首先感慨一下贤人和钢叔的演技真的很棒，满足QuQ

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1、最后谎言的意义是什么?

苍井说谎的理由，我想大概因为信一大限将至，所以不能给予足够的刑罚，同时信一也表示自己不惧怕死亡。相反的，苍井是畏惧死亡的。

澄乃的临终电话表达了“与信一的诀别”，但苍井则表达了意思完全相反。让信一对于“面对等待着作为杀人狂的自己的澄乃”即“自己的死”感到恐怖，信一因此甚至出现了幻觉，意识错乱。

这样苍井就成功地给予了信一最重、最痛苦的惩罚——面对死亡的恐惧。

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2、两人立场的逆转

剩下的时间里，两人的使命一个在做刑事，另一个在做杀人魔。

苍井踏实拼命地工作，但是固执，于是被周围的警官疏远。信一年纪轻轻就成功了，关于自身的罪恶也瞒过了周围的人的眼睛。二人的工作、来自周围的评价、生存方式等全部完全相反，信一也蔑视着苍井。

最后由于苍井的谎言，两人的情况发生了逆转：苍井竭尽全力，完成了最后的工作满足地迎来死亡。信一对死亡感到恐惧，在绝望中死去。

既然都是诗人，那就有某种相似之处。中韩文化原本并不隔山越水，张允永的诗人身份，让他身上油然而生某种暧昧的情调，在“姐姐”的调教下逐渐适应了成年。开篇站在路边地图前，两人相互的距离已经给出明确的关系，在接下来的隧道中，让人们领略了《咏鹅》不一样的理解。骆宾王写的是一种静态描写的诗歌，而张律拍出来了电影的感觉。

首先，倒叙的结构给人的印象是，这对男女由密而疏，再从疏到迷的关系变化。从嫂子到姐姐，再到疏远的变化，是一个诗人从理想走到现实的精神蜕变，如果按照时间逻辑，不是流水账就是方言剧，所以，整体结构上的蒙太奇效果，给人一种曲项向天歌的宛然。

其次，巧妙的场面调度。每一次人物出场方式都匠心独运。张父看鹅，保姆从摄影机这边入画，两句台词后张父退场，然后晚上去敲保姆的门，你在外面拽，我在里面拽，儿子忽然发声：要不要帮忙。三个空间连在一起，真妙。房主女儿坐到允永身边的台阶上，然后转到他对面拉起他的手放在自己胸前，被松贤撞破之际，三人的尴尬被日本房主打断，女儿逃去屋内，一个环境中，四个人物不同心境昭然若揭。监视器的设置更是精彩，一个外边冷漠的父亲，望着监视器中门口的来客，伸手想去触摸女人，而当女人依在身边的时候，却说自己很久没有，已经不习惯了。女儿一如乃父，也在监控中偷窥心仪的帅哥，被发现后先躲在屋角，她的视点和观众重合，允永看着监视器，我们和女儿一起看帅哥。帅哥听见响动出门，女儿钻洞子逃回自己房间，帅哥进来发现洞子，探身出去给观众新的环境，这些技巧不是一镜到底这么机械，而是每次都有新设计，每回都能吸引人。而从屋内定镜摄影拍摄张允永在民俗之家四处探寻，形成内视角之余，把23岁少女的怀春之情不动声色地展露无遗。

喝完酒踉跄回去路边，看见学猴戏的表演，互相简单问询，你继续表演，他去远处撒尿，依旧是长镜头，在画内形成蒙太奇效果，这种技法在费里尼《八部半》中多次出现，没想到本片中也能驾轻就熟。

整合松贤聊到要不要见父亲，父亲恰好从右侧入画，俩人的尴尬被父亲的任性发作冲的一干二净，毕竟没几个人会直接对别人说自己父亲死了。也许大家都是对越熟悉的人越陌生，对不相识的人反而更客气。日本房主讲给松贤自己的婚变，女人演出自己的出轨男人，这些锁闭起来的情节，让本来看似平淡的剧情平添几分波澜。女儿的自闭，松贤调教咖啡店漂亮女招待，接着踢摩托也就合乎情理了。

再者，骆宾王的《咏鹅》，题目变成了主角名字的谐音，而诗句中的色彩，分明就是松贤的打扮。白外套，红鞋子，周围环境郁郁葱葱。女人在片中是舒展的，自在闲适的，不过一个人喝酒并不轻松，所以酒馆儿老美人一眼就看穿男女情事，而中年少女这种人设，恐怕国际范围都是海量存在吧。

目前学术界有一种观点认为，在六十年代初的中国电影发展中存在一个“隐抑的电影新浪潮”，代表影片包括《舞台姐妹》、《早春二月》、《农奴》、《小兵张嘎》、《林家铺子》等。在政治意识形态的主导下，苏联和欧美的电影潮流对“十七年”电影的创作施加着程度不一的影响，李俊导演的反映西藏农奴遭受惨无人道的压迫以农奴制改革的电影《农奴》就是受社会主义现实主义与欧美国家电影影响的一部经典之作。

1． 政治意识形态的叙事结构

“十七年”电影是指从新中国成立到1966年文化大革命前夕中国大陆拍摄的一众影片。囿于特殊的时代背景与国际环境，这一时期中国对苏联、好莱坞和欧洲的一些电影潮流的态度是各异的。这一时期中国电影无疑受苏联影响最深。拍摄人民大众喜闻乐见的，具有“人民美学”的电影是这一时期中苏电影人的共识。其实这种倾向在上世纪30年代的左翼电影运动和国防电影运动中就可以窥见。受历史和现实的影响，电影《农奴》在叙事上具有鲜明的意识形态色彩。

影片以农奴强巴和铁匠之女兰尕反抗农奴制压迫为主线，在单一时间线中穿插若干倒叙段落，将主要人物的生平遭遇一一道来，通过三次摔下农奴主朗杰推动故事叙事。一摔朗杰是强巴遭到管家和少爷羞辱和毒打，逼迫强巴当马骑的时候，此时的沉默是强巴的反抗，在下一个长镜头里，强巴咬破了自己的舌头。第二次摔朗杰是强巴赤脚背着朗杰在满是鹅卵石和砺石的河滩上行走，最终因体力不支倒下的时候。在这一段落，白白胖胖的少爷和黑瘦虚弱的强巴形成鲜明对比，镜头从水流与砺石、强巴的赤脚和蹒跚的步态以及少爷朗杰之间反复切换。在这里叙事时间的延长让观众感到河滩更加漫长，与强巴脚部特写相穿插，极大增强了影片的感染力。强巴倒下后醒来后见到了兰尕口中的“金珠玛米”（汉译：菩萨兵）。遭遇了无数非人遭遇的强巴被护士们悉心救治，还有了一双新鞋，当强巴被扶上马时，他的第一反应是下跪，当然这里更多的应该是感激的成分，但是我们还可以看出农奴制对强巴的影响是深入骨子里的。非人的待遇与平等的身份相对比，如果说第一次强巴摔朗杰是反抗意识的星星之火，那么这次则成了燎原之势。但是这还不够，强巴在此时还不敢和农奴主真正的对抗。第三次摔朗杰，是在背朗杰逃跑的过程中，这次同第一次一样是刻意为之，两人滚下山坡并扭打着，朗杰中枪之后，强巴像踢死鱼一样把他踢下山坡，至此强巴实现了精神和肉体的双重自由。

《农奴》是新中国成立后第一次在藏族取景的影片，也是第一部完全由藏族演员出演的电影。电影于1964年上映，这时距离1959年西藏民主改革仅仅过去了五年时间，所以这部电影的影像本身就具有十足的史料价值。影片融记录性和故事性于一体，电影在藏地取景，高耸入云的喜马拉雅山、湍急的雅鲁藏布江和庄严的喇嘛庙，力求还原现实的风土人情给予影片很强的现实感。另外，影片中所选用的演员皆为经历过农奴时代的人，尤其是少年强巴，他的身世本身就与影片中主人公的身世极为相似，父母双亲皆被农奴主迫害致死，自己也饱受压迫。其自身相似的遭遇使得他的表演毫无痕迹更加真实。影片的真实性还体现在影片的服化道方面，电影中农奴褴褛的衣衫是电影剧组在藏地用新衣服找昔日农奴换的，所以我们在观影时很难感到违和，这些细节也使得整个故事更加真实自然。

《农奴》在叙事上受到了政治意识形态的影响，在解放军的感召下，以强巴为代表的万千农奴鼓起了反抗农奴主的勇气。从刚开始强巴母亲去农奴主家还债到强巴奶奶含辛茹苦抚养强巴长大再到强巴所见证的那段吃人的历史，一家人的遭遇影射的是整个被压迫的社会。叙事视点的转移为电影的高潮不断蓄势。影片最后翻身农奴把歌唱是符合大众喜爱的“人民美学”的，强巴解放后第一句说出的“毛主席”也印证了这一点。

2． 《农奴》视听语言分析

导演李俊在这部影片中镜头语言运用的相当成熟，恰当的视听语言推进了故事叙事也增强了影片的感染力。《农奴》采用黑白胶片摄影，明暗对比强烈的光线处理是影片的一大特色。黑白的色调具有浓厚的历史厚重感，也正好呼应了平叛以前西藏广大人民暗无天日的悲惨生活。影片中的强巴和铁匠肌肤黝黑甚至具有金属的光泽，恰到好处的光线处理使整部片子具有了版画一般的质感，影片前半段的基调一直都是阴郁压抑的，而解放军出现后则换成了一种明快的影调，摄影在这里很好的配合了《农奴》的叙事节奏。

李俊还很强调电影化的叙事手法，蒙太奇运用十分合适娴熟。影片开头，小强巴父亲被农奴主打死，农奴主喊道：“叫他的女人把三代欠下的债，连同收尸税一起送来，要不就让她把鞭子送回来”农奴主把鞭子狠狠摔在地上，同时给了鞭子一个特写，当镜头拉开时，鞭子已经放在了强巴家的地上。小强巴咬破舌头后，他的脸上叠印了波光粼粼的雅鲁藏布江江水，江水流过，代表着时间的流逝，江水之中又叠印出了成年强巴棱角分明的脸。时光如流水，两次叠印使得苦难的生活多了一些诗意和悲悯。还有上文中提到的强巴第二次背朗杰的镜头切换。影片里一个感人至深的镜头，小强巴饥饿难耐偷吃寺庙贡品被僧人惩罚后，强巴的奶奶去寺院替小强巴赎罪并祈求护身符，老人在回来的路上颤颤巍巍，踩着小河的石头过河时不幸摔倒，甚至连剧烈的挣扎都不曾有就趴倒在了浅浅的小河里，镜头一转转向了奶奶手里攥着的泡在水里的护身符。电影中饰演奶奶的演员当时只有20几岁，通过化妆化成了古稀老人的模样。拾雀卓玛把老年人的体态动作还原的十分到位，演员的演技无可指摘。经历了一辈子压迫最后却在浅水中死去，这种悲剧性无疑也得力于视听语言的加持。

影片中许多视听细节也都具有明显的象征意味。其一是强巴的师傅坐在大佛手心的镜头，这里的特技摄影使用的非常成功，在巨大的掌心里人显得很渺小，大佛的侧脸与拿着摇曳灯光的两人形成鲜明对比。灯光集中在金色的掌心上，四周则是无尽的黑暗，这似乎是讲“苦海无边”，一层指向宗教教义，一层暗指农奴生活。

3． “十七年”电影与外来影响

【详细】

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虽然没看过karate kids，不过这种写几十年的故事的setting还是很有趣，两个karate的流派，进攻派主张先发制人（strike first & hard）和不要怜悯（no mercy），防守派是寻找inner peace。前者的处事风格在混社会上行不通，变成loser，后者开了4s店成了人赢。34年后狭路相逢开始了一段新故事。演员还是karate kids的原班人马（看来都不红才能凑成档期）！youtube自制剧但是没有火，被Netflix买了倒是爆红，看来大家在家很闲没有剧看。

要不是看特效和某些创意还不错真想打2星。我在这里列举本片的五个问题。1.强行用科学解释传统迷信，连气功什么的都出来了。2.扭曲的人类中心主义价值观。毫无疑问鸟人的思想才是正确的，无非只是解决问题的方式过激了点；真正邪恶与错误的是那个腐朽的体制和一条错误的发展道路，可是主角团维护的就是这个，到结尾也只是瓦西轻描淡写地为鸟人说了几句无用的话。而且这个鸟人，是被前一部中的反派波拉教授制造的晶片用极其下作的方式打败的（在前一部中这个晶片造成了巨大的灾难），所以这可能是一部反英雄主义电影，可是在整部影片里除了这一点外其他任何地方都没有反英雄主义的意思。3.在第一部中，七弟从一个依附于瓦西的机器人到逐渐形成自己独立的思想与人格，并且在最后留下一句“因为我学会了思考”，发人深省。因此，作为续集也应该沿着这样一个路线下去，更多地展现七弟作为一个独立的人的一面。可是这里七弟又变回了瓦西的工具，而且比第一部早期更依附瓦西。

4.强行重现前一部的场面。在前一部中，测试七弟智力的时候被人问道“是否存在上帝”，七弟回答“瓦西博士就是他的上帝”，瓦西听完感动，整个过程设计巧妙，流畅自然。而在这一部中，则直接由七弟强行提起，先说自己只是瓦西的影子云云，再说到瓦西是自己的上帝。不仅突兀，而且在此的整个七弟的讲话更是充分展现了七弟对瓦西的服从与依附。

5.强行弄死小波拉。在第一部中，老波拉的死是从一开始就在铺垫的，老波拉一直想制造机器人卖给军火商，以至于最后制造了邪恶七弟，可这个时候的七弟已经有独立人格不会再做被人买卖的商品，二人矛盾激化，七弟杀死波拉顺理成章。而这里的小波拉，仿佛是找不到死亡的机会了，可作为反派又必须得死，所以直接就让鸟人动机完全不充分地把小波拉杀了。

黄渤在片子里是个纯屌丝，有过文青的梦，甚至多年前发过唱片，但终究要为了生活回归现实。袁泉貌美身段好，不缺求爱者，但因为要求很高，所以一直单身，在现实逼迫下成了所谓的剩女。在闺蜜结婚时巧遇已婚的前男友，又一次被深深的刺激到了。独自一人缩在家里舔舐伤口，又惨遭浴室漏水，被狂浇了一顿。最伤心的时候听到大屌丝黄渤多年前的文艺歌《去大理》。要说平时袁泉听到这种俗咖，也就一笑而过，但这首歌实在是太应景。听听歌词：“是不是对生活不太满意，很久没有笑过又不知为何，既然不快乐又不喜欢这里，不如一路向西去大理！”要说我们的大美女袁泉骨子里就是个女文青，她对男朋友的要求高在哪里呢？简单描述下：她需要的是那种心灵伴侣，渴望的是那种“想得却不可得，放手却舍不得，该来的我不推，走远的我不追”的受虐感情，追求的是那种“相逢一瞬心在动，再回首那人已远去”的男青年。于是在这首歌的刺激下远赴大理寻找“爱情”。要说怎么无巧不成书，袁泉在大理又被俗媚的现实一顿打压，最心灰意冷，最痛苦无助，决定离去的时候，遇见了《去大理》的词曲唱作者黄渤，黄渤那充满了故事褶皱的脸，在悲惨的现实对比下，看起来一下子成了金城武王力宏谢霆锋鹿晗汪东城混合脸，帅了1万倍，于是乎一切都那么顺理成章，两人走进爱情，走进婚姻。。。但他俩的婚姻只是这一切故事的开始。袁泉在黄渤这个大屌丝心里，是一个他根本没有机会染指的女神，他是那么深深的珍惜着这个媳妇，也许在外人和内人看来，他哪方面都配不上大美女袁泉，他唯一有的那么一点吸引袁泉的气质就是音乐人身份。但结婚了还是要过日子，做音乐能当饭吃吗？所以他非常努力的工作赚钱，从事了一个非常有钱途的职业——卖二手电器。（相对于音乐人身份，这简直是天天在捞钱的职业。）所以这个故事的句号是袁泉和一个开奥迪Q7的有钱男人跑了。她话里话外的意思，绝不是因为你黄渤没钱了才走，而是你丧失了自己当初美好的理想，丧失了追求美满生活的勇气。黄渤伤心，黄渤难过，在好基友徐峥的带领下走上了3000公里泡妞的旅程。经历了四个妞，一个让他明白自己是个无趣的人，一个让他明白他已经老了，一个让他明白以他的条件会对他好的女人只能是拉拉，一个让他明白有钱不是万能但没钱是万万不能。他发现，也许他最终能找到的还是一个文艺女青年，不断重复着自己上一段的故事。影片的最后，黄渤又遇到了一个mm，他又开始吹嘘自己是做音乐的了，mm恰好是个音乐老师，标准的女文青，对他瞬间感兴趣了。这其实寓意着他悲惨生活的又一次开启。所以，整个片子告诉我们：文艺女青年不能找。《黄金时代》也是告诉我们这些的。黄渤另一部片子《101次》求婚，文艺女青年林志玲爱上装修工黄渤，主动示爱求婚了。你没看那片子情节只敢进行到求婚，满足一下屌丝们的yy欲望吗？情节但凡敢往下进行，就是另一个无限轮回的心花路放。从这个角度看，宁浩很牛，我给这片子打五星。

除了故事情节外，让我印象最深的就是电影名字《猛虎嗅蔷薇》“猛虎嗅蔷薇”意思是凶猛的老虎低下王字头细嗅芬芳的蔷薇。这一句源自“心有猛虎，细嗅蔷薇”。这是英国诗人西格里夫·萨松代表作《于我，过去，现在以及未来 》的经典诗句。原话是“In me the tiger sniffs the rose.”诗人余光中将其翻译为：心有猛虎，细嗅蔷薇。意思是，老虎也会有细嗅蔷薇的时候，忙碌而远大的雄心也会被温柔和美丽折服，安然感受美好。讲的是人性中阳刚与阴柔的两面。

有小栗旬就得无脑加星！醉倒在他的小鹿眼里。看完和室友讨论，我认为女主都快死了还勾搭男主的行为太过自私，她走的潇洒，留男主抱着她的日记和遗书流一辈子眼泪。若是男主独身还好说，如果再谈女朋友多不公平，有个永远赢不了的情敌--上天堂的前女友。

可室友就表示很向往男主的经历，因为女主走了代表她对男主的感觉也定格成了永恒，正因为她死了这份感情才能永远保鲜永不变质。知道有一个人爱你永不渝的感觉挺好。

听他说完还挺新鲜，的确是我完全不会想到的点。

纪录片《城市梦》个人分析1、拍摄对象选择：小贩和城管的对抗阵营。首先这部片子看上去不那么像纪录片的很大原因在于民间性。但也是这个性质，这个片子在观看完毕后并不会给我太大的真实感，我主观有余且客观不足的认为这部电影的选角是一大缺陷。我们可以看出这种记录的方式是对人物进行机位跟拍，也就是说镜头成为了工具。而恰好两位人物分属的阵营又是极其具有“镜头感”的。所以，这部看似真实的纪录片其实有没有那么真实。导演陈为军的拍摄是必须要在武汉当局的批转下完成创作，所以，肯定会避开对城管形象的负面描绘。当然不是因为这个就说这个电影是为城管洗白，重点不是这个，重点是官方介入。任何部门想要维护自己的形象，必不可少的是维护自己在镜头前的形象。所以，我在观看的时候明显感到城管的处理方式并不果断，甚至在法律范围内的忍让，整个安置活动持续了一个月之多，可见效率的低下。不得不怀疑是镜头的作用。当然，最明显的还是王爹爹的表演，说实话王爹爹很清楚镜头的作用，他面对城管犯浑打岔是因为他很清楚镜头对公职人员的“威慑作用”。包括故意提起调侃的局长守黑钱云云，可以明显的感到目的性。一定程度上并没有真实记录。我很喜欢的导演、作家是枝裕和在《拍电影时我在想的事》中写道：“电视并非完完全全地再现剧本的内容，而是在不断到来的“现在”，所有人通过自己的参与呈现出来的即兴演奏会。而现在我个人对什么是真正的纪录片也陷入了迷茫。我总结出来两个对立面：正面：因为并不是每个人都是演员，所以主角在面对镜头时并不是最自然的表现，会缺乏真实性。反面：偷拍（不让被摄主体知道自己被拍）是无法让对方完成自我表现的。虽然是最真实的体现，但是“偷拍的影像根本称不上纪录，我不想这样拍”（是枝裕和认为）所以，原本在两个观点内我是站是枝裕和的观点的，认为“正面”应该算是对当下的捕捉，是真实的记录。但在看完城市梦和一些视频后我会发现，当人带着目的性去表演时，即使是对当下的捕捉那也是虚假的呀。为什么王爹爹敢在镜头前撒野，为什么只有“反面”的偷拍才能揭示黑暗，315晚会的曝光几乎全是暗访。这样以来正反面都被推翻，我陷入了迷茫。对纪录片的认知开始模糊起来，当然，在查阅资料的时候我发现这个问题其实早有了解决，根据正反面不同的特性，出现了纪录片的两种形式：观察式纪录片（正面）和反射式纪录片（反面）。但是我个人认为这之所以出现这两种形式是因为纪录片从业者也没有弄清楚何为纪录片。在此，我提出一个我个人对纪录片的浅薄认知：“记录有用的东西，只要正义的不管是真实还是虚假，它在推动社会的发展和人类的需求，它就是值得我们留下的；可能会丧失真实性，但就如历史一样，只会有胜利者书写。我们能做的是发挥我们的作用，用自己的行业为万世开太平。”而此外所谓的正反面也没有讨论的必要，就变成了为我们达到纪录片目的服务的形式。至此，完成了我对纪录片的解答。2、主线结构设计：我个人认为这部影片的主线结构是有两个的：①剪辑方式和结构上：并列式结构。也就是我们在写作中所说的多主线剧情，即在同一时间，平行时空发生的事情对比。这种方式的用途很多我印象最深的是出现在《两杆大烟枪》《疯狂的石头》等黑色幽默电影里面的。作用很明显，通过不同的角度来认识事件的发展过程，以此来制造影视效果。相同的还有《怦然心动》此类文艺片。这种设计可以让观众全方位的了解人物，增加立体感。包括塑造张力。张力的来源就是读者和观众对角色的多方面认知，王爹爹一家可怜又可恨，城管正义又缺乏人情。这样的观感往往是在多方位的立体塑造下完成的。②（个人观点）内容上：对照式。对照式的基本结构是提出中心论点，然后进行对照验证，以一方的行为衬托另一方的行为，从而验证中心论点。我们可以根据影片的题目“城市梦”，和对内容的大概概括来分析，还是分为两对立面：（1）以王爹爹一家的“城市梦”为中心，他们想在武汉扎根，让自己的子孙后代过上更好的日子。那么城管的这些行为就成为了对照，来反映王爹爹一家在城市扎根的艰难和小人物在城市发展面前的渺小，在生活面前的无奈。(2) 以城管的“城市梦”为中心，武汉这座城市的现代化发展梦想，要求他们进行清扫王爹爹的地摊。这些小摊的反抗又成为了他们城市梦的对抗。正是两部分主人公的城市梦不同，所以他们的矛盾才更有张力，才让人难以做出选择，生存和发展。所以，从结构上看，我对这部电影是肯定的，不管是一词多义的影片名，还是两条主线的角色身份对立，塑造的还是较为成功。三、故事张力故事是围绕王爹爹和城管队的矛盾展开。首先在代表势力上王爹爹所代表的底层生活人民和城管代表的底层管理人员具有相统一性。双方的矛盾之所以尖锐，也在于两者都具有被动，正如城管队长所说的：“他们是生活的弱者，我们是工作的弱者。”城管队长受命于城市发展，而王爹爹则受命于生活，所以一开始的立场鲜明便决定了故事的走向。而随着城市的发展会剔除掉不利于城市发展的因素，也为王爹爹这场闹剧的后续奠定了结局。其中王爹爹之所以处于弱势，一方面它代表生活最底层的人民，另一方面他所斗争的是其实是阶级的对立，这也是故事具有张力的地方。所以这场闹剧的其实是另一个问题的体现：“阶级发展的对立”即乡村的人来到城市想追求更好的生活，却受限于知识水平等因素只能以自己的方式“赖”在城市，而这又是不被城市允许的，他们该如何生存？这种阶级对立的问题中在很多影视中都有体现，包括《雪国列车》《寄生虫》《灵笼》，但无一例外的都是无法解决，因为其发展的必要性要求剔除糟粕和落后，所以从本质上讲，王爹爹只能是牺牲的一部分。但是在人道和情感上来说，人们也希望给弱势群体以帮助。这些问题只能交给时间去验证，所以双方都进行了让步，王爹爹依然以他的方式在城镇生存，但这并不是长久的。在影片的最后，我们可以看出王爹爹的孙女最后只上了一所中专，那么他的子孙会不会再重复这样的现实，游离在乡村和城镇之间，我们不得而知。3、画面拍摄：以纪实的方式服务于人物的塑造，画面的拍摄是没有加任何的演示。完全服务于角色。比如：比如城管在让人暗中调查水果店的营销额的时候，对暗访人员采用的是窥视镜头。而在一些争吵和打斗过程中使用摇晃，以增加体感和氛围感。打破了纪录片的一些方式，并没有特别注重画面的稳定和美感，但是却把画面语言讲到了极致。剧情的走向很少的解说的采访提问，让观众更有沉浸感。在纪录片的基础上，它的画面增加了一个功能，就是在记录的同时达到了自我的讲解叙述。4、主题内容：记录上算是很大程度的真实，但是浮于表面。其实从一开始王爹爹一家争取的生存权，又得到吗？影片中没有体现，结果看似皆大欢喜。但其实经不起推敲，生存权不是来源于摊位，而是来源于收入。对王爹爹的这一代来说，收入来源自于摊位，但并不是说换一个摊位，他的收入还是能足够家人生存的；而对于下一代来说文化才是生存权，我那天就如此聪明，为何在晚年却靠摆地摊生存？在影片的引导中，我们发现他们最引以为傲的是孙女的成绩，俺在最后她的孙女却只上了一个中专。陈为军导演记录了人民生活与城市发展的碰撞。但是他的意义落在了哪里呢？我看到了社会的痛，却没有看到可以疗愈的药。作为观众，刚看完时我很感慨，震惊这部影片带给我的冲击。但现在想想，却像是画了个大饼，我描绘了一个真正的悲剧。如果说这是一部小说、戏剧那我觉得毫无问题，只需要带给人艺术和思考就行。但是作为一部社会题材的纪录片，它是要传递一份价值和意义的。我看到了导演想描绘的小人物的生活和对抗，但是之后呢？所以，《城市梦》并不是一部正能量的影片，它所承载着社会问题和黑暗值得我们认真的思考。当然，瑕不掩瑜，我依然认为这部纪录片是一部好的纪录片，以它独特的方式，展现我们社会的问题，真实的去反应了因为社会发展带来的问题，也值得我们借鉴和反思。

电视剧版的“火花”珠玉在前，已经到达了一个无法企及的高度，但是我没有料到电影版没有保持故事本身应有的水准，同样的情节怎么拍的这么媚俗和平庸。菅田是我很喜欢的演员，外表和个性都颇具棱角，他在“啊，荒野”中塑造的形象仍然记忆犹新。但是菅田根本不适合演片中的德永，漫才艺人的关西腔和冷幽默感不是他的强项。难怪在电影中Sparks完整的段子只有最后告别演出的那一场，菅田表演的漫才无论包袱还是舞台效果根本就不好笑（电视剧版中Sparks的段子我真正是被逗笑过的，而且不只一次）。说到Sparks的告别演出，完全无法激发我的泪点，看到片中的二人努力煽情作出泪光闪烁的样子，真替他们难为情。如果没有体验过Sparks在成长过程中的笑点，就无法体会他们解散到来那一刻时发自内心的彻痛感。另外，电影版营造了日本电影中非常滥用的暖色调。我在上一篇的电视剧的评论中也提到，“火花”突出的主题是令人厌恶但全心全力的活着，这个命题需要清晰极致的冷峻感，无论是悲哀还是喜悦、都需要刺痛眼睛般的直视感，不需要虚化和美化，令人讨厌的感觉做不到位，就无法感受到片中的人物是如何全心全力的活着。电视剧版的神谷丧的不够彻底，同这个世界决裂的不够彻底。同样，扮演神谷的演员也不具备漫才艺人的素质。我看电视剧版的时候，能够感觉到Sparks真是是一对漫才，他们的关西腔峰回路转的搞笑又伤感。电影版的导演应该选择适合漫才这类艺术形式的演员，而不是仅仅依赖以往的票房和漂亮的脸蛋。电视剧版的德永和山下的颜值实在不高，但我看现实世界里的漫才艺人也没几个是帅哥。最后，电影版非要往主旋律上去靠拢，塑造了一对漫才师徒在10年间追求漫才艺术的坎坷经历，最终还能积极面对各自的失落，为彼此打气鼓励。其实电影没有领悟原著的精髓，不应该拍成一部励志片。总之，“火花”只要欣赏电视剧就好了，不要在电影版上浪费时间。