看完剧情又看了一次opv，觉得男女主不仅搞笑而且实在很般配。女主角马志昊从小被她妈严格栽培，被命令不准撒娇，又因为太聪明被学校同学排挤，所以一直很冷漠很不擅长应付人际关系。而男主角火水Sir渐渐成为女主唯一信任和会主动撒娇的人，女主和他在一起时的心跳测试会很高，潜意识里在危急关头会想靠近男主。虽然女主意识到的时候非常不解，但我觉得这种莫名其妙的唯一特殊性才是爱情吧。除了心动因素外，男主能取得女主的信任依赖，其实也是合情合理。在相处中，他们互相帮助，互生信任和情愫。男主帮女主救了狗宝宝、在后山上背女主走路、主动想帮女主缓和母女关系……女主一开始还误会他是为了追求自己意有所图，后来渐渐发现他是真的为她好，于是一点点卸下了心门的防备。快结局那几集其实女主是挺过分的，完全不顾男主感受，在众人面前奚落男主从而达到激怒她妈的目的。那次是两人最严重的一次吵架。 女主惯例有理有据逐条分析说“你不该怪我。” 而男主表示“你如果真的喜欢我就不会一点都不顾我的感受。我说不过你算我输了，我们不要再见面了。”好在后来女主听了弟弟的话决定不再纠结对错，主动争取幸福。她在男主家楼下抢了议员宣传用的大喇叭，公然逐条分析称赞男主给他信心，并向他表白。好在男主不像女主是一个什么都要理性分析考虑的人。他虽然还在生气和疑惑女主是真的称赞他还是绕圈子来讽刺他，但看到女主被众人抓住推下车，就立即冲下楼想帮她解围。听到议员说女主求爱不遂，男主又马上帅气地回了一句“谁说她求爱不遂的！”井在众人面前吻了女主。女主还很顾虑，“你想清楚了吗？你真的想和我重新在一起，而不是迫于群众的压力？”男主说“我不像你这么多虑 我想到就去做了。”回顾之前，男主的冲动和主动一直在两人关系中带领着女主。结局女主终于主动迈出了一大步，而男主也很及时地回应了她。如果两人一直纠结对错、思前想后，那岂不是一直不能在一起了？虽然我觉得以后两人肯定还是吵吵闹闹，但是只要这份互相喜欢和信赖没有消失，他们应该可以一直一起走下去。

你知道 “ME TOO” 运动吗？

我是通过这部剧知道的这个运动，一个女生可以为自己发声的活动。

因为性别问题，在大男子主义的韩国，女生难免会受到一些性别歧视：在小社会一样的大学里，这些歧视开始初显端倪。

这部剧里的问题都挺尖锐的：女性被物化、面对前辈尤其是男性前辈的无理要求该不该拒绝、性骚扰难道就真的只有肢体触碰吗......

一个个细碎的问题被提了出来，诸多鸡毛蒜皮的小事反映出了女生受到的不公待遇。

然而生活哪来那么多大事，不都是鸡毛蒜皮的小事积累起来的吗？

于是，剧里也告诉你要如何处理这些问题。

不要害怕，受害者没有错，错的是加害者。所以，放弃受害有罪论，大胆地为自己发声。如果害怕个体的力量不足以撼动加害者的地位，那么 ME TOO 就是很好的保护自己的方式，但前提是你有勇气守护自己、守护跟自己一样的许许多多的弱势群体。

不要怕，敏感点也无妨。

墨西哥导演阿方索·卡隆自2013年《地心引力》以来的首部作品《罗马》，在还未登上银幕之前就已备受关注，由于发行商Netflix的“不良出身”，这部大作早早就被戛纳拒之门外——但这毫不影响它在今年秋天卷土重来。几天前在威尼斯的首映，口碑极佳，而接下来，它还将一个不落地出现在Telluride，多伦多，纽约和伦敦，成为各大影展的“绝对主力”。在这一季奥斯卡的大幕还未完全拉开之际，有人便已把它当作最佳影片的有力竞逐者。要知道，这对于一部非英语作品来说是极大的肯定，上一部获得同样提名的还是六年前哈内克的法语作品《爱》。

有趣的是，《罗马》和《爱》之间的联系不仅仅在拍摄语言——这两部电影的名字其实就相差了一个字母（“Amor” vs. “Amour”），法语中的“爱”（Amour）在西班牙语里是“A-m-o-r”，而把这四个字母倒过来，就成了我们现在看到的片名：ROMA。

片如其名，这是一部倾注了卡隆满满爱意的作品。故事的主角叫克莱奥（Cleo），是墨西哥城中产人家里的一位女仆/保姆。故事蓝本是卡隆的童年经历，所以片中四个孩子中的一个，想必就是导演自己——那个时候他还不到十岁。电影聚焦在1970年代，以克莱奥一段苦涩的爱情经历，和女主人苏菲（Sofia）被丈夫抛弃为主轴，细腻而悠扬地刻画了这家人的生活遭遇。同时，导演也用短暂的篇幅交代了当时社会的动荡：墨西哥城街头的巷战，枪声，炮火，带我们进一步去感知那时代洪流中的渺小个体——尤其是女人和孩子，他们看似平静生活背后的不易和创伤。

然而，《罗马》并不简单是卡隆个人记忆的重现，整部电影的拍摄，和我们如今在银幕上看到的克莱奥，对导演来说都是一种“再创造”。保姆当年的生活细节，她体贴和无微不至背后的内心波澜和感情悸动，以及丧女的悲痛，想必都不是一个十岁孩子能够观察和体会得到的。影片中有一段完整描述了克莱奥在睡前是怎样一盏一盏关掉家里所有的灯，而这个极富诗意的360度长镜头，也自然不是童年卡隆的亲眼所见。与其说《罗马》是导演对过去的追溯，不如说是一种复原。他自己也说在准备过程中和克莱奥通了许多次电话，聊到了很多细节，为的就是尽可能去还原她当时的生活轨迹和精神状态，连她在厨房里忙活的时候听的是什么歌都打听清楚了。所以，对于卡隆来说，把抚养自己长大的保姆搬上银幕，不但是对自身过去的回望，更是对一个普通女人进行重新认知的过程。

其实早在十年前，卡隆就有了拍摄这部电影的想法，而迟迟没有动作的原因，据他讲是因为还没准备好——并不是技术上，而是情感上的：十年前的他显然还没有绝对把握完整表达这份感情，而拍好一个亲密的角色确实需要几分超脱和距离。波兰斯基直到七十岁才通过《钢琴家》揭开自己童年的伤疤，其中的感受想必也颇为相似。

因此，我们在《罗马》中看到的是一份从容悠缓和成熟大气。这段私人记忆和对过去的回首，既非声嘶力竭的追问，也非一厢情愿的怀恋，而是始终如一地建立在对克莱奥这个角色无微不至的呵护之中。这位抚养卡隆长大的女人，在这部电影里反倒成了被关照的对象。导演亲自掌镜，用细腻和如涓涓细流一般流淌的影像，为我们呈现了已知天命的他是如何定义自己的过去，又是如何珍视这份与母爱并无二致的情感。影片中的克莱奥尽管卑微渺小，毫不起眼，但却始终是被“捧在手心”的。生活的潮水中，这个小人物所经历的微弱幸福并没有被过度渲染，而那些痛苦和伤痛也没有被残忍地放大，电影的基调始终处在一种恰到好处的平衡之中。我们的克莱奥，欢快时如小麻雀一般穿过密集的车流，忐忑时靠着画框歪着的白墙看着男友裸身表演武术，无助时侧坐在女主人苏菲身边几近淌出泪水等着交代自己的不幸，勇敢时顶着比自己身躯还要高出一截的海浪奋勇向前，平静时则一言不发，坐在车子里望着窗外回想不久前刚经历的劫难。《罗马》中的故事并没有特别强烈的戏剧冲突，但我们依旧毫无保留地走进了克莱奥的内心世界。这位长相平平的女主人公，连笑起来都有几分腼腆，却被导演赋予了极闪耀的人性光芒。

从视听角度上看，这部电影的内在力量也是无比强大的。在如此强调叙事和故事性的今天，卡隆用他标志性的长镜头为我们还原了电影作为一门艺术形式最初的美丽。影片的开始就让人回味无穷，甚至让人联想起塔可夫斯基在《乡愁》里的开篇。放映字幕时，镜头一直聚焦在家宅内院的地板上——而且是很小的一个局部，不仔细看甚至不觉得它是地板。然后我们看到水流划过，覆盖了整个表面，肥皂沫涌起，地板被洗刷一净，这个过程中摄像机完全静止，克莱奥自然也没有出现在镜头里。字幕放完，镜头缓缓抬起，一户平和而美丽的墨西哥宅院逐渐映入眼帘，摄像机平行对向户院大门之后开始转动，缓缓经过了180度来到主屋面前。这个时候，人物出场，刚刷完地板克莱奥从画面一侧走进我们的视野，她进到屋里后拿了什么东西又走出来，镜头跟着她往回转了90度，随其登上房顶天台再次抬起，我们看到屋檐上的天空，和一旁晾满了白色衣裳的衣杆。这一个镜头有数分钟之久，中间没有出现过一句话，克莱奥也没有露出正脸，但结束时我们却对这间宅院的每一个角落，和克莱奥的身份与生活状态一目了然。

这样的例子在影片中还有许多，卡隆对将摄像机置于客厅中央，然后旋转360度来交代人物的运动到了近乎痴迷的程度。除了前面提到的“关灯”段落，在与苏菲座谈之前叫孩子回屋的那一幕，和在乡间旅馆里载歌载舞的那一幕也都是异曲同工。导演通过这样的镜头设计最大化地将我们的视角与克莱奥的生活状态对接，并通过刻意压制的节奏传达出一份内敛的力量，使我们进一步沉浸在这份真挚的情感里面。

当然《罗马》并不是一味地追求舒缓和隽永，卡隆对影片炉火纯青的把握还体现在最后半小时，也是剧情冲突相对激烈的半小时。反动武装的街头暴乱，持枪匪徒夺门而入，惊扰了正在商场里买婴儿床的克莱奥，也击碎了她对新生活的憧憬。紧接着，悲剧来临，去医院路上响彻天际的焦急的喇叭声，和在医院里紧张得让人喘不过气来的抢救，一举把影片推向第一个高潮。尤其是后者，从头到尾仅用两个长镜头就交代了全过程，并悄无声息地把情绪由紧张推到窒息再到无声的悲哀，一气呵成，让人赞叹不已。

正当我们以为电影将在这个悲剧之后缓缓作结的时候，卡隆通过海边抢救孩子那一场戏进一步“绷紧”了故事线，这也是短短半小时之内的第二个高潮。那个侧面跟随着克莱奥步入海面，进入海中，几近被海水淹没，又再怀抱着孩子从浪涛中艰难走出来的镜头只能用震撼来形容。这个看似简单的平移长镜头，却四两拨千斤一般在我们内心中激起了无数波澜。过程中我们只听得见克莱奥的呼喊声和汹涌的海浪声，正如《人类之子》结尾处的“末日长镜”一般，导演通过最基本的视听语言渲染极端情绪的能力再次展露无遗。

最后再聊一聊电影的主题。其实我并不觉得影片中交代的政治事件以及两位妇女（苏菲和克莱奥）面对男人的抛弃所作出的反应是卡隆所要讲这个故事的初衷，尤其是站在克莱奥的角度上看更非如此。打砸抢烧背后的国家命运对她来说距离实在是太远，妇女解放呢，也许于她而言就是个陌生的概念。归根结底，那个充满了悲欢和爱的宅院，那些她呵护有加和爱戴着她的孩子们，还有庭院之外对爱情的追逐，才是生活的全部。我想这部电影所谓的社会意义，并不在于表面上那些带有“社会属性”的情节，而是导演对这位平凡女人刻画时候的视角本身。生活中的克莱奥对于卡隆来说也许真的只是一位“母亲”式的人物，但在这部电影里，同时也通过这部电影，克莱奥成为了一个更加完整的人——她既脆弱惶恐，又勇敢坚强，不仅仅是一位“母亲”。我觉得这种视角比自由和解放还要来得珍贵。毕竟，对于女人来说，获得端正的目光和凝视才是最有诚意的尊重。

本片根据真人真事改编，我感觉导演应该是要突出金允石饰演的刑警大叔不畏困难和阻力，坚持正义，破掉陈年积案，最终将朱智勋饰演的犯罪分子绳之以法，避免他提前出狱在50岁的时候继续为非作歹。这主旨没毛病，但是通过影片的呈现(真实事件可能也确实如此)，让人感觉破案光有正义感和韧劲是不够的。

本片最有特点也最有争议的地方就是

1.拿钱破案。嫌疑人得知刑警大叔有钱(喜欢打高尔夫)，就认准吃定了这只不会下蛋但是家里有很多蛋的公鸡的蛋。刑警大叔也是因为家族有钱，才能任性地破案，给存钱、买眼镜，还要写资助保证书，即使得罪了同行、被当庭揭发用金钱换线索、被降到派出所他也无所谓，因为他即使丢了工作也能体面地活着。

这是一个非典型的警察，这是一个非典型的案件。

本片破案的其他条件还包括:

2.刑警大叔老婆遭遇车祸离世。他心情一直烦闷，且工作以外无事可做，所以一门心思侦破案件。如果他天天要陪老婆看国产剧腌泡菜、接送姑娘学钢琴跳芭蕾、陪儿子踢足球看奥特曼打小怪兽，他可能就没心思也没体力漫山遍野去挖土了。

3.嫌疑人自作聪明，自以为是。为了吃刑警大叔的蛋，自己揭发自己，给出一大堆零散打乱的线索。可是他不知道，刑警大叔虽然不下蛋，却是公鸡中的战斗鸡，是公鸡中的金毛鸡，所以最后偷鸡蛋不成蚀把米，讨个无期。

【详细】

9747752

一开始援藏三人组，两男一女，木讷的付勇暗恋胡立芝，但胡立芝更喜欢石磊，然而石磊喜欢上了藏家姑娘。在一次意外中，三人被困雪中山洞。石磊肺水肿，胡立芝为了救石磊，说自己也喜欢付勇，让付勇在黑夜中翻山找哨所的医生来，还嫁给他。本来就应该是不对等的选择，付勇暗恋没错，但你让这爱染上别的颜色，付勇如果不去就是不爱她了吗？两男一女的配置，让女性作为唯一有优先选择权，对于没被选上的男性来说是不公平的，女性可以自由选择，而男性只能作为被选择，或者选择放弃，在那个年纪，那个时代，本来就是一种特色，国家分配也好，援边也好，不能说是错误的，只能说是一种产物。没曾想石磊暗恋的藏家姑娘为他生了个卓玛，等着石磊来提亲。之后在某一年把卓玛留给了某个藏民家去找石磊，雪中逝去。卓玛找到了母亲留下的鹰笛的另一只，在付勇那里，付勇那时出去找哨所陷进雪丘里，心想天黑不知哨所多远就没去，天亮之后发现哨所就在300米的前方，那时已经晚了，胡立芝和石磊都死去了。愧疚了那么多年，当卓玛拿着鹰笛来寻找的时候，不敢面对。卓玛知道妈妈雪中离开，去找妈妈的爷爷也是走了，就想找回爸爸，付勇最后假装是她爸爸祝福了这对新人，过去的错误就让过去弥补吧。

音乐很棒，《生命的季节》刘党庆，不过总的来说付勇木讷到懦弱，不过那也是大部分人都会有的私心吧，而且别忘了卓玛说的那首小时候就会唱的汉歌，是石磊写的，却被付勇拿去出版了，虽然说好朋友已经去世，最后的假爸爸虽说是为了弥补过错，但从道义上来说，最对不起的就是石磊和胡立芝了。卓玛的未婚夫遵守了约定，得到卓玛亲人祝福才能娶她，卓玛闹脾气他也一直跟随。

成龙打不死的好人形象初步形成，他嫉恶如仇，打抱不平，不贪生怕死，对朋友俩肋插刀，阳光可爱。

这部电影其实剧情可以忽略，而且女主人公那一条线也断了。

但是踢毽子那一场戏真的拍的非常精彩，估计参赛的虽然不说全是习武之人，但是至少要有一点腿脚基本功。最后的抢金包这个场面真的很危险……

这一部电影最大的意义应该就是教育当代年轻人应该成为什么样的人。

不贪生怕死，对朋友重情重义，积极参与社交活动，小强精神，不偷窃国家财产做守法公民，这些即使放在现在也一样永不过时。而且以前的人们真的好单纯，即使是恶人的形象也会敬有志之人三分！