竟然还有第二部，当初第一部那个恢弘壮大又意味深长的结尾，让我想破头都没想到能有第二部。这回导演和编剧聪明了，倒是没有出现上一部那个“洗冤录集”的争议点，整体水平发挥也很稳定（这点评分就能看出来），但是有了一个硬伤。以下是我个人对这部的看法，中间有我自己的分析，会涉及剧透，没看过的慎看。

刚看的时候本来想说和前作联系不大，可以单独看，结果突然出现并让我一头雾水的本部女主人物背景还牵扯着前作。而且上来宋慈就说新娘小玉就是波旬教徒，这一点本部背景铺垫一点都没有，后来才发现是沿用前作设定，我的金鱼记忆不配分着看两部。

上一部我说造型不走心，于震老师脸本来就长，造型还突出脸长。这一部我要给造型老师道个歉，这造型硬是让我看习惯了，这次竟然没觉得哪里不对。

但是有一点，于老师啊，吐蕃（bo），前面我刚夸完县令念准了，后面你又吐蕃（fan）了，不过还好之后改过来了。

然后以下是我在看的过程中的一点分析。

1、县令成亲时面对宋慈询问的异常反应，说明县令有鬼，但是他被爆的时机有些早，再加上他的种种行为，他只能是这场私通外敌大阴谋里的小棋子，一个贪得无厌的小人。

2、罗二脑袋被砍的时候我就觉得他有问题，故意用声音引来宋慈，傻站在原地等着被砍就很刻意（这里可能故意让宋大人看着，让他先入为主而忽视罗二的尸体，后来想起这一点确定凶手是谁）。我当时甚至猜测戴着面具的就是罗二。之前下船时的牙掉了（并且多次提到）是个伏笔，比如用来证明被砍头的不是罗二，让其金蝉脱壳之术露出破绽；亦或是多次强调，让宋慈笃信被砍头的就是罗二。（结果剧中是我的第一个猜测）

3、还有个细节，打斗时女主划了面具人的脸（或者是面具），而后树林里发现的小玉尸体脸上或者说面具上什么都没有，足以证明前后不是同一个人。（结果电影里没用上这一点）

这些是我关于剧情走向的分析，有的准了，有的没准，不难看出这一部也很“套路化”。

其实剧情于我来说有三个惊喜。第一个是结尾罗方亭的信和他的下场挺惊喜的，若他就此死亡，那这剧情就落入俗套了。而且这波煽情算是感动到我了。第二个是女主一人单挑吐蕃大军奇迹般生存（当然她叫外援了，只是没想到外援来得这么快），也很惊喜，我以为宋大人克女人属性会一直发挥作用。第三个便是开头救老鲁的剧情（我以为只是个引出宋大人出场的情节）、老鲁和两个死者的偶遇、在凝香馆发生的事和宋慈打趣罗二“第一次去凝香馆”的伏笔（没错，这句竟然也是伏笔）与“真相石沉大海”那句让故事更完整的前后呼应一样，又是一个环（但是其实这里算是硬烧脑，反倒让大家的看不懂）。

之后是这部的节奏问题，第一次验尸后的分析让我不禁想：不愧是宋大人啊，上来看见了细节（新娘拿出四个小铜人，电影也没强调他看见了），验完尸马上就明白还有三个人要死。这进度和速度属实是一般网电赶不上的，要放在别的探案类起码要再死几个且和铜人有关才能发现规律。

没在这里拖时间，是我没想到的。当然整部电影里还有很多次没有用细节（比如我自己分析的第3点）直接就得出了结论的地方，包括结尾，本该好好讲明白、慢慢讲仔细的地方也在“赶进度”，或者说是把重要（烧脑）的地方都堆在一起讲给大家，就导致很多人都看不明白，这就是我开头说的“硬伤”。

还有让我没想到的是，新娘口中也有假牙是罗二与本案的联系，这其实多少有点强硬。再加上我之前说的节奏问题，就既让人看不懂，又让人觉得谜题设置的很垃圾。

本来个人觉得这部要比前作剧情上更密集细致，有套路也有惊喜，前作反而有点空。可是纵观整部，罗方亭的本意只是通过利用知县大人和潜伏在凝香馆的玲玉背后的波旬教来杀两个人。但仔细想想，罗方亭的私怨应该不只是对那两个被害人，还有洗脑了他夫人舒童的波旬教啊，他这是利用更大的仇人来除掉两个背景一般的仇人吗？而且不计后果到“叛国”，害了很多无辜的百姓。

私以为他这波操作毫无必要，甚至有些过了，就算他再无力抗衡，他起码去得起凝香馆，那俩被害人也不是什么富可敌国且背后势力相当庞大的人。且他还干了仵作，自己想法子无声无息除掉两人，结果不是功成就是身死。是利用一圈然后更加稳妥吗？还是为了故意扯上国仇家恨啊？上升主题没有这么上升的，哪怕前面交代下边陲危急背景呢，而不是靠几个演员对话里反复强调“边陲重地”，甚至轻飘飘地说一句十万大军人心惶惶，前面连大军的影子都没看见。

我是很想夸的，但是这波秀操作最后让我觉得整个电影的动机就很站不住脚，所以只值两星半，这两星半给几位主要演员的演技和女主（还有替身）的打斗戏，还有编剧努力但是没达到烧脑效果的尝试

这部剧第一季挺搞笑，第二季有点感人，还是挺不错的，男主和女主cp感不错，值得一看。看的时候真的是一直在猜哪个是神仙小哥哥，一会觉得是赵错，一会觉得是小白??我还特意充了个VIP两天看完的，还有田三七和赵错的相处方式真的是太搞笑了 好像两个小学生??这部剧印象最深的就是田三七讲的，做人老婆一定要讲义气

torbaaz 暂无中文译名，片名也是这个阿富汗难民营少年板球队的名字。这位印度导演水平一般，只能说把事讲清楚了，甚至怕观众看不懂，用了大量的闪回来告诉观众人物心理状态的前史。胜在是第一个吃螃蟹的人，就算吃的是蜘蛛，也够给好评。毕竟阿富汗板球队在亚运会上拿到该国历史上第一枚银牌的历史互联网上还有据可查。至于恐怖分子用儿童做人肉炸弹的事，不止一部电影里有过展示，新闻里更是连篇累牍。教被训练成“圣战士”的儿童去打板球，从逻辑上是电影的常规套路。全片其他情节也没有更多亮点，无非三井寿碰到了安西教练，铁男想带三井回到黑暗的生活。只是这球是在直升机，炸弹，AK枪口下打的。肯定有大量的逻辑不通，包括情绪都假到难以在结尾完全升华。但除了这个导演，谁把镜头对准过这些自杀式恐袭阴影下的阿富汗板球少年？是套路，但比起那些键盘侠，用文明去实践对抗野蛮太值得尊敬。

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电影延续了张艾嘉“20、30、40”的女人步上阶梯设置，拉大了年纪和岁月跨度，引出不同世代的中国女性，对爱与家庭的执着追求与不同理解。

姥姥相信爱，得不到爱的回应。

妈妈信守爱，却似乎感到迷惘。

女儿追求爱，依然选择了放手。

这是一篇围绕20世纪中国女性的情感好文章，关乎爱的教育（正如张艾嘉饰演的妈妈角色是一名中学老师），也是娓娓而谈，文艺片架势的，那是为爱所付出的代价。

由于年代与时空跨度的存在，无论是姥姥从乡下进城，还是两口子回到街道办事处——即便是郑州这样的二三线城市，同样经历了中国城市化的惨烈阵痛。摩天大楼高架桥已经彻底改变了城市的面貌，被埋葬的，有许许许多多人的记忆和过去。

所以，《相爱相亲》对我触动最大的点，并不是什么结尾车内的《花房姑娘》对话（我不是认为这段不好，而是觉得它太像导演为了给观众某种相信与寄托，特地设计安排的冰释），我相信更为残酷的东西，像火葬场被敲碎的颅骨，陌生的踮脚仰望，还有照片打湿后，被手指抹去的容颜。

你很容易把这个人与人，关乎爱的软性主题，挂放在宏大的，作为背景出现的城市建筑和街道马路上，因为就连学校也在进行围墙与新校门拆建。城市下面，定然也埋葬着骸骨，那么，它到底是属于何方的春闺梦里人。毕竟，姥姥的丈夫，离开她的原因，就是进了城。

如果陈可辛在香港是文艺片头号把手，张艾嘉也是台湾文艺片的代表作人物。

我是相当不喜欢《念念》：

“文艺腔重得全程不适，演员的表现也不在状态。要讲的东西很好也很简单，但是，非要用自以为是的技巧，来加强表现力，效果其实适得其反。”

《相爱相亲》几乎没有用什么太花哨的剪切闪回。我所注意到的，是两段超现实的记忆：一次来自病房的回光返照，一次是妈妈晕倒后的梦里场景。同样是天国往来，纯洁过曝，白得发亮。

这是最最文艺片的抒情。完全是为了成全张艾嘉最后的记忆杀，“那个人，原来是你。”

如何去证明婚姻关系，《相爱相亲》耗费了不少公家办事难的段落，看似中国特色荒诞剧，为了揶揄讽刺，本质上还是中国人对爱情婚姻的安全感匮乏绝望所致。就仿佛有了一张结婚证，就能证明两个人合法、圆满地相爱过（田壮壮在片中也说了一句嘲笑话）。

无论老一辈还是新一代，她们共同提到的，摊开的一封封家书，还有火车的对话，都是钱字打头。“每个月往家里寄的五块钱”，“你把积蓄全部给了别人”……

对姥姥而言，钱是生活的保障，更是爱的证明。对女儿来说，钱是爱的基石，是某种条件。

这种解释，似乎偏离了电影的主线。也许田壮壮对女儿的困惑解答，也回答了这个问题。妈妈是害怕。中国人也都是害怕。害怕一切变得太快，害怕抓住的东西会丢掉。譬如名为爱，被命名为婚姻的东西。

怎么知道身边人，是不是真的爱自己呢。

许多人已经在岁月的打磨中，丢掉了这个问题。但凡解决了人生往复循环周而复始的现实琐碎，午夜梦回之际，你可能会突然打个冷颤——尤其是那些失去了亲人、自信和人生依靠的女性。

英：

以往日子清苦，总盼着能过好点，如今日子变好了，感情反而淡薄了，这么多年，你心头有什么不快乐的，那真是我的错，别跟自己过不去，洗个澡好好睡一觉，咱们的路还长着呢！

孝平

田壮壮老师用说不出来的浪漫（手写贺卡与哼唱歌曲），用“不经意”的方式，表达了自己的爱，对这个家的坚守。

然后，许多观众和张艾嘉一样，都哭了。

只有这样，结尾积压的情感，才能干完那碗鸡汤，顺利把生活在新时代中国的负能量释放掉。原来我们都忘了，年轻时候想要做的大事件。不是被柴米油盐酱醋茶所包围，不是被工作、家庭和教育所绑架。这对几代中国人的生活，尤其是一种讽刺。即便你知道，可能只有到了退休时候（如果你还记得），才真有可能去做自己想过的生活。但恐怕到了那个时候，你已经忘了。

电影处理不太好的地方，大概是对传统媒体电视台的批评，意图过于粗暴。尽管城市拆迁建设和证明你爸妈是你爸妈也有设计痕迹，始终没有谈话节目给得这么硬。那太像要表演，或者试图煽情些什么。

与此同时，《相爱相亲》也抖露了同期中国电影一大弊病。真正感人肺腑的，并不是演员滔滔不绝的大段话——这些话不拖累带坏节奏已经是万幸。像结尾那样不失控还打动人的，已经是奇迹了。

最大的煽情点，是在那些不言不语的沉默之中。比如前面提到的，姥姥两次看照片。时间的力量，情感的涌动，无情与友情，都不需要任何对白。

估计没有人会认为，姥姥有得到过真爱。可是，她的表现不是爱，又能是什么。是代价。是供养的爱。

相反，当女儿的角色，试图用言语去证明什么，那段故事，反而是最弱的也是最俗的，爱上一个唱歌的文艺青年，为了理想去北京之类。得到自由，拥有选择之后，也许爱已经被稀释，不是那么贞洁，不需要完美，动不动要用上此生不渝。当然了，这也是现代人的爱。爱人，也包括要爱自己。

一度对金马54，张艾嘉多项提名入围有所保留怀疑。现在，我全部收回。

延伸观影：

“我们只关心死，却很少关心怎么活。”

——《哀乐中年》 电影台词

“嫁给你爸爸的时候，不知道他身体不好，嫁给他20年，足足服侍他20年。”

——《童年往事》电影台词

“其实一家人住在一个屋檐下，照样可以各过各的日子，可是从心里产生的那种顾忌，才是一个家之所以为家的意义。”

——《饮食男女》电影台词

从开场的等鱼死，到最后的人生如朝露。电影说的是女人四十，其实讲的还是一个“死”字。

人被时间岁月所打败，衰老和失忆被表现得极其可怕，养老院寥寥几幕，还有年轻人说的大实话，它们都道出了人生的残酷。

五十年不变的诺言，它可能是小孩子的勾勾手指尾，也可能是那对相扶相渡的中老年模范夫妻。

——二哥评论《女人四十》

时隔近二十年，由成龙监制的电影《我是谁2015》上映，虽然成龙并未出演，但这部片子依然有着挥之不去的成龙印记。对于喜欢成龙电影的观众来说，无论是动作戏的流畅惊险还是时不时冒出来的小幽默都是其必不可少的元素，在《我是谁2015》里这些经典元素都得到了很好的传承。与成龙版《我是谁》不同的是，这次虽然同样是对“我是谁”这一命题的发挥，却并没有再在“失忆”上做文章，而是选择了大众较为陌生的“脸盲”作为切入点。因为“脸盲”，主人公时刻处在“敌我不分”的危险境地之中，这不仅为故事的顺利展开提供了充分的前提，也因此制造出来了不少“笑果”。《我是谁2015》敢于对功夫喜剧进行探索和创新，实在难能可贵。从片中好莱坞模式的叙事风格，惊险刺激的打斗场面，俊男美女的搭配可以看出导演宋胤熹对于动作片商业模式的驾轻就熟，而其中的各种极限运动、男女主人公的意外邂逅、壮丽的自然美景等等元素又让其个人特色突显，可谓在传承和创新中找到了一个绝佳的平衡点。

“可是你不在我身边，托清风捎去安康时光时光慢些吧，不要再让你变老了，只愿岁月长留与你相伴。”仅用半个小时的微视时长让人泪流满面，只愿时光你且慢走。

就像很多故事的开头一样，这同样荒诞不拘和充满了黑色幽默。父女题材多次被广大编辑所改编，可每一次都让人催泪。本片也同样剧情十分朴实，做警察的父亲离婚，负伤，经历生老，最终老年痴呆，貌美如花的女儿放学，早恋，经历叛逆，最终结婚。通过朴实的剧情下导演对视听语言的熟练使用以及剪辑手法的操作，成功的触动了我们内心的柔情。

影片开头通过公交车撩裙子这一事件开场，随着剧情的推动以及特写镜头老人的表情，紧接着伴随着回忆的开端，倒序的手法，成功为影片设下悬念，伴随着音乐的响起，恰到好处。演员夸张的演技表现使得个人沉溺于导演所营造的场景中。大量剪辑手法的运用使得空间能够实现时空上的跳跃。紧接着一个挡黑镜头的运用，又一次地通过背景声音实现空间的第二次跳动，bp机的响声与相机咔嚓声的相呼应，又一次完美的通过物想实现空间上的跳动。又一个挡黑镜头的使用，一场回忆的穿插，仅仅几秒钟就巧妙地将时空这一概念延展，可见导演的用心之良苦。透过细节来看，在下棋中，他被对方将军逼得走投无路，在他对面的赢家身后有众多人，而他背后只有他的影子陪伴着他。回到家后，电视机中所播放的剧情更令老人回味，狭小的场景，昏暗的光线，似乎一切都很孤独。

紧接着，随着镜头的推动，剧情的需求，到最后，女儿要结婚了。然后父亲本该在医院却以一种独特的方式出场，为了自己心爱的女儿的婚姻之旅填上最后的一笔。似乎在女儿重要的旅途中，父亲从未缺席。最后父亲最后送女儿交于新郎手中，导演似乎又跟我们开了一个玩笑。伴随着缓慢的跟镜头以及最后脸部特写的神情，最后那句“等你放学后我还来接你回家”，让我们大为感慨。随着时光的飞逝，其实父亲并没有恢复，只是将接送女儿放学回家的记忆刻在脑海中，女儿哭了，感动的哭了。这种爱让观众都深有感慨。

这部影片透过故事片中的内核——父爱，我们可以看出时光之快，再不知不觉中，你我皆长大成人，你忘了过去的一切，也没忘记爱我。时光时光啊你且慢走，只愿换你岁月长留。

电影前半段就是在将一个道理，就是交友不慎会殃及鱼池，伤及自己，伤及朋友，伤及子女，黑人在聚会后，兄弟打架后的吐露就是，假释期间的完美解释，小心翼翼的或者每一天，生怕会因为什么事情会再次进监狱。电影在后半段也在讲述一个道理，电影巧合的把黑人与警察在家中相遇，用一大段饶舌的话语，完美解释了种族的境遇，黑白人的区别在于，我不杀人，而你是肯定的，这句话也深刻的戳痛了警察的内心，同时，弹幕上一致对黑人的饶舌话语，佩服不已，成为了全片的经典所在，将电影升华到了另一个境界，黑人的所思所想所作所为在美国的处境，电影可谓是拖沓中有剧情，言语中有生活，也还算得上合格的纪实类电影，前提是你要坚持看到最后。

这样好的一部印度电影，我居然现在才看到！！！不过幸好，我看到了这部电影，特别感谢导演感谢编剧感谢这部电影的工作人员，让我看到了这样一部好的电影作品。

我之前特别想去印度旅游，想去看看书中描述的神圣的恒河和完全不同于我所生活的现实的印度，周边的人听了也总是劝我，印度太乱治安不好特别是一个女生去旅行完全不OK。我听从了他们的建议，没有一腔热血就冲动出发。看了这部电影里的印度，确实是让人望而生畏。

渣一样的生存环境渣一样的人文环境，我觉着观影的我仿佛是上帝视角看着这样一群可怜的印度人，落后，封闭，愚昧，无知，闭塞，历史及信仰等其他原因导致的扭曲的价值观，生存于那里的女性毫无尊严毫无自由。现实的绝望于她们，与生俱来的摆脱不掉。

但我爱的是，生存于这样一个混沌的她们，却在绝望中开出了自我的花。

因为我的悲剧命运，善良之心不忍你也走出这样悲惨的足迹。成全他人。

我的需求不是羞耻。被视若珍宝般的性爱，温柔平等有希望的爱人，积极向上的价值观。成全自己。

挣扎于温饱线的人们，在满地灰尘里，依然会去追求，尊严，尊重，平等，善良。

我看到3个嘻嘻哈哈的女主，在经历过各自惨淡的人生依旧有着小女生的天真烂漫，一个又一个小可爱般，为这部电影带来了欢笑。

相较于爱之类的其他情感，前进的勇气真的更让我钦佩~在绝望中挣扎出的自我，美丽又勇敢！

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看完《烽火燃情》（原名《风雨梵净山》），内心复杂。

这部剧中最牵动我的，是小少爷孙如柏磕磕绊绊的成长。

曾经的富家小公子，有点幼稚任性，但不失纯真。他把喜欢的姑娘小心翼翼的捧在心上，那份纯情的深情真的很打动我。

成长总是喜悦和痛楚掺杂。如柏从被拒绝到慢慢历练成长，从知道心上人怀了自己骨肉的狂喜，到突发意外之后的晴天霹雳，再到心上人牺牲时的撕心裂肺的疼，最后为革命献身，角色的每个阶段都牵动着我的心。饰演孙如柏的演员朱一龙当时还很年轻，但是每个阶段都演绎的认真又动人，很有共情力。很出色。

跳出戏外，朱一龙的成长也是有目共睹的。一路翻看他这些年的作品，能看出每个角色都有他自己的区分处理，能感受到他对每部戏的用心演绎。很喜欢。

希望有更多这样用心的好演员，希望演员朱一龙有更多更好的作品给我们看。

1、梵谷：在永恆之門（At Eternity's Gate ，2018）一片，由五類型的「對話」場景構成：

[1] 第一，是梵谷與社會大眾的對話，包括在酒館與女人的對話、曠野中與一群師生的對話，以此呈現出社會大眾的市儈性、現實性與淺薄。酒館中的女人說不看那種充滿寓意的文學，只看簡潔如報紙報導的那種文字；曠野中出遊的師生中，孩子詢問「為什麼畫樹根」還帶點疑惑，可是老師說「畫得一點都不像，現在什麼人都可以自稱畫家」就充滿了質疑和挑釁；如此我們可以知道梵谷面對夏蟲不可語冰之苦。

[2] 第二，是藝術的對話，包括在酒館中一群組織社團的藝術家以及和高更的交談。尤其與高更的對話中，梵谷充分的說明了他的筆法來自於對古典繪畫的繼承基礎，他說其筆觸是師承諸多大師的技巧，可是他的開創性，對線條與光影的感受卻又走得太前衛，終於與高更背道而馳。面對日益增多的衝突，以至於知己的離去，最終他懲罰自己（割耳）以低頭挽留。

[3] 第三，是精神性的對話，也可以說是自我的對話，特別是在警察局、收容所、精神病院中。與其他精神病患一同治療中，會發現與之交談的那名士兵因目睹過多軍事爭奪中殘忍的事實，無法負荷而致崩潰，一如梵谷無法承受對自然深刻且充分的感受而瀕臨瘋狂。和神父的一席對話，更是說明他對宇宙真相的掌握與表達超前於那個時代太多了，以至於無人能及——展現出自我的堅持和肯定。我們很容易從外界發現梵谷的苦，可是我們能不能從梵谷本身去發現他自己的樂，即使是生命的結束，也沒有控訴、指責或埋怨！ 這點梵谷如同顏淵——賢哉回也！一簞食，一瓢飲，在陋巷。人不堪其憂，回也不改其「樂」。

[4] 第四，是日常生活性的對話，包括和弟弟、醫生等，這是用以建構梵谷生命歷程的時間線。

[5] 第五，無聲之聲，沒有對話的對話場景，也可以說是與道的對話。當梵谷眼觀自然而心有所悟，此刻的他停止言語，停止思想，沉浸在光影的變化中，所謂「 道，可道，非常道 」——因而這無聲之聲的場景特別多，占電影分量最大，導演不斷透過鏡頭攝影自然，讓觀眾沉浸在那樣的永恆光影之中。

2、辛意雲老師老子辛說卷七十七：

有一部電影值得愛看藝術電影的朋友去看看，梵谷：在永恆之門（At Eternity's Gate，2018）。梵谷，就是十九世紀的後期後印象派的大畫家。這部電影其實是在表現梵谷與生俱來的繪畫性。當時所有的人都不能接受梵谷的畫，認為他的畫粗暴、醜陋，違背一般人眼中客觀事實的再現，認為完全不合乎客觀性，或說客觀的自然科學性；再加上他那種狂熱的情緒；當然，在實際生活裡他也不擅於和人交往，就會悶頭作畫，於是大家都認為他是個怪人，凡他所到之處，他都被排擠。甚至於在這部電影中，就認為他是因為這個情況而不被理解，不被接受而被排斥，甚至於被否定，於是到處被打壓，甚至於被毆打。孩子們也因此常常去打擊他，丟石塊去砸他；村民也要趕他出村子。最後在這個電影中，他因此就被村中的不良少年在毆打中用槍打傷了，因此而死。所以這部電影去強調他是因為畫作被全面的排斥，而被打，以至於死。

在死前，因為他不被了解，不被接受，大家覺得個性怪異，認為他是瘋子，他是危險人物，所以還把他送到精神病院裡去。也就在精神病院的這些過程中，在片中，就由梵谷的口中自己來敘述他為什麼這樣畫，何以大家都這麼討厭，他還這樣去畫——他說，他只是順著自己的眼睛看到自己所看到的自然，那燦亮的黃色的陽光，那變化無端的光影，在這變化無端的光影中所顯現出來的驚人絕倫的美麗的色彩，這一切都是上帝所賜與人類而展現的自然狀態，這是上帝所給予的永恆，而自己只是將他們作了紀錄而已。

當時高更去看他，甚至於和他住在一起，勸他不要老在陽光底下跑去畫那個大自然，回到房間裡來吧！進入室內，就畫室內的景況，這樣也至少免得讓梵谷自己總在大自然中過度的興奮——因他所看見的美而過度興奮。結果被梵谷婉拒，梵谷反而勸高更：「出來迎接真正的大自然吧！看看那個光，看那燦爛的光！看看那個光照耀下所有事物變化無端的無限反映！」

他在療養院的時候，神父說：「你為什麼要畫出如此醜陋而粗暴的畫作呢？這幾乎是魔鬼的顯現哪！」梵谷回答神父說：「我知道我的畫是人們所不喜歡，他們嫌醜陋。」他說：「其實不見得就是醜陋，這只是人們還無法看見，無法知道或理解上帝所賜的美麗，無法認識到上帝所賜這天地萬物中的永恆之處——這個大自然，這個美麗絕倫的大自然，就是通往上帝永恆之門的地方！但是我看見了，我控制不住，自自然然的去擁抱他，把他作了紀錄。」

神父又問他：「你怎麼確定人們還不知道，還沒有看見那上帝所賜的永恆呢？」他說：「你看！當耶穌出生的時候，他宣道，呼救世人，可是當時的人們卻並不知道。當時的猶太人還要求，甚至於逼迫羅馬總督彼拉多要釘死耶穌在十字架上。當時的人們沒有看到耶穌是神之子，羅馬的總督彼拉多也不認識，於是人們就釘死了耶穌於十字架上，殺掉了耶穌了。而當人們開始認識道耶穌，認識道耶穌的愛、上帝的愛，已經是三、四十年之後了，在三、四十年之後人們才有能力去認識到耶穌，看見耶穌，知道耶穌所說的愛。」

神父再問他：「那麼，你現在不期待別人認識你嗎？」梵谷說：「現在的人還沒有能力認識我，事情就是這樣啊！這要經過許多年之後，人們才能認識，認識這永恆之門！我只是順著我內心的呼喚，畫出我所看見的——而現在只有我看見了！」梵谷說他現在不期待人們對他的認識，因為一定要經過許多年之後，人們才能認識到他，因為他生早了；如同耶穌也生早了，是一樣的。不過呢，將來人們會認識他的，會認識到他所畫下的這永恆。

當時梵谷還說，他只有在作畫的時候才會快樂，才會聽不到他腦中的種種雜音。當然，這是屬於梵谷的特殊性，而我要介紹的不是梵谷的特殊性，請注意！不是說梵谷可能有些什麼個別的或特別的狀況等等，現在不是說這個，而是要注意到這個電影中所呈現的梵谷在作畫上，他沒有一點點任何的那個時代畫作的習氣，也就是可以成為商品的、可以待價而沽的商業目的性。他的繪畫不是等著賣的，不是為等著要買畫的人畫畫，他的作品不是為了成為商品而畫的，他只是順著他所見的自然，所感受到的自然，沒有任何的做作，歡歡喜喜的去畫，去作下了紀錄。

或許我們去看了這電影，可藉著梵谷在這部電影中所陳述他自己的繪畫理念以及他的繪畫態度，來對「上德不德，是以有德」，以及「上德無為而無以為」的這分道理作一個參考，特別是「上德無為而無以為」。凡是「上德」的表現，完全是大道的，是自然的，是無為的表現。這無為的表現到了什麼程度呢？到了連可作為任何動機的憑藉都消失，一切的作為不過是大道自然體現而出的狀況，一切都自然而然。

这部电影我是在2020年春节前一周观看的（爱奇艺独播）。在看电影的前30分钟时，我就想到如果提前告诉观众耐心等待，这样的剧透反而不会影响观影体验。确实有些观众对于前三十分钟一镜到底的直播毫无耐心，不知道电影后面藏着怎样的惊喜。反正我是看出导演埋下了伏笔，肯定会交代幕后的故事。这样我就自然对影片后面有了一个悬念期待，虽然导演并没有故意制造出悬念。

影片叙事的铺陈在戏中戏《One Cut of the Dead》开拍之前。正式开始一镜到底的拍摄直播之前，我们的想象都无法达到“这部电影是如何拍出来的” 。感觉的形成自然而然受到屏蔽，好像有一道“无知之幕”天然地将观看者与幕后拍摄者隔开。因此本片在30分钟过后就一层一层拨开了幕后制作的各个环节。每一个环节其实都超出了观众原来的想象。这时才形成感觉，会有“原来如此”的恍然大悟的感觉。

影片最后三十分钟里有突发的事件发生，也是由于突发事件推动了整个《One Cut of the Dead》的拍摄过程变得惊险刺激。这也是无法剧透得知的。一定是观众对电影有了代入感，感同身受后理解了开头的三十分钟才会觉得后面三十分钟特别刺激。是刺激点把前面的铺垫给串了起来。

一部好电影是不怕剧透的，所以我在这里简单的分析一下《One Cut of the Dead》这部伪丧尸片：首先这是一部电视秀，受众是很有限的。其次这部电视秀表达的是个体的主观感受：在废弃的工厂建筑里遇到生化危机，然后逃离丧尸的攻击。至于为什么会有丧尸这种问题，则不予回答。电视秀这种节目形式不会浪费时间把相关的世界秩序向观众娓娓道来。观众通过特别的一镜到底的直播体验成为戏剧的经历者，观众的视角化身成为第一人称，与女主角经历一波同样的生化危机。这时的女主角就是这个有丧尸世界的对痛苦的反应者，观众是对痛苦者的反应的观察者。又由于观众是对着电视机屏幕进行观察，是安全的，并不会在视觉效果以外体验到血腥，观众其自身也不会指导女主角的行动。

直播《One Cut of the Dead》这场电视秀本身是把滑稽提高到了荒诞的高度。十万倍地放大普通的害怕到恐怖的程度：尖叫，尖叫，失控般的大声尖叫，砍头，断臂，血浆飞溅。急剧刺激人的视觉感官。而与之对应的又是嘲弄了在看观众的机智；突如其来的结局把怪异的追杀变为无法自圆其说的神秘。

在《One Cut of the Dead》的幕后制作剧情中，又进一步揭示了灵感，自发与个人情感都不是拍摄直播过程中的主导力量，而是导演的技巧与剧本在发挥作用。导演与剧组所有人都排练过多次，就算临时出了意外，导演亲自上阵，按照剧本的编排也可以完成直播的拍摄。而导演在幕后所做的一切幸苦努力也只是保证了直播拍摄顺利，给看到了直播的观众提供了乐子。