安娜一直是主动的，一直在为自己的目标努力。姐姐出事，安娜自己一个人鼓起勇气只身前往；姐姐赶她走，她硬要留下来作伴；姐姐要被杀，她奋不顾身去救。从剧本创作的角度来说，安娜是一个高度统一的角色，她的目标很清楚，她也一直为目标付出汗水和代价，因此观众和她很有感情投射。电影最忌讳有一个被动的主角，因为如果主人公自己都不在乎目标，我们又为什么要在乎呢？本片也拥有迪士尼动画近些年最出彩的高潮。不仅是主人公自己战胜了反派，而且高度体现了女主为了达成目标而愿意做出的牺牲。电影是门视觉艺术，这意味着不是主人公内心的感情定义他们，而是他们的行动。如果不是本片高潮引出的行动，我们不知道安娜为了理想愿意付出多少代价。她牺牲了爱情，牺牲了自己的生命，就是为了达到自己的目标。没有人强迫她，没有人引导她，最后的选择都是她自己决定的， 这多么有力量，这才叫彻底的女权。For the first time in forever，迪士尼公主不需要王子拯救了。虽然最后免不了俗一定要成一对吧，但是安娜最终是和一个与自己相处时间最长的男人结婚，而不是嫁给一见钟情的高富帅，这也算给观看的小朋友和大朋友们建立了正确的爱情观吧：要选那个和你风雨同舟的男人


最棒的地方是安娜自己救了自己！！我觉得不是姐姐眼泪哭醒的好不好！(当然每个人理解不同)。这片子为什么伟大，因为女主自己救了自己，act of true love(选择救姐姐牺牲自己)是安娜自己完成的，不是靠外人，不是被动的靠别人的真爱之吻，是自己！自己救赎了自己！所以不落俗！公主不需要王子来拯救！公主不需要男人来拯救！公主反正就是不需要别人来拯救！所以我一直觉得和姐姐眼泪毛关系都没有。虽然姐姐眼泪肯定也属于act of true love，可是总有因才有果吧？为什么哭？女王殿下哭也是因为发现安娜决定牺牲自己，所以还是安娜自己的act of true love救自己在先，女王流泪在后。女王殿下全剧虽然可怜，我们都很同情她，但她确实是最被动的一个主角，总是外界在启发她，总是外界在强迫她行动，而不是像安娜那样一直主动。要不是不小心派对流露魔法，她肯定还是会一直忍着。Let it go也是因为“哎呀不小心被你们发现了算了反正也没必要再藏了”，而不是因为“老娘不想隐藏了所以你们这群sucker都给老娘吃shi吧”而主动流露魔法来let it go。看出区别了吗？我不认为这是坏事，有时候顾虑多就是因为太在乎，爱的太深，所以不愿意伤害，更何况她还有国家责任在身，我们也因此同情女王，但是这改变不了她还是比较被动这一事实。跑题了。肯定有人会和我争安娜到底是谁救的，但是我反正就这么认为的。一千个人心中一千个哈姆雷特吧。

关于所谓的“过度解读”问题，我觉得不是问题，因为观众才是电影的final author(忘了谁说的了反正说的挺有道理的)。也许制作者的意图不一样，那也不碍事。

为动画添加故事性和电影感说起来还真的是迪士尼首创（1937年的《白雪公主》）。白雪公主这片子当年作为动画为什么惊艳了那么多人，不仅仅是因为有色彩有声音，而是因为头一次动画开始向电影靠近，可以很明显看出迪士尼有专门的故事团队来准备故事，而且动画中很多地方模仿电影镜头，会跟着人物移动。以往还处于手绘时期的动画中，动画师往往是在一个固定的已经画好的背景里让人物动，所以那时期的动画更像舞台剧而不是电影，因为布景也动你就可以想象工作量了。我记得很清楚在白雪公主里面老巫婆雨中在森林里逃跑那场戏，你可以很清楚的看到雨和背景里的森林是有互动的，树被雨影响而不是傻不愣登的仅仅做背景，这在当时真的是很惊人的细节。《冰雪》中迪士尼花了那么多精力研发一个真实呈现背景雪的系统也体现了他们对这些细节的重视

现在所有电影在pre-production的时候基本都会有故事板。以前拍电影的时候一般只是整理出一个shot list，就是今天要拍多少个镜头，但是没有那么直观。有预算的电影基本都会把shot list转化为故事板，这样和DP(director of photography)还有其他团队交流的时候非常方便。猜猜故事板最开始谁发明的？bingo！当然是人家迪士尼啦。现在的导演拍摄前都先会把剧本分成各种beat，然后再决定用哪些shot。故事板的引入真的可以说是革新了电影pre-production的过程，要不怎么说华特迪士尼老人家真的是一个很有vision的人呢。迪士尼在上世纪七八十年代陷入一个低谷，就是因为1966年Walt Disney的去世，导致整个公司就没有了方向。动画片是由各种动画师(animator)制作的，虽然迪士尼死后优秀的动画师不缺，但是动画电影的那种叙事性和电影性没有人能向他本人一样精通。所以迪士尼Animation Studio挣扎了很久，直到八十年代末由《小美人鱼》等片开始了我们熟知的包含《阿拉丁》《美女与野兽》等经典老片的迪士尼文艺复兴时期，这也标志着迪士尼开始走出阴影，开启新模式，也获得了不少的成功。结果步入二十一世纪开始有皮克斯这种用电脑制作动画的studio搅局了(准确说1995年的《玩具总动员》就开始搅局了，也是当时惊艳了多少观众)，人家也很成功，所以迪士尼好不容易整出来的文艺复兴也没持续多久。在这个科技发展如此迅速的时代，很多animator没有跟上时代，还执着于手绘(虽然我觉得这体现了人家的情怀)，但也很迷茫。从这个角度来说，虽然《冰雪》是电脑制作的，但真的也是一部非常怀旧的片子，因为你可以从它身上看出很多迪士尼文艺复兴时期的影子，精致的造型，流畅的歌舞，还有我们的童年（擦，不小心暴露年龄了）。《魔发奇缘》是迪士尼Animation Studio第一部完全用电脑制作的动画，标志着开始拥抱新科技了，但是仍然可以看出迪士尼对经典绘画的执着，因为tangled全片都有一种油画质感，好像是电脑和手绘的一个过渡阶段。《冰雪》可以看出迪士尼开始完全发挥电脑动画的各种优势了，在技术上也算是进步吧，但是我总觉得Anna的那个油画室影射了迪士尼动画师们对传统手绘动画的眷恋和不舍，盯着Anna这个3D人物和墙上2D的油画互动，看的我那叫一个心酸，不知道以后的动画会是什么样子。宫崎骏如果不是手绘，他的作品会失去多少质感。科技还会给我们带来什么改变呢？硬守护着传统到底是执着还是顽固呢？ #想太多 #闲的没事瞎感伤 #我应该找点事干因为这影评写的太长了但是我停不下来

节奏上前半段堪称完美，一直到Elsa用魔法建造冰城堡， 非常紧凑 ，一点也不拖泥带水。但是从那里以后就好像是两个人写的剧本，一个人写的前半段，一个人写的后半段。不过这和本片大部分的有人声演唱的音乐集中在前一部分很有关系（9首歌里用了6首）。鉴于这个项目中途的那么多变故，这种节奏的紊乱也不是很奇怪。如果后半段没有反派的揭露，真的会有点拖沓和无聊。但是雪人Olaf身上满满的笑点很好的调节了气氛，也算是弥补了不足吧

反派被揭露的那一刻虽然我很震惊，但是有一刻觉得好俗，因为迪士尼最近这个伎俩用的太多了。离我们最近的是同是Jennifer Lee编剧的《无敌破坏王》 ，反派是一个貌似是好人的人；《玩具总动员3》里的那只熊一开始也貌似是好人；《赛车总动员2》里的那个爵士也是一开始貌似是好人......所以纵然我觉得这个设定不错但是还是有点觉得，咋又是一个好人是反派呢？我觉得迪士尼一是用这个超大的reversal来弥补后半段微缓慢的节奏，二是为了照顾成人观众。很多成年人被拽进电影院纯粹是为了陪孩子，并不代表他们多喜欢动画片。想要让他们也认可故事，用这个方法也是不错的选择

视觉上非常惊艳。作为一部用电脑制作的动画片，可以如此真实的完成对冰雪质感的重塑真是很不容易。剧组的人员去过挪威，看那里的地形和习俗，借鉴了不少（比如说舞会上人是怎么跳舞的，舞会音乐是什么样的，服装是什么样的）使用在影片中；他们也住过那个全球很著名的全是冰做的旅馆，就是为了观察在那种情况下冰会是怎样的质感，光会怎样反射的。这个经历对后来建造Elsa的冰城堡很有帮助；他们还特意研究雪在人踩过以后会是怎样的反应。有一个剧组女成员还特意穿上17世纪的蓬蓬裙在雪里走，为后来Anna穿着裙子在雪里走提供了很好的素材；Elsa的魔法效果也是花了不少时间用很复杂的电脑软件完成的，保证颗粒，亮度，还有那种美丽的小漩涡效果能很好的配合；最有意思的是为了绘制那个抢镜的驯鹿Sven，剧组真的在工作室里整来一只驯鹿供画家们取材。动画片向来以制作周期长著称。从幕后这些小故事来看迪士尼真的是花了不少心血让这个冰雪世界既真实又浪漫美丽。最后的呈现效果上来看也确实很惊艳

还有一些小细节可以看出整个团队的用心，那就是冰雪的状态是和Elsa的情绪紧密相关的。在开头知道自己父母去世以后，Elsa房间里的雪是固定在空中的，不是动的。然后在结尾Elsa知道自己妹妹死掉的消息后，风暴瞬间停息，所有雪花不再飘动而是定在空中，和开头的一样。所以我们知道在Elsa极度悲痛的时候雪花会定住；在Elsa不小心误伤了Anna之后，如果仔细观察，她的城堡是在慢慢融化的，估计这是因为她内疚了，甚至有一刻城堡都有点泛红色。然后她不停的告诉自己”don’t feel, don’t feel”，然后城堡就停止融化，又渐渐的长回去了，但是结出来的冰柱更尖锐更可怕了；在监狱的时候，墙上的冰随着Elsa每一次的挣扎而变多......所以这些细节都可以看出整个团队认真的态度。他们知道特效不是为了炫技，而是为了叙事

去年的《无敌破坏王》让人们觉得这是一部非常不迪士尼的片子，而《冰雪》会是一部很不迪士尼却又非常迪士尼的片子。这都是归功于本片对迪士尼文化的继承与革新。

说了这么多废话，归根到底，这也是一部很棒的娱乐片啊

P.S. 为感谢有耐心读完本篇影评的童鞋们，请点这个链接来看本片的另外一个彩蛋：长发公主和她老公的客串 http://movie.douban.com/photos/photo/2162219188/ 一开始是从迪士尼的facebook主页和tumblr发布的

P.P.S 再附赠几个我觉得有意思的相关视频链接

1. 幕后花絮（包含演员配音+动画制作+配乐录制）
 http://v.youku.com/v_show/id_XNjY1MDk0OTg4.html

2. 幕后科技 A Material Point Method For Snow Simulation
http://v.youku.com/v_show/id_XNjcxNTUzNzk2.html
迪士尼为了模拟真的雪专门开发了一套系统和算法。有兴趣的同学可以看看这个系统是怎样模拟雪的。英文

3.蓝光版特别收录的"The Making Of Frozen"
http://v.youku.com/v_show/id_XNjc3OTAxNzY0.html
音乐剧形式，三位主演再展歌喉，揭露幕后制作

4. 删节镜头 Meet Kristoff 1
http://v.youku.com/v_show/id_XNjc3OTA2MzU2.html
是故事板的形式，描述了另外一种Anna第一次见Kristoff的情形

5.删节镜头 Meet Kristoff 2
http://v.youku.com/v_show/id_XNjc3OTAyNDk2.html
展示Kristoff爬山技巧。最后附赠卖萌的Sven

6.删节镜头 The Dressing Room
http://v.youku.com/v_show/id_XNjc3OTA1NzY4.html
同样是故事板形式，发生在加冕典礼之前

7. 删节镜头 Never Underestimate The Power Of Elsa
http://v.youku.com/v_show/id_XNjc3OTAzMTg4.html
喜欢Elsa的亲就别点开这个视频了，有点毁三观，描述Elsa还是反派时的样子

*更新：普通话版Let it go被翻译成“随它吧”，姚贝娜演唱。唱功和声音还行，但是翻译有点不忍直视（还是不忍直听？），估计是因为自己先看的原版先入为主了，感觉比不上Idina那独特的嗓音（谁让人家是唱百老汇出来的）。让我比较失望的是这首歌应该不仅仅是歌，还承担着叙事功能，揭露了Elsa的心路历程和改变。现在的普通话版歌词感觉是为了翻译而翻译，缺少了一种力量。不过翻译这件事本来就是仁者见仁，智者见智，自己觉得翻译的意思到了就okay了；粤语版这首歌的翻译是“冰心锁”（赞！），歌词很有文言文的感觉（再赞！），比普通话版歌词翻译的不知好多少倍，但是仍然怪怪的（因为现代人谁闲的没事说那么多文言文的话，影响叙事）

不过Idina版let it go是电影正剧版，Demi是更现代一点的MV重新演绎版，真不能说哪个更好，只能说是不同风格和不同受众群。《美女与野兽》不也有一个席琳迪翁唱的重新演绎版嘛。Youtube上关于原版还是Demi版谁更好都吵爆了，有点上升到人身攻击了(Demi因为毒品问题去过rehab)。真的不至于，两种歌目的不同。所以对于姚贝娜这版还是不用那么在意，反正是为了宣传推广和本地化嘛。个人感觉有能力和机会的同学还是尽量看原版吧。毕竟口型神马的感觉最自然，何况人作曲家专门为Idina写的。而且语言这个东西，如果能理解，就不要在翻译中失去点感觉了嘛。如果把《茉莉花》翻译成英文唱，估计也是坑爹的赶脚

*新消息确认Idina阿姨会在今年的奥斯卡颁奖典礼上演唱"Let It Go"。赞一个

--------------------------------吐槽分界线，请选择观看----------------------------------

1. “Love Is An Open Door”有点像High School Musical用剩下的歌，在高潮部分很奇怪，估计是因为给Hans配音的Santino本来就是在百老汇唱男高音的，加上他的声音频率基本上和女孩子在同一个区间，因此本首歌在高潮部分俩人合唱DOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOR的时候真是好诡异，应该找一个频率低一点的男声

2. 为什么Jonathan Groff那首歌只有五十秒！！！五十秒！！这是歌吗！！！白白浪费了他这么好的嗓子！！！看人家在Glee里面唱的多惊艳！！我怨念了啊！！！而且iTunes里这么个五十秒的歌也收费1.29美元，和其他正常长度的歌一个价钱，想啥呢！！坑爹啊！！！摔！！
*好消息是，2月25号开始发售的digital HD版和3月18号开始发行的蓝光版中会收录一个叫"The Making of Frozen"的幕后花絮特辑，Jonathan童鞋会在里面演唱新的歌曲，《歌舞青春》导演执导。好期待！

3. 美国人就这么喜欢狗吗？？？？为什么驯鹿和狗一样！！！瞬间穿越到《Tangled》里面那只抢戏的马上！！！那只马喜欢吃苹果所以咱就换吃胡萝卜了吗？？完全没区别啊！！！让你坐就坐还甩尾巴咱有驯鹿的尊严没有！！！

4. 为什么女主们和长发公主长的基本一样？？？咱就这么懒连脸型都懒得换吗？？没上映以前我以为本片是冬天版的长发公主！！！摔！！

5. 长发公主就是一大堆金发里有一撮褐色的头发，所以咱安娜就变成一大堆橘色头发里一撮白发吗？？？为什么老是要有一撮奇怪的头发？？？我喜欢你这个设定，视觉上也挺有意思，但要体现受伤为啥一定要和头发过不去？？？编剧你是不是童年有阴影所以怨恨长发飘飘的女性？？我们高贵冷艳的女王陛下是不是因为体寒所以白发吗？？自己俩闺女头发颜色都和自己的不一样，国王陛下生前咋不怀疑到底是不是自己亲生的啊？？

6. 配色太于正了！！！于妈电视剧里总爱用各种高对比度的颜色做戏服，本片戏服一出来我就穿越到于妈的电视剧里了！！！看女王殿下披风的颜色！！还有安娜披风的颜色！！还有舞会里所有裙子的颜色！！！就是于正的感觉有木有！！！出戏啊！！

7. 一群大人带一个小孩去凿冰，就一个小孩啊！！！不见了也不找吗！！！然后就顺理成章被石头们收养了？？？你特么在逗我？？？是不是因为你们着急唱歌把孩子都忘了？？？这就是为什么工作时别瞎唱歌！！！

*底下评论的补充：“那些凿冰人貌似一开始就没带他，人家都是坐大车走，他自己拉个小木板在后面屁颠屁颠跟着。估计从小就无父无母在野外生存吧”

8. 女王殿下咱换装以后那裙子为什么衩开的那么高？？？咱不是朱莉啊！！！走路还一扭一扭的！！！瞬间时装秀了吗？？？而且冰做的裙子为什么不化呢？？？而且咱是怎么让发型瞬间变得如此之快如此之好的？？？咱高端大气的眼影难道也是冰做的吗？？？

9. 安娜冻成冰后为啥还能喘口气？？？我后面的一群倒霉孩子都笑了！！！瞬间不悲伤了！！让我出戏啊！！怨念啊！！

10. 和《魔发奇缘》一样，为什么女主这么话唠！！！恨不得一直在说！！想要体现人家主动也用不着这么话唠吧？？时间久了真有点烦了！！迪士尼咱稍微换个风格shi不了！！

就这些了


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每天，我们的头脑都会冒出一些不受我们思维控制的东西，或一个念头、或一点遐想、或一段回忆。如此，埋在记忆深处的一部电影忽然浮了上来，我想写写它，写写这部不止被我的记忆、也同样被大众视线和宣传媒体遗忘的电影。

这部影片名叫《闺阁情怨》，又名《花轿泪》。中法合拍影片，根据法籍华裔钢琴家周勤丽自传小说改编，法方导演是世界著名导演杰克·霍夫曼，中方导演是国内著名的先锋才女張暖忻，主演姜文、秦怡、屠怀青等。遗憾的是，由于这部影片由英文拍成，中文版不是姜文本人配音，一向坚持声音为表演不可或缺组成部分的姜文，因此不承认这是他的作品。

这部电影大约在我上大二的时候在国内公映，正是电影在中国最萧条低落的时期，没多少人还买票进电影院看电影（全改买票进录像厅看电影了）。可以想象，哪怕有我这般的“老顽固”帮衬，电影的票房也惨不忍睹，很快就下片了。也因此，后来我曾跟许多人提到这部电影，一起从那个年代走来，竟没什么人知道，除了我一个当时在安徽上学的中学好友。她知道也因为此片根据我向她推荐的原著改编，电影上映前一年，我碰巧在图书馆翻到一本《花轿泪》，看过之后写信向我这位好友推荐，我们在信中讨论小说情节，也交换关于小说即将被改编成电影搬上银幕的信息。记得电影将通篇采用英文对白的消息当时还很具“轰动效应”，无形中提高了选演员的门槛和难度。那时候咱中国演员还没“走向世界”，小章正经连中文都还牙牙学语，更没机会开口拽两句被人嘲笑的English，奋发图强学英语杀往好莱坞的宏愿人们闻所未闻。此片因此遇到瓶颈，沉寂了一段时间。

新学年开始的时候，就听说女主角找到了，不是专业演员，而是复旦大学外语系一名普通的女大学生。这消息在当时可真有点开创性，普通女大学生也能被选去演电影，而且是国际“大”制作，真够叫人艳羡的！别看我外表谦虚，内心也有那么丁点儿稍一露头就被赶紧掐灭的虚荣心，事隔多年，我要老实交代，主动向组织交心：有那么一瞬，持续时间不超过五秒（但也足够毁掉我一世“英名”），我对自己为什么高考英文不再多考几分，高考志愿不填外语系，最好还是复旦的，后悔万分。

题外话不多谈，说回到电影。等待的时间不算长，那时候没有互联网，一星半点不受人关注的消息好不容易被我们捕捉，可能早成了旧闻，我的心还在为一个跟自己同样的女大学生从天上掉下来的好运气澎湃不已，那边电影已经拍成了。第一时间，我赶到空空如也的电影院观看，出来的时候，心情激动。为什么只用“激动”这么简陋的词来形容我当时的心情呢，因为说实话，这激动有点“没见过世面、少见多怪”的意思。我曾为许多电影而“心情激动”，有些是出自灵魂的本能，有些是源于年龄的虚妄，《闺阁情怨》给我的激动就属于后者。

那时候做一名电影爱好者也真难：没有五花八门的电影书籍来理论武装；没有包罗万有的盗版市场来自学成才，黑暗中独自的摸索漫无边际，常令人绝望。所以，要原谅我们当时的沾沾自喜；要原谅我们时不时看走了眼；要面对资深人士嘴角的轻蔑而对自己当年心中的赞叹保持镇定。

其实也没那么糟糕，上映时被冠以《闺阁情怨》这么个不伦不类名字的《花轿泪》，即使以今天的眼光看，也不失为一部不错的电影。首先它那打破当时国产影片叙事常规的手法就令人耳目一新，其节奏是一种沉着笃定向前流淌的河流的节奏，这条河从不暴虐，以荡涤两岸日常生计的污浊为己任向前流淌，任劳任怨。要说当年什么使我那样激动，可能就是蕴含在影片中的这种内在旋律吧，那种不粉饰不急躁的从容劲儿，有些叫人发懵。

印象深刻是姜文的表演。那时候他的身材还没壮起来，高高瘦瘦的一条，穿上笔挺的呢大衣戴着礼帽还很是那么回事儿，简直要跟“英俊”这个词扯上关系了呢——尤其从来没人对此抱有期待——姜文在片中的“疑似英俊”，就成为在银幕下面仰着脖子的我、一个意外收获。

这么一个又“疑似英俊”又气宇轩昂的慈父，使我对片中那位又有才华又有个性的女主角爱恨交织：一边羡慕她从小跟父亲建立起来的这么一种不言而喻的理解关系；一边气愤她太过任性，一点不懂得体谅大人。父亲最后因为经济拮据不得不同意把她嫁入豪门，心中已经够难过，她还要往伤口上撒盐，愤而跟父亲决裂。“做人不能无情到这个地步”——别看那时候还没这个流行句式，我被气得提前跑了趟未来，学到这句以泄我心头之愤！

我一直记得姜文在片中的眼神，充满慈爱、关怀，和偶尔的孩子气。跟他那著名的霸气截然不同，这真是我所见过姜文最温情的绝版时分，弥足珍贵。

夫家从宁波乡下的富户发迹，成为上海滩金融界的闻人，家中的日子又节减，规矩又大，可想而知一个从小就沉浸在艺术的世界里，还被父亲宠爱坏了的少女走进这样的家族，会受到怎样窒息的束缚和严格的规范。这位名叫屠怀青的复旦女生满脸稚气，长相普通但眉宇间自有一种灵秀，倒跟小说中描绘的人物形象很吻合。她的表演——说表演实在过了，举手投足都能看出此女志不在此，她也果真演完这部就无声无息地回到普通人的世界，而没在演艺圈这个名利场裹过多的乱——心不在焉，倒生出股子浑然天成的劲头，很生猛地在夫家势单力薄地“反封建”。

小说的熟读使我对情节发展了然于心。我知道夫家并不像人们通常揣度地那般对她进行了什么穷凶极恶的迫害；她的丈夫虽体弱多病却不失为一个好人；她被花轿抬进一个陌生人的生活，却跟这个人渐渐产生感情；丈夫对她的一片体贴溺爱之心贯彻始终，哪怕后来两人离异。电影中夫家的“众生相”们很脸谱化，让我一开始还有点担心这弯怎么转得过来。演丈夫的那个好像是上影厂的演员，总演不起眼配角混个脸儿熟的那种，没想到在这部电影中的表现却可圈可点，任性女孩怎样从强烈抗拒到一点点融化，全凭他的眼神来潜移默化地层层递进，让人完全信服这一艰难地转化过程，实属不易。尤其影片接近尾声，丈夫全家在解放初期仓惶逃往香港，漆黑的夜晚，这个一向病着、手无缚鸡之力的男人跟妻子生别离的眼神，让躲在黑暗中的我随那束光默默饮泣、不能自己。那一刻，我明白所谓阳刚，不仅仅凭外表就能判断。

最记得的一个情节，也是影片的高潮段落：女孩在夫家不被允许弹钢琴，内心苦闷的她夜夜难眠，终于在某个晚上爆发出来。她偷偷溜进存放她嫁妆的房间，打开铺满灰尘的琴盖，久违的音乐重又响起。琴声惊醒了所有人，一时间，所有的门都打开了。这时候一个长镜头从上到下地扫过夫家威严的院落：楼上楼下，无数的雕花木门……

（某年我回成都，特意安排自己宽巷子窄巷子一日游，走进赫赫有名龙堂客栈的那一刻，脑海中突然浮现出记忆中的这幕。）

影片最后，光阴似箭岁月荏苒，老去的少女在巴黎香榭丽舍大剧院演奏中国的钢琴协奏曲《黄河》，演出获得了巨大成功，全场掌声雷动。更让昔日少女激动的是，一个老迈的身影出现在侧幕，用慈爱的眼光注视着她，决裂几十年的父女俩终于又团聚了。

以上这段使我惊异自己写官话套话的能力，可我自有道理。一来影片就是这样表现的，二来正因为这样表现，所以我觉得特别有趣：扮演老年父亲的姜文，竟然比本来就老的秦怡更老，实属一桩奇迹。这一老一少两个演员倒过来了：年轻的演年老那位的父亲；年老的演年轻那位的女儿，竟然没有丝毫牵强，我觉得不能简单把功劳算在化妆术的高超上。

姜文，一切荣耀均归于他，把一个老人的神态和肢体语言拿捏得那样好，让我最终长抒口气：没有爱错他！

其实国产电影，我一般都不会去影院看，因为就试听效果而言，动作戏远没有好莱坞的绚丽特效来的吸引人，所以可以说，《功夫咏春》是我为数不多的几部在影院看的国产影片，观后第一感是，看的愉悦，看的值得，这便是达到目的了。

去之前稍微做了一下功课，在网上看到吴思远导演的专访。吴导说，虽然本片只是小成本制作，但被他视作收山之作。如此以来，更让我对《功夫咏春》报以厚望，名导的收山之作，必然不会是庸俗之作，更何况是国人擅长的功夫片，只是对“小成本”这三字疙瘩了一下。

一看果然不能忽略这三字，对于大屏幕、讲究视效的影院而言，功夫片的小成本始终算是硬伤的。片中诸多合成场景过于直白简单，人物与场景完全脱节，不用爱找茬之人出马，谁都可以看出其中破绽，简直可以称得上是败笔。

编剧方面，总体算是流畅，只是在各个人物处理上有些牵强，有些草率。比如梁博俦，此人物从刚出场时可以抵挡其父母的情况看来，应该是个功夫高手，而这样的伏笔除了在中间小胜高升一处派上用场，后面就完全无用武之地，感觉人物有些苍白无力，可惜了那一段令人期待的伏笔。他与严咏春的爱情也交代的有些牵强，仅仅是酒后几句话、一次主厨便获得芳心，特别是酒后“执子之手，与子偕老”的一番呓语实在出现地有点奇怪。更加生硬的是另一对的爱情，金鹰和五枚师太，正邪之分实在太过明确，总觉得是一定要加个大反派，所以才拿金鹰开刀，一下从一个情深似海的小伙变成了只为遗臭万年的大反派，这让他效忠的那个不知啥的皇帝情何以堪``还有一点我到影片结束都没等到，就是金鹰的那个很强的手下（就是杀了鸡叔的那个）。我一直以为这是个隐藏BOSS，看他样子绝对是高手的高手，金鹰神马的只是浮云而已，没想到结尾他竟然莫名其妙地消失了= =真是大失望啊，难道切腹随金鹰去老？？

虽然哩哩啰啰说了很多对《功夫咏春》不满的地方，但老实说，这是近期除了《剑雨》以外，最好看的国产片了。不同的风格，不同的成本，但同样令我印象深刻，比起《狄仁杰xxx》之流的大明星、大制作，我宁可看这些可看性更强的小成本电影。

网上有朋友说本片的演员演的都很好，我绝对赞同。元华元秋两位大师再度携手，搞笑风格依旧引人入胜；一直都很喜欢惠红英，从以前苗翠花里的二姨太到后来的灭绝师太，她的打戏潇洒过硬，绝对的女中豪杰，没想到这么大年纪了还出演打戏，佩服万分；演金鹰的那位不知道叫啥，只是绝对眼熟，他实在太适合演坏人了！那尖锐的脸部线条，那阴狠毒辣的面部表情……主角白静不是很了解，但动作表情都自然不娇柔，给人活力阳光的感觉；余少群这厮挺适合演梁博俦这一角儿的，那泡茶时的一举一止就是给人梅兰芳、张国荣之类的阴柔之美 ；意外地发现了肖剑这个熟面孔，他的燕小六真是深入人心啊，想当年玩武林外传网游的时候最爱跑到燕小六身边放大看了，表情实在太可爱了，在此片中也绝对是一大亮点；刘仪伟这厮绝对是来打酱油的！应该加上这句台词！演高升的那厮其实挺喜乐的，出场时的色魔表情让我不觉笑出了声；还有中途牺牲的鸡叔和胡言二位，戏份太少了，特别是可怜的胡言，赔了夫人又折身啊……

观影过程中还无聊地发现了一些笑点。原来怡红院的翻译是“cheerful brother”，不知道是不是我看错了- - 还有喜乐的鸡叔，英文翻译真是可爱……在金鹰下令制造些危机引出五枚师太后，一群黑衣黑帽拿着小短刀的小兵气势汹汹地慢慢从桥上露出头，不知是不是群众演员不自然表情的关系，竟然一下就让我联想到了星爷《唐伯虎点秋香》中四大才子走上桥面脱衣引众女尖叫的桥段，然后就忍不住喷了- -群众演员实在太群众拉！！

关于这片子想吐槽的其实还有很多，剧透严重，不过真是好久没有如此激情澎湃地看完电影赶着写观后感了~收山之作毕竟是收山之作啊，小成本也令我印象深刻！

以上只是敝人的一些感想和臆想而已，不涉及任何贬低和不尊重，有错误请指正~呵呵呵，看片愉快。

节奏很对。女摄影师、女编辑、女演员；公寓、摄影、吸毒、人与人的关系；画面镜头；配乐……都很契合。

拍到悲凉；人心底终极的忧伤被抽离。

非常好。

看之前我没有了解丝毫关于这部片子的消息，只看到马东锡主演就下载下来看了。马东锡有认识吗？来张照片了解一下。 哥们健壮的身材在《釜山行》里出现过，你看过这片的话相信和我一样，也留下了深刻的印象，他爱护自己怀孕的老婆，一个人扛住了一车厢的丧尸，有他在就有满满的安...  (展开)

这篇影评可能有剧透 太难看了，所有角色都是脸谱化，别说我看不懂，我看懂了，不就是想贬低WASP么？不就是证明自己极度“政治正确”么？里面绝对的反派就是个纯种参军的异性恋美国白人男性，次一点的反派是个移民的异性恋白人异性恋男性和黑人男性。正派人物无外乎是语言功能障碍的白人女性、黑人...  (展开)