故事是这样的，一个都会花花男和朋友打赌搞定对面新来的一个摩门传道男，很快花花男发现自己爱上了传道男并不惜为他作出改变，然而不幸被其他传道男撞破，于是传道男被遣送回家，花花男追至机场，两人于Hotel一夜激情，次日，传道男不辞而别，于是花开并蒂各表一头，花花男开始寻找传道男，而传道男却被逐出教会，并在家庭压力下割腕自杀，花花男得知消息悲痛欲绝，日夜哀痛寄托相思，其日记被室友偷窥并谱成曲子大红，而传道男实则自杀未遂被送入一机构进行无人道的治疗，无巧不成书，听到歌曲，大为感动，寻寻觅觅，踏破铁鞋无觅处之际于花花男供职的餐厅偶遇，于是有情人终成眷属矣。如果故事的主角换的一男一女，我想大家会觉得故事很熟悉，是好莱坞演了很多年的言情剧的味道，但是现在导演聪明地把主角换成了两个长得很不俗的同志，于是让带着压抑和沉郁的同性故事有了言情剧的单纯的感动，也不乏是对同性故事的一种类型化表达。我不得不承认故事到最后我被煽到了，就像老妈烧的菜，老菜式，老口味，没什么变化但却合自己的胃口，愉悦自己的味蕾。
其实我蛮不喜欢片子开始的前30分钟（记不清了，大概吧），故事始于诱惑，Chris就是故事中的花花男，对他而言性就像握手一样平常，一天他的隔壁住进了4个摩门教徒，其中一个叫Aaron的传道男吸引了他，于是他和餐厅同事打赌，他能把Aaron勾引到手，一个有点促狭的赌注，对于Chris也许算不了什么，可是根本没有顾及到如果Chris取胜，对于Aaron意味着什么，取悦自己并不是不用承担道德上的义务，始终觉得Chris的动机是不道德的，即使Aaron是潜在的gay，那并不意味着可以不负责任地加以勾引，这多少有点始则乱之的味道（也许是自己的观念太保守了）。
随着故事的发展，Chris藉由PP受伤引诱Aaron与其有了肌肤上的接触（没有ML哦），这时Aaron显得那样的茫然与不知所措，而Chris却无所谓地说这不代表什么，Aaron显然被这句话激怒了，他生气地说，对我而言如此重要的第一次，对你而言就是这样的无足轻重！（大意）你的外表很漂亮，很多姿多彩，但是你的内在根本就是一个废物。你就像一个能走路，能说话的花朵。然后质问Chris：你有对什么事情坚信不疑吗？
嗯，从这里开始我有点喜欢这本片子了，尤其是Aaron的质问多少触动了自己。这个时代已经很少这样认真的人了，对生活认真，对感情认真。最近过得很迷茫，因为忽然发现自己原来从未认真考虑过到底要的是什么，要过怎么样的生活，而这样的生活对自己的人生有着什么样的意义。和朋友聊起来，朋友说这种问题听着就恶心，因为在他看来这多少显得迂腐而且书生气。可是多少人有着对自己生命的自觉，而不是浑浑噩噩地做一天和尚撞一天钟呢！
美好的东西总是要被破坏了才显出它的珍贵来。当Chris和Aaron拥吻的那一刻，被其他摩门教徒发现了，于是Aaron被遣送回家，Chris一路追到了机场，向Aaron做了爱的告白，在机场附近的Hotel里，两人一夜激情。很多人说ml的戏拍的很纯，可是我觉得不好，有那么一瞬，Aaron的表现让我觉得他是个中老手，相反更喜欢《夏日风暴》运镜、光线与色彩，而且有着一定的真实感。而且，其中Chris对自己成为同志的一番说法也显得不可信，甚而矫揉造作。第二天，Aaron不告而别。之后是Chris的寻找与Aaron的被逐、自杀、残忍的“治疗”，在这里我们一向以为开放的美国展现了它的不宽容，与Chris服务的餐厅里的氛围形成了强烈的对比，也暗示着美国社会在同性恋问题上同样面临的价值分裂与冲突。
影片最后有情人终成眷属，这是同志电影里难得的happy ending，像极了烂俗的言情剧，可我还是为真爱找到了出路而感动了。
必须讲影片中Aaron的演员选的真好，那是影片最大的亮点，看着相当的舒服，那种单纯与羞涩相当契合角色的气质。摆渡一下，知道演员叫Steve Sandvoss，毕业于哈佛大学，居然还主修中文，在校期间活跃于艺术性社团，经常参加戏剧演出，《Latter Days》是他的第一部电影，最新参与的是《Rumor Has It》，赶紧Down下来一看，实在不喜欢他在片中的扮相，顶着金色的中分头，显得木讷而没有神采，离他的本色太远，极其失望。

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（本文首发深焦微信公众号：deep_focus）

2017年10月12日，青年作家、导演、编剧胡波在北京的家中自缢。消息在社交媒体上迅速传开，惊异、唏嘘、遗憾充斥着作家圈与艺术电影圈，而由于处女作剪辑不顺导致轻生的定论，也让和他有着紧密合作的冬春影业陷入了舆论的讨伐。在人们的心目中，创作失利，生活窘迫让性格原本就不甚开朗的胡波做出了极端的选择，一时间，不为创作者留下任何退路的势利电影圈成为了旁观者发泄感慨和愤懑的众矢之的。

在去世之前，不到三十岁的胡波已经出版了《大裂》、《牛蛙》两本小说集，获得过台湾第六届华文世界电影小说首奖。首部长片电影《大象席地而坐》正在后期制作，新项目也逐渐眉目清晰……他被视为华语文坛头角峥嵘的黑马，用自己的笔书写着冷漠荒诞城市中令人窒息的生活。脱胎于小说的电影剧本也在创投会上迅速得到资方的赏识，以其他青年创作者艳羡的速度向前推进着。而就在生活似乎逐见起色的时候，他出乎所有人意料地选择结束自己的生命，留下《大象席地而坐》的导演剪辑版。人们相信这部长达230分钟的电影是解开胡波死亡原因的钥匙，不仅是因为导演曾因影片片长和出品方产生了严重的矛盾，在剥夺署名权的威吓下万念俱灰。更因为，这个发生在中国北方城市充满绝望情绪的故事，可以看做胡波对自己生命写下的最后的注脚。2月16日，《大象席地而坐》在柏林电影节举行国际首映，这部因为导演自杀而显得神秘的作品，终于在观众面前解开了沉重的面纱。就让我们沿着这部电影指明的路径，拼凑胡波生前好友点滴的讲述，重新认识和缅怀这位过早离开的理想主义者。

· 他身上有一种乌托邦气质

《大象席地而坐》的摄影师范超和胡波是北京电影学院的同学。2010年两人入学，胡波在导演系，范超在摄影系。胡波年龄稍长，因为他曾连续考了两年才最终入学。2011年，胡波找到范超给他拍一部学生作业。两人熟识后，范超参与了胡波后来的全部项目，渐渐成为他的好友。

2016年5月，胡波找范超看了还是名为《金羊毛》的电影剧本，面对这个刚刚诞生的作品，他显得很兴奋。10月份，他告诉范超，本子能够有机会拍了。三个月前，胡波带着这个项目参加了FIRST青年电影节创投，在一场并不抓人的路演后，他还是凭借剧本本身吸引到了在场的资方，其中就包括冬春影业的刘璇。刘璇看中了这个剧本，把胡波介绍给了王小帅。后者欣赏胡波的才华，很快将其招致麾下。为了便于立项，公司给剧本换上了《爱在樱花盛开时》这个带有浓烈偶像剧气质的片名，但剧本的内核，完全是胡波最原初的创作。事实上，创作者之间的惺惺相惜，也让冬春的当家王小帅与刘璇在组织团队的时候，往胡波的项目上倾斜了不少资源。除了在选角上就经历了一些风波之外（但最后敲定的演员，也在片中完成了令人惊异的高质量表演），其他人员的配置，胡波都相当满意。这部戏，除了摄影师范超和一位女配角是胡波大学时代的同窗之外，其他人人都是通过冬春才找到的。在开拍前，他曾经不止一次地对身边的朋友说，自己很感激冬春为他提供的一切。

项目推进得很快。2016年12月底便已经进入开拍前的筹备状态，2017年2月15日影片正式开机。这是胡波毕业之后的第一部长片作品。

对于很多电影学院的学生来说，能够拍自己真正想拍的电影，并非易事。离开学校后，“导演系毕业证”不过是一张薄薄的文凭，职业命运依然不为自己所控制。自己想拍的剧本无法落地，为了生存，要么只能给人做执行导演、做剪辑，要么不情不愿地接些商业项目，撰些快钱养活自己。相较而言，胡波在骨子里就对商业化这件事相当排斥。时常有同窗看到他的生活方式，好心介绍一些广告项目，他都一口拒绝。当好友说自己要去拍电视剧的时候，他甚至会告诫他的朋友不应该这么做。胡波的定力为他带来了这份外人眼中所谓的“幸运”。大学时代，他就将情感诉诸文字，在小说中创造自己的世界。《金羊毛》的剧本，也是由小说集《大裂》中一片名为《大象席地而坐》的短篇延伸而来（他也在电影剪辑阶段，将小说的原题用在了电影上）。心无旁骛的创作，终于得到了回报，在最关键的当口，他的才华得到了外界的认可。

胡波是一个极为靠谱的创作者，虽然他在片场常常因为客观原因或突发事件陷入焦灼，但其厉害之处在于他能够很快地找到解决方式，他不会让自己盲目地陷于坏情绪中。这种能力在他的学生时代就已经显露出来，当他没有钱去外地取景的时候，他总是能在学校周围犄角旮旯的地方找到一些有意思的场景，从而完成自己的作品。有一次胡波、范超和另一位录音系的同学马哒拍拍毕业联合作业的时候，提前勘好场景，结果看门的保安临时起意不让他们拍。当时已经是凌晨三点，胡波二话不说就骑着助动车迅速地找了一个另外的场地，把当天的工期给赶了出来。“如果碰到其他人的话，可能这一天就废了，但胡波不会允许这样的事情发生。在生活上，他可能没有什么条理，但在工作上，他绝对不含糊。”范超说。

《大象席地而坐》的取景地是河北省井陉，一个在石家庄边上的一个工业城市。勘景的时候，胡波在那里呆了将近半个月，天天骑着助动车找合适的场景。留意到此地严重的雾霾，他认为正合适影片应当呈现的灰色、毫无希望的影像风格。但当剧组进驻井陉时，两会的召开让周边的工厂都停止了生产，空气质量自然也大大好转。这让胡波非常恼火。为了尽可能地抢时间抓到城市雾气蒙蒙的样子，剧组不得不从凌晨四点太阳出来前去走位，太阳刚刚出来那会儿抓紧拍摄，然后收工，一直等到太阳落山之前再抢拍一段。每天躲避太阳把时间打碎进行拍摄，整个剧组疲惫不堪，但为了达到胡波所想要的效果，所有成员还是非常齐心协力。范超说，好多人都被胡波的乌托邦气质所吸引，剧组其他成员和他关系特别好，他不善交友，也从不刻意经营朋友关系，却依旧能让大家被他所吸引。也许是他对于艺术的偏执追求，让他身上散发着一种难以言说的迷人气质。影片的场记瑶瑶因为这个项目和胡波熟识。她回忆起第一次见到胡波的夏天，他穿着人字拖和他裤衩，顶着一头没有打理的油腻头发，看上去就像是一个“吊儿郎当”的艺术家。他的思维非常跳跃，时常说一些常人看来不着边际的话，有时候却对细节较真到极致。朋友调侃小说《大裂》封面上右侧的五条蓝杠是Wifi信号，胡波听后一脸严肃地纠正说，“这是光。”


· 满洲里的大象一去不回


在最亲密的朋友范超看来，胡波可以在生活上松松垮垮，但一涉及自己的作品，他绝对容不得半点干涉。而这份超乎常人的执拗，也是悲剧发生的最终导火索。

在学校拍作品的时候，他执拗的性格便以显露无疑，当学校的老师对他的作品“指手画脚“时，他往往会表现得非常反感。北京电影学院学生的毕业作品，学校会给每个项目12万的预算，胡波当时争取了两个机会。他拍了一部个人气质浓郁的艺术片，却遭到导师的批评，让他学学韩国那样的商业片。他试图按照导师指示的路径前行，但中途便对如此易于妥协的自己出离愤怒，他把自己封闭起来写小说，于是有了后来在台湾拿奖的《大裂》。这段故事，书写在《大裂》的卷首，而这个片段的作者是后来一度成为胡波电影监制的王小帅。

电影学院作品事件后，胡波曾经对范超说，他发誓毕业之后自己觉不会被任何人的意见所左右。出品方冬春对于胡波的剧本并没有施加太多压力， 除了曾经提议过一个关于结局的不同想法外，并未提出过分的改动，这点让胡波很满意（并且，胡波最终也没有采用冬春提出的结局，而是坚持用了自己的版本）。

但到了执行阶段，裂痕却渐渐暴露出来。在胡波导演的设想中，《大象席地而坐》的每一场戏都应该由一个单机位的长镜头完成。冬春却觉得这个做法太过冒险，对人员调度及走位要求都太苛刻，需要一遍一遍地排练，拍摄的周期也不可能允许剧组再从第二个角度进行拍摄，公司建议他采用两个机位，更为保险。单机位长镜头的使用，是胡波对自己电影的美学坚持，他拒绝了出品方的建议，并觉得对方不信任自己的能力。开机前几天，出品方给到的压力越来越大，甚至用“换导演”来试图让他妥协。作为胡波的朋友，担任摄影师的范超心中甚至是笃定的，“反正在我看来，从小说到剧本到电影，胡波都应该是《大象席地而坐》唯一的缔造者。它的文本和影像风格是如此个人化，只有胡波本人能拍，其他导演无论如何都无法胜任。”

王小帅在参加了开机仪式后就离开了片场，刘璇则在井陉多呆了两天，杀青时候她又来剧组看了一圈。不过，即便冬春不信任胡波单机位长镜头的拍摄方式，他们却也在某种程度上“放任”胡波用自己的方式工作。开机一周之后，影片风格略显雏形，来自外界的干预也渐渐平息。在范超看来，胡波对这个拍摄过程还是比较满意的。

然而，制作的每一个环节都是雷区。关于影片真正的矛盾，最终还是爆发了。25天的拍摄完成之后，影片进入了后期制作。胡波四个小时的剪辑版遭到了出品方的抗拒，在后者看来，如此长度是反市场、反观众的，他们建议胡波把影片的长度缩减到两个小时之内，否则就将剥夺他的署名权。也许是恫吓，也许是通牒，但这对胡波来说几乎是一个不可能的要求。“从毕业到影片拍摄完成，胡波这么些年就只在做这一件事情，他最其他是事情都可以淡然处置，唯独电影的坎，他过不去。恰恰在这个节骨眼，有人说如果你不妥协，我就要剥夺你的署名，这个打击对他来说，是巨大的。”他的压力，范超看在眼里。

胡波的死亡对于朋友们来说，是一个天大的意外。即便他会陷入创作者的焦虑，但他选择在29岁结束自己的生命，是大家如论如何都没有想到的。毕业之后，由于拍戏的关系，范超和胡波接触得并不是那么频繁，但每次收工回到北京后，哥俩总会喝个酒吃个饭。2017年10月5日是范超最后一次见到胡波。当时他神情雀跃，甚至穿了一件新买的毛衣，他告诉范超自己又有新戏可以拍了，2018年年初就会开机，可能会找到贝拉·塔尔来做他的监制，他是胡波最喜欢的导演之一。同时他还在筹备一个叫做《抵达》话剧的项目，看起来处于一种健康的忙碌状态。那天好友见面都特别开心，聊天也一直进行到凌晨。由于之后范超要去外地拍戏，胡波甚至答应要帮他照看他的狗。就在范超将要离开北京前，他想再次联系胡波，胡波却意外地失联了。一开始范超并没有当回事，直到后来才听到消息说，胡波出事了。

朋友们不敢相信他的离去，因为他平时看上去对生活仍有热爱。他养过猫，养过狗，甚至还养过松鼠，在高速路上救过小动物，并且会自己磨咖啡、做饭，甚至喜欢开玩笑。在朋友眼中，他是一个善良有趣，有带带点幽默的人。《大裂》还只有样稿的时候，他连续二十多天“求爷爷告奶奶”，一有希望就把稿件给出版社发过去，为了小说的出版，胡波想尽了所有办法，抓住所有的可能性，这也是为什么，当最终作品得到出版的时候，他在与朋友的微信聊天里表现得如此兴奋。然而，胡波也不是那种会为成功兴奋很久的人，他曾对朋友说过，“幸运的事情发生了。但当我慢慢去做的时候，我就会开始觉得恶心。”

胡波离世后，有关他窘迫的生存状态在网上传得纷纷扬扬，人们试图勾勒一位在极度清贫状态下，试图在电影圈立足脚跟，却不断被压榨的青年创作者形象。在熟悉胡波的人看来，这样的解读多少带有旁观者夸大其词的成分——胡波对于物质几乎没有欲望，相反，他对创作的执拗却是致命的。为了保护自己的作品，胡波拒绝任何妥协。后来，朋友们在淘宝上找到了胡波购买绳子的记录，才相信他真的是下定了决心，要和这个一直以来抗争的世界告别。“我老觉得胡波不该是这个结局，他的抗压能力也没有那么差，毕竟他光考一个电影学院就考了好几年。如果硬要说原因的话，他倾注三年心血的项目，最终被剥夺了。这是他无论如何不能接受的事实。但常人不会理解他的选择，我也不能，但放在他的身上，可能这个因果就成立了。”电话中的范超说到后来有些哽咽，“胡波刚出事的时候，好五、六媒体来找我，我都选择了回避，我不想在消息刚爆出来的时候在网路、媒体上造成更多失控的言论，对当事人的父母造成二次伤害。胡波被遗忘是迟早的事，我现在选择发声，就是希望他能够在大家的脑海中留得久一些再久一些。”

没有遗言，满洲里的大象一去不回。


· 何其幸运，在这四小时里经历了人生

小说集《大裂》中，《大象席地而坐》仅占了短短的篇幅，勾搭了朋友老婆的男主角，在目睹朋友跳楼自杀后来到台湾避风头。他找到了自己追求的另一个女人，并邀请她一起去花莲看动物园中的一头大象，“它他妈的就一直坐在那，可能有人老拿叉子扎它，也可能它就喜欢坐在那。”这个荒诞的要求自然遭到了拒绝，独自一人前往动物园的男主角，想要在栅栏里拥抱这头孤独迷人的大象，却成为了它足下的牺牲品。

电影版《大象席地而坐》保留了小说中关于自杀和动物园的部分，把故事的发生地从台湾搬到了中国北方，胡波在叙述中增加了林林总总的人物，从而撑起了一部长达四个小时的电影。如同小说一样，这是一个关于“伤害”的故事，影片中的每一个人都在用自己或肢体或言语的呐喊质问着同一个问题，“我们还要活（被伤害）多久？”彭昱畅饰演的高中生韦布，为了给自己的兄弟出头，失手将同学于帅推下楼梯。于帅的哥哥于城是远近有名的混混，而不想他自己却摊上了一堆烂事儿——哥们发现他睡了自己的女人，跳楼自杀了。韦布的女友黄玲与教导主任的关系被一段手机视频曝光，而她冷漠的母亲却无法给她提供更多的慰藉。与此同时，韦布的邻居老头绝望地发现他的儿子儿媳计划着把他赶出家中，好把他们如今居住的房屋卖了。不知所措的个体，徘徊在灰蒙蒙的城市街道上，他们在不同的时刻被“满洲里马戏团”的彩色海报所吸引，并想要去那里看那头静坐不动的大象。遥远的满洲里，虽然只是一张火车票的距离，却以梦幻的姿态，搅动着所有人的心绪。

人物之间疏离僵硬，充满敌意和算计的关系，因为偶然的事件伸发出如蛛丝一般具有无限延展性的网络。作家黄丽群在《大裂》的序中写道，“在你意识到以前他以捻出漫长的线索，在你意识到以前嗖一下已被卷了进去”。观看《大象席地而坐》，同样有一种被吸进去的感觉。胡波在影片中展现了充分的野心，他用4个小时的长度，讲述四组人物从白天到夜晚一天内发生的故事。230分钟，是对观众的挑衅，但同时，也是一种极大的善意。对如同《大象席地而坐》这般充满戏剧性又追求日常质感的影片来说，铺垫、勾连、回溯都是极为必要的过程。所以，即使故事发生在一天之内，他仍旧选择“不省略”的方式去交代所有人困惑与压抑的来源。胡波电影里的铺垫，是道具的复现（绳子、枪、视频），是人物殊途同归的命运（命案、“你非得跟我一个下场“），是场景从不同视角的刻意反复讲述，是观众跟随人物，亦步亦趋地走在”谁都能搞死你“的大街上。

在一处名叫满洲里的地方的召唤下，他们又各自从烂泥般的生活中挣扎而出，奔赴同一个重点。在那里，究竟能不能看到大象，谁都不知道。正如电影中频繁使用的浅焦镜头所昭示的那样，无人能躲过当下，无人能远视来路。颓丧的生活死死地盯住人物的后背，向前走，只是为了离深渊更近。胡波曾经在自己的一篇文章中这样写道，“我根本不知道是冲下悬崖，还是安然无恙，对这一生是比较好的解决办法”，这也许是影片所传达出的最大的困惑，也是萦绕在胡波身边最无解的命题。

“大象席地而坐”是一个诗意的隐喻，但诗意无法解救绝望。“一个教授问渔夫，你懂艺术吗？渔夫说不懂，教授说，那你生命丢失了一半。教授又问，那你懂音乐吗？渔夫说我不懂，教授说，那你生命又丢失了一半。渔夫反问教授，那你懂游泳吗？教授说不懂。渔夫说，我们现在在水中，要是船翻了，你就丢掉了全部的生命。”教导处副处长在点题中对黄玲说的那个笑话，是幽默，亦是谶语。胡波用电影表达了他的绝望，而他自己则成为一部更为绝望的电影。不过，在胡波曾经也向周围的朋友透露，《大象席地而坐》的结尾并非全然绝望，他仍旧试图向观众传达一丝温暖。巧合，必然，因与果都铭刻在生活的血泊之中。

（感谢范超、瑶瑶、Yiwen所提供的帮助）

这是我高中暑假看的一部电影。
那时候还买DVD看，记得中间有一段，那个男生躺在手术台的样子，
让我想到AA踢球受伤的样子，非常非常的像。

看到鲜红鲜红的猪肉，让我恶心。

并且。。。。周迅在车里口时，我不知道他们在干什么。
过去很多年后，才恍然大悟。。。。原来。。。。
青涩的回忆。

看到有人這么評論 我想也是
其實當你初看完這部片子 你或許覺得有點迷糊 有點雜亂 但當你理清所有的思緒 你會發現這是一部很不錯的片子
片中的每個人都是主角 感覺少了一個人都不行
當然張孝全和任達華是串聯整部劇的重中之重了
這部片子雖然寫的本故事純屬虛構 但卻真實地還原了當時臺灣大選的原貌 抨擊了阿扁的無恥 也就是片中的阿雄了
而連戰 就是田正

最后徐瑜昌說：盡管世界和人生都壞透了 但是還有樣東西是好的 就是希望。
陳青在趕阿雄下臺的游行隊伍里認出徐瑜昌 問他：你知道路要怎么走了嗎？徐瑜昌只是說：只要繼續走下去 會知道路在哪里。

只是簡簡單單的兩句話 徐瑜昌內心的憤恨和無奈以及現實的無力完現無遺 孫的突然變卦使得一切變得毫無希望 兩年后的徐瑜昌 也只能默默的看著這世事的變遷 等待有一天能完成夙愿了。

这篇剧评可能有剧透 大结局那儿，千娜娜话都还没说完：“但是，你……”而郑熙珠完全没打招呼，甚至都来不及问洗手间在哪，突然就飞快地冲进千娜娜别墅里的洗手间猛呕吐，这可是在她的上司家。明显是她彻底控制不住的呕吐，看着就像早期的妊娠反应。 是不是暗示，郑熙珠也怀孕了？ 还有，千娜娜明...  (展开)

这篇影评可能有剧透 后半部分类似《头脑特工队》，讨论好运和噩运共存类似于讨论喜悦情绪和悲伤情绪共存。 问题是—— 关于为什么人需要噩运的说教部分我完全get不到！！居然就简单几句类似于“噩运也会给人带来机遇”、“噩运让人变乐观”就糊弄过去并且当做核心价值观了，拜托，噩运会害死人的知...  (展开)

从那个时候知道张艾嘉这个人的，其实之前有听说过，但一直对此人面貌模糊，却因为这部我要活下去，让她整个形象在心中清晰起来。真的很喜欢张艾嘉塑造的女主人公，坚忍，勇敢，无所畏惧，碰到天大的困难也不退缩，剧中袁咏仪饰演的继女表现的也很不错，虽然那时候很年轻，却恰好扮演了那个年轻的角色，也很令人印象深刻。都说，时光不会辜负努力的人，我也深以为然。你过去的努力，会一步步积累，最终以你想象的样子呈现在你面前。那时候你会觉得一切都是值得的。所以，努力，坚韧是告诉所有女人，不但要是女人，更要是勇敢的女人。

对于影片拍摄，演员演技不作评价。

感谢这部电影，委婉但真实地抽了我一巴掌，终于应该要好好看看这些年里自己都在做什么。

大凉夏十年里以茅亮为中心生活着，每天七点前必定要装点成“最好的”样子，为他准备早餐，等他起床。等他十年后的求婚，却等到心碎的分手。她的男神告诉她：“抱歉，我们十年来的生活都太一成不变了，我几乎不敢想象未来的五十年会是什么样子。”他说：“有的事情，就是不能继续向前了。”
小凉夏因为魔法巧克力意外出现在大凉夏的生命里，17岁的少女单纯美好、肆意张扬，为自己不用高考欢呼，直问四眼白：“我是不是成为画家了呀？我是不是去法国留学了？我办过几场画展啦？”
【四眼白沉默的时候，我心里在想，原来大凉夏曾经也有那么灿烂的梦想，而她却把自己活成了什么样儿啊，28岁的她，拿起画笔，却是不知所措。】
得知自己的生活并没有像17岁自己想象的那么美好的时候，她也不在意，28岁就是好呀就是自由，去酒吧，在地铁上邂逅严岩，用丰富绚丽的色彩画最喜欢的男生，青春疯狂而浪漫。但最后自己喜欢的男生还是和另一个女孩走了，食物中毒昏倒在地铁站的小凉夏留不住心爱的人，最后也离开了大凉夏。
大小凉夏互相成全，互相拯救。在大凉夏才华消失殆尽梦想黯淡无光面临情感危机的时候，小凉夏的出现让她刻板的单调的28岁变得大胆起来，重新拿起画笔接设计办画展和苦恋十年的男友say bye，理智而坚定地拥抱了自己的人生。
小凉夏正是天马行空的年纪，画得出最好的画，也迷失在青春时期的迷雾里，大凉夏找回她，拥抱她，也告诉她不值得。（当然这是在大凉夏自己也醒悟了之后）
小凉夏不可避免的消逝，大凉夏迎来事业巅峰的时刻，有重新拾起爱情的机会，这次，不是她来等他转身。

突然就想到十年之后的自己。会是一幅怎样的光景。
毕竟没有人能像凉夏那么幸运，等到年轻的自己给自己当头棒喝啊。
每个时期的自己都有特有的好和坏，而最大的心愿是，
很多年后，自己还记得曾经要什么，
有天马行空的少女情怀，也有云淡风轻的坦然，
而不是为了生活，而生活。

这篇剧评可能有剧透 补卡，来自2020-1-23记录。 追完了发现大家写的都是烂片后悔没早一点弃剧之类的评论，但是我觉得还挺好看的，整个配色调色都是深色，没有过多的BGM，仅有的几种灵异音效听不出是什么乐器但整体感觉很到位，只是整部铺垫太长略显拖沓。 开始就告诉你这家人的新生儿因为意外去世...  (展开)

身穿高级西服，见酒识名，即使死了也不流一滴血的特工；雪山之中的隧道机场和地下巢穴；看起来是皮鞋其实是电话的道具；滑稽的幕后黑手和令人胆寒的贴身保镖——《王牌特工》充满了这样的小标志，处处都在向被《伯恩的身份》和《皇家赌场》几乎判了死刑的旧式007电影致敬。或者，考虑到导演、编剧、主演都是英国人，《王牌特工》也可以看作英国人对好莱坞喊话：这才是007的正确拍法！

但是果真如此吗？让我们回到影片的第二场动作戏，如果敲门的是007或者008，他会同样轻松地解决掉几个喽啰，但我们不用“观赏”兰斯洛特花哨的动作中无时无刻不散发出来的轻蔑。对最后一个端着酒杯的喽啰，肖恩康纳利或者罗杰摩尔肯定不会浪费子弹。在致敬之余，《王牌特工》又在随时提醒我们，Kingsman 是教养良好但缺乏情感的杀人机器。

用《海扁王》颠覆了超级英雄电影的导演和编剧肯定也不愿意落后于曾经颠覆了间谍影片的伯恩系列和改头换面的新007。但即使这两部影片中，主角和反派杀死的人也屈指可数。除了艾格西的小狗的名字，导演对两位 J.B. 也没有更多的致敬之意。

致敬和戏仿只有一步之遥，看电影的时候，我便在不断猜测导演的意图并试图调整我的观影态度：是为致敬感动呢，还是为戏仿发笑？待到影片的画面逐渐在我脑海中退去，我得到这样的结论：《王牌特工》不断出现的老派元素，在视人命如草芥的暴力场面的冲刷下，恐怕只能看作导演发挥个人风格的工具了。和《海扁王》一样，《王牌特工》是导演在经典类型片的世界观上为自己加上了一副暴力有理的有色眼镜。它致敬的，是每个人心中对暴力场面的渴望，和对这种追求不加掩饰的赞赏。

诉诸每个人内心深处的原始渴望，并不就是一种不登大雅之堂的娱乐手段。不论是杰作还是废品，都可以通过影像语言让观众体验到性、金钱和暴力对人物的诱惑。不同之处在于平庸无聊的作品止步于此，而好一些的影片或者借此展现创作者独特的趣味，或者以此引向对欲望和其他我们认为理所当然之事的反思。

论暴力的程度，《王牌特工》其实不如昆汀塔伦蒂诺和罗伯特罗德里格兹哥俩的《杀死比尔》和《恐怖星球》，比彼得杰克逊当年的《群尸玩过界》更是差得远。虽然有八十八人斩这样激烈的场面，《杀死比尔》的暴力是收放自如的，昆汀清楚在这个杀手复仇的故事中，人物因暴力而生，也因暴力而死，但没有人可以浮夸地使用暴力，他们也不能将暴力本身作为追逐的目标。对于比尔手下的杀手，暴力的程度代表了境界的高低。在“新娘”恢复实力的过程中，刀刀见血、拳拳到肉的打斗发生在最初的阶段，到最后的对决，两人只是对坐着过招，所凭的武器不过几根手指，这便体现了这个世界里实力的概念。《恐怖星球》本身是罗德里格兹对B级电影的戏仿，因为导演本身有嘲讽的意思，拍得也颇有趣味，后来的《弯刀》及其续集就变成一本正经拍B级片，显得无聊多了。《群尸玩过界》则是利用恐怖和荒诞元素逗弄观众，在一紧一松之间制造诙谐效果。这些电影里，暴力是电影语言的一部分，是为叙事和影片的格调服务的。

《王牌特工》中，暴力则仿佛就是终极目的。且不说大坏蛋实现目的的手段就非常暴力而低效率，“羚羊”杀人的时候似乎也从来不考虑视觉效果以外的东西。至于 Kingsman，虽然顶着圆桌骑士的名号，兰斯洛特的杀人表演也很难让人对他的死产生同情。开枪打爆一个人的头之后还有心思品酒，这种事情在其他电影里只有变态杀人狂才能做出来。总之，暴力在这里是一种不区分施者与受者，没有目的和方向的力量，是一种崇拜的对象，导演只希望能够以最风格化的形式将其表现出来，故事和人物反倒成了次要的，只是为了将暴力场面串接起来。

接受这样的安排无异于接受对人性的羞辱。即使是不具备自省能力的动物，也很少无原因地对其他动物造成伤害。而《王牌特工》中的人类，不论目的如何，都在夸耀自己使用暴力的能力。如果说《老无所依》中那个没有明显目的的杀手令人感到迷惑，那么《王牌特工》这个正邪双方都以过度的暴力为乐的世界就更加令人失望。

很难说《王牌特工》是因为剧情孱弱而只有靠暴力来吸引观众，还是导演的目的本身就是展现暴力而不需要对剧情多做推敲。导演在解释为什么要把影片拍得如此暴力的时候解释，因为他想创立自己的间谍片系列，但不愿意让它变成《非常小特务》那样的影片。“如果我们把它拍成 PG-13 级，我们可能会走偏方向，片子仍然能看，但不会那么有趣。”[1]

是的，我们看得出马修沃恩不愿意拍的是哪一类间谍影片：他在电影中借正反派人物之口反复戏谑的那一类充满浪漫色彩的，反派在打死主角之前会废话一通然后让主角逃脱的旧式电影。过分的暴力是《王牌特工》的标签，沃恩希望借此拍出真正令人难忘的作品。

但是沃恩忽略的一点是对于电影中过分的暴力，观众会逐渐脱敏，并不自觉地与暴力的施加者脱离开来。当然也许马修就是希望我们认同艾格西和新兰斯洛特代表的新绅士特工，而自动地与“羚羊”和迈克尔凯恩、柯林费斯代表的老一代恶棍与绅士解离联系。和《海扁王》一样，沃恩希望用夸大暴力元素的类型电影解构类型电影。

但从暴力的角度入手解构是肤浅的，考虑到《海扁王2》也是这一路数，我们也可以说沃恩这次是懒惰的。一个坚信人类的救赎存在于大部分人的毁灭，并愿意承担为诺亚方舟挑选成员这一上帝的使命的恶棍，必然对人类状况有着异于常人的理解，比如《X战警》系列的万磁王。间谍类型影片中许多恶棍不惜以最为浮夸的方式杀死主角，并因此而失败，是因为他们享受与主角周旋的过程超过了他们享受达到目的这件事本身。这两件事是“拯救世界的间谍英雄”这个类型能够建构起来的心理基础，对它们进行解构虽然困难，但能够带来沃恩所期待的独特性和长期价值。暴力虽然是吸引我们走进电影院看一部007电影的原因之一，但它相对于间谍电影是外部和表面的，抓住它进行解构的结果是什么呢？是一部充满了各种动作奇观，但剧情老套到充满了各种固定模式，观众可以提前猜到后面一小时剧情的电影。而在这个时代，谁能说制造奇观不是另一种需要解构的俗套呢？《王牌特工》失败了，它没有解构任何东西，它成了又一部只能用“电影就是要好玩爽快”来辩解的爆米花电影。

但《王牌特工》仍然取得了票房和口碑的双丰收。讽刺的是，吸引观众走进影院，并在前一个半小时给影片赋予气质的，还是代表老派间谍和绅士的柯林费斯。这个没有太多动作戏的男二号，反倒成了这部充满了过头暴力的影片的焦点人物。以他的儒雅气质，难道这个绅士就不能成为颠覆间谍/动作影片的出发点？可惜沃恩俗套地杀死了这个角色，影片的可观赏性在最后半小时急转直下。

一般来说，审查者的剪刀毁了不少电影，但对于《王牌特工》，我觉得他们甚至帮了沃恩一个大忙。教堂那场屠杀戏对于加拉哈德这个角色的完整性是一种毁灭，是导演又一次因为对自己趣味的放纵而抛弃了影片本身的趣味。去掉这场戏总算能让我们相信一个人可以一辈子当绅士，而不是在最后关头老糊涂地服从于暴力的本能。

暴力行为到底是人的本能还是社会建构？沃恩和观众可能都相信是前者，这样才能解释电影里瓦伦丁的计划，以及观众的评价里对暴力批判的奇特缺失。但这部影片受到欢迎的事实本身却在提示另一种可能，即电影对绅士这一概念的诠释和风格化的过度暴力正在改变我们对暴力的认识，从而将无目的和过度的暴力视为人的本能并赋予它理由。《王牌特工》是诉诸感官而非理性的，它是对动物性的夸张，如果我们仅仅满足于它提供的奇观，忽略故事的苍白无力而给予它很高的评价，那么我们只好相信，20世纪的历史不幸已经毁灭了高级文化，文明屈服于野蛮，而绅士传统只能作为规模化生产的幻象存在于电影里。

[1] Drew Taylor 对 Matthew Vaughn 的访谈。http://news.moviefone.com/2015/02/11/matthew-vaughn-kingsman-interview/

这篇影评可能有剧透 美国版芳华。 别跟我提什么代入感，除非你我所处年代相差久远，或者我们根本不在一个国家。 别强行往上靠了。什么感同身受，扯淡吧。敢问国内谁上过天主教学校，谁在大会发言阶段打断演讲人讲话过，谁不停主动倒贴男生一心要破处？就算你身边有这样的女生，那你认为这样的女...  (展开)

第一次对《八月》产生好奇是因为马家辉老师在《锵锵三人行》里讲的一句话。他说自己作为香港人，看内蒙古一座城市的改制故事竟看到流泪，说这部电影「宁静中带有焦虑和惶恐」。我同意。

《八月》非常真实地反应了 90 年代国企体制改革背景下，一个普通家庭的父母所面临的问题和选择。这个炎热的八月，不单是导演的私人记忆，同时也是经历过那个时代的人的群体回忆。

影片中的男孩小雷即将从小学升上初中，在这个最无忧无虑的八月，他的父母却面临着一些人生不得不直面的难题：不由分说的失业，在理想与现实间必须做出的选择，孩子的升学问题，以及，亲人的离开。

成年人的烦恼小雷并不了解。十二岁的他满脑子琢磨的是重点中学的校服、让人着迷的小姐姐，以及小混混三哥这个帅气的榜样。小雷处理问题的方式单一而直接：用双截棍打老师，偷看小姐姐晾衣服，照搬大姨的话安慰三哥「哭出来吧，憋着更难受」。

小雷或许不能对父母的体会感同身受，但他在同一时段经历了属于自己的成长。而作为观众，在观看的过程中会忽然意识到：在我们体会少年烦恼的时刻，父母正经历着更痛、更苦的成长。这是我觉得电影打动人的地方。

银幕上的故事分两种，一种补全人生体验、讲你未曾经历的故事，另一种再现你的回忆、唤起你的感受。《八月》显然属于后者，故事当然不必起承转合都相同，有一些扮演导火线的小细节便足够。

比如第一场戏，一家三口在客厅边吃饭边看电视。父亲说电视里的女主角长得苦相，小雷说菜有点苦，母亲回说夏天吃点苦的好。这个场景，一下子把人拉回小时候的那张餐桌。你跟父母说着学校里发生的事，他们却很少向你直接表达工作上的不顺意。你只能在一旁听着，并试图用自己有限的经验去理解大人的苦恼。

导演张大磊选择在第一部长片里讲自己的故事，这很好理解，因为最熟悉、也最有讲述的欲望。他在采访中说拍这部电影「出于直觉」，希望「能通过电影的形式，把一直存在脑中说不清像梦一样的东西呈现出来」。

《八月》，如它的英文名 The Summer is Gone 所指，讲了一段逝去的夏天的故事，一个「宁静中带有焦虑和惶恐」的夏天，你我都曾拥有的那个夏天。

有人说电影私人记忆太多覆盖人群会窄，只有很少一部分人能体会到影片中的情结。我不这么认为。影像画面或许是私人的，但感受却是能够相通的。有人说导演把成年人的视角强加于一个小孩。我也不这么认为。影片更像是一个旁观者在小雷的背后观察，是「回头看」，而不是当下。

还有人说电影缺乏批判性，应当愤世嫉俗一些。我更加不这么认为。家常碎片的小情小调有什么不好呢，它们同样是时代的构成，且恰恰是你我最熟知的部分。一部电影并不能代表整个时代，它只是其中的组成部分。电影《八月》，是 90 年代这块拼图中小而精致的一片。

P.S. 附一篇时光网的访谈 《八月》是大陆版《童年往事》？专访导演张大磊：受到侯孝贤和杨德昌影响 。里面问了一些我也想问的问题，包括影片有多少真实人生多少戏剧创作、小雷梦境的意义等等。有一些信息量，感兴趣的话可以看看。

男主醉心于将人类思维和记忆移植到机器人上时，女主曾经对他灵魂拷问，“那我们呢，我们经历的一切，也只是那些生物化学信号嘛？” 影片的最后，男主不仅成功复活了女主，三个孩子也都回来了。甚至复制了自己，将机器人作为自己的分身继续进行项目。 我想，对于女主的问题，答...  (展开)