《一个勺子》的海报风格来自中国传统的门神画，在这里，男女主人公似乎与门合为一体，成为门神画上的图案。他们身上农村风格的强烈造型，以及站姿和墨镜阐发出来的那种抗拒的精神，是传统对现代性的一种负隅顽抗的意念，在此处，他们成为门神的象征，对抗着外来的、现代性的层层侵蚀。然而这种对抗又是无力的，于是这张海报最终表达的意图，是他们作为旧物被裱入了历史，最终化作一种悲观主义的慨叹。

一、傻子与羔羊

在西北方言中，“傻子”称作“勺子”。《一个勺子》讲述的是关于一个西北放羊的农民拉条子（绰号）的故事：拉条子某天碰见一个傻子，傻子却跟着他回家，他拼命想甩掉这个傻子，中间却和傻子产生了感情。拉条子印了无数张招领启事，不久之后便有人认领了傻子，接着又有傻子的“家人”陆续出现，最开始被人嫌弃的傻子竟成了香饽饽。拉条子觉得事情有异，想办法要找回傻子，却被全村人嫌弃，成为他们眼中的“一个勺子”。

影片以一个固定镜头的全景拉开一个小镇的生活空间，陈建斌扮演的拉条子随后亮相，在他的羊皮口袋里装着一只小羊。这是电影中的第一个符号，象征着弱者的存在方式，在随后的一场戏里，拉条子邂逅了傻子，他们一起穿过狭长的隧道，在隧道内/外、明/暗的构图方式中，拉条子第一次完成了对傻子（或者对他自己）的审视。披头散发、满身乌黑的傻子头下脚上地躺在隧道口的雪堆上，这样黑白分明的强造型强化着傻子的存在。

拉条子的小羊构成了傻子的第一个参照物，片中的小羊被拉条子夫妇呵护备至，在炉边烤火和踱步，作为人的傻子却要被赶到室外、睡进羊圈。拉条子对傻子的处处提防被验证为多余的，傻子其实有一颗羔羊般的心，其渐渐被拉条子夫妇接纳的过程，实际体现了一种物以类聚、弱者相依的现实。在影片中，拉条子的儿子被判入狱六年，作为年轻人的傻子成为缺席儿子的一个情感意义上的替代物。

在原著里，拉条子的羊皮大袄是父亲留下来的，但现在人们都穿轻便的羽绒衣，羊皮袄便没了用途，傻子出现之后它便有了用途。在这里傻子对所有旧物的接受是自然的、无条件的，没有任何社会意识、审美的左右。拉条子给傻子剪发、洗澡，给他穿上儿子过去的衣服、鞋子，也完成了这种情感认同的可能。电影里最重要的一个道具是拉条子儿子那个残破的塑料遮阳帽，当傻子戴上它的时刻，就有了一种滤镜式的观察社会的视野，它呈现为“傻”或者“疯癫”，成为小孩子的雪球攻击的对象。在这里，傻子是弱者，有着羔羊般的赤子之心，也同样容易被社会践踏和宰杀。电影里反复出现的拉条子奔上的土龙坡，其实有如亚伯拉罕的祭坛，他最终用暴力的方式杀死了那只小羊，其实等同于亚伯拉罕杀死自己儿子的举动，这是询问信仰的举动，也是现实对凡人最大限度的考验。

二、 戏剧式的简约

陈建斌的处女作，体现了极简主义，以及最大程度的质朴。它处处呈现着戏剧式的简约处理，拉条子的家呈现为一个迷你的剧场，在全景的处理中，摄影采用手持的方式，带着一种呼吸感，和人物内心的烦乱有着相同的节律。

整个社会的微观模式被他呈现在这个看似简陋却又极其丰富的文本中间，体现着一种五脏俱全的结构性。电影里出现了政府-司法-平民的社会结构，也有暴发户与贫苦人口的道德冲突。反复出现的拉条子和傻子坐在马路牙子上的镜头，伴随着身后换来换去的名车的背景，以及身前熙来攘往的各种人物的调度，形成一种人物在时间变化中的“滞留”感。在处理所有大全景的时候，陈建斌的构图没有美感，镜头画面的边缘呈现一种“生切”的感觉，造成画面内的压力，成为对蝼蚁化的现代人的一种观看方式。

影片中的动作基本上是戏剧式的，人物之间倾向于建构一种强烈的冲突，陈建斌、蒋勤勤都以农村化的强造型亮相，而扮演暴发户大头哥的王学兵，被处理为瘦骨嶙峋的秃顶的颠覆性形象——这都是戏剧化的造型方式。拉条子与大头哥的对白，基本上都发生在后者运动的豪车之中，摄影机大部分时间都拍摄两人的后背，这也是戏剧化的调度方式。

在认领傻子的“家属”不断出现后，拉条子和自己的老婆发生了直接冲突，最终发展到床上的打架，陈建斌的处理是在两人缠斗都将蒋勤勤压在身下，打她的屁股。这也是戏剧化的处理，以造型化的动作替代日常行为。《一个勺子》的细节中处处流露的戏剧化的手法，是陈建斌常年舞台经验的无意识表述，在电影语言上，他却呈现出一种粗陋的质感。在电影后段拉条子爬上大头哥的豪车的一场戏，镜头笨拙地对准陈建斌入画的特写，“不藏拙”正是这部电影的特点，背后是一种素朴主义的书写。

三、一颗素朴的心

陈建斌多年前出演过孟京辉那部荒诞派的《像鸡毛一样飞》，像电影片头那样马雅可夫斯基画像被献血浸透的诗意处理（或者说是逼格处理），陈建斌不可能不懂。但《一个勺子》呈现出典型的毛边现象，它近似是一个家庭作坊式的制作，夫妻好友一起上阵。整个电影采用极小的成本、极简的资源，拍出一部极其粗糙质感的作品。

作为西北人，陈建斌令《一个勺子》显现了“山药蛋派”的文学特征，电影里出现的农村炭炉、小方桌、天蓝色椰子背景的墙纸（代表一种内陆人对蓝天大海的向往），还原着90年代城镇和农村的现实风貌，这是一种向前的“回溯”，仅仅抓住那个年代旧风物的“路标”，眺望着时代转型、经济巨变中的一种吞噬感。这是贾樟柯为代表的第六代电影人在初登舞台时最看重的东西，在贾樟柯的《小武》、《站台》做出此类表述之后，那“糙”的风格成为一代人的标志，然而随着这些人功成名就，在技术上褪去当年的“毛边”的时候，这样的力量也相应地萎靡了下去。于是《天注定》只能以振聋发聩的声音和频频植入的符号学元素来博取关注，这是一代人堕落的表象。

陈建斌的好处在于他拍摄这部处女作时候已到中年，在沧桑中有了阅历，决定了它对待文本的态度。对第六代来说，年轻时候他们是偏执的先锋派，中年过渡到圆滑，至少在镜头语言的成熟趋向于一种“装潢”的时候，他们和大众土壤的亲密度已经不再如前。陈建斌的经历，恰是反其道而行，先有半生哀乐的年岁，再去看这部电影的文本本身，从小小的故事和人物里窥到了那种别有洞天。

《一个勺子》没有玩弄任何形式的花活，也没有任何结构上的杂耍，它始终在有效、直接地，甚至有些笨拙地构造整个电影。它的素朴成为它的声音，这是一种还原电影本身的态度，也是一种直观。拍这种电影的人有一种素朴的心，在处理电影的时候，导演也在审视着自己。这种素朴的态度，令陈建斌的《一个勺子》在没有任何野心和企图的表述中成为一部标准的“作者电影”。

四、镜像，回溯的过往

陈建斌的电影仿佛回溯到贾樟柯等人的早年，但它将贾樟柯强化意义的漫天广播等元素也去掉了，这种还原更加彻底。流行音乐作为一个渲染时代的工具，在《一个勺子》里虽然得以保留，也没有僭越它自身的尺度。片中在这些流行音乐的伴奏中，拉条子一次一次地下车，在大头哥豪车的后视镜中回退，仿佛自身从一个时代大潮中抽身离去。

从镜像中的回退，是影片中主人公无可奈何的处境，这也让其从一个正常人，变成“一个勺子”。这是当代价值观的一种影射，全民逐利的时代，老实人成为傻子，价值观的堕落，化作后视镜里主人公脸上的无可奈何。在这里，胡学文原著（中篇小说《奔跑的月光》）中的社会观点，被陈建斌用一种极富象征性的影像语言表达出来。这是民间经济、法律和伦理的失范之后，一个普通人仍然在坚持的对抗现实的力量。

“原著像一个瓶子，容纳了我多年想要表达的东西。”电影中拉条子对待社会现实、对待经济时代的无力感，引向对人的“良知”迷失的现实表述。羔羊象征人的良知，它又是最容易被迷失的，土龙坡杀羊的一场戏，在一种充满仪式感的叩问天地的场景中流出的羔羊的血，其实完成了对自己剜心刺骨式的审视。影片中的另一个镜像来自梦境，拉条子穿过幽暗的羊圈，看到披着羊皮袄沉睡的“傻子”，摇醒却发现是自己，那种大惊之下对自己的“刺杀”，惊醒于自己对外部吃人社会的恐惧，也诉说着一个社会的精神问题，这是吉尔?德勒兹欲望-机器理论的核心表述：精神分裂者（傻子）才是疯狂社会里的正常人。

黄土高原的场景，电线杆构图下的全景强化了人存在的无力感。拉条子拿没有肉的牛骨打傻子的一场戏是一种回溯式的最后的嘻戏，随后熙来攘往的家属则压垮了他，最终令他和傻子“合二为一”，或者说傻子根本没存在过，他本身就是个“傻子”。在电影的最后，拉条子戴上傻子戴过的那个残破的遮阳帽，镜头模拟他的视点看到红色的世界——遮阳帽如滤镜般过滤了世界的表象，而呈现清晰社会的图景（这是傻子的视角才能看到的），在这个真实世界中，迎面走来一群小孩子，拿雪球丢过来，一边喊着“傻子”、“傻子”。在这里，傻子的视点道出了托马斯?霍布斯式的社会学观念：在经济社会里，人对人是狼。

五、金马的品味

《一个勺子》在金马奖获得五项提名，最终拿下最佳男主角和最佳新晋导演奖，陈建斌作为本片的导演、编剧和男主角都受到了认可。从整部影片的质量来看，他的表现也配得上所获得的荣誉。

但我们更该佩服的是金马奖的眼力，从大浪淘沙中筛出这样的珍珠，这样的例子数不胜数，仅以近几年为例，就有《钢的琴》、《箭客柳白猿》、《到阜阳六百里》、《爸妈不在家》等影片得到金马的肯定，这里面很多是青年导演的作品，是他们的处女作或者第二部作品。这种扶植幼苗的态度和善于发现的眼睛，相对于大咖分猪肉的联欢会来说，是一种更趋向于电影本身，而非产业的态度。

《一个勺子》讲述的是整个社会异化的故事，清醒者却被视为“傻子”，这就像金马奖和其他华语奖项的区别，金鸡、百花、华表、甚至金像奖都面对着意识形态的牵绊和商业侵蚀性，金马奖虽然也难逃这个经济大潮的压力，但是它至少懂得反省。

这种反省表现为任性，会经常性地给匪夷所思的结果，会把最佳剧情片颁给《可可西里》或者《神探亨特张》，但很多优秀的作品也经由它被发现、传播，而被当代观众接受。很长时间以来，因为造势不够、星光黯淡等原因，金马奖常常被人批为“low 咖”，意思仿佛是金马奖就是“一个傻子”（如吹风机事件）。但在这些熙熙攘攘的声音背后，金马奖仍然一如既往，坚定地扮演着如《一个勺子》海报上那 “门神”一样的角色。

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太多的女人在所有的感情中都要不断的这么问自己也问对方,你到底爱不爱我.
有谁能真正的划分清楚爱和不爱呢.就好像我问你,怎么样才算爱上一个人,你能说出几分理由来呢.
让我最感动的一句话就是大力和阿宝说的,他说,阿宝阿,你谁都不信,是得不到真爱的.
想得到爱就要付出,有人追着捧着那不是爱,否则世界上最幸福的人不就是那些闪光灯下的明星了么,事实是那么完美的他们却很孤独很不快乐,要通过放纵自己的欲望来满足自己的快乐需要.
但是,相信也意味着会受伤.我们都害怕受伤,所以我们就不相信.选择拒绝来拒绝伤害.阿宝就是这样.她宁愿在游戏中如鱼得水,她不愿走出游戏真正的去爱一次.她其实很脆弱,所以用美貌来做盔甲,把男人挡在这层盔甲的外面.男人也通常并没有太多的心思想去了解一个女人的内心,在他们看来那时潘多拉魔盒,一旦打开,就没有办法控制了.
男人都是骗子,女人都是贱人.
如果你相信这句话,也许可以爱的轻松一些.
这个社会需要忍耐的事情太多太多...能不用忍耐得就别再委屈自己忍得那么辛苦.爱一次就用力的去爱,否则分手以后你连回忆都不知的留下.
真的你不一定看得到,你看到的不一定是真的.这是整部片子想说的,它像告诉你所人其实可以很洒脱,可以不用那么患得患失,可以不用在乎那么多.有很多事情,选择不知道或者只是盲目的去相信你愿意相信的那一个,也许就很幸福了.什么都知道都明白的最痛苦.
你问他,你到底爱不爱我,你已经开始怀疑,你已经选择了伤害.聪明的人选择不去问,问了,就是通向地狱的路.
男人不是什么好东西,女人也不是,那么就臭味相投吧.大家彼此都不那么完美,又干么那么计较.

这是两个主演风华无双的时候，现在已经只剩唏嘘。 以前不知道梅艳芳的演技，这个剧中惊艳。把风尘妓女的执着爱情演得入骨三分。穿着旗袍，瘦削单薄的风情，固执倔强的爱，凄然不舍的追寻，让人印象深刻，演活了这个女子。 张国荣富家阔少的风流倜傥，低眉间的温柔深情...  (展开)

不得不说，作为已入教多年的拉拉人，以及“资深”acg爱好者，一开始我便知道《lovelive》动画的脆弱性，尤其是剧情和故事讲述，这或许也是许多反ll者与路人吐糟该作品的主要原因所在；毋庸置疑ll企划在近年取得了巨大的成功，音乐、游戏自不用说，在动画领域一代缪斯的销量也十分喜人。而在剧情“捉急”的情况下《lovelive》还能取得销量霸权的内因在我看来其实是忠实于市场人群的人物构建（外因就更多了），最明显的即表现为从一年级到三年级鲜明的人物形象所导致的“党派”和cp之争，人设的成功经验似乎也启发了其他动画制作的思路。作为一个可续性极强的acg企划，制作方果不其然于去年公布了名为“lovelive sunshine”的新企划，将故事舞台从东京迁至沼津，并在今年7月播放第一季动画，我在这里仅就其动画陈述一些想法。
了解《lovelive》、或者说看过一代动画的观众可以明显的发现，动画播放到第七话，和一代相比似乎换汤不换药，情节脉络上与一代有着诸多的相似之处，总的说来可以浓缩成一句话：学园偶像似乎不废校就办不下去了。我对比了一下一代和二代动画前五话各自的主要内容：一代第一话决定成为学园偶像，第二话努力，第三话办live，第四话花凛姬加入，第五话妮可加入；二代第一话决定成为学园偶像，第二话千梨，第三话办live，第四话花露加入，第五话善子加入，然后就又要废校了。不仅如此，一代动画在剧情上的脆弱和连贯欠缺延续到二代并没有得到有效解决，在某些部分甚至断裂的更为严重，这也就直接导致了无论是看过ll的还是没看过ll的人在观看时总会觉得有些不适。既然大体框架基本一致，官方便利用讲述方式的变换处理分段的情节，使我们又不能完全将其与缪斯重合在一起，例如花露加盟的情节实际上是比花凛姬的更令人印象深刻，因为在一代第四话中凛姬怎么看都像是“附赠”的，重心明显是放在花阳身上。官方采取的另外一个方法就是增加其他支线情节，并刻意将人物矛盾刻画得相对复杂和模糊以埋下伏笔，最典型的就是截止到目前出场机会屈指可数的三年级，有些人戏称三年级总共的出场时间还不够一话的时间，官方如果能将三年级的情节问题处理好，或可以成为情节发展的又一个爆点。另外，故事背景的转移也在一定程度上舒缓了我们观看的不适感，尽管情节方面槽点满满，但日升这次的环境刻画无疑是成功的，亲历沼津当地的游客可能更能体会到这一点，果然二代企划的本质是做旅游宣传吗......
再来说说人设，个人认为人设方面该作还是基本延续了一代的优秀品质，鲜明而丰富的人物形象依旧使人印象深刻，可能受一代影响太深，许多人称在aqours身上始终能找到缪斯的影子，还一一做了对应，最后发现总有一些是对不上的，比如鞠莉是应该对绘里还是希，也有人说aqours比不上缪斯，无非就是aqours众人的初印象没有缪斯那么惊艳；抛去情感倾向，我觉得二者的人设水准都差不多，有联系但区别也很明显，官方在每话制作中也有意将这些区别表现出来。但也容易找到值得吐槽的地方，最主要的就是外貌，果皇千歌连续跳戏，剪短头发的小鸟化名为曜，鞠莉与绘里之间就差瞳色和发型不同了；外貌救不了，就在人物性格、爱好和举止上下功夫，于是出现了中二病、制服控、咱丸、工口梨等等，所以说官方是会玩的。
总的说来，《lovelive sunshine》从开播到现在仍然没有达到观众心目中期待的效果，羸弱的故事情节就算转换再多的讲述技巧、填充再多的人设和人际互动也不能从根本上改变观众的视觉体验；“lovelive”作为一个企划的成功延续，需要音乐、游戏、动画、杂志及宣传等等诸多方面的共同联动，动画最终的市场效应我们还不得而知，但至少可以肯定的是这部番剧已经影响到部分观众的热情，这种从期待到失落的情感变化短期内不太可能好转，就算是作为ller也需要冷静地思考一下再做出自己的评价了。然而，有些人为此恶意的批判水团，甚至全盘否定llss企划，我觉得也是不明智的；要看到lovelive的本质终究是一个完全商业性的acg企划，它的主要目的说得通俗点就是为了“吸钱”，事实证明它的功力确实巨大，直至水团也还是如此。我们怀揣着热爱与个人情感关注着lovelive，认真的人可以看出其中的不易尤其是声优们的努力，这份努力是不可否认的。现如今商业化、浅层化的文化情态已使得动漫作品的创作越来越注重市场影响力而忽视其内在的价值构建，lovelive是其中的一员，但至少没有像许多作品那样最终成为不值得消费的文化“牺牲品”，可以看到官方是投入了可观的成本来支持这一事业的，能取得如今这样的成就我们自然无可厚非。目前也只能希望“lovelive sunshine”的完整企划能够走得更长远，不只是停留在“巨人”的肩膀上，勇敢的迈出全新的、哪怕只是一小步，成功引领动漫界文化的新风尚。

 《挑战者联盟》的故事围绕着桌面足球冠军阿马迪奥而开展的一段奇幻经历，因为某种机缘巧合，原本木讷的桌面足球人偶全面苏醒，并与主角阿马迪奥一起，披荆斩棘，展开的一段不一样的奇幻、冒险之旅。

  影片中呆萌神将们各种搞怪滑稽的表演结合超酷的3D特效使一切显得很真实，更有意思的是电影的配音元素紧跟当下最新潮的词汇，诸如：根本停不下来、长腿欧巴、萌萌哒、杀马特、上头条、承包鱼塘等都有在电影的台词中出现，并且时下最火的神曲《小苹果》也在当中出现，让在场观看的影迷们哈哈大笑，而这些台词不仅让人捧腹连连称赞，而且感觉贴近真实的生活，毫无距离感，3D《挑战者联盟》值得一看。

这篇剧评可能有剧透 这玩意儿我到底该怎么描述它呢？ 奔着情怀来的，情怀好像也没卖多少。 奔着剧情来的，剧情好像也不咋样。 奔着燃爆打戏贪爽的，那好像还勉强可以。 这部番卖情怀的操作真的很无语，场景人物上来拉一趟就得了，人物还不是原魂？ 这种操作也不是没人干过，但关键是人家人物撑得起...  (展开)

这篇影评可能有剧透 硬啃的生肉，但是法文部分实在不懂，本来还以为是女主摆脱阴影的自我想象，但看到有人说到外星了（这记忆展现和孩子出现的方式确实不像地球科技），只有一个感受：硬扯科幻倒也没太大必要，外星人着实是有点吃饱了撑的。 前面太闷了甚至想弃，而且女主性格塑造的像是个工具人一...  (展开)