我好像从来没有在互联网上随便评价一部剧或者一个人，因为我认为意识是具有多样性的，不可以仅靠自己的主观评价就对事物的好坏下定义。但是看了两集这部剧，我实在是无力吐槽了，我不抨击演员，大家都是帅哥美女。但是这反应的三观是什么呀，家长只关注成绩，老师在学校只想着搞关系，我天，这是一部电视剧应该反映的价值观吗？

重刷The affair第二季有感。

大部分爱情故事都会有一种极其可怕的婚恋观点：爱情特别神圣，所以你一辈子应只爱一个人，你要找到the right man/lady 与之结婚。因为爱情特别神圣，所以你应该花很多时间和精力在这个事情上面，它会决定你的人生走向。

从小接受这种观点意味着什么？

当我们谈恋爱的时候，你跟这个人相处觉得有点不太对劲，但是你受了蛊惑，觉得真爱只有一个。如果结婚了，万一在人海中多看了其他人一眼，你万分纠结。更令人恐惧的是，你以为跟ta在一起就是一切。

然而真相如此残酷：爱情从来不唯一，爱情也不够神圣伟大，它善变又缥缈，无法支撑起一个人的梦想。判定一个人的人生不应由ta是否曾经有爱过或被爱，而是应该看他们做了什么（their work, their accomplishments）。

这才是Noah奋不顾身要离婚的缘故。

起初，他以为自己陷入了爱情；结果，他发现他只想要成功。

当激情褪去，孩子出生后他只能4点钟起床，满眼血丝在洗手间写作之时，他发现他并不喜欢这种生活，并始终没有把已经离婚的情况说出来。

这个发现令人毛骨悚然。当你为一件事情撞得头破血流，到手后却发现自己深为厌倦，当你飞蛾扑火离了婚，却发现ta可能也不是真爱，甚至怀疑真爱是否为人生标配时，你该何去何从？

第二季第十集可谓点睛之作（虽然Samantha当心理医生让人忍不住想出戏），Noah终于说出了他内心的恐惧，以及对忠诚能否称之为一种美德的怀疑。

一个不出轨，只会酗酒并由儿子承担照顾重病母亲所有家务的男人，相比一个有所成就但或许私生活有不检点的人，如他目前正在写的这个 Omar Bradley 将军（Jefferson, Hamilton, Picasso, Hemingway，以及Noah自己），哪一个才是正确的？

"I want to be a good partner and a good father, and I love having a family, um, and a home and people who depend on me."

这是他对自身良知的拷问，也是痛苦的醒悟。Noah和Alison的关系，实际上跟他和Helen本质是一致的。

"But I also want to go to France, and for two years, and fuck whoever and feel alive again, and write a great novel."

因为年少时缺乏家庭温暖，所以他渴求有稳定的伴侣和很多小孩，可是现在渐渐意识到了，他更为看重的是自身的成就，Alison也无法使他快乐。他必须承认自身渴望的是功名利禄，成就自我。

他必须证明 Descent 只是意外，他不是一个普通的廉价艳情小说作家（I'm not a pulp novelist），既然像他岳父那样的人可以成功，他为什么不行？这才是目前急切需要解决的问题，而不是什么刚出世的婴儿（但他对所有孩子其实都尽力了）。

同样也是作家的岳父可看成是他的镜像，他们两人在第一季有过一次略带哲学思辨的对话，而正是那次仅有的交流引发了两代婚姻的同时破裂。

如果不是一毕业就结婚有了4个孩子，Noah恐怕就不至于在四十五岁时产生强烈的中年危机，所谓遵循内心放弃了现有一切，开始朝着理想发足狂奔。而与妻子同床异梦功成名就的岳父，暮年将至转身找回了一直惦念着的女人。

这一对比设置足够意味深长。

或许，Alison对于Noah的意义并不是找到真爱，而是让他尝试了生活另一种可能，虽然这个代价未免太高。

每个人都可以在Noah身上看到自己，他勇敢、诚实、善良，但又虚荣、自私、贪婪，他伤害了所有爱他的人，然后每天花一个小时写信给永不回复的大女儿。

至此，Noah这个人物终于完全的立体起来。

第二季的结尾是光明的，Noah为两个爱过的女人扛下所有一切。真心感谢编剧，没有让这个角色在最后崩塌。

第一次写的Noah可见：https://movie.douban.com/review/9668104/

显然，这部在小破站独播的剧并没有掀起太大的水花，但这却是近年的电视剧里面最让我能够感动的。

为什么呢？这部剧不仅仅在探讨着正义，而且这部剧有着特殊的人味，怎么形容呢，就跟慧芸的那个小破律师所聚心事务所一样，和那种赚快钱的律师所不一样，他们接的大多都是公益案，虽然钱不多，但是却有着人情味。我最喜欢的一案是馄饨兄弟情，有反转有高潮，在最后这个赌徒回到了最开始的馄饨铺，他看着自己的哥哥，哥哥已经认不出他来了，可以说，让我泪目。

【详细】

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女鬼要投胎，找鬼中当官的干爹投个好人家，结果被开心鬼的今生三番五次阴差阳错挡了，女鬼就去摆弄开心鬼今生报仇呐，开心鬼出来和女鬼斗法结果失败，出了一计让今生去和女鬼搞好关系假装喜欢她，后来发现女鬼前生是个歌手，可生前世不出名，就把女鬼生前出的惟一一首歌听了，后来女鬼前生的歌火了，女鬼搞坏了今生和他真女友的关系，今生就发火了对女鬼说我从来没有喜欢你只是骗你好让你快点投胎，不要搞我，女鬼生气离开了，后来女鬼为了救今生的学生受伤搞得受伤要魂飞魄散了，今生和学生们拼命送她去医院孕妇那里，好让她赶上投胎活命，最后赶上了，两人拥抱惜别吧

墨西哥导演阿方索·卡隆自2013年《地心引力》以来的首部作品《罗马》，在还未登上银幕之前就已备受关注，由于发行商Netflix的“不良出身”，这部大作早早就被戛纳拒之门外——但这毫不影响它在今年秋天卷土重来。几天前在威尼斯的首映，口碑极佳，而接下来，它还将一个不落地出现在Telluride，多伦多，纽约和伦敦，成为各大影展的“绝对主力”。在这一季奥斯卡的大幕还未完全拉开之际，有人便已把它当作最佳影片的有力竞逐者。要知道，这对于一部非英语作品来说是极大的肯定，上一部获得同样提名的还是六年前哈内克的法语作品《爱》。

有趣的是，《罗马》和《爱》之间的联系不仅仅在拍摄语言——这两部电影的名字其实就相差了一个字母（“Amor” vs. “Amour”），法语中的“爱”（Amour）在西班牙语里是“A-m-o-r”，而把这四个字母倒过来，就成了我们现在看到的片名：ROMA。

片如其名，这是一部倾注了卡隆满满爱意的作品。故事的主角叫克莱奥（Cleo），是墨西哥城中产人家里的一位女仆/保姆。故事蓝本是卡隆的童年经历，所以片中四个孩子中的一个，想必就是导演自己——那个时候他还不到十岁。电影聚焦在1970年代，以克莱奥一段苦涩的爱情经历，和女主人苏菲（Sofia）被丈夫抛弃为主轴，细腻而悠扬地刻画了这家人的生活遭遇。同时，导演也用短暂的篇幅交代了当时社会的动荡：墨西哥城街头的巷战，枪声，炮火，带我们进一步去感知那时代洪流中的渺小个体——尤其是女人和孩子，他们看似平静生活背后的不易和创伤。

然而，《罗马》并不简单是卡隆个人记忆的重现，整部电影的拍摄，和我们如今在银幕上看到的克莱奥，对导演来说都是一种“再创造”。保姆当年的生活细节，她体贴和无微不至背后的内心波澜和感情悸动，以及丧女的悲痛，想必都不是一个十岁孩子能够观察和体会得到的。影片中有一段完整描述了克莱奥在睡前是怎样一盏一盏关掉家里所有的灯，而这个极富诗意的360度长镜头，也自然不是童年卡隆的亲眼所见。与其说《罗马》是导演对过去的追溯，不如说是一种复原。他自己也说在准备过程中和克莱奥通了许多次电话，聊到了很多细节，为的就是尽可能去还原她当时的生活轨迹和精神状态，连她在厨房里忙活的时候听的是什么歌都打听清楚了。所以，对于卡隆来说，把抚养自己长大的保姆搬上银幕，不但是对自身过去的回望，更是对一个普通女人进行重新认知的过程。

其实早在十年前，卡隆就有了拍摄这部电影的想法，而迟迟没有动作的原因，据他讲是因为还没准备好——并不是技术上，而是情感上的：十年前的他显然还没有绝对把握完整表达这份感情，而拍好一个亲密的角色确实需要几分超脱和距离。波兰斯基直到七十岁才通过《钢琴家》揭开自己童年的伤疤，其中的感受想必也颇为相似。

因此，我们在《罗马》中看到的是一份从容悠缓和成熟大气。这段私人记忆和对过去的回首，既非声嘶力竭的追问，也非一厢情愿的怀恋，而是始终如一地建立在对克莱奥这个角色无微不至的呵护之中。这位抚养卡隆长大的女人，在这部电影里反倒成了被关照的对象。导演亲自掌镜，用细腻和如涓涓细流一般流淌的影像，为我们呈现了已知天命的他是如何定义自己的过去，又是如何珍视这份与母爱并无二致的情感。影片中的克莱奥尽管卑微渺小，毫不起眼，但却始终是被“捧在手心”的。生活的潮水中，这个小人物所经历的微弱幸福并没有被过度渲染，而那些痛苦和伤痛也没有被残忍地放大，电影的基调始终处在一种恰到好处的平衡之中。我们的克莱奥，欢快时如小麻雀一般穿过密集的车流，忐忑时靠着画框歪着的白墙看着男友裸身表演武术，无助时侧坐在女主人苏菲身边几近淌出泪水等着交代自己的不幸，勇敢时顶着比自己身躯还要高出一截的海浪奋勇向前，平静时则一言不发，坐在车子里望着窗外回想不久前刚经历的劫难。《罗马》中的故事并没有特别强烈的戏剧冲突，但我们依旧毫无保留地走进了克莱奥的内心世界。这位长相平平的女主人公，连笑起来都有几分腼腆，却被导演赋予了极闪耀的人性光芒。

从视听角度上看，这部电影的内在力量也是无比强大的。在如此强调叙事和故事性的今天，卡隆用他标志性的长镜头为我们还原了电影作为一门艺术形式最初的美丽。影片的开始就让人回味无穷，甚至让人联想起塔可夫斯基在《乡愁》里的开篇。放映字幕时，镜头一直聚焦在家宅内院的地板上——而且是很小的一个局部，不仔细看甚至不觉得它是地板。然后我们看到水流划过，覆盖了整个表面，肥皂沫涌起，地板被洗刷一净，这个过程中摄像机完全静止，克莱奥自然也没有出现在镜头里。字幕放完，镜头缓缓抬起，一户平和而美丽的墨西哥宅院逐渐映入眼帘，摄像机平行对向户院大门之后开始转动，缓缓经过了180度来到主屋面前。这个时候，人物出场，刚刷完地板克莱奥从画面一侧走进我们的视野，她进到屋里后拿了什么东西又走出来，镜头跟着她往回转了90度，随其登上房顶天台再次抬起，我们看到屋檐上的天空，和一旁晾满了白色衣裳的衣杆。这一个镜头有数分钟之久，中间没有出现过一句话，克莱奥也没有露出正脸，但结束时我们却对这间宅院的每一个角落，和克莱奥的身份与生活状态一目了然。

这样的例子在影片中还有许多，卡隆对将摄像机置于客厅中央，然后旋转360度来交代人物的运动到了近乎痴迷的程度。除了前面提到的“关灯”段落，在与苏菲座谈之前叫孩子回屋的那一幕，和在乡间旅馆里载歌载舞的那一幕也都是异曲同工。导演通过这样的镜头设计最大化地将我们的视角与克莱奥的生活状态对接，并通过刻意压制的节奏传达出一份内敛的力量，使我们进一步沉浸在这份真挚的情感里面。

当然《罗马》并不是一味地追求舒缓和隽永，卡隆对影片炉火纯青的把握还体现在最后半小时，也是剧情冲突相对激烈的半小时。反动武装的街头暴乱，持枪匪徒夺门而入，惊扰了正在商场里买婴儿床的克莱奥，也击碎了她对新生活的憧憬。紧接着，悲剧来临，去医院路上响彻天际的焦急的喇叭声，和在医院里紧张得让人喘不过气来的抢救，一举把影片推向第一个高潮。尤其是后者，从头到尾仅用两个长镜头就交代了全过程，并悄无声息地把情绪由紧张推到窒息再到无声的悲哀，一气呵成，让人赞叹不已。

正当我们以为电影将在这个悲剧之后缓缓作结的时候，卡隆通过海边抢救孩子那一场戏进一步“绷紧”了故事线，这也是短短半小时之内的第二个高潮。那个侧面跟随着克莱奥步入海面，进入海中，几近被海水淹没，又再怀抱着孩子从浪涛中艰难走出来的镜头只能用震撼来形容。这个看似简单的平移长镜头，却四两拨千斤一般在我们内心中激起了无数波澜。过程中我们只听得见克莱奥的呼喊声和汹涌的海浪声，正如《人类之子》结尾处的“末日长镜”一般，导演通过最基本的视听语言渲染极端情绪的能力再次展露无遗。

最后再聊一聊电影的主题。其实我并不觉得影片中交代的政治事件以及两位妇女（苏菲和克莱奥）面对男人的抛弃所作出的反应是卡隆所要讲这个故事的初衷，尤其是站在克莱奥的角度上看更非如此。打砸抢烧背后的国家命运对她来说距离实在是太远，妇女解放呢，也许于她而言就是个陌生的概念。归根结底，那个充满了悲欢和爱的宅院，那些她呵护有加和爱戴着她的孩子们，还有庭院之外对爱情的追逐，才是生活的全部。我想这部电影所谓的社会意义，并不在于表面上那些带有“社会属性”的情节，而是导演对这位平凡女人刻画时候的视角本身。生活中的克莱奥对于卡隆来说也许真的只是一位“母亲”式的人物，但在这部电影里，同时也通过这部电影，克莱奥成为了一个更加完整的人——她既脆弱惶恐，又勇敢坚强，不仅仅是一位“母亲”。我觉得这种视角比自由和解放还要来得珍贵。毕竟，对于女人来说，获得端正的目光和凝视才是最有诚意的尊重。

电影极尽夸张之能事，暴发户的lv纸内裤、金牙、游泳池豪车，黄渤饰演的娘娘腔动作明星，范伟饰演的假国学“高晓松”，每个角色都个性鲜明，然而导演这个厨子，竟然只会下火锅，还TM是清汤的，可谓化神奇为平庸的能人！

作为一部喜剧片，不搞笑就是最大问题，只有夸张没有前后对比反差，肢体语言、表情扭曲到极致也难以掩盖剧情的空洞乏味。

吐槽一：过分花哨的动作元素有喧宾夺主之嫌

二：主题混乱，黄渤饰演的明星明显是个反面角色，结果被高晓松“指点”一番，竟然真的全球闻名了。可以说是为了HE强行改剧情，足见其功力。

三：伪多线叙事，看似几条线并行，其实关联度不大，多个主角出场，真正发挥作用的似乎就两个女飞贼，其他人不过是餐盘摆件，对剧情影响不大。

四：烂透了的收尾，强行煽情，虚伪至极！

五：道哥的心理转变缺乏明显的影象支持，大师和女贼搅到一起更是莫名其妙

可能导演拍了一半也知道这个样子太丑，于是又在结尾装模作样拍了几个故作高深的镜头，既然你这么能，干脆去拍短视频吧！

有幸在学校标准放映厅看了。

现在看都觉得很超前和深刻。战争中唤起民众抗战意识，为捍卫土地和反殖民付出的人连看病的钱都没有，生活困顿，得不到尊重，还因为颠沛流离而贫病交加。而发国难财，无视人民的奸商一直过着奢靡的生活，战争也并没有影响到他们。虽然表演体系不同，他们的表演现在看上去有些夸张和可笑。但毫不影响叙事的效果。无奈，悲凉，又觉得真实。

有的画外音非常多余，有的镜头是可以省略的，或者调整一下景别会好些，表演也有些刻意和做作，但瑕不掩瑜，片子的思想内涵还是非常丰富值得回味的。

当相思花落，

出了新京是山河万千，

此时再无匪贼的踪影，

太阳在冰雪间下山，

腰间的剑戟在哭泣。

兴安岭的山风呼啸而过，

哪怕无法抵御严寒，

但是在故乡的前线上，

我们会战斗到最后一刻，

直到凛冬结束，

祈祷再次重逢。

我想这首昭和小调《北満だより》（北满的消息）就是这部电影的精神内涵最好的诠释。小野田宽郎为了一个信念而战，这个信念再此不方便说。也正是此民族的信念，让他们一度登峰亚洲之巅。

他坚守三十载于丛林，这是何等的坚毅。日本民族能够成为亚洲第一民族也不无道理，因为他们有世界上最坚毅的信念，有了这样的信念，他们足以有动力做到任何事，打赢任何一场战争，我愿称其为大和精神。

有时候换一个站位去思考是一件非常有趣的事，有可能在固有的价值体系里日本人是如此的凶残与恶劣，但一站到他们的价值体系里，他们是一群将亚洲建设为他们的故土的战士，为了保卫故土，他们这片土地上忍受严寒，饥饿，持续奋战，消灭所谓匪贼。

这就是欣赏不同文化的意义，从站位差异性上去感受这个世界的丰富，充实自己的价值观。

但必须强调这部电影本质是对战争的深邃反思，历史注定了他们的战败，也注定了他们的反思，这部电影也是对那个时代，那个民族，那个信念最深情的埋葬。